Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der  13. Positions im historischen Flughafen Berlin Tempelhof stellt das Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran im Hangar 5 zweiundzwanzig Modedesignlabels beziehungsweise Modedesigner für den eigenen Bereich FASHION POSITIONS 2026 vor. Wie schon in den Jahren zuvor oszillieren die Arbeiten, meist Installationen, zwischen künstlerischer Kreativität und Modehandwerk und suchen, dieses Jahr besonders, auch in den Blick zu rücken, wie Mode heute verstanden, konzipiert, produziert und erlebt wird.

Dabei begreifen die Modemacher ihr Tun als eigenständige künstlerische Disziplin, was allerdings unterschiedlich gut überzeugt. Hier fungieren Kleidungsstücke und Textilien als Rauminstallationen, skulpturale Objekte und gesellschaftspolitische Statements. Letztere sind dieses Mal gefühlt auffälliger vertreten als bisher, sogar die künstlerisch ambitionierteste Vertreterin, Esther Perbandt, verzichtet dieses Jahr weitgehend auf ihren ästhetischen Focus zugunsten eines moralischen Nachhaltigkeitsappels. Impari versucht dagegen, den Recyclinggedanken zu visualisieren, das mutet ein bisschen wie Schülerkunst an.

Während einige Teilnehmerinnen tatsächlich den Raum als solchen besetzen wie Carolin Dieler, Impari oder Rudzki und Kramer, nutzen andere ihn lediglich, um Kleidung an Puppen darin auszustellen oder Objekte in Bezug zu Bildern zu stellen (zum Beispiel V_Collective, Yccij + Maurer, Stefan Uhr, Uraomote). Manchmal als visuelle Interpretation, immerhin, begründet mit einer kleinen Geschichte oder einem Erinnerungsmoment.
Der häufigste Bezug zu Kunst ist naturgemäß der skulpturale, der mal mehr (Maximilian Gedra, Nicole Kiesel, Cruba x Uli Aigner, Selva Huygens) und mal weniger (Bodach, Vreni Jäckle) abstrahiert wird.
Andere bleiben einfach dicht an ihrer Designphilosophie und arrangieren ein paar Objekte dazu (zum Beispiel Plaid-à-porter).

Jenseits dieser Annäherungen gibt es aber auch ganz spezifische Kreationen, die konzeptionell sehr künstlerisch denken, Elodie Carstensen mit ihrem Bassin etwa, wo die Kleidung wie Undine- oder Ophelia-Assoziationen auf und unter dem Wasser liegt, oder Lithium Oak mit den gestalteten, fast zu Horror neigenden Visionen zu Schwangerschaft und damit verbundenen Ängsten. Human Touch (Juliet Seger) dagegen entwirft ihre Mode an sich schon mit zugrundeliegender künstlerischer Ambition, ihre Kleidung trägt die akzentuierten Spuren des Handwerks als spezifischen ästhetischen Ausdruck mit gewisser Eindringlichkeit. Sie war damit aber schon besser auf der Positions 2023 vertreten und verzichtet leider auch auf ein weiterführenderes Präsentationskonzept.

Sehr spannend kommen die Haar-Skupturen bei Nicole Kiesel daher, einerseits, weil Haar eine eigene Aura des Noch-Lebendigen und des Mythischen umgibt, andererseits weil die Gestalten aus dünnen Linien einen großen grafischen Reiz entfalten. Auch Vreni Jäckles angenagelte Skulpturen aus körpernahen Textilien wie Strumpfhosen evozieren ein etwas beklemmendes aber auch originelles Eigenleben.

Wie schon die vorausgehenden Jahre sieht man nicht wenige lockere Arrangements und Gedanken illustrierende Erweiterungen normaler Modegestaltung, eher entfernt von künstlerischem Denken und deutlich zu Dekorativem neigend – das kann man hier genauso bedauern wie beim Ausstellungsabschnitt der Galerien, wo einem das mindestens genauso häufig begegnet.

Bodach:
Threads: Interwoven in One Voice, 2026, Installation

Lilian Brade:
Artista Grottesca, 2026, Performance

Elodie Carstensen:
Void, 2026, Installation

Carolin Dieler:
Floating Through Keepforest, 2026, Installation

Maximilian Gedra:
The Swarm, 2026, Installation

Human Touch:
Artefacts, 2025,Kleidungsinstallation

Impari:
What Remains – The Weight of Consumption, 2026, textile Installation

Vreni Jäckle:
The Barriers Elasticize, 2026, Installation

Nicole Kiesel:
Haararbeiten, 2026, Installation, (Pferdehaar)

Cruba x Uli Aigner:
One Million, 2026, Porcelain Vessels And Textile Designs

Lithium Oak:
The Crib, 2026, Kleidungsstück I Archaic Mother, 2026, Kleid

Maqu:
Espazio Cacao, 2026, Installation

Müller + Faber:
Step into Escapist Garden, 2026, Installation

Esther Perbandt:
The Distance of a Jacket, 2026, Installation

Plaid À Porter:
Fading (is) Beauty, 2026, freistehende Installation

Rudzki + Kramer:
Traces of Matter, 2026, Installation

Tutia Schaad:
The White-T, 2024, Installation

Selva Huygens:
Aerospatial,2026, Installation

Stefan Uhr:
Ornelias Blumen, 2026, Prozessinstallation

Uraomote:
Freiraum und Linie, 2026 Tapisserie, Kleidung

V_Collective:
Echoes of Tomorrow, 2026, Modekollektion

Yccij + Maurer:
Im Abdruck, 2026, Installation

Malecka + Müller:
One Person One Voice. A Photographic Series Amplifiing Voices on Mental Health in Fashion., 2025, fotografische Serie

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg für BFW

Konsequenter als bisher hat das Designerdou Cristian Huygens und Natalia Golubenko von Selva Huygens seine Schau thematisch geordnet und damit seine futuristischen Perspektiven gestalterisch kanalisiert. In drei Abschnitten, The Dream, The Collision und Rekonstruktion werden Visionen angesprochen, angefangen von dem modischen Futurismus der 60er Jahre, über eine materielle Anschauung mit Autoteilen bis hin zu realistisch geprägten Vorstellungen aus der Gegenwart heraus.

Die uns bisher gegenwärtige Verwendung von Autoteilen als panzerartig interpretierte Elemente bei Selva Huygens (ehemals Selva) war jetzt auf den mittleren Abschnitt beschränkt, mehr als sonst wurden andere (Design-)Objekte jetzt recyclingmäßig uminterpretiert, zum Beispiel Taschen, Schuhe, Polsterbezüge, um mit der noch erkennbaren Gestalt, dem Material, der Oberflächenstruktur und dem assoziativen Transfer Staunen auszulösen, Faszination am Visionären des Kreativen zu evozieren. Die thematische Ordnung hilft dabei nicht nur dem Betrachter, futuristische Konzepte klarer zu erkennen, sondern wohl auch dem Designerteam, seine visionären Perspektiven kontrollierter zu richten, zu klären und die Outfits homogener zu gestalten. Die bewußte Reflexion des eigenen Schaffensprozesses ist ein wichtiger Schritt in der Orientierung dessen was man da macht, er verhindert die Beliebigkeit, deren Reiz sich schnell erschöpft und sichert die Kontrolle über die Richtung, die man verfolgt. Schließlich verhindert sie ja nicht das schier unerschöpfliche Arsenal der Verfügbarkeit physischen Materials und verrückter Ideen.

Der gedankliche Transformationsprozess des Vorgefundenen in Kleidung ist die eine Herausforderung, die großen Spass macht, die andere ist die handwerkliche Verwandlung, die eine optische Ästhetik, Tragbarkeit und solide Verarbeitung einschließt. Hier kommt ein großer Anteil pragmatischer Zugeständnisse in Spiel, denn die fertigen Stücke sollen dann ja auch reale Mode werden, in der sich der künstlerische Entstehungsprozess einerseits deutlich spiegelt und die andererseits der alltäglichen Realität auch gerecht werden kann. Beides so maximal wie möglich ausgeprägt. Das soll besonders im letzten Abschnitt der Schau deutlich herausgestellt werden aber auch in den anderen wird dieser Anspruch erkennbarer, als bei den Performances und Präsentationen, wo das Label stärker auf die Faszination des exzentrisch-kreativen Ansatzes abhebt und seine künstlerische Positionierung herausstellt.

Diese Positionierung im Modekontext ist dem Label mit seiner Schau sehr überzeugend gelungen und schon im Erscheinungsbild des Publikums zeichnet sich eine umrissene Fanschaft ab.
Gewissermassen betritt Selva Huygens nun die Pfade, die einst Marina Hoermanseder oder Namilia beschritten haben und deren Entwicklung ebenfalls dank großer Selbstkontrolle und der Findung entsprechender Auftritts- und Präsentationsformate sinnvoll weiter geführt wurde. Und natürlich gehören auch Entscheidungen dazu, welche Publikumsspezifik angesprochen und ausgebaut werden soll.

Das Präsentationsformat zeigte sich hier schon als ein wesentlicher Faktor. Die Wahl der Location im Café-Restaurant Weltwirtschaft im Haus der Kulturen der Welt erwies sich aus Sicht des Publikums als wirklich suboptimal, auch wenn das Herabschreiten der Models die Treppe hinunter ein vorteilhafter Effekt war. Die Beleuchtung der drei parallelen Laufstegabschnitte – Tageslicht, gesteuertes Kunstlicht, vorwiegende Dunkelheit – war für die Schau sehr kontraproduktiv, zum Beispiel dahingehend, dass ich als Journalist im dunklen Bereich platziert wurde, wo man fast nichts erkennen konnte und die Fotografen im mittleren Bereich mit ständig wechselnden Lichtverhältnissen zu kämpfen hatten. Auch die Organisation der Veranstaltung forderte den Besuchern maximale Geduld ab. Geradezu genial dagegen war das Konzept, im Anschluss an die Schau etwas Verbleib anzuregen, die Models mit der Kollektion bekleidet unters Publikum zu mischen und damit einen authentischen Kontakt zwischen Publikum und der exzentrischen Mode herzustellen, nicht nur visuell sondern auch kommunikativ.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Fotos: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label Selva (Selva Huygens) agiert mit seinen Schöpfungen an den Schnittstellen zwischen Mode, Industriedesign und Bildender Kunst und sucht den fantastischen Aspekt dabei als das besondere Faszinosum heraus zu stellen. Schon die Art der Schau wird in diesem Zwischenbereich angesiedelt, mit Performancecharakter, mit herumliegenden und zu Sitzmöbeln modifizierten Fundstücken modernen Autodesigns und mit innovativer Bekleidung. Alle inspirierenden Ansätze aus den Kreativbereichen begleiten die Wahrnehmung dessen, was hier als Mode vorgeführt wird und was der Designer für sich als moderelevant beansprucht.

In diesem Sinne wählt der der Künstler den Performancecharakter für die Schau, indem eingangs eine Tänzerin von zwei Helfern mit Bruchstücken aus dem Autodesign und anderen Industriematerialien bekleidet wird, die mit industriellen Verbindungen betont collagiert sind. In dieser Verwandlung beziehungsweise Transformation entsteht prozesshaft aus Fundstücken so etwas wie ein Schutzpanzer am Körper mit zunehmendem Glanz, ein modisches Erscheinungsbild.
In der Folge besetzen weitere Modelle wechselnd verschiedene Stellen im sich zunehmend definierenden, quasi designten Raum.

Das Industriedesign im Konzept dokumentiert sich in Form moderner Autoteile, die, aus ihrer ursprünglichen Funktion herausgelöst, die dynamische Ästhetik der Gestaltung bestimmen und sie mit weiteren, glänzenden Verbindungselementen in futuristischer Prägung steigern. Der Transfer dieser ästhetischen Versatzstücke kann zu Bekleidung genauso realisiert werden wie zu Designer-Mobiliar beispielsweise, das in Form von Stühlen auch zu sehen war.

Die Mode als herausgestelltes Thema versteht sich nun als designte Hülle, die auf die Funktion des Bekleidens ausgerichtet ist. Dabei werden alle Varianten von passgenau auf den Körper geschneiderten, weichen Materialien bis hin zu sperrigen, harten und aufgesetzten Eigenformen durchgespielt und zusammengeführt.

Die Kreation mit allen diesen Aspekten führt zu einer wirklich gelungenen Modeästhetik, die nicht nur stimmig daher kommt sondern auch mit ihren fantastischen und rasanten Auswüchsen fasziniert. Die skulpturale Herangehensweise mit subtilem Materialbewußtsein ist zugleich künstlerisch und modisch körperbezogen angelegt und dabei von einer Sexyness geprägt, die hin und wieder auch an Stilismen von Namilia und vergleichbare submodische Orientierungen denken läßt. In dieser sinnlichen Grundlage liegt das entscheidende Finish der gezeigten Kollektion, sie macht auch das Sperrige zum erotischen Element und ungewöhnliche Materialien und Verbindungen zu glanzvollen Sinnlichkeiten. Und zugleich ist diese Sexyness Teil der gegebenen Provokation.

Schwarz, Weiß und Rot in Verbindung mit Chromsilberglanz (und Transparenz) sind die folgerichtige Farbwahl, kurvendynamische Silhouetten und Formkombinationen gestalterische Notwendigkeiten. Im Spiel zwischen tragbar und untragbar bleibt die Tragbarkeit noch dominant, besonders gutes Beispiel sind die Schuhwerke, wo die fantasievollen Übertreibungen der formalen Auswüchse normales Laufen vielleicht beeinträchtigen können, den stolzierenden Gang aber befördern.

Die Pressemitteilung schreibt: Selva Huygens ist eine in Berlin ansässige nachhaltige Marke, die weggeworfene Autoteile, Metallhardware und industrielle Abfälle in funktionsfähige, tragbare Kunst verwandelt. … Die Marke hat die Aufmerksamkeit von Top -Stylisten und Kreativen auf sich gezogen, darunter Lady Gaga, Jared Leto und FKA Twigs und etabliert sich als wahrer Trailblazer in Kunst und Mode. Das Interesse im exzentrischen Showbusiness verwundert nicht, denn unterm Strich ist die Kollektion von Selva mit allen ihren Implikationen nicht nur attaktiv schillernd sondern sehr offensichtlich ein gutes Beispiel für avantgardistisches Modeverständnis, radikal, konsequent, dynamisch, sexy und fantasievoll in der Ausführung und zugleich ein guter Audruck dafür, wie man Mode, Industriedesign und Kunst als einheitlichen Leitgedanken verstehen kann.

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