Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

The post Botter-Herrebrugh: Durchgestartet appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Spektrum der Gestaltungsansätze ist wie immer groß und reicht von jugendkulturellen Grundstimmungen bis hin zu träumerisch-romantischen Textilarchitekturen. Auch verschiedene kulturelle Backgrounds der Modegestalter aus verschiedensten Ecken der Welt bereichern das Panorama der Gestaltungsphilosophien, ganauso wie die verschieden gerichteten Ausbildungsorientierungen, die grundsätzlich und gerade bei den vorwiegend frischen Absolventen deutlich sichtbar bleiben. Ebenso reizvoll ist die Verschmelzung von nationalen Mentalitäten und internationalem Zeitgeist, sowohl bei jedem Einzelnen als auch im gesamten Spektrum der zehn Beispiele. Wir versuchen, die verschiedenen Konzepte näher zu erkunden (manchmal nur aus dem Gesehenen heraus, manchmal mit Hilfe der Erläuterungen ihrer Protagonisten):

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):
Im Gespräch schichtet das gut gelaunte und kommunikationsfreudige Trio aus Japan die Auskünfte zu seinem Gestaltungsanliegen ähnlich wie das Erscheinungsbild seiner Modekombinationen aus unzähligen Aspekten und Anliegen zusammen, schnell, frisch und rasant und das in kompliziertem Japan-Englisch. Sie beziehen ihre Ansätze aus den 90ern, besonders aber aus japanischer Schnittkultur, berufen sich auf Kimonos, Sustainability und Handarbeit. Die waghalsige Schichtung der Schnitte und Silhouetten ist unabhängig vom Körper und bildet eine eigene Architekturgestalt. Kontrastierende Stoffe, Farben und Muster folgen dem gleichen Prizip, wobei eben spannend ist, dass die klassische japanische Kimonokultur stets den Kern des Denkens ausmacht.

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:
Einerseits ist Tsung-Chien verliebt in luxuriöse Textiloberflächen aus handwerklich perfektionistischer Fabrikation, andererseits pflegt er eine Aversion gegen Perfektion eines Ganzheitlichen. Daraus entstehen asymmetrische, übertriebene und dekonstruktivistische Stücke, zusammengefügt aus Dutzenden von Möbelstoffen. Ergänzt mit Brokat, Organza und Kristallen entwickelt der Jungdesigner aus dem seltsamen Patchwork eine Mischung aus Romantik und Exzentrik, die obendrein noch mit asiatisch-historisierenden Stilismen versetzt ist. Das Gestaltungsprinzip setzt sich sogar in der Fußbekleidung fort, die, handgemacht, entsprechend opulent und bizarr das Erscheinungsbild komplettiert.

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:
Hinter der Kollektion steht die Forschung zu nordischer (Kleidungs)kultur, genauer der Arbeitskleidung von Fischern – grau und introvertiert, eher abweisend und sich dem urbanen, ruhelosen Leben widersetzend. Die Designerin erzählt, dass sie sich monatelang in den entlegenen, eher unwirtlichen Gegenden aufgehalten hat und ihr Leben dort nun in eine allgemeines Gestaltungs-Konzept zu überführen sucht. Dabei sind keineswegs nur grobe Gummischürzen und -kapuzen aus Leder, Wolle, Gummi, Latex und wetterfesten Materialien entstanden, sondern es wurden auch sehr filigrane Naturbestandteile wie Federn eingebracht und reizvolle Oberflächenstrukturen zusammen gefügt. Intensives Blau und scharfe Schwarz-Weiß-Kontraste sowie lockere Teile-Kombinationen geben den komplizierten Konstruktionen Lebendigkeit und durchbrechen die Introvertiertheit kontrastierend.

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:
Eine nach eigenen Worten „elegante, aber auch sehr eigenwillige“ Kollektion zeigt Lucille Thièvre, die sich nach der Arbeit in verschiedenen Modehäusern nun selbständig gemacht hat. Sie läßt sich von der Mode der 80er Jahre inspirieren, elastische Stoffe, knapp sitzend und Haut zeigend. Damit sind ihre Sachen bewusst körperbetonend und beweglich. Vieles ist gerafft und der betont knappe Sitz erfordert Maßschneiderung auf den betreffenden Körper. Zusätze kunsthandwerklicher Art bereichern das Konzept und geben weitere vitale Akzente. Sexyness ist ein eher wenig vertretener Aspekt des jungen Modedesigns und wenn, wird sie am ehesten von französischen Vertretern/Vertreterinnen propagiert. Ganz tot ist Eleganz noch nicht da hat die Modestadt Paris noch ein Ass im Ärmel.

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):
Die Schweizerin Tina Schwizgebel ist passionierte Tatooliebhaberin (auf einer Berlinreise hat sie das Handwerk dafür erlernt) und versucht, ihre Liebe dazu in Kleidung zu transferieren. Ausgebildet an Modeschulen in Lausanne und Genf bringt sie die Voraussetzungen dafür mit. Dabei geht sie sogar in drei entsprechenden Etappenkategorien der Entwicklung ihrer Outfits vor, nämlich mit 1. dem Motiv als Stoffprint, 2. recyceltem Pelz, rasiert wie vor dem Tätowieren die Haut und 3. Plastik, das das Cellophan zum Schutz des fertigen Tatoos repräsentiert. Gleichzeitig – vielleicht geschmacklich auch aus Berlin mitgebracht – trägt das Erscheinungsbild der Kollektion einen Touch von Punk und Gothic, der aber hinter der Feinheit der großflächigen Musterung eher zurücktritt. In rätselhaftem Kontrast dazu stehen die platten Sandalen und Strandlatschen auf der Schau, denn die sind weder Punk, noch elegant, noch tatooszenig.

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):
Der Designer erzählt, dass hinter der Kollektion eine Geschichte steht, in der es um einen Jungen geht, der im Dschungel aufwächst, alleine ist und sein Leben lang kämpfen muss – und der, zurück bei den Menschen realisiert, dass er ein Prinz ist. Märchenfiktionen und besonders Fantasie haben also die Erscheinungsbilder der Kollektion geprägt, mit übertriebenen Größen, fantastisch prachtvollen Brokatstoffen und Goldprints sowie romatisierenden Uniformen. Und auch hier findet das Schuhwerk seine gestalterische Fortsetzung im Sinne einer ganzheitlichen Kreation.
Die sorgfältige Verarbeitung, die gekonnte Zusammenstellung und hochwertige Textilien distanzieren die Outfits gleichwohl von theaterkostümhaftem Auftritt. Der Österreicher engagiert sich darüber hinaus für nachhaltige Mode, er verwendet recycelte Stoffe (inklusive alte Teppiche unf Gardinen), die er oft auf Flohmärkten auftreibt.
Das Anliegen, den Träumen und Sehnsüchten des Menschen, in dessen Erwachsensein das Kindliche ja nur zwanghaft zurückgedrängt ist, wieder einen Platz im Designgetriebe zu geben, erhält sehr viel sympathisierendes Feedback. Anders gesehen betonen die Entwürfe den Kontrast zwischen praktischer Schutzfunktion und dem gesellschaftlichen Zeichen einer Rollenzuweisung bzw. einem Schönheitsideal. Insofern enthält diese Kollektion auch einen philosophischen Gedanken zur Mode und gewann wohl nicht von ungefähr den großen ersten Preis.

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):
Mit Unterstützung von Ghioldi, Luxury Jersey, Sfate & Combier, Guigou – Première Vision Paris Puntoseta and Swarovski entstand die eher bodenständig erscheinende Kollektion, die schon nahe an Prêt-a-Porter-Design heranrückt. Das Interesse der Designerin an ausgefeilten Webverfahren und schöner Textur in Kombination mit Farbstreifen, die zum Teil etwas ungewöhnlichen Schnitten folgen führt zu einer eher „stillen“ Raffinesse in bunter, aber eben auch zurückgenommener matter Farbgebung. Die in Paris ansässige Finnin versucht lässigen Tragekomfort mit kleinen sexy Akzentuierungen zu versehen, die aber auch eher schlicht als extravagant auftreten. Unaufdringlicher Luxus.

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:
Nicht ganz so körpernah, wie der Titel der Kollektion suggeriert, sind die aktuellen Entwürfe von Emilia Kuurila konzipiert, aber die menschliche Gestalt spielt durchaus die entscheidende Rolle. Mit eleganten,, schimmernden Stoffen wie Seide, kräftigen Farben wie Rot, Gelborange und Azurblau und vor allem Streifen als Richtungsakzentuierungen und -spiele hat sie eine Herrenkollektion vorgestellt, die stellenweise recht elegant daherkommt. Besonders eindrucksvoll sind dabei die vielen kunstfertigen Fältelungen, Säume und flachen, eher feinen Schichtungen, die eine komplexe Oberfläche herstellen und den großen monochromen Flächen lebendige, offene und interessante Strukturen verleihen. Roh bleibende Schnittkanten verhindern übermäßige Glattheit. Die Silhouetten und Schnitte zeigen diverse Ansätze, vom kontraststarken Kurze-Hosen-Anzug mit transparentem Cape über kreuzquer gestreifter Hemd-Hose-Kombination bis zum vollständigen Anzug in fast klassischem Schnitt. Bei letzterem erscheint die komplexe Verarbeitung dann auch am raffiniertesten, auch wenn die monochrome Kombination mit dem Hemd da nicht die überzeugendste Entscheidung sein mag. Sie bewirkt einen Touch von „zu viel“, folgt aber immerhin dem Titel konsequent.

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):
Ohne klassische ästhetische Grundlagen zu verlassen oder zu negieren, versucht Róisín Pierce experimentelle Erweiterungen. Dies beginnt bei den Silhouetten und setzt sich fort in der Behandlung und Manipulation von Textilien und Schnitten. Sie versucht, experimentell auf der Basis des Begriffes Schönheit Herkömmliches mit Innovativem zu verschmelzen und dabei überraschende Erscheinungsbilder zu kreieren, wobei mit dem monochromen Weiß die Hauptaufmerksamkeit auf die differenzierend gestalteten Oberflächen geführt wird, die wie Skulpturen oder Reliefs ein veredelndes Eigenleben entwickeln. Das erstreckt sich sogar bis hin zum Schuhwerk, das hier feiner und eleganter daherkommt als bei den Konkurrenten/innen. Eine etwas spielerische Romantik scheint bei allem durch, man denkt zum Beispiel an Hochzeitskleider, trotzdem setzt die Designerin damit einen auffälligen Akzent im Getriebe der Jungen, der den Fine Gout nicht aufgeben will. Der Preis von Chanel und der Publikumspreis überraschen darum auch nicht besonders.

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:
Die Designerin setzt deutlich auf jugendkulturelle Bewegungen und auf darin erscheinende düstere Stimmungen. Einschließende, verbergende Kapuzen, wallende, bodenlange Kutten, skulpturale, körperüberwindende Verformungen bestimmen die Erscheinungsbilder der Männerkleidung, ergänzt mit Bändern oder großen Überlappungen. Vorwiegend monochrome Grautöne unterstreichen das Mystische – oft allerdings eher heller als ganz dunkel.
Trotzdem bleibt stets etwas Haut sichtbar, wie eine Öffnung in der Abschottung.

The post Hyères 2019 – Konzepte der Finalisten appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zehn Finalisten des Nachwuchswettbewerbes werden von einer kompetenten Jury nicht zuletzt danach ausgesucht, inwieweit ihr gestalterischer Leitgedanke in der Lage ist, einen eigenen Stil zu kreieren, der zukunftsträchtig ist und auch handwerklich solide vorzugehen weiß. Mit dem Prix Chloé, dotiert mit mittlerweile 20.000 Euro, ist allerdings eine zusätzliche Herausforderung verbunden, nämlich die, einen überzeugenden Brückenschlag zu finden zwischen dem eigenen Stil und der klassischen Silhouette des berühmten Modehauses. Ein eigener Entwurf muss dafür gemacht werden, der dann in Konkurrenz mit den anderen neun Wettbewerbern in einem speziellen Défilé auf den Laufsteg gebracht wird. Der Preis ist sehr begehrt, entsprechend engagiert wird die besondere Aufgabe bearbeitet. Je revolutionärer der eigene Gestaltungsansatz ist, desto größer wird die scheinbare Unvereinbarkeit mit der klassischen Marke sein, gleichzeitig aber entstehen genau damit Vorschläge, die auch das Traditionshaus in innovative Richtungen denken lässt. Und umgekehrt ist der Designer verpflichtet, seine Freiheit in die Entwicklungsgeschichte einzubinden und sein gestalterisches Ego auf eine vorfindliche Fährte zu setzen.

Den diesjährigen Prix Chloé hat Tina Schwizgebel-Wang aus der Schweiz errungen, klug hat sie das Farbenproblem auf Weiß und Grau-Beige reduziert und damit einen beherrschten Kontrast der Teile hergestellt. Im Ganzen hat sie eine elegante Kombination aus raffiniertem Schnitt und eher klassischen Elementen geschaffen, die eine stimmige Gesamtwirkung erreicht. Über die etwas spießig anmutenden Strümpfe lässt sich geschmacklich streiten, die auch noch mit Sandalen kombiniert werden, das Schuhwerk ist aber immerhin behutsam modifiziert um Vergleich zu ihren dahingehend eher anspruchslosen Gestaltungen in der Hauptschau. Stellvertretend an diesem Beispiel lässt sich auch bei den anderen Wettbewerbern sehen, dass der dort vorfindliche Trend zum Groben, zum Teil auch Primitiven nur schwer zu einer gewissen Eleganz zu modifizieren ist.

Die Schau zeigt darum, besonders im Vergleich zu den Wettbewerbskollektionen, aufregende Verständniskonzepte und Stilmodifikationen, von denen zum Beispiel der Entwurf von der Russin Yana Monk eine beeindruckende Wandlung aufzeigt – von der Kutte zum Kurzkleid mit Gazeschleier-Cape.

Letztlich vielleicht ungewollt, hat Chloé mit dieser Herausforderung gut das Problem der Gegenwart hinsichtlich ästhetischer Gestaltungskriterien und des Gespürs für Eleganz auf die Tagesordnung gesetzt und fordert einen Spagat heraus, der für so manchen Designer unerwartete Konflikte heraufbeschwört, besonders dann, wenn Anti-Ästhetik eigentlich Teil seines Konzeptes ist.

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan):

Tsung-Chien Tang (Taiwan):

Dita Enikova (Littauen):

Lucille Thièvre (Frankreich):

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz):

Christoph Rumpf (Austria):

Milla Lintilä (Finnland):

Emilia Kuurila (Finnland):

Róisin Pierce (Irland):

Yana Monk (Russland):

The post Hyères 2019: Der Prix Chloé appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Highlight des Festival International de Mode, de Photographie et d’Accessoires de Mode in Hyères ist am letzten Tag das Défilé der von der Jury vorausgewählten Kandidaten für die verschiedenen Preise. Gut dotiert und stets mit Partizipation im Business bei renommierten Modehäusern ausgeschrieben sind die Auszeichnungen auch zugleich eine sehr konstruktive Förderung, die die Startchancen erheblich beschleunigen. Eine eigene, kommerzialisierte und beworbene Kollektion für ein bekanntes Label ist die Regel.

– Le Grand Prix du Jury de Première Vision ist mit 20.000 Euro dotiert und bevorzugter Präsentation bei Première Vision Paris Schau im September.  Außerdem die Gelegenheit, mit Chanels Métiers d’art ein Projekt bis zu 20.000 Euro zu realisieren.

– Eine Zusammenarbeit mit Petit Bateau für 10.000 Euro plus Royalities für die Gestaltung mehrerer Modelle, die produziert und kommerzialisiert werden.

– Der Chanel nouveau Prix des Métiers d’art. Mit ihm verstärkt Chanel sein Engagement als Hauptpartner des Festivals seit 2014. Er ist mit 20.000 Euro dotiert für ein neues Gestaltungsprojekt eines aus den 10 Kandidaten kombinierten Designerduos und wird im Folgejahr ausgestellt.

– Der Prix du public der Stadt Hyères (Publikumspreis) wird vom anwesenden Publikum per Stimmzettel gewählt.

– Außerdem gibt es eine Mention spéciale du jury mode, die dank eines besonderen Potentials als Belobigung ausgesprochen wird.

– Die Marke Galeries Lafayettes lädt einen Kandidaten ein für eine Kollektionsgestaltung, welche produziert, kommerzialisiert und beworben wird.

– EXCEPTION lädt einen Kandidaten seiner Wahl ein, in China zu arbeiten und auszustellen mit vereinbarten Projekten und Themen.

– Der Prix Chloé ist mit 20.000 Euro dotiert. Das Haus Chloé ist offizieller Partner des Festivals. Im Anschluß an die große Schau gibt es eine kleine, bei der die 10 Wettbewerber je ein Outfit im Stile des Modehauses entworfen haben, dies ist die Grundlage für die Preisvergabe. Wir zeigen die Schau im nächsten Artikel.

– Weitere Modeunternehmen nehmen später die Ergebnisse zum Anlass, den Wettbewerbern Jobs, Projekte und Kooperationen vorzuschlagen, so hat zum Beispiel Botter letztes Jahr einen Stelle als Kreativ-Direktor bei Nina Ricci erhalten. Die Fashionweek Berlin übernimmt seit neuestem die Schau des Hauptpreisträgers. Darüberhinaus ist auf dem Festival viel professionelles Publikum unterwegs, das nicht selten Nachwuchs sucht und zumindestens recht umfangreiches Networking ermöglicht.

Insgesamt ist das Festival (dieses Jahr das 34te) ein sehr kluges und mittlerweile bewährtes Fördersystem, oft kann man die neuen Karrieren im Handel und auf den großen Schauen in Paris und anderswo wenige Jahre später wiederfinden.

Das Défilé zeigte die 10 Wettbewerber in dieser Folge:

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:

The post Hyères 2019: Das Défilé der Wettbewerber appeared first on modaCYCLE.