Bilder und Text: Gerhard Paproth

Ein letzter, kurzer Spaziergang führt uns zunächst in das 9. Arrondissement – ungewöhnlich für einen Fashionweekbezug. Nähe Pigalle, Nähe Barbès. Esther Perbandt beweist mit der ausgesuchten Location typisch Berliner Arbeitsstrategie: Es muss nicht immer das Teuerste und Übliche sein, wenn eine gute, ausgefallene Idee zu mindestens gleichwertigen und auch ungewöhnlichen Ergebnissen führt. In einer gepflegten Bier-Bar hat sich die Designerin für ein paar Stunden tagsüber zwei Tage lang einquartiert, um hier ihre Kollektion TIT FOR TAT* (auf deutsch „wie du mir, so ich dir“ ) für ss 2019 zu präsentieren.
Aus unserer Sicht ist die Wahl der Location in einer Pigalle-Bierbar ein genialischer Schachzug mit Alleinstellungsmerkmal im großen Pariser Fashionweekgetriebe und seinen unzähligen Präsentations- und Showroom-Veranstaltungen, die immer edel, teuer, sicher platziert und etwas aufgedreht daherkommen. Jedenfalls ist diese Präsentation eine sehr kluge Idee, Berliner Künstlermentalität auf der Fashionweek Paris treffend vorzuführen. Und dass diese Strategie vielleicht am Stromlinienkommerz vorbei geht, kann man da durchaus in Kauf nehmen, Qualität und eigenwillige Prägnanz sind Kriterien, die eine Fanschaft rekrutieren (und bedienen), die eben nicht so flüchtig und anpasserisch drauf ist, aber dennoch anspruchsvoll. Das war den Besuchern vor Ort auch anzumerken.

Perbandts Kollektion erscheint dagegen nicht ganz so exzentrisch wie gewohnt sondern eher schlicht und geradlinig zurückgenommen, ohne den typischen Stil aufzugeben. Man hat sogar den Eindruck, dass gelegentlich veredelnde Aspekte hinzutreten (z.B. die Sicherheitsnadel als Glanzstück) und dass das nach wie vor eigenwillige und innovative Perbandt-Terrain für den Pariser Geschmack geöffnet wird. Die Designerin hat ja auch geraume Zeit in Paris gearbeitet und weiß sehr genau, wie der Kommerz und die Konsumenten dort ticken. Verraten hat sie sich damit keineswegs.
Sie ist natürlich selbst anwesend und ihr eigener Kleidungsstil ist darüber hinaus ein unmissverständliches Grundsatzstatement.

* „Tit for Tat“ ist eine Spielstrategie, die zwischen Kooperation, Rache, schneller Provozierbarkeit und Vergeltungsautomatismus navigiert.

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Das zweite Rendez-Vous haben wir im K I OZ lab Showroom ( Galerie Christophe Gaillard) im 3. Arrondissement. Interessant war uns die Kollektion in der Vorschau als Post-Goth-Konzept erschienen, doch bei näherer Betrachtung vor Ort änderte sich unsere Einschätzung erheblich. Die Designerin Tsolo Munkh ist in der Mongolei aufgewachsen und lebt seit 2005 in Paris. 2010 hat sie in Hyères den Publikumspreis gewonnen und ihr eigenes Label gegründet. Die mongolische bzw. buddhistische Kultur sind ihr stete Inspiration in der Behandlung der Stoffe, der Oberflächen und auch der Schnitte. Stickerei, Verzierungen und Brüche in Körper und Fläche sind ebenso Kennzeichen der Gestaltung wie bewusst rohe Schnitte bzw. Silhouetten, so dass stets etwas „Natürliches“, Raues, in sich aber raffiniert Organisiertes die Gestaltung bestimmt. Folkloristische Feelings kommen mitnichten auf, im Gegenteil, die Kollektion kommt sehr zeitgemäß bis avantgardistisch daher und erweist sich als sehr komplex im scheinbar Groben.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Arnhemer Modedesigner Irving Vorster sucht die Balance zwischen dem täglich Tragbaren und dem exzentrischen Auftritt. In seinem Heimatland Holland zählt seine Mode schon geraume Zeit zu den arrivierten Labels im gehobenen Segment, im „Atelier Neerlandais“ im 7. Arrondissement präsentierte er seine aktuelle Kollektion „Con-Tour-Noir I“ für ss 2019 nun auch auf der Paris Fashionweek.

Immerhin, das internationale Modeparkett betrat er schon 2008 in London, seit 2010 existiert sein eigenes Label. Kennzeichen sind luxuriöse Stoffe, gelegentlich auch mal natürliche, sowie ein grafisches, herausstechendes Linienspiel, das mit seinem streng geometrischen Charakter manchmal auch scharfkantige Formgebungen akzentuiert. Die Formen verschieben sich meist zueinander und geraten dadurch in Bewegung. Zu diesem klaren Leitgedanken fügt der Designer exzentrische „Ausbrüche“ hinzu, stets spielerisch dynamisierend, sowohl mit Zickzack-Linien, richtungsbrechenden Schichtungen oder rasanten Abschlüssen am Hals, die dann letztlich das gesamte Erscheinungsbild prägen.

Bei aller geometrischen Klarheit und verspielten Strenge behält Voster neben der Eleganz auch das Weibliche im Blick, Sexyness, Mystik und emanzipierter Auftritt bestimmen den Grundcharakter der Schnitte und letztlich auch die Farbgebung, die im Wesentlichen auf Schwarz und Violett beschränkt ist.

Alles in allem führt der Designer ein Konzept vor, das aus der Kombination dynamisierter Geometrie und luxuriöser Weiblichkeit seine ästhetische Spannung bezieht, mit deutlichen Akzentuierungen und diversen Zusätzen – auch bei den Frisuren und dem Makeup, die durch kontrastierende Masken ergänzt werden. Zeitgeistig ist dieses optische Konzept allerdings wenig, eher eine Neuinterpretation oder Weiterschreibung der 60s von Dior oder YSL, die sich damit vielleicht einem Selbstverständnis von „zeitlos“ nähert. Aber das darf im Luxussegment des Prêt-À-Porter auch so sein.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der dritte Showroom-Spaziergang führte uns zunächst ins dritte Arrondissement zum DACH-Showroom, der knapp 30 Designer aus Deutschland, der Schweiz und Österreich präsentierte. Nur ein Teil der Labels war auch für Medienpräsenz aufgeschlossen, nach außen erscheint der Paris-Auftritt zwar eher als ein kollektives Interesse, im näheren Gespräch waren die Motivationen dann doch eher partikular und der Name DACH steht deswegen wohl eher für ein offenes solches. Auch im gestalterischen Ansatz reichte die Bandbreite der jungen Designer von eher konventionellen bis hin zu recht exzentrischen Konzepten, die dann letztlich auch die reizvollsten waren. Sieben Labels stellen wir beispielhaft vor.

YVY
ist ein Schweizer Label (seit 2013) für luxuriöse Damen-Lederbekleidung und Accessoires, denen in der vorgestellten Kollektion „brut“ zum Teil ein deutlicher Touch von Fetisch-Wear anhaftet. Das hat aber keineswegs anrüchige Qualität, vielmehr trägt die Designerin Yvonne Reichmuth damit eine reizvolle ästhetische Eigenheit in das gesellschaftlich hochwertige Luxus-Segment und bereichert es sehr zeitgemäß und geschmackvoll. Hochwertiges, feines italienisches Leder und sorgfältige Handarbeit des Reichmuth-Teams erlauben außerdem, spezifizierende Kundenwünsche zu erfüllen und wertvolle Couture zu lancieren. Faire Produktionsbedingungen und umweltbewußtes Material sind für Schweizer Modedesigner dabei eine erfreuliche Selbstverständlichkeit. Wir finden aber gerade den stilistischen Ansatz in hochwertiger Couture sehr konstruktiv und reizvoll – kombiniert mit Klassischem vermittelt das einen guten Anteil Coolness – auch wenn er zeitgeistig nicht so ganz überraschend daher kommt, ist er im Sinne des Schweizer Modedenkens doch recht straight und innovativ verwirklicht.

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GON
aus Österreich gibt es seit 2011 (Christina Steiner) und agiert eher im konventionellen Sinne. Oft übergroße Schnitte lassen die lockeren Teile flattern und die farbenfrohen Drucke handgemalter Motive und großflächiger Muster stehen für einen spielerischen Auftritt. So kann man auch den aktuellen Trend der Textparolen integrieren.

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HUI-HUI
Hamburg, existiert bereits seit über 15 Jahren und hat einen vergleichbaren Ansatz, ist aber breiter aufgestellt. Die Designerin Duitse Anne Schwätzler und die Schwestern Johanna und Katharina Trudzinski verstehen ihr Label außerdem als alternativ/nachhaltig. Farbenfrohe, oft aus der Bildenden Kunst inspirierte Muster und interessante Texturen stehen für einen unkomplizierten, optimistischen Auftritt im Alltag.

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JACQUELINE LOEKITO
aus Basel verortet sich deutlich näher an der Kunst und mutigen Designoptionen als am kommerziellen Mainstream. Entsprechend kreativ und unkonventionell ist die Kollektion des kleinen Labels und der Spaßfaktor auf verschiedenen Gestaltungsebenen führt zu innovativen und beeindruckenden Lösungen, nicht selten in die Nähe von Kostümdesign. Das Farbspektrum dieser Kollektion changiert im Rotbereich und schafft starke Präsenz und emotionale Kraft.

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JULIA HEUER
aus Deutschland hat (handgemachtes) Plissée als starke Gestaltungsbasis entdeckt und die Möglichkeiten mit ungewöhnlichen Prints und rasanten Schnitten zu einer beeindruckenden Kollektion ausgebaut. Oft werden die farbintensiven Prints schon vor dem Plissieren auf den Stoff aufgebracht und bzw. oder danach in der japanischen Verarbeitungstechnik nach Arashi Shibori weiterverarbeitet. Hoher Tragekomfort, sehr elegante, oft extravagante Erscheinung, feines Material und viel raffinierte Handarbeit kennzeichnen diese Kollektion mit Classe.

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SIGHTLINE
von Vivien Sakura Brandl ist in Wien ansässig und positioniert sich im praktischen, aber gehobenen Alltagssegment. Eine etwas spezielle, subjektiv geprägte Gestaltungsbasis, die auf fast asiatische Schlicht- und Klarheit reduziert ist und in diesen Minimalismus ausgeklügelte Details unterbringt.

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TATA CHRISTIANE
ist ein Berliner Label (Julie Bourgeois und Gabriel Santini) und entspricht auch in vielerlei Hinsicht dem Image der Stadt als kreative, expressionistische Vision von „Machern“. Die Arbeiten der beiden produktiven Modedesigner entfalten sich aus – zum Teil wuchernden – Zusammensetzungen verschiedener Elemente, die meist aus handgemalten Stoffteilen oder daraus abgeleiteten Musterflächen auf Textilien bestehen oder aus Kombinationen unterschiedlichster textiler Materialien. Gabriel Santini ist dabei eher für die bildhafte Gestaltung zuständig, Julie Bourgeois für die Zusammensetzung bzw. Verwandlung in Kleidung.
Mit großformatigen, expressiven Zeichnungen und dem oft offenen Weiterverarbeitungsprozess entstehen meist sehr komplexe und eigenwillige Stücke, die nicht selten zu teuren und etwas verrückten Unikaten heranwachsen. Doch immerhin: das als experimentelle Handarbeit Anmutende ist mittlerweile, jedenfalls zum Teil, auch als reproduzierbare Kollektion konzipiert, denn die Nachfrage in Berlin, Tokyo und Paris steigt.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie bringen den Body zurück, sogar die Radlerhose. Nachdem immerhin Karl sie entgegen eigener Antistatements plötzlich salonfähig gemacht hat, setzte Each Other noch einen drauf und präsentierte eine offensive, peppige Kollektion, die auch und gerade vor 80s-Glamour und Schimmer nicht zurückschreckte.
Aber so schaurig, wie es sich vielleicht liest, ist es doch nicht, das Konzept ist ambitioniert. Each Other evoziert mit der neuen Kollektion ein hybrides Frauenbild, das zwischen „Gentlewoman“ und Businessfrau, Glamourgirl und vergnügungsfreudiger Partyfigur der Abendunterhaltung pendelt, also mehrere Ansprüche der Gegenwart zusammenfügt, und das durchaus mutig definiert.

Die Gestaltungsergebnisse sind ebenso offensiv wie auch optimistisch. Kräftiges Pink, schillernde Farbverläufe (sogar auf Jacken), hautenge Jumpsuits bzw. Trikots, die an Bade- bzw. Turnanzüge erinnern, aber nun als reguläres Kleidungsstück fungieren, Bühnenjacketts, Fransenapplikationen, Rhinestones, Schulterpolster – kein Rückgriff auf exzentrische Auswüchse vergangener Modeepochen des späten 20. Jahrhunderts scheint tabu und fügt sich originell in die explosive Kollektion ein. Dazu eine sehr bizarre Sonnenbrillenkollektion, die dem Grad Coolness noch einmal ein i-Tüpfchelchen hinzufügt und Schuhwerk wie silberne Stiefeletten und Plexiglas-Schmuck.

Im Einzelnen sind es wohl alles bekannte Zutaten mit eigener Ästhetikgeschichte (woran man meist nicht so gerne zurückdenken will) und jeweils nicht gerade originell verändert. Im Ergebnis macht es doch das Rezept des fertigen Gerichts im Heute, das zu einer eigenen Überzeugungskraft gelangt, Mut beweist und auch noch den provokativen Titel „New Age“ trägt.
Allein ein pinkfarbenes oder pailettenbesetztes Ein-Träger-Trikot mit hohem Beinausschnitt als reguläres Kleidungsstück unter Jacke oder Mantel beschreibt das Revolutionäre der Sicht auf überlieferte Bedeutungskonvention sehr beispielhaft. Der Zusammenhang gibt dem Trikot auch eine neue Note Erotik mit auf den Weg und, das macht es eben spannend – dies ist auch ein anderes, neuzeitliches Selbstverständnis im Bekannten.

Damit leitet das Modekollektiv Each Other eine neue Ära zu seinem siebenten Geburtstag ein. Es hat nicht nur sein Logo neu konzipiert (ohne das X) sondern eigenen Aussagen zufolge sich entschieden, “to focus on statement pieces: tailoring, evening dresses and sportswear.”

Die Jungen sind mit den Implikationen der Modezitate vielleicht nicht so empfindlich wie wir, die wir das noch gelebt (und gerne vergessen) haben, am deutlichsten bei der Radlerhose spürbar. Und sie können sich darum mit dieser Konzeption vergnügt durch den städtischen Raum bewegen, alle anderen werden die amüsierte Sicht darauf mit nostalgischen Reflexen anreichern. Aber launig ist diese Kollektion allemal. Vorgeführt von strahlenden und dynamischen Modellen im Café Marly in den Arkaden des Louvre bei Sonnenschein und sommerlicher Wärme zeigt sich die Kollektion als ein schlagkräftiges Statement der unbekümmerten Lebensfreude.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wir starten den zweiten Tag unseres Showroom-Spazierganges auf der Pariser Fashionweek SS2019 beim FIND-A-NAME-Showroom, eine Art Galerieinitiative der in Paris ansässigen Agentur gleichen Namens, die sich als beratender Mittler für den kommerziellen Vertrieb internationaler Modemarken versteht. Die Palette der vertretenden Modedesigner ist zwar stilistisch wenig spezifisch, im Prinzip finden sich da aber mutige und eher ungewöhnliche Gestaltungsrichtungen, die meist schon recht exklusive Geschmacksorientierungen ansprechen und den jungen Zeitgeist etwas dezidierter formulieren.

BERHASM
ist ein Moskauer Label mit auch typisch russischem Gegenwartsdesign. Es wurde dieses Jahr als ein Mode- Kunst- und Musikkollektiv von Beso Turazashvili gegründet – einem Digitalclub, wo der Markt der Straße auf Techno treffen soll. Er versteht sich also als eine Art moderner Underground und entsprechend rau und provokativ ist die künstlerische Gestaltungslust der Protagonisten. Was seit Zappas 60ern im Westen längst zur kulturgeschichtlichen Epoche einer Jugendrevolution des Westens abgehakt ist, lebt hier wieder auf und ist so frisch und lustvoll wie seinerzeit. Schon die Instagram-Webseite zeigt, wo es hier langgeht.

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BRACHMANN
Inspiration für die Sommerkollektion 2019 war das von Frank Lloyd Wright entworfene Johnson-Gebäude, ein Beispiel für die stromliniengeprägte Formensprache des New Style der amerikanischen 30er und 40er Jahre und u. a. berühmt für die filigrane Säulenarchitektur. Brachman beschreibt entsprechend die Kollektion als „verspielt-minimalistisch, die von der zarten Stärke, filigranen Kontur und minimalistischen Opulenz dieser Architektur inspiriert ist“. Formengestalt, Materialwirkungen und Farbstimmungen hat Brachmann in der ihr eigenen Strenge zum Teil direkt zu transponieren versucht – insgesamt wirkt die Kollektion damit weniger hart und verschlossen als solche der Vergangenheit. Was vielleicht dem vorbildlichen Einfluss der subtilen Architektursprache Frank Lloyd Wrights geschuldet ist.

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DOLLY AND MOLLY

ist ein japanisches Label aus Tokyo mit dem Anspruch, bekannte Stereotypen bzw. Gewohnheitsbilder aufzubrechen. Es ist beeinflusst vom Geist des Punk und rebellischer Jugendkultur „anti-social, deconstructive and rebellious souls seeking for break-through in complex and unstable reality we are living in.“ (Selbstbeschreibung) Das Designerteam verzichtet auf Sinn- Luxus- und Schönheitskriterien, zeigt sich stattdessen ausdrucksvoll, launig, frisch und auf junges Publikum gerichtet. Es transportiert den leicht abgedrehten, zeitgemäßen Tokyo-Style, der gerne verrückt, auffällig und kreativ auftritt und in dieser Hinsicht mit einer erfrischenden Vielfalt aufwartet.

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FAKBYFAK
In Anlehnung an Alain Mikli als Modemarke für Brillen hat sich FAKBYFAK (ehemals Fakoshima) als russisches Konzept-Label etabliert und arbeitet mit international renommierten Designern zusammen (so wie hier z.B. mit Walter van Beirendonck aus Belgien). Die Brille als Persönlichkeitsmerkmal und als kreatives Produkt verstanden, finden wir, ist immer noch ein unterrepräsentiertes Accessoire, obwohl es wirklich gute und originelle Beispiele gibt, wie auch hier.

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IOANNES
Auch Ioannes sucht durch überraschende Kombinationen des Unzusammengehörigen neue Reize zu evozieren. Der deutsche Designer Johannes Boehl Cronau focussiert sich dabei auf formale Reduktion und flaue Farbgebung und möchte trotzdem erzählerisch gestalten. Pfiffig sind die verlängerten Handschuhe, die auch über die Kleidung gestreift werden und oben, dank eines Gummizugs, zu Stulpen aufgebauscht werden können; zum Beispiel über einer Jacke.

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IDISM
Vom zeitgenössischen Ideal des gesunden Lebens geht die Kollektion des Nachwuchs-Labels aus, nämlich auf Basics reduzierten Lifestyle, der sich auf Geist und Körper besinnt. Sie versucht einen Zukunftsentwurf zu kreiieren, der sich einerseits aus klassischen Elementen weiterentwickelt und andererseits hybriden Lifestyle mit Schönheitsbewußtsein verbindet. Schlicht, sportlich und urban präsentiert sich also dieser Anspruch.

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LAROOM
ist ein spanisches Label, das nicht nur Mode produziert, sondern alle möglichen Designartikel des alltäglichen Lebens. Ein wenig Folklore, ein wenig Romantik und ein wenig Glamour enthält die präsentierte Kollektion sowie auch etwas geradlinige Sportlichkeit. Designerische Prägnanz ist eher etwas zurückgenommen.

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LAUTEM
ist ein spanisches Label für luxuriöse Accessoires, die mit äußerst sorgfältiger Handarbeit gefertigt werden. Klarheit, sichtbare Perfektion und ausgewogene, geometrische Proportionalität kennzeichnen den Anspruch, Frauen einen modernen und kompromisslosen Style zu vermitteln.

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RUBAN
ist ein Label, das schon 2010 von den Schwestern Alice und Julia Ruban gegründet wurde. Das russische Duo hat seitdem bereits mehrere relevante Preise gewonnen und sucht seine Inspirationen in allen Bereichen der Mode. Entsprechend verschieden sind die vorgeführten Gestaltungsansätze. Auffällig erschienen uns die mutigen Überlagerungen verschiedener Stoffe und Oberflächengestaltungen, die Sexyness klassischer Abend- oder Cocktailkleider sowie die sehr weiblichen Schnittversionen bei klassischen Stücken.

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SEEN USERS
Das Newcomer Label wird auf Erfolgskurs gehandelt (vgl. ELLE) und präsentiert tatsächlich spannend-innovative Ideen. Es gibt meistens eine Ausgangsidee, in diesem Falle die Leben königlicher Charaktere, deren Bekleidungscharakteristika dann im Sinne eines modernen Stylings uminterpretiert werden. Die Kleider der Romanovs, Haushälterinnen und Krankenpflegerinnen der Edwardian Ära beispielsweise oder Prinzessin Dianas „La Bayadere“ (1988) oder Märchenwelten (Andersens „Des Kaisers neue Kleider“) und so weiter. Nicht selten werden das interessante Kombinationen aus Früher und Heute, die lustvoll und einfallsreich etwas Neues zaubern.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

2009 hat Lilia Litkovskaya ihr Label in Kiev gegründet, mittlerweile zählt es zu den bekanntesten der Ukraine. Ihre Arbeiten siedelt sie im Luxussegment an, gleichzeitig verleiht sie aber diversen Stücken zum Beispiel eine etwas raue und dekonstruktivistische Note.

Die aktuelle Kollektion ist ohnehin stilistisch nicht sehr geradlinig konzipiert, insgesamt zeigt sie eine Mischung von angedeuteter, zum Teil verspielter Spitzen-Romantik, hart-dekonstruktivistischen Zugriffen, klassischen Jacken und Röcken, verspielten Bändern und Rüschen, Offenem und Geschlossenem, Strengem und Lockerem, Komplexem und Schlichtem nebeneinander und nicht selten auch kombiniert. Neben zurückhaltenden Grau- und Beigetönen gibt es dann aber auch poppig kräftiges Blau und sehr oft bonbonhaftes Pink in verschiedensten Schnittvarianten.

Auch wenn einzelne Stücke durchaus attraktiv gemacht sind, schließt sich die ganze Kollektion nicht zu einer erkennbaren konzeptuellen Linie zusammen. Viele zeitgenössische Modetrends sind hier eingebracht, insofern werden auch viele aktuelle Geschmacksrichtungen angesprochen. Am besten ist Litkovskaya allerdings wohl da, wo sie auf klassisch zurückgenommene Stilmittel setzt, die sie dann eher behutsam zeitgeistig modifiziert und sinnlich aufeinander abstimmt oder wo sie nur einen besonderen Akzent hinzufügt, zum Beispiel bei Mänteln und Jacken. Da, wo zu viel Divergierendes gemixt wird, schafft die Designerin eher Irritationen als positive Spannungen, Einfälle konkurrieren anstatt zu einer reizvollen Synthese zu gelangen. Und da, wo eine improvisierende Note angestrebt ist, fehlt die genialisch-elegante Lässigkeit dafür.

Gleichwohl liegt Litkovskaya mit ihren Gestaltungen gut im allgemeinen modischen Trend, auch der Touch des Ostens schwingt oft als eigene ästhetische Qualität mit. Insofern wird es vielleicht spannend werden, wie das Design sich trotz langjähriger Erfahrung der Künstlerin noch stilistisch entwickelt und auf internationalem Terrain eigenständig etablieren kann. In der Avenue Montaigne war diese Schau schon mal an recht renommierter Adresse.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Circa 5000 Designer *) haben sich auf der Paris Fashionweek ss2019 präsentiert, wohl etwa 500 Showrooms *) hatten den größten Anteil daran. Denn die Défilés sind sehr teuer dort und nur die allerwenigsten können sich eines leisten. 400 Presseanmeldungen wurden bei der Fédération de la Haute Couture et de la Mode registriert, entsprechend groß ist der Run der Fotografen und Schreiber auf die Schauen. Medial völlig unterrepräsentiert sind die Showrooms, die zum Teil zwar großartige Sachen zeigen, sich aber letztlich eher für’s Kommerzielle ausrichten als für weiterreichende Präsenz.

Während also die große Meute an Pressevertretern zu den großen Schauen von Balmain zu Chanel und zu Dries van Noten hechelte, entschlossen wir uns, ein paar Spaziergänge durch die Showrooms zu machen und dort Ungewöhnliches bzw. Neues zu entdecken. Für die fotografische Dokumentation ist das schwieriger und weniger anschaulich, aber dennoch den einen oder anderen Blick wert.

Start unserer Besuche war der offizielle Showroom der Fédération de la Haute Couture et de la Mode, DESIGNERS APARTEMENT. Zehn ausgesuchte Designer aus Frankreich werden dort jede Saison vorgestellt – im repräsentablen Palais de Tokyo.

ARTHUR AVELLANO

kommt eigentlich aus der Kunstszene Toulouse und hat Mode als sein bestes Medium als Design-Beitrag entdeckt. Die Arbeit mit Latex entfernt sich entschieden vom klassischen Garderobenarsenal und positioniert Kleidung an die Schnittstelle zwischen Objekt und Materialität. Mit der sexuellen Anspielung geht die Haltung des unverfrorenen Auftritts einher, der in den Alltag versetzt wird. Diese explizite Konnotation (und der spezifische Oberflächenglanz) von Latex geht noch ein wenig über das schon leicht offensive Material Leder hinaus, gleichzeitig „normalisiert“ das Design die Erscheinung.

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BOYAROVSKAYA

wurde 2016 in Paris von Maria Boyarovskaya und Artem Kononenko (Modefotograf) gegründet. Dekonstruktivistische Schneiderkunst mit feinen Materialien führen sie auf ein minimalistisches Konzept zurück und verbinden dabei geometrische Schichtungen mit eleganten Proportionierungen und kleinen, pfiffigen Akzenten.

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CLARA DAGUIN

ist als Französin im Silicon Valley aufgewachsen und will die Beherrschung hochwertiger, perfektionistischer Handarbeit im Zeitalter aufkommender Hochtechnologien verankern; die gestalterischen Formulierungen spiegeln genau diesen Balanceakt wider.

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DAWEI SUN

hat zunächst bei John Galliano und bei Balenciaga gearbeitet sowie als artistic director bei Cacharel, bevor er zunächst „Belle Ninon Paris“ und 2016 „Dawei“ gründete. Der gebürtige Chinese hat diverse Preise (u.a. „nouveaux talents de la mode“ bei ELLE) gewonnen und stellt mit diesem Label seine fünfte Kollektion vor. Ungewöhnliche, manchmal ausladende Formgebungen, große Gesten im Schnitt und gestreifte Muster und Strukturen kennzeichnen den asiatisch angehauchten Stil.

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GNDR
versteht sich als ein gender-loses Label und nicht nur als Modedesign sondern auch als gesellschaftliches Statement. Victor Russo und Louis Bastelica sind das kreative Duo hinter dem Pariser Modelabel. Häufig kennzeichnen aufgedruckte bzw. -gemalte Schriftzüge als Parolen und handgemachte Akzente ihre Kollektion “Dear Agnès”. Die Schnitte sind betont schlicht und neutral, harte Kontraste und das Farblose sind Programm.

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KENTA MATSUSHIGE
arbeitet mit japanischen Ästhetizismen: klar, minimalistisch, sauber und mit scharfen Schnitten. Entsprechend perfektionistische Verarbeitung wird zum visuell erlebbaren Merkmal. 2014 war der Designer Preisträger des Festivals de mode et de photographie in Hyères.

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MAZARINE
ist Hélène Timsit und Quentin Poisson. Die Kollektion ist sehr behändig gefertigt und wirkt maßgeschneidert. Die Silhouetten sind inspiriert von unbekannten Epochen und undefinierten Orten, ihre Ausstrahlung enthält damit, trotz der sehr diesseitigen Konkretion, einen etwas mystischen Touch.

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NICOLAS LECOURT MANSION
startet das Label erst seit Beginn 2018. Die Kollektion ist bestimmt von dem, wie Kleidung im 21. Jahrhundert aussehen müsste und hat entsprechend technischen Entwurfscharakter, ist zugleich aber auch faszinierend in der Gegenwärtigkeit der utopischen Erscheinung. Obwohl genderunabhängig konzipiert, gelingt es der unkonventionellen Gestaltung ein starkes Maß an Sexyness zu vermitteln.

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PROÊMES DE PARIS
wurde 2014 von Marion Gauban Cammas und Ulysse Meridjen gegründet. Trotz der kontraststarken, teilweise ungewöhnlichen Muster ist die Gestaltung sehr ausgefeilt und elegant, geradezu erlesen. Die Designerin arbeitet außerdem mit nachhaltigen Stoffen aus kunsthandwerklicher französischer Produktion.

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QUOÏ ALEXANDER
bietet sicher die faszinierendsten Arbeiten mit seiner Kollektion an. Er bringt Erfahrungen aus großen Modehäusern (Chanel, Alexander MCQueen, Sonia Rykiel) mit und erarbeitete Looks für große Stars (Naomi Campbell, Beyonce, Tilda Swinton u.a.). Jedes Stück ist von großer Delikatesse in Material, Oberflächenbeschaffenheit und handwerklicher Verarbeitung und die Schnitte sind stets ungewöhnliche Kreationen. Obwohl der kalifornische Designer schon diverse Auszeichnungen gewonnen hat, ist er für uns definitiv die Haute-Couture-Entdeckung im „Designers Apartement“.

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SAVOAR FER
Abgeleitet von savoir faire ist dieser Label-Name der schweizer Designerin Eliane Heutschi Programm. Sie überträgt ihre Faszination für traditionelle Handwerkstechniken, schwere Stoffe und kraftvolle Ausstrahlungen in zeitgenössische Gestaltungskonzepte mit unkonventioneller Anmutung. Sie hat zuvor zwei Jahre mit Lutz Huelle gearbeitet, entsprechende Parallelen kann man entdecken.

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Das DESIGNERS APARTEMENT im Palais de Tokyo liegt ein paar Stockwerke über den Dächern von Paris und hat eine Terrasse mit wunderschönem Ausblick links auf den Eiffelturm und geradeaus auf die hohe Architektur des rechten Seineufers im 16. Arrondissement.

*) Datenquellen unbekannt. Genauere Recherche bislang ergebnislos. Wir korrigieren, wenn wir mehr wissen.

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