Text & Bilder Boris Marberg

Im Rahmen der Diplomausstellung 2020 wurden in Zürich im Rahmen einer durchgängigen Performance die Abschlusswerke von sechs jungen Modeschöpfenden vorgestellt. Für uns ist die Veranstaltung das erste reale Modeereignis seit dem Frühjahr und ein guter Start wieder in das Kreative hineinzutauchen.

Über vier Etagen wurden Werke der Studiengänge Film, Fotografie, Kunst, Modedesign und Visuelle Gestaltung präsentiert. Im Fokus des Besuches stand das Interesse an den Werken der sechs präsentierten Modedesignern Eileen Broadhead, Ejra Sunna Brunner, Valentina Grajales Garcia, Laura Heer-Vermot-Petit-Outhenin, Géraldine Reber und Gilles-Anthony Treskatsch.

Für die Präsentation hat man sich für eine durchgängige Performance entschieden, welche von Yannick Aellen und seinem Team umgesetzt wurde. Mode lebt vom gesellschaftlichen Kontext, den Orten und Umständen an welchen sie getragen wird und der Bewegung im Raum. Frei nach Merce Cunningham ist der Tanz die flüchtigste Form der Kunst und just in dem Moment der Präsentation auch schon wieder vorbei. Dieser Grundsatz gilt auch für eine Modeperformance. Auch wenn die Kleidung noch nach der Vorführung greifbar bleibt, der Kontext und die Präsentation als eigenständige Form lassen sich nie in allen Facetten konservieren. So betrachtet, in diesen besonderen Zeiten, wird es kaum gelingen die Atmosphäre und Wirkung vollends widerzugeben.

Die Räumlichkeiten der F+F an der Flurstrasse verzweigen sich in hellen, nüchternen Fluren und angrenzenden Räumen, in Weiß gehalten, funktional, eng und schnell überfüllt. Mode in Bewegung benötigt Platz. Dieser stand leider nur teilweise zur Verfügung und wurde gut für die Werke von Laura Heer, Ejra Sunna Brunner und Géraldine Reber genutzt. Während Valentina Grajales Garcia in einer eigenen Installation präsentierte, gingen die weiteren Werke im schmalen Flur – fast statisch – etwas unter und im „Gedränge“ entstand wenig Zugang zu diesen Werken.

Die Designerin Eileen Broadhead setzt sehr ansprechend körperbewusste Silhouetten in ansprechend lebendigen Farb- und Musterverläufen um.

Auch bei Laura Heer spielen die Silhouetten eine wichtige Rolle, auch wenn die Kreationen dekonstruiert wirken und einen düsteren Reigen um einen Kubus aus Stoffe zelebrieren, der gleichzeitig als Leinwand für Projektionen diente.

Spielerisch und schrill wirken die Installation und die Entwürfe von Gilles-Anthony Treskatsch in einem Weißen raum um eine schwarze Pfütze. Die Protagonisten bilden Kontraste und jeweilige Gegenentwürfe. Die Kleidung bleibt weitestgehend in der Distanz verharrend und wie ein Wächter wird der Raum vor einen betreten und hineintauchen geschützt.

Weiter auf der gleichen Gebäudeeben wurden die Entwürfe von Valentina Grajales Garcia gezeigt. Im engen Flur hantierten ihre Protagonistinnen mit Stoffflächen zu einer Videopräsentation. Die Entwürfe sind aus gebrauchter Kleidung entstanden.

In einem Obergeschoss fanden die Performances von Ejra Sunna Brunner und Géraldine Reber statt, die in Bezug auf die reine Präsentation von Mode die emotionalsten Zugänge boten. Ejara Brunner gelingt es mit lauten Farben und weichen Übergängen kontrastiert ansprechende Entwürfe vorzustellen, die sowohl im zeitgenössischen Kontext als auch im Rückgriff auf die frühen 1970er bestehen. Ihre Protagonisten agieren nüchtern und wie verloren im Raum. Es entsteht ein Spiegelbild der Ichbezogenheit ohne in einen Narzissmus oder in autistisches Verhalten abzugleiten.

Ebenso spielt Géraldine Reber mit der Konfrontation der Emotionalität der Protagonisten in abstrahierten Entwürfen, die nur noch facettenhaft das unterstreicht, was emotional sich kontrastiert. Ihre Entwürfe spielen mit den Grundemotionen und kleiden diese ein. Auf Farbe verzichtend wird dem Ganzen eine authentische Klarheit unterlegt.

Neben den jeweiligen Modekollektionen konnte die Ausstellung durch ihre Ausgewogenheit ansprechen und auch das Ambiente des Gebäudes und Interieur gut nutzen. Ins Auge ist uns noch das Werk von Mirjam Hurschler gefallen. Die Künstlerin bringt ihre sehr kräftigen Bilder von Lebendigkeit und weiblichem Gebären sehr emotional zur Geltung.

Weitere Impressionen aus der F+F:

The post Diplom-Schau 2020 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg

„Doing fashion“ ist der Projekttitel, unter  welchem uns die frischgebackenen Absolventen des Diplomstudiengangs Modedesign der Hochschule Basel jährlich ins Haus geschneit kommen. Nach mehreren Jahren der Abwesenheit sind wir wieder zu der Diplom-Modenschau in die Reithalle an der historischen Kaserne an den Rhein gekommen.

Neben Genf (Head) und Zürich ist Basel ein Studienort in der Schweiz, an welchem jährlich ein staatlicher Studiengang angeboten wird. So präsentierten an diesem (22.3.) lauen Frühjahrsabend 18 Absolventen ihre Entwürfe dem Publikum. Für die Veranstaltung waren Eintrittskarten öffentlich im freien Verkauf. Die Schau war in ein sehr stark visuell ausgelegtes Gesamtkonzept eingebettet. So wurde die Reithalle der historischen Kaserne Basel in Weiß getaucht. Das Publikum wurde um eine zentrale Fläche in der Mitte der Halle gruppiert und hatte weiße Stoffschützer über die eigene Schuhe zu stülpen. Auf dieser Fläche wurde eine ebenfalls weiße Podestinstallation, flankiert von aufgetürmten Fernsehbildschirmen, platziert. An der Decke wurde ein Raster aus duzenden Leuchtstoffröhren in vertikaler Ausrichtung als Grundbeleuchtung aufgehängt. Das kaltgrüne Neonlicht tauchte den Raum zusammen mit eingeflutetem Nebel in eine distanzierte, reduzierte und fröstelnde Stimmung. Als Grundkonzept hätte dieser Ansatz einen sehr guten und interessanten Rahmen für eine ansprechende, sachlich ausgerichtete Modenschau geboten. In Kontrast zu diesem dominanten Rahmenwerk stand dann allerdings die eigentliche Präsentation der Mode. Alle 18 Kernkollektionen wurden in einer gut eine Stunde dauernden Schau am Stück gezeigt, wobei jeder Absolventin und jedem Absolventen jeweils musikalisch eigenständige „Choreografie“ zugewiesen war. Gerade hier lag der Schwachpunkt des gewählten Konzepts. Bei vielen Schaufragmenten war es einem großen Teil des Publikums gar nicht möglich die Entwürfe komplett zu sehen. Gerade an den kurzen Flanken der Publikumsreihen konnte man oft nur einen wagen Blick auf die Silhouetten erhaschen und musste sich ansonsten bei fast der Hälfte der Looks mit der Rückenansicht zufrieden geben. Weiterhin war eine Teil der integrierten Präsentationen vom Publikum recht weit entfernt, oder im Rahmen der  individualisierten Lichtschau in Dunkelheit oder knall buntem Licht untergegangen. Viele Choreografien führten zu wild im Raum umher gehenden, oder sich entgegenkommenden Modellen, was zum Abschluss in einem wilden, anfallartigen Herumgezappel bei der letzten Absolventin gipfelte. Von dieser Kollektion konnte man beim besten Willen nur die Farbwahl der jungen Designerin festhalten, für welche sich diese entschieden hatte – die eigentliche Mode ging fast völlig unter. Diese Gegebenheiten machte es leider unmöglich eine umfassende Bildberichterstattung aller Absolventen und Looks zu realisieren.

In Bezug auf die Designphilosophie, so wie wir jene von der HGK Basel in den Jahren kennengelernt haben, ist oft eine freie, wenn nicht losgelöste Interpretationen von den Grundfunktionen bei Bekleidung. Der Topos „Form folgt Funktion“, wir sehr oft durchbrochen und teilweise in freier, kreativer Ausarbeitung konterkariert. Tradierte Formensprache ist deshalb seit Jahren nur bei wenigen Absolventen in deren Werken sichtbar und zeitgenössische Bekleidung findet sich indes selten. Vielmehr wird aggressiv und expressionistisch mit Volumen und Materialmixen gespielt. Im Ergebnis führt dies oft zu einer Verneinung der Funktion von Bekleidung insgesamt. Interessanterweise stellen sich gerade jene Designer, die in Basel zeigten positiv in eine progressive Ausgangsposition, welche in freier Interpretation sich Männermode widmeten. Hier wird erfrischend oft die gesellschaftliche Uniformität von Bekleidung durchbrochen und der Schwerpunkt auf Darstellung der Individualität in einem gesellschaftlichen Zusammenhang gestellt, welcher zum Ausdruck bringt, dass der Herr, der diese Kleidung trägt keinen Konventionen (mehr) unterworfen ist – beziehungsweise dies zum Ausdruck bringen will. Man(n) trägt Mode, um zu zeigen, dass man sich nicht äußerlich einem Diktat unterwirft, welches sagt: „Ich (Subjekt) zeige durch meine Kleidung, dass ich (Objekt) arbeite um meinen Lebensunterhalt zu verdienen“. Hiermit wird ob bewusst, oder unbewusst die momentan laufende Diskussion zu anderen Interpretationsansätzen aufgegriffen, welche Barbara Vinken mit ihrem aktuellen Beitrag „Angezogen“ mit angestoßen  hat.

Im Folgenden haben wir bei der Verschlagwortung der Bilder von der Schau bewusst darauf verzichtet, mit Bildunterschriften auf die Absolventen zu verweisen, oder direkt inhaltlich uns mit den Entwürfen im Konkreten auseinander zu setzen, den dies würde zum einen den Rahmen sprengen und zum anderen keiner fairen, ausgewogene Berichterstattung entsprechen. Vielmehr soll die rudimentäre Bebilderung dazu dienen einen emotionalen und ersten Eindruck über die Veranstaltung zu vermitteln – den bei aller Kritik und akademischer Auseinandersetzung bleibt auch festzuhalten, ein großer Teil des Publikums war gut unterhalten. Für einen weiteren Blick auf die Absolventen und Entwürfe erlauben wir uns auf die Dokumentation der Hochschule und des Projektes zu verweisen – hier.

The post Doing fashion – Diplomschau Basel 2014 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Alfredo Villalba ist ein spanisches Modehaus, das seinen Ursprung bereits in den 1970er Jahren hat und ein typischer Familienbetrieb geblieben ist. Diego Villalba, Sohn des Gründers führt nunmehr seit rund zwölf Jahren die Geschicke der Marke.

Modedesign aus Spanien hat es angesichts der aktuellen wirtschaftlichen Lage in Spanien zusätzlich sehr schwer, ist doch ein teil der Kundschaft im mittleren Segment weggebrochen und die sozioökonomische Gesamtlage eher darauf gerichtet, neue konzeptionelle Wege zu beschreiten. Bereits jetzt zeigt sich auch in der Mode in Spanien der individualistische Drang seine Gefühle und seine gesellschaftlich Positionierung anders zu zeigen, wie in den vergangen Jahren, oder trotzig Stilrichtungen zu manifestieren.

Das Design von Alfredo Villalba ist schon seit vielen Jahren ein Synonym für sehr prunkvolle, repräsentative Damenkleidung, die auf tradierte Aufrechterhaltung etablierter Rollensysteme und -verteilungen abzielt. Gerade diese Ausrichtung hat die Marke als Ehrengast auf der Fashion Week in Lviv für das Zielpublikum sehr interessant gemacht, besteht in der lokalen Kundschaft und Käuferschicht doch ein enormes Interesse an Repräsentation – zeigen zu können und dürfen was man (finanziell) hat. Mitunter bestehen hieraus für unsere eurozentristisch minimalistische Designtradition und -sichtweise entsprechende Hemmnisse und Zugangsproblematiken. Insofern ist es aus den gegebenen lokalen Kontext heraus nur möglich eine technisch analytische Betrachtung der Kollektion anzustellen.

Die präsentierte Kollektion für den Sommer und das Frühjahr 2014 besteht überwiegend aus einer Reihe an kurzen, feminine Attribute und Wertprojektionen herausstellenden Etuikleidern. Dabei ist die Ausgestaltung der Oberflächen opulent bis verspielt bunt. Sehr auffällig sind streifenförmige horizontale Gliederungen, die durch direkte Verschnürungen die Gesamtflächen bilden. Zusätzliche werden massive Applikationen und Ornamentiken auf den Kleidern aufgebracht. Stilistisch erinnern diese Kleider sodann an den italienischen Edelprunk der späten 1980er und 1990er Jahren, der ebenfalls auf Blickfänge ausgerichtet war. Luxus ist hier das spezifische Schlagwort. Technisch leiden leider viele der Kleider an einer unausgewogenen Passform, die je nach Konfektionsgröße, dem Gewicht der Kleider zu zulasten ist. Gerade vom Profil und von den Rückenansichten zeigen sich hier die Schwächen des Gesamtkonzeptes enges Etuikleid augenfällig – ein Manko, das besonders bei der Interpolation auf andere Kleidergrößen jenseits der „34“er Marke deutlich sichtbar wird.

The post ALFREDO VILLALBA SS14 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix

Bilder: Patrik Gerber

Immer wieder berichten, beziehungsweise besuchen wir Diplommodenschauen auf der Suche nach neuen Talenten und Entwicklungen. Aus diesem Grund hat es unser Team nach Genf verschlagen, um sich dort vergangene Woche die Werke neuer, frischgebackener Designer anzusehen.

In Genf ist die HAUTE ÉCOLE D’ART ET DE DESIGN GENÈVE – abgekürzt HEAD zu finden. Diese Hochschule ist maßgebend in der französischsprachigen Schweiz und eine der entscheidenden Schmieden in der gesamten Schweiz. Insgesamt schließen in der Schweiz jedes Jahr rund 80 Designer mit entsprechenden Abschlüssen an staatlichen, wie auch privaten Lehreinrichtungen ab – im gesamten deutschsprachigen Raum sind es dieses Jahr etwa 580 junge Designer, welche in die Berufswelt starten. An der „Marktsituation“ hat sich indes in den vergangenen drei Jahren nicht wesentlich viel geändert, auch wenn die Wirtschaft sich langsam erholt und gerade auch im Bereich Luxusgüter – und für viele Menschen ist Modedesign ein Luxusgut – etwas entspannt hat. Strukturelle Verschiebungen im Bekleidungssegment finden immer noch global statt und Nachholbedarf in Schwellenländern wird gesättigt. Dies allerdings ohne wesentlich die Bedingungen für einen Berufseinstieg zu verbessern. Grundsätzlich sind indes die Rahmenbedingungen für junge Talente in der Schweiz aufgrund diverser staatlicher Förderungsmöglichkeiten immer noch sehr gut im Vergleich zu anderen europäischen Ländern. Diesem verstärkten Engagement, Einstige zu fördern steht aber auch eine Entwicklung im regionalen und lokalen Segment gegenüber, dass Kunden vermehrt internationale Marken kaufen und weniger experimentierfreudig sind.

Auch von den diesjährigen Absolventen bringen wieder einige Designer unserer Auffassung her das Rüstzeug mit, sich im Beruf etablieren zu können. Hier findet sich der erste teil der vorgestellten Werke.

Lucille Mosimann

Alix Bigler

Sophie Colombo

Laure André

Camille Bühler

Virginie Merlet

The post HEAD – Genf 2014 – Teil 1 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix

Bilder: Marcello Rubinbi & Boris Marberg

Unter verschiedenen Prämissen stellt sich bei dem Designerduo Augutsin Teboul die Frage, ob ein nachhaltiger Ausgleich zwischen Kontinuität und dem Progressionsdruck der Modeindustrie gelingen kann. Design das in der Schnittstellendefinition zwischen Alltags- und Kunstgegenstand eindeutig letzterem näher steht birgt Risiken, wie auch Chancen – schlussendlich wirft es aber die Frage nach der Selbstdefinition auf. Schwarz, düster, detailreich und dennoch verspielt sind die Assoziationen die fraglos in den Ring geworfen werden, wenn man sich mit dem Werk von Annelie Augustin und Odély Teboul auseinandersetzen will.

In der Grundthese lässt sich seit Bestehen des Labels eine sehr düstere, fast schon Endzeit orientierte Sichtweise und Thematik erkennen, die den Betrachtern ins Auge springt. Dabei verstehen es die beiden Designerinnen immer feinste handwerkliche Techniken in die emotional sehr aufgeladenen Entwürfe zu integrieren. Von einem saisonalen Werk kann man indes nicht sprechen. Vielmehr steht das gesamte bisherige Werk der beiden Kreativen zur Disposition und sollte in einen Gesamtkontext gestellt werden. So kann man die in Berlin in der Galerie Thomas Schulte präsentierte „Kollektion“ nur verstehen, als eine Erweiterung des Bisherigen, sozusagen eine weiteres Kapitel in der Erzählstruktur des Labels.

Teleologisch reduziert, und auf die in Berlin präsentierten Kollektionen ausgerichtet liegt ein Vergleich mit der neune Kollektion von Dawid Tomaszewski am nächsten. Leukipps „Programmatik“ – Nichts geschieht zufällig, sondern alles aus einem Grunde und mit Notwendigkeit – wirft automatisch im Modezirkus die absolute Sinnfrage auf. Dem Vernunftgebrauch nach zeigen Annelie Augustin und Odély Teboul eine intensive Auseinadersetzung mit den Dunkeln Seiten der Gesellschaft, Ängsten, Zweifeln, wie aber auch eine intensive Abgrenzung zu heller Individualität und Subjektivität. Dies zugrunde legend ist es auch konsequent, stetig konzeptionell auf Themen und Grundsätze des Surrealismus zurück zu greifen. Hier liegt der wesentliche Unterscheid zur Kollektion von Dawid Tomaszewski, auch wenn der oberflächliche Blick Parallelen nahelegt.

Um den Kreis zu schleissen, wirft dies alles aber auch die Frage auf, ist Kunst dann nachhaltig, wenn sie mit dem Topos Mode als Ausdrucksform spielt oder zwingt dies nicht unweigerlich dazu neue Definitionen in Betracht zu ziehen.

The post Augsutin Teboul AW13 appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Marcello Rubini

Text: Gerhard Paproth

Eine wundervolle Veranstaltung, die wir uns nicht entgehen lassen, wie unsere geneigten Leser mittlerweile wissen. Die ersten und zweiten Ausbildungsjahrgänge der Modeschule stellen innerhalb von wenigen Wochen eine Show der extensiven und kreativen Fantasie auf die Beine, die in allen Bereichen zwischen Mode und Theater oszilliert und reizvolle Themen auffächert, mal spaßig, mal ernst. Thema dieses Jahr war „HOME SWEET HOME“, unterteilt in Traditional-, Suburban-, Robot-, Emanzipation-, Doll House, Boheme-, Disordered-, Bourgeois-, Dream-Home und einem abschließenden Finale. Das hat viel Spass gemacht, offenkundig den Studenten und auch dem Publikum.

Denn in dieser traditionellen Veranstaltung zeigen die Esmod-Studenten eben weniger ihre professionell ausgerichteten Ambitionen, sondern besonders Varianten des Denkens und kreativen Vorgehens, experimentelle Lust und facettenreiche ästhetische Statements. So kommt alljährlich ein äußerst unterhaltsames Panoptikum gestalterischer Freude auf die Bühne. Und zwar in einer Vielfalt und Ausdruckskraft, die später im Verlaufe der Ausbildung dann, so ließ die letzte Show der Diplomanden im Juni dieses Jahres jedenfalls vermuten, leider deutlich nachzulassen scheint.

Insgesamt erlebten wir ohne Enttäuschung wieder eine fulminante Huldigung an die Schutzheilige der Kreativen (Sainte Catherine), die auch deswegen viel Spaß gemacht hat, liebe Studenten und Dozenten, weil sie zeigt, wo die Essenz des Modeschaffens bleiben sollte, auch wenn die professionelle Marktsituation später hier die üblichen Einschränkungen einfordert. Aus dieser Sicht also ist die Saint-Catherine-Veranstaltung (deren Einnahmen übrigens dem Autonomen Frauenzentrum Potsdam gestiftet wurden) zweifelsohne die aufregendere als die üblichen Profi-Catwalks.

The post Esmod – Sainte Catherine 2012 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Anna Yakovenko präsentierte nun schon zum zweiten Mal eine kleine Kollektion für den Sommer 2013 auf der Fashion Week in Lviv. Die Designerin und Stylistin aus Kharkiv der klassischen Damenmode verschrieben ohne gross Experimente zu einzugehen. Entsprechend überzeugen die Entwürfe durch klare, feminine Silhouetten und Volumen. Die einzelnen Looks bestehen aus verschiedenen Kombinationen. Neben Overalls und Hosen-Kombinationen beinhaltet die Line auch lange, teilweise weit schwingende Kleider, aus leichten Materialien mit Textildrucken. Bei der Farbpalette setzt die junge Designerin auf entsättigte Nuancen und Erdtöne. Das Maximum an Strahlkraft ist kräftiges Gelb bei einem klassischen Damenblazer. Sehr schön und dezent wirken die ersten Looks der Kollektion, die mit klaren Oberflächenkonstruktionen und Brüchen in der Linienführung spielen. 

The post Anna Yakovenko SS13 appeared first on modaCYCLE.

Die Herrenkollektion des Designers Petro Nesterenko-Lanko war eines der High-Lights der Lviv Fashion Week und markiert momentan den progressivsten Ansatzpunkt in der Ukrainischen Mode zeitgenössische Strömungen in der Herrenmode mit traditionellen Ansätzen zu kombinieren.

Entsprechend sind die Applikationen, Muster und Schichtungen sowohl was die Materialen, die handwerkliche Umsetzung als auch die Motive betrifft sehr klassisch ausgestaltet. Gerade die Kombination mit einem lockeren Look, der in den Konstruktionen, als auch in den Silhouetten viel Freiraum lässt und Tragekomfort bietet macht den Kern der Kollektion aus. Dabei spielen Aspekte wie Streetwear, Sportswear und die Adaption von klassischen Trachten eine wesentliche Rolle. Ebenso spielen Accessoires und Schuhe eine grosse Rolle. Tituliert ist die Kollektion als Sommer / Winter 2013 was bereits beim ersten Blick aus unserer Perspektive etwas irritiert und eher den Eindruck einer Winterkollektion erweckt, wenn viele Looks mit schweren Mänteln und Jacken kombiniert sind. Zu Petro Nesterenko-Lanko, als Designer muss man noch anmerken, dass er einer der Protagonisten in der osteuropäischen Modeindustrie ist. Neben seinem Label ist er seit rund fünf Jahren auch einer der beiden Hauptinitiatoren der der Fashion Week in Lviv und präsentiert nur relativ selten auf den heimischen Schauen. Im Vergleich zu den letzten Kollektionen, die eine breitere Öffentlichkeit erfahren haben stellt diese Kollektion in Bezug auf Visualität, wie auch Stil einen enormen Schritt nach vorne dar und ist wesentlich sachlicher und weniger verspielt ausgerichtet, was auch weitere Kreise eröffnet.

Petro Nesterenko-Lanko (3.P.v.l.)

The post Petro Nesterenko-Lanko SS13 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix

Bilder: Andreas Hofrichter

Die neue Herbst- und Winterkollektion des Münchner Designer Marcel Ostertag ist eine Hommage an das Musische im Weiblichen. Wie in einem Schaukäfig gefangen und präsentiert stecken die Lebendigkeit, Ursprünglichkeit und die dynamische Wildheit des Femininen, und die Modelle, in goldener, metallischer Strahlkraft. Die Kreationen werben mit ihrer extravaganten Ausstrahlung um Wahrnehmung und Bewunderung.

Getragen wird die Kollektion durch eine klare und feminine Linie, die sowohl schlanke Silhouetten, als auch dynamische, fließende Volumen hervor bringt. Diese beiden formalen Kontrastpunkte unterstreichen die beiden Pole um welche die Kollektion kreist. Zum einen finden sich in moderner Ausgestaltung Rückgriffe auf die abgrenzend, rebellische nach Freiheit strebende Jugendkultur in der Mode der späten 1960er und 70er Jahre, wie auch eine Herausarbeitung eines starken, herrischen Lebensgefühls eines zeitgenössischen, selbstbewussten Feminismus, der in strengeren Kreationen, wie Hosenanzügen, Etuikleidern und Kombinationen aus Röcken und Blusen zum Ausdruck kommt.

Die visuelle Basis bei den Materialen bilden metallische Looks, um die herum in gedeckten Farben, wie Dunkelgrün, Braun und Grau komponiert wird. Dabei greift Ostertag auf edle Materialien zurück. Seide, Baumwolle, Kaschmir, Leder und Wolle bilden ein Rahmenwerk um die Blickfänge in Gold. Abgerundet wird dies bei  dynamischen, und schwingenden Kleidern  durch Textildrucke die eine Mischung aus Paisley und Pepita umsetzen. Besonders sind Marcel Ostertag wieder Hosen und voluminöse Mäntel gelungen, die auch die Tragbar- und Kombinierbarkeit seiner Kleidung wiederspiegelt.  Die Bewegungsdynamik bei Lieblingsstücken des Designers wird durch die Verwendung von Franzen und Ketten unterstrichen. An Accessoires zur Abrundung der Kollektion, haben wir die oftmals in den vergangenen Saisons präsentierten Taschen des Designers vermisst (zum Beispiel Kollektion SS12).

The post Marcel Ostertag AW12 appeared first on modaCYCLE.