Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Label Bondy der Jungdesignerin Judith Bondy gibt es seit 2018 mit ein bis zwei kleinen Kollektionen jährlich (hier quasi als alternativer Nachschlag zur Fashionweek) mit Kleidung, Schmuck und Accessoires. Da entsteht ein kleiner, bunter, fast willkürlicher Kosmos mit meist romantisch verspielten Kleidungsstücken und auch neopoppigen oder entfernt an Fetischszene erinnernden Teilen, die mittlerweile eine eigene Modeströmung bilden und sich auch frei untereinander mischen, wie wir schon bei der Platte-Look-Schau gesehen haben.

Gerade die Zusammenstellung des Verschiedenen ist wichtige Basis der Leitidee und steht auch für eine Vorstellung von sozialer Vielfalt beziehungsweise Durchmischung. Gemixt werden Elemente der Populärkultur der letzten 70 Jahre, also von Fifties über Op-Art, Flowerpower, Coolness der 80er bis hin zur Gegenwart, schön bunt, schimmernd, handwerklich geprägt und hie und da etwas schräg und auf Fantasy anspielend. Satin, Tüll, Strasssteine, Metall und PVC sind bestimmende Materialien und Weiß, Pastellfarben, Pink, Lila und Mintgrün als Hauptfarben akzentuieren eine weibliche und auch ein wenig kindlich anmutende Konnotation.  Verspiegelte Sonnenbrillen der Fünfziger, Handtaschen und verspieltes Schuhwerk ergänzen die Auftritte des mutigen Crossovers für große Mädchen.

Das etwas versonnene Blumenambiente auf und vor himmelblauer Folie ist hübsch und wirkungsvoll arrangiert mit echten und künstlichen Moosen und Blumen und mit zarten Schleifen. Weiße Pantonstühle (6os-Klassiker) darin als Ruhepole. Zwei Inseln, die ein Arrangement ergeben, in dem die vorgeführte Mode sich pittoresk für unzählige Handyfotos präsentiert: ein wichtiger Gedanke der Planung. Die Handyklicksituation – alle Zuschauer waren damit ausführlich beschäftigt – bestimmte die ganze Veranstaltung, wenn man mal vom Szenegeplauder danach absieht. Kalkulierte Wahrnehmung via Smartphone, Instagramm-Distribution und Konservierung im Handykosmos sind wesentlicher Teil des Konzeptes und vielleicht sogar der zeitgemäßeste Aspekt dieser Vorführung.

„Neverend“ heißt die Kollektion. Ein Pressetext führt hierzu aus: „NEVEREND folgt der Geschichte eines einsamen Frosches, der die Menschheit überlebt hat und Artefakte einer vergangenen menschlichen Rasse auf seiner Haut trägt.
Der Frosch wirft die Fragen auf: Wie wird die Menschheit Relikte ihrer Zeit auf der Erde hinterlassen? Kann es digitale Antiquitäten geben? Und werden die Überreste, die wir zurücklassen, eine wahre Repräsentation der menschlichen Erfahrung sein?“

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Susumu Ai öffnete während der Fashionweek einen temporären Showroom mit elf Outfits, die den Stil und die aktuelle Kollektion repräsentieren. Das noch relativ junge Label von dem Paar Keiho und Alisa Menkhaus möchte eine Verbindung schaffen zwischen japanischem Modestyle und europäischem, und zwar auf eher alltäglich tragbaren Niveau. Gleichwohl sind die Teile alle handgefertigt in ihrem Berliner Atelier und aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien. Die Mixturen, die viele der Outfits ausmachen, sind nicht selten gewagte Zusammenstellungen aus japanischen Stoffen und Prints, westlichen klassischen Kombinationen (z.B. Bluse, Jacke, Hose) und Schnitten aus beiden Kulturkreisen. Sehr dominant sind allerdings die japanischen Elemente und Schnittgeometrien, die häufig aus großen (rechteckigen) Flächen, auch geschichtet, Kimonoelementen und typisch japanischen Mustern bestehen. Die westlichen Einflüsse sind eher so, wie man sie auch in Japan selbst in moderne Kleidung eingebracht hat. Insofern ist die Kollektion Susumu Ais wie eine aus Japan importierte, aber hier hergestellte Modevorstellung.

Das macht es aber trotzdem spannend, denn diese Erscheinung erweitert die auch hier noch gern verwendete Schichtungsarchitektur im Sinne einer exotischen Note, die einer gediegenen Bekleidungskultur entnommen ist und darüber hinaus die Schnittstellen des Entwerfens beider Kulturkreise geschickt herausstellt. Natürlich sind die Versatzstücke japanischer Kleidung auch ein wenig klischeebehaftet und immer aus einer ganzheitlichen Idee heraus gelöst, oft sind es nur noch assoziative, wirkungsvolle Wahrnehmungskicks, aber die werden elegant vorgeführt. Bei manchen Stücken ist das atemberaubend gut gelungen, wie bei der ärmellosen Damen-Jacke aus Kimonostoff oder haoriartigen Männerjacken.

Das Label positioniert sich jetzt mit einem Shop in der Friedrichstraße im Quartier 205 und schließt sich auch einer Gruppierung von Geschäften dort an, die während der Berliner Fashionweek eigene Veranstaltungen initiieren, wenn auch mit bislang eher limitierter Beachtung. Susumu Ai dürfte dabei eine echte Bereicherung mit sehr individueller Note sein.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Wenn ein Designer wie Danny Reinke seine Kollektion „Devil’s Delight“ nennt, ist das mit Vorsicht einzuordnen und auch als mutiger Titel, wenn man dann die Schau sieht. Denn die vorgeführte „Hölle“ ist eher ein besänftigender Spaziergang über den rauen Catwalk, der nur durch etwas härtere Farbspiele in der vorangestellten kurzen Videoprojektion eingeleitet wird und dann aber, wie bei diesem Designer gewohnt, mit feinen Farbvariationen, zarten Oberflächen und eher klassischen Schnitten daherkommt. Jeder Look ist sparsam ausgeführt, mit viel Geschmack am Delikaten und höchstens vorsichtigen Akzenten. Nichts Offensives, das weh tut und alle Kontraste sind aufs Harmonische abgemildert.

An manchen Stellen muss man das allerdings etwas relativieren, besonders bei den Beispielen mit grobem Schuhwerk, umso mehr als großartige Stiefel und auch feine Schuhe (mit gelöcherten Strümpfen) zeigen, wie die Looks kongenial ergänzt werden können und deren Wirkung – gerade bei den kurzen Röcken und Kleidern – sogar noch steigern. Auch die leicht übertriebenen Einlagen, wie die Schleppe, wirkten auf uns etwas kontraproduktiv und ein Leder- (oder Kunststoff-) Outfit saß denkbar schlecht. Kleine Wermutstropfen in einer ansonsten delikaten und sehr geschmackvollen Kollektion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lange hat man nichts gesehen von Esther Perbandt, jetzt ist sie wieder da. Schleichend und behutsam hat sich die Marke verändert, musste sie ja auch, die Urprungsära von Postpunk, Goth und Post-Industrial ist ja längst vorbei. Immerhin gezielt zum Eleganteren hin, was im Hinblick auf die Startkonstellation vielleicht etwas verquer anmutet, aber grudsätzlichen Gestaltungsstilismen ist die Designerin schon treu geblieben. Besonders dem Schwarz.

Esther Perbandt entdeckt gerne Printmotive, die sie dann in verschiedenen Aufdrucken und Applikationsformen verwendet, in diesem Falle Blaupausezeichnungen mit Erläuterungen zu Seidenproduktionsmachinen aus alten Zeiten und aus Frankreich. Früh-Industrial, könnte man anmerken, das ist noch ein origineller Rückbezug. Aus den gefundenen Motiven sind in Lago di Como, Italien, Jacquardstoffe aus Seide-Leinen entstanden, Jacquard-Foulards aus Wolle und Seide und hochwertige Drucke auf Seide. Ebenso inspirierten sie zu einer neuen Schmucklinie aus teilweise überdimensionierten goldenen Zahnrädern als Ohrringe, Halsketten, Armcuffs und Gürtelbeschlägen. Dazu kommt ein Faible für schwarzseidene Kordeln (siehe ganz unten) mit goldenen Versatzstücken (Enden), wie überhaupt die Kombination Schwarz mit Gold ein wichtiges Gestaltungselement der Kollektion sind.

Hinzu treten Schuhe mit blockartigen Podesten unter den Sohlen (mit denen man aber noch ganz gut laufen kann) und Hüte aller Art von Fiona Bennett, oft sehr hoch wie seinerzeit bei Hoss von „High Chapparal“. Wir lieben Fiona Bennett, aber für diese Kollektion erschienen die Kopfbedeckungen weniger passend, da hätte man sich vielleicht kongruentere Entwürfe zur Kollektion gewünscht. Besonders bei den beiden Milchbubi-Modellen wirkten die Hüte schon ziemlich unernst.

Kaum jemand beherrscht die Gestaltung mit Schwarz in Schwarz und das Lichtspiel darauf so gut wie Esther Perbandt, diese Kompetenz hat sie in bestechender Weise kultiviert. Auch mit eleganten, feinen Textilien und schimmernden, eingewebten Mustern sowie mit den Kontrasten zu dem erwähnten schweren Goldschmuck. In den Schnitten bleibt sie ihren herkömmlichen Verfahren im Wesentlichen treu, aber die Schichtungen mit den stets gekonnten Effekten sind nicht mehr so zwingend die entscheidenden Wirkungsaspekte. Andere Gliederungen und Regulierungen, wie zum Beispiel mit den eleganten Schärpen, haben an Wichtigkeit gewonnen, vorteilhafterweise.

Auch die konsequente Geschlossenheit von dem Füßen bis zum Hals ist jetzt gelegentlich aufgegeben und man entdeckt damit die Erlaubnis zu mehr Sexyness und Hinwendung zum menschlichen Körper, der die Sachen trägt.

Getragene Elektromusik und langsame Bewegung der Modelle ist schon eine ungewöhnliches Schaukonzept, aber Esther Perband kann tolle Inszenierungsideen auf die Beine stellen, insofern reiht sie sich leider trotzdem in die üblichen Laufstegrituale ein, das fanden wir etwas schade, denn, wenn nicht sie, wer soll diese gleichförmig banalen Rituale endlich mal etwas ideenreicher aufbrechen?

Alles in allem ist die durchdringende Veredlung des Ersther-Perbandt-Styles ein absoluter Gewinn, die Geschmacksverfeinerung und Zuwendung zu Eleganz und ästhetischer Aura ist ein echtes Sehvergnügen, gerade da wo das Schwere und Verpackende leichter und raffinierter in der Zurücknahme geworden ist. Damit ist Esther Perbandt mit ihrem „Comeback“ auf dem Schauenzirkus nach wie vor die relevanteste Berliner Modedesignerin aus Berlin.

Esther Perbandt ist auch gerne anderweitig gestalterisch unterwegs, jenseits der Bekleidung und des Schmucks. Wir berichteten schon anläßlich der Positions von diesen Ambitionen, die sich an der Grenze zwischen Kunst und Modedesign bewegen. Es ist schwierig, diese Arbeiten einzuordnen, man könnte es vielleicht zweckfreies Design nennen. Anläßlich der Fashionweek hat Esther Perbandt eine kleine Installation aus drei Teilen in die Fußgängerpassage des „Bikini“ gestellt, wo sie dann auch der oben erwähnten Lust auf schwarze Kordeln ausführlich frönen konnte. Sieht schön aus.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Schon in den vergangenen Saisons lud die Mercedes Benz einen Sieger des vorhergehenden Hyères-Festivals für die Eröffnungsveranstaltung der offiziellen Fashionweek-Veranstaltungsreihe nach Berlin ein, für aw 2022-23 ist das die Gewinnerin des (neuen) Preises „Mercedes-Benz Eco-Responsible Collection Award“. Mit der Schau hat die Jungdesignerin aus Helsinki ihre Kollektion etwas erweitert unter Beibehaltung ihres gestalterischen Grundprinzips. Das besteht wesentlich aus parallel repetierten Schlaufen- und Knopfleisten, die Formvarianten zulassen und zugleich die ästhetischen Gefüge bestimmen. Grundlage des Denkens, daher auch der Preis, ist das ökologische Arbeitsethos, Schwerpunkt der Stilistik eine stark romantisierende, entfernt auch mal Countrylife assoziierende Ausstrahlung. Das gelegentliche Bauschen der Röcke vermittelt zwar etwas Plastizität, ansonsten blieb die Anmutung aber eher etwas flach. Und während die systematisch ordnenden Bänder eher eine strenge orthogonale Regelmäßigkeit vorgeben, gelingt es mit dem Gesamtschnitt zunehmend besser, den Silhouetten und den Gliederungen die erforderliche Weichheit und Lebendigkeit zu vermitteln. Besonders bei den Oberteilen sind dadurch sehr schöne und eigenwillige Gestaltungen entstanden, gerade bei den neu zu der Hyères-Kollektion hinzugekommenen Kleidern, was ein echter Gewinn und Fortschritt ist.

Ausserdem sind zu den eher gedeckten oder lichten Farben nun auch Schwarz und Weiß hinzu getreten, die der Ausstrahlung auch eine deutliche Portion straighterer Eleganz mitgeben. Auch Körper bzw. Taillenbetonungen tragen erheblich zur Gestaltmodifikation bei, im Gegensatz zu den sehr schlichten und A-förmigen Silhouetten, die zwar bequemen Bewegungsspielraum bieten, aber auch eine gewisse Bekleidungspragmatik assoziieren, die der Ökomode imagemäßig oft eher geschadet als genützt hat.

Es hat sich also gelohnt, die Kollektion mit viel Gestaltungsfeeling attraktiv auszubauen und damit den Erfolgsstart ästhetisch zu unterfüttern.

Und natürlich zeigt sich auch an diesem Beispiel, dass die französische Strategie der Nachwuchsförderung ziemlich effektiv ist, auch was das ökologische Ethos betrifft, während hier in Deutschland lieber die Diskussionen zu kreisen scheinen und die Gesamtperspektive effektiver Förderung aus dem Organisationsfocus gerückt zu sein scheint. Dieses Problem betreffend hat die Berliner Modeinstitutionalisierung noch immer keinen klugen und geradlinigen Weg gefunden und vielleicht wäre es gut, diese Eröffnungsschau zum Anlass zu nehmen, mal darüber nachzudenken, warum in Frankreich etwas dabei heraus kommt und hier nicht.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz sind die zentralen Schlagworte, mit denen die PLATTE.Berlin angetreten ist – zuerst liest sich das wie halbhohle Werbeformeln aus dem Generationen-Sprech, aber schon vor und während der Veranstaltung kann man erkennen, dass dahinter echte Haltung und echte Bemühung stehen, sich in laute, sichtbare Form zu gießen. Vom Veranstalter und vom Publikum. Die Veranstaltung „Platte-Look“ nahe dem Alexanderplatz in und vor einem DDR-Plattenbau ist organisiert wie ihr Inhalt. Bewusst nicht perfekt, dafür aber mit viel Spass. Und das Publikum der fast in den Öffentlichen Raum reichenden Schau passt offenkundig zum spezifischen Modestatement und kommt genau deswegen. Also eher nicht das gesuchte, zahlungsfähige oder prominente Segment der „gehobenen“ Modeszene, sondern eine Spaßfraktion, die sich selber feiert. In London sind diese exzentrischen Groups und diese Szene besonders auf der Fashionweek gang und gäbe, hier in Berlin aber selten sichtbar, auch wenn man glauben könnte, Berlin sei der logische Ort dafür.

Lebensfreude, Lust auf Verwandlung, Spass an schreienden Farbkaskaden und -mustern, Freude am Anderen sind erkennbare Charakteristika der Bewegung. Es ist ein Statement sozialer Haltung mit gegenseitigem Ansporn und Beifall, ohne Ansehen von Herkunft oder Zahlungskraft. Kreativität ist das verbindende Element im deutlich Sichtbaren, Anstrengung, Mut und Abgefahrenheit gehören zum Potenzial der Aktivität. Man sieht – schon vor der Schau im Publikum – die liebevolle Herrichtung in den Details und die Exzentrik verwendeter Trouvaillen in den Zusammenstellungen der auffälligen Outfits. Und eine sehr große Vielfalt an Akzentuierung zeigt sich dann in der repräsentativen Schau: Punk-Heritage, sexueller Fetisch, Gothic-Fantasy, handwerkliche Individualkreativität, Rüschenromantik und vieles mehr stehen gleichberechtigt nebeneinander und auch die vorführenden Modelle entsprechen möglichst großer, individualgeprägter Vielfalt.

Das ist, als grundlegende und herausgestellte Haltung, ehrlich und sehr beeindruckend und darum unterstützenswert. Denn es ist definitiv Lust an gelebter und identitätsspiegelnder (oder -stiftender) Mode, einem Modeverständnis, das nicht leer und nur ein ästhetisches Statement sein will, sondern selbst kreativ ist und starker Ausdruck eines Lebensgefühls, einer (humanen) Verortung jenseits des Mainstreams. Aus diesem Verständnis relativiert sich die ästhetische Kategorie als relevanter Maßstab. Die Gestaltung ist schierer Expressionismus. Und die Vorführung etabliert charismatische Qualitäten. Just das, was den herkömmlichen Laufstegmodellen eher abgesprochen wird.

All das hat noch den Beigeschmack von Punk, ist vielleicht eine erweiterte Post-Punk-Bewegung: die gezielte ästhetische Rücksichtslosigkeit, die Provokation mit Schrillem und die Verachtung der Konventionen sind Versuche, eigene Lebensräume zu schaffen und eigene Konsensbereiche zu etablieren. Dazu gehört nicht nur Mut, sondern auch viel Anstrengung und radikale Konsequenz, was sich beispielsweise in den sexuell aufgeladenen Outfits zeigt. Letzteres fehlte ja der Punkbewegung seinerzeit und die Verschiedenheit beider Strömungen (Fetisch-Erotik und Punk) gehen nun eine überzeugende und inkludierende Verschmelzung ein. Beispielsweise. Und insofern bleiben die eingangs zitierten Werbeformeln nicht hohl und „modisch“ sondern finden reale Konkretisierung statt vorsichtiger Annäherung an Überzeugungstrends.

Im realen Leben tragbar oder nicht, die Frage stellt sich mit diesen gewagten Outfits eher weniger. Denn die Szene hat da wenig Berührungsängste. So scheint es jedenfalls.

Damit stellt sich eine exzentrische Bewegung mit radikal eigenem Modeverständnis neben die etablierten Werte aus dem Schauengetriebe der Fashionweek(s), sperrig gegenüber Beurteilungskriterien des Mainstream aber mit einer eigenen Überzeugungskraft, die wichtige und überzeugende humane Qualitäten hat und deutlich auf Aspekte verweist, die in eben jenem Modegetriebe untergegangen sind oder unterzugehen drohen. Der offenkundige, lebensfrohe Spass ist nur einer davon.

Die Schau zeigte einen Mix verschiedener Designer/Designerinnen und Labels ohne jeweils ausgewiesen zu sein. Dazu gehörten: 7585 – #Damur – Auf Augenhöhe – Dennis Chuenne Fade Out Label – Haram – Isabella Rudzki – Joulala – Bondy – Khassel – Kolo – Leinz – Lettau – Lu La Loop – Luise Zücker – Mies Nobis – Ministry of Upcycling – MYL Berlin – Perlensau – Sample-CM – Starstyling – Susumu Ai – Tata Christiane – Therapy Recycle and Exorcise – Trippen – UY – Versuchskind – W1P

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