Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Bereits seit 2007 gibt es das österreichische Label Callisti der Modeschöpferin Martina Mueller-Callisti, leider erst jetzt stellt sie ihre Arbeit auf der Berliner Fashionweek vor. Österreichische Designerinnen setzen schon seit langem maßgebliche Akzente auf der Berliner Veranstaltung, mit Callisti haben die einladenden Förderer Mercedes Benz und Elle nun einen faszinierenden Aspekt hinzugefügt, der die qualitative Messlatte hoch legt.

Im Focus des Designs steht die selbstbewusste, urbane Frau, die sich in Zeit und Kultur den verschiedensten Einflüssen stellt, und zwar auf extravagante und zumeist raffinierte Weise. Die konsequente Betonung der Taille positioniert dabei nicht nur das Prinzip des Weiblichen, spannend ist es, wie die Designerin die körperbetonende Wirkung variierend konzipiert. Auffallend dabei sind die vielen Gurt- und Korsettelemente aus lederartigen Materialien, die fein und elegant mit den verschiedenen Stoffen und Schnitten kombiniert werden. Raue Krafteffekte werden damit überführt in spielerische, subtil-sinnliche Gestaltungsmittel, die alle BDSM-Assoziationen von der prinzipiellen Strenge in eine lockere, sexy erscheinende Konstellation transferieren und so weibliches, zeitgeistiges Selbstbewußtsein definieren.

Auch die Schnitte entsprechen diesem Erscheinungsprinzip, Militärisches und Japanisches wird gebrochen oder aufgelöst in weicher, körperbetonender Linienführung, ohne zu verschwinden. Die Farbgebungen sind meist zurückgenommen und die Kontraste dienen eben der bezeichneten Linienführung, die die Kollektion stets elegant bestimmt. Im Ganzen entstehen leicht futuristisch anmutende Erscheinungen, zart und stark in Konzepteinheit und stets mit sicherem Geschmack elegant.

Verschiedene Designerinnen und Designer haben sich in den letzten Jahren dem Gurt, Gürtel und anverwandten Corsageelementen gewidmet – damit sicher auch einem Code der Zeit –, die Interpretation bei Callisti ist wohl der eleganteste Ausdruck, der sich aus dem Thema ableiten lässt, ohne die Implikationen zu negieren und die Spannung zu verflachen. Es entsteht vielmehr eine sinnliche, avantgardistische Positionierung von Frauenmode, ein echtes Alternativkonzept zur raubeinigen Berliner Bodenständigkeit, das ebenfalls deutlich das Hier und Jetzt eines urbanen Frauenbildes repräsentiert.

Men’s Fashion macht Callisti seit fünf Jahren ebenfalls und es bleibt abzuwarten, wie das in Zukunft auf Schauen die faszinierende Perspektive ergänzt. In jedem Fall bleibt zu wünschen, dass Callisti auch weiterhin in Berlin ihre beeindruckenden Designkonzepte präsentieren wird. Mit der innovativen Raffinesse und Eleganz wäre sie im Berliner Salon jedenfalls eine überzeugende Bereicherung.

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Sehr ambitioniert und stilvoll hat die Schweizer Botschaft erstmals eine eigene Veranstaltung während der Fashionweek ausgerichtet, um dem nationalen Modeschaffen eine eigene Plattform zu ermöglichen. In einer luxuriösen Gesamtstimmung in schönem Ambiente präsentierten sich die Schweizer mit ihrer Modenschau als äußerst liebenswürdig, anspruchsvoll und auch großzügig.

Zuerst konnte man an Ständen die Designerware erkunden, später folgte ein Défilée mit 13 ausgesuchten Labels – Modedesign und Accessoires. Fast alle repräsentierten letztlich einen eher unspektakulären Grundcharakter mit deutlichem Qualitäts-Anspruch in unterschiedlichen Variationen. Das erscheint wie ein eigenständiges Konzept inmitten der Berliner Fashionweek, welche sich ja eher innovativem Modedesign junger Nachwuchsdesigner verschrieben hat. Hier aber focussierten sich die Veranstalter auf ein Segment unaufgeregter und irgendwie bodenständiger Classe mit diversen Aperçus, die dem überhitzten Trendgetriebe andernorts eine gewisse Stabilität entgegensetzte.

Dabei versteht sich dieses Konzept durchaus nicht als grundkonservativ oder gar zeitgeistunabhängig, denn Nachhaltigkeit, Langlebigkeit und Innovation in der Materialwahl (Global Organic Textile Standard) als zeitgerechte Positionierung sowie heimische Produktion und transparente Lieferketten verbergen sich als wichtige Qualitäten hinter den visuellen Gemäßigtheiten. Auf diesen Beitrag zur Moderne wird viel Wert gelegt.

Gleichwohl zeigte das Spektrum dieser Veranstaltung nicht repräsentativ den Schweizer Markt, über den wir verschiedentlich berichteten (z.B. Mode Suisse in der Edition 12), der durchaus Exzentrisches und sehr Spannendes zu bieten hat und der in diesem Sinne auch Jungstars wie Julian Zigerli, Kévin Germanier oder Blank Etiquette by Tosca vorzeigen kann, um nur einige zu erwähnen.

Nein, aufregend war das nicht, was wir hier sahen, aber doch eine irgendwie wohltuende Demonstration von „Swissness“, deren Charme man sich nicht entziehen konnte.

Eine stilvolle Botschaft im doppelten Sinne des Wortes.

Mourjjan:

Balseca Weber:

beige:

Charles Muller:

Kleinbasel by Tanja Klein:

De Marquet:

M. Luna:

pierrot & pierrette:

Claudia Nabholz:

PAMB:

Joy & Grief:

Somyso:

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Bilder: Andreas Hofrichter, Gerhard Paproth

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue-Salon

Auch wenn die Défilés stets die spektakulären Veranstaltungen der Berliner Fashionweek waren oder wohl noch sind, ist die Gruppenausstellung doch der Event, bei dem die Brücke zwischen Designern, Publikum und Profis am evidentesten geschlagen wird. Sie hat sich damit auch als sehr wesentliches Highlight der Modewoche etabliert – umso mehr, als die Präsentation höchst ambitioniert und rundum geschmackvoll ausgerichtet ist. Versammelt sind alle aufstrebenden Designer (die man noch als Nachwuchs im deutschsprachigen Raum bezeichnen kann), von denen sich die Veranstalter Zukunft versprechen und die ein spannendes Panoptikum an Gestaltungsansätzen in der großen Ausstellung vorführen. Einige, wie Lala Berlin oder Perret & Schad sind längst feste Größen in diesem Zusammenhang, jede Saison kommen aber neue Entdeckungen dazu, die eben nicht mit einer kompletten Laufstegschau ins Bewusstsein rücken (können).

Die eigenständige Auswahl des Vogue-Salons im Untergeschoss des Kronprinzenpalais focussiert auf sechs ausgewählte Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum, die damit auch einen verdienten Akzent im Ganzen bekommen.

Zu viele sind es, um jeweils eine komplette Besprechung hier zu rechtfertigen, aber alle sind so gut (und zum Teil atemberaubend), dass sich das nähere Hinschauen lohnt. Wie schon bei früheren Saisons zeigen wir darum Ausstellungs-Beispiele von fast allen Modedesignern in ungeordneter und unkommentierter Folge.

Beim Rundgang durch die Ausstellung wird aber auch deutlich, dass die angestrebte Erweiterung der großen Schau um Fotografie und Design sich nur behutsam präsentiert, denn hier gilt es, den Schwerpunkt Mode nicht zu sehr aufzulösen. Die Staatliche Porzellan Manufaktur Meissen hat aber viel Raum für ihre Exponatbeispiele (in Zusammenarbeit mit Odeeh) erhalten. Dabei zeigt sich, dass der gesuchte und integrative Balanceakt nicht so selbstverständlich umzusetzen ist und beim Besucher doch leichte Irritationen aufkommen. Dieser Teil des Konzeptes wird wahrscheinlich auch zukünftig nicht so ganz homogen auszuführen sein, auch wenn die Konzepterweiterung gute Argumente birgt. Andere Städte bzw. Veranstaltungen haben das auch gemacht, Hyéres beispielsweise hat im Prinzip aber eine klare Trennung der Medien bei den Ausstellungen (und Wettbewerben) beibehalten und zusätzlich einen großen Raum mit Installationen für das Verschmelzen der Genres eingerichtet.

Shirt von LALA Berlin

Bedauerlich ist nach wie vor, dass diese wunderbare Ausstellung auf einen (Nachmitt-)tag beschränkt ist. Die Besucherfrequenz ist entsprechend hoch und auch ausgesucht, wünschenswert wäre allerdings, den Zeitraum um einen oder zwei Tage zu erweitern und mit einer entsprechenden Lockerung des Zugangs im Folgezeitraum das Anliegen der Ausstellung einem etwas breiteren Publikum zu ermöglichen und darüber hinaus die Rezeption etwas zu intensivieren.

Allude:

Antonia Zander:

Dawid Tomaszewski:

Dorothee Schumacher: 

Golpira (Schmuckdesign):

Hien Le:

Horror Vacui:

Iris von Arnim:

Jan Kath (Textildesign):

LALA Berlin:

Lili Radu (Accessoires):

Maiami:

Malaika Raiss:

Marina Hoermanseder:

MCM (Accessoires):

Odeeh:

PB 0110 (Accessoires):

Perret & Schaad:

Peter  O. Maler:

Rianna and Nina:

Sminfinity:

Stiebich und Rieth (Accessoires):

Strenesse:

Talbot Runhof:

Unützer (Schuhe):

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Femme Maison:

I’VR Isabel Vollrath (mit Swarovski):

Lou de Bétoly (mit Swarowski):

Rianna und Nina:

William Fan (mit Swarowski):

Working Title:

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Text: Gerhard Paproth

Fotos: Andreas Hofrichter

Bemerkenswerte Überraschungen erwartet man eigentlich nicht, wenn man zu einer Schau von Ewa Herzog geht, vielmehr gehört ein Ewa-Herzog-Défilé zu den Veranstaltungen, zu denen man immer wieder gerne hingeht, weil sie einfach schön sind. Ewa Herzog liebt Spitze und Transparenz, körperliches Selbstbewusstsein, den Touch von Finesse und klassische(s) Gestalten.

Die Leitidee, dem Femininen in einer zunehmend rauer und lauter werdenden Umwelt ein überzeugtes Konzept von Feinheit und spielerischem, weiblichem Eros entgegenzusetzen, ohne Anpassung an schräge und unisexuelle Erscheinungen der Gegenwart, führt zu Ergebnissen, die stets um diese Vorstellung der schönen Frau kreisen. Und auch um ihre Träume. Lust auf Innovation gehört eher nicht dazu, aber der Mut, dies auch mit zunehmend offenherzigen Bekleidungskonstellationen zu demonstrieren, begründet sich schon im toleranten Zeitgeist. Die Haltung ist gerichtet auf feinsinnige Wahrnehmung, die sich am Besonderen und Raffinierten zu erfreuen weiß und eigentlich nur in unserer großzügig-toleranten, europäischen Wirklichkeit so offen möglich ist.

Ewa Herzog liebt dabei die Arbeit an diversen Details, Spitze, an transparente Faltungen und Glättungen, sie testet das interaktive und subtile Spiel zwischen Kleidung und Körper, Haut und darüber arrangierter Stofflichkeit, die gelegentlich eben nur annähernd verschwindet.

Ihre Schnitte bleiben dabei stets schlicht und unspektakulär, selbst die spielerischen Raffungen der Ärmel, die an vielen Stücken zu sehen sind, fallen zwar etwas auf und bewegen die Umrisslinie, fügen sich aber doch in eher klassische Schnittkonstellationen. Auch andere, recht klassische Herangehensweisen finden sich überall, damit ist das Abenteuerliche des Blickes etwas gemäßigt. Aber mit dem Mut zum selbstbewussten, sexy-erotischen Auftritt, den Herzog von Mal zu Mal entschiedener formuliert, gibt sie dem Konservativen einen sinnlichen Zauber auf den Weg, der mit wundervoll-träumerischen Abendkleidern ergänzt wird.

Gerade in der Überhitzung der Markttrends und ästhetischer Primitivismen ist Ewa Herzogs Mode eine zeitgemäße und geradezu entschiedene Alternative der Be-Sinnlichkeit, eine Position, die wir dringend brauchen, um den schnellen, billigen Designs zu entrinnen und eine kultivierte Zukunft ins Auge zu fassen.

Eines allerdings darf man nicht überschätzen: In der Realität des Alltags ist die Konsumentin erfahrungsgemäß dann doch eher ängstlich mit diesem erotisch-subtilen Spiel. Sie fährt es herunter mit grober Unterwäsche oder Futterstoffen auf einen oberflächlichen Code, der die Raffinesse zur spießigen Plattitüde umgestaltet. Im Zusammenspiel mit der konservativen Gesamtgestalt wirkt das dann eher konterkarierend banal als raffiniert – und man(n) wünscht sich stattdessen, die Frau würde die Stärke des Konzeptes behaupten können, wenn sie sich schon dafür entschieden hat. Denn starke und zugleich sinnliche Frauen sind unsere Zukunft (wenn wir mal die aktuellen, moralreaktionären Meldungen außer acht lassen), so glauben wir, und die schönen Träume wollen wir nicht aufgegeben wissen.

Ewa Herzog hält ein feines Fähnchen kultivierter Sinnlichkeit über das laute Trendgeschrei, welches sicher auch mal wieder abebben wird.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Vom kalten, unfreundlichen Berliner Regen ins warmfeuchte, tropische Gewächshaus zu treten ist ein gutes Ausgangsgefühl für eine Modenschau, die einen speziellen Blick auf die Natur zum gestalterischen Thema gemacht hat. Zumindest was die Motive der Prints betrifft, die Lena Hoschek für ihre Kleider verwendet hat.

Die österreichische Designerin hat offenbar „Florilegien“ des 17. Jahrhunderts studiert, Bücher mit Grafiken von Pflanzen, die nicht nur wissenschaftlich-botanische Zwecke verfolgten, sondern auch repräsentative für ihren Besitzer. Kostbar gemachte, extrem sorgfältige Deckfarbenzeichnungen auf Pergament mit farbigem Reichtum gaben darin die feine Textur der Blätter, Blüten und Stängel in natürlicher Größe und mit einer fast haptischen Wirkung wieder. Gelegentlich zu Arrangements zusammengefasst, wurden die Gräser-, Kräuter- und Blumendarstellungen zusätzlich belebt von Schmetterlingen, Käfern, Raupen und Vögeln, so dass die Abbildungen sich gleichzeitig den gemalten Stillleben annäherten, die im 16. und 17. Jahrhundert bekanntlich große Mode waren.

Die wertvollen Zeichnungen wurden umfangreich versammelt in den erwähnten, meist großen Büchern, die dem Wissen, praktischer Nutzung und der Erbauung zugleich dienten. Sie fanden auch in den folgenden Jahrhunderten ihre Liebhaber verschiedenster Provenienz und ihre Reproduktionen landeten darum eben nicht nur in Biologiebüchern und Apothekenkalendern, sondern auch als Wandschmuck bei wohlhabenden Leuten und, zum Beispiel in der Arts and Crafts – Bewegung, auch auf Tapeten, Porzellan und anderen Objekten der Designgeschichte. Sie wurden bis heute stets neu gewürdigt, in Büchern und Ausstellungen. Und Lena Hoschek hat sie nun begeistert für sich entdeckt.

Der Fundus ist überaus reich und bietet genug für die Designerin, um eine ganze Kleiderkollektion damit zu bestücken und zu beleben. Die pfiffige, oft raffinierte Verwendung applizierter Designs und Muster beherrscht die Wienerin ohnehin in allen möglichen Anwendungsvarianten, nur die bisherige explizite Orientierung an 50er und 60er Jahre Styling bricht sie damit in dieser Kollektion. Wie oft bei ihren Herbstkollektionen ist die Farbenfreude erheblich gedämpft. Die vielfältigen Retro-Schnitte und Silhouetten sind in eingeschränkter Weise zwar erhalten geblieben, aber lebensfrohe Sexiness ist nun sehr heruntergefahren und das Vergnügen am Experimentellen weitgehend eingeschränkt – gleichwohl ist der Hoschek-Style noch unverkennbar und variantenreich, stellenweise auch delikat. Aber so tritt der Touch des bürgerlichen Auftritts noch ein wenig bestimmender in der Gesamtgestaltung hervor als schon bisher, und die Rasanz, mit der Lena Hoschek einmal den Laufsteg okkupiert hatte, ist definitiv Geschichte. Das Besondere der Palmenhaus-Location und die gewohnt liebevolle Konzeption ihrer Défilés entschädigt aber im Erlebnis für so manches, was alte Hoschek-Fans inzwischen an Esprit schmerzlich vermissen. Man könnte auch sagen, die Kollektion ist erwachsener geworden.

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Text: Gerhard Paproth

Bild: Ophelia Beckmann (Gastfotografin)

Diese Veranstaltung ist eine sehr fruchtbare und kluge Einrichtung aus mehreren Gründen, hauptsächlich aber deswegen, weil Mode als gesellschaftlich durchaus relevantes Phänomen sich hier selbst reflektiert und befragt – und das offen und kritisch. Der Modeindustrie (inklusive der sie vertretenden Lifestyle-Medien) damit auch mehr Ernsthaftigkeit auf den Weg zu geben und in dem Zuge gesellschaftspolitische Akzeptanz einzufordern, macht, so zeigen die durchaus anspruchsvollen Konferenzgespräche, Sinn.

„Relevance of Fashion“ lautete sinnvollerweise der thematische Rahmen der Podiumsgespräche mit Vertretern aus der Branche, der Gesellschaftswissenschaften und der Medien. Mode ist der „visuelle Dialog der Gesellschaft“ (Tillmann Prüfer) und darum wächst den Modeunternehmen mehr gesellschaftliche Verantwortung zu, als gemeinhin vermutet.

Als Hauptproblem stand die Überhitzung der Trends und ihrer raschen, konkurrierenden Folge im Zentrum der meisten Gespräche. Im Wesentlichen mahnten die Teilnehmer mehr Bedachtsamkeit und Konzentration auf Wesentliches an.

Schon die Einleitung von Tillmann Prüfer, Zeitmagazin, stellt eine Reihe von losen, aber klugen Thesen in den Raum, die über die ganze Konferenz hinweg immer wieder den gedanklichen Kontext bestimmen:

• Öfter mal Nein sagen,
• Begrenzt die Limited Editions (Stichwort marketing move)
• Rettet die Designer (nicht überfordern!)
• Hört auf zu personalisieren,
• Seid anders als Amazon (Kleidung soll berühren!, Nicht nur um Geld kümmern!)
• Seid unvernünftig
• Denkt nicht an morgen (denkt an übermorgen!)
• Regt euch nicht über Influencer auf (sie sind sehr nett!)
• Blogger/Influencer lösen nicht unsere Probleme (eher machen die Jungen ja erfahrungsgemäß Probleme statt welche zu lösen!)

Damit ist bereits ein schöner Abriss der aktuellen Lage der Mode in der Gesellschaft gedacht und vorgelegt.

In den nachfolgenden Podiumsgesprächen werden verschiedene dieser Thesen ausgeführt und beleuchtet, vier greifen wir einmal heraus. Linda Loppa (Adviser Strategy & Vision, Polimoda) beispielsweise fordert eine Humanisierung des Modebewusstseins ein, mehr Instinkt und Intuition und Zielvorstellung („wie können wir heute glücklich sein?“) – weniger überdrehte Erscheinungen (Anti-Hype). Dabei sollten wir die Eigenwahrnehmung nutzen, anstatt uns überrollen und ablenken zu lassen. Wir, so sagt Linda Loppa, sollten als Modemacher uns klar darüber sein, was wir ausdrücken wollen, Verantwortung gegenüber Jugendlichen wahrnehmen, und mehr miteinander reden. Und aus der anderen Perspektive bewusster konsumieren, uns mehr Zeit für Auseinandersetzung und Gewöhnung nehmen.

Eine ähnliche Haltung vertritt der Designer und Firmengründer Brunetto Cucinelli (Modeunternehmer), „benutzen statt konsumieren“, beherrschen und kontrollieren sollte der Mensch. An Beispielen aus seinem Werdegang zeigt er mehrfach und unterhaltsam auf, dass die Lebensphilosophie darin bestehen sollte, „das Geheimnis des Lebens als Interesse zu bewahren“, Lebensqualität in der Balance zu suchen und respektvoll mit der Würde der Erde umzugehen. Als Modeunternehmer sucht er das zu verwirklichen.

Eine eher kontroverse Sicht leuchtet bei dem Gespräch mit Armando Branchini (Fondazione Altagamma) und Scott Lipinski (Geschäftsführer, Fashion Council Germany) auf, in dem Sinne, dass die Produktionsbedingungen und die schnelle technologische, innovative Entwicklung den Modemarkt beschleunigen. Denzufolge sind die Modemacher und Unternehmen gefordert, dieser Entwicklung zu folgen, um in der Zeit zu bleiben. Und um in der Konkurrenz zu bestehen, deren Kampf sich zunehmend auch im Internet abspielt.

Ausgehend von der Auseinandersetzung Birkenstock vs. Amazon erläutert Oliver Reichert (CEO Birkenstock Group) die Wirksamkeit der Algorithmen amerikanischer Großvertriebe auf den Markt. Ein großes Spiel und Platz für Schindluder: „Big Data“ repräsentiert demnach nicht das intuitive Konsumverhalten, sondern manipuliert. Streetwear überhitzt sich mit Halbfertigkeiten und gelangt nur zu Mittelmäßigkeit. Davor gilt es sich zu schützen, nicht nur seitens der Branchenunternehmen und der Verbraucher, sondern die Politik ist gefordert, zu dieser virtuellen Manipulationsmaschine endlich Stellung zu beziehen.

Insgesamt wird deutlich, dass die einleitenden neun Thesen von Tillmann Prüfer sich bei komplexerer Betrachtung bestätigen und eine Bremsung der Überhitzung zugunsten größerer Lebensqualität und Selbstverwirklichung notwendig ist. Und dass dabei die Modeindustrie in ihrem eigenen Interesse gefordert ist, zur Selbstbesinnung zu kommen und gemeinschaftlich qualitativ solidere Ausdrucksqualitäten anzustreben. Dies eben nicht nur im eigenen kommerziellen Interesse, sondern als eine gesellschaftliche Verantwortung, deren Verlust wir im überhitzten Moderummel beobachten.

Als Konsequenz überrascht diese Einsicht durchaus, denn gesellschaftskritische Selbstbefragung (und -verantwortung) ist in der Industrie ja eher selten zu bemerken. Wir Konsumenten beobachten täglich eher den verantwortungslosen Trend – und wenn die Zeitmagazin & Vogue Konferenz bzw. ihre Teilnehmer es schaffen sollten, nicht nur den Stand der Dinge aufzuzeigen, sondern die Entwicklung zumindest in der Branche überzeugend zu beeinflussen, wäre viel gewonnen.

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