Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Handwerkskünste, die die Haute Couture massgeblich prägen, sind in der aktuellen Schau des Berliner Salons deutlich ins Zentrum gerückt. Das führt zwangsläufig zu aussergewöhnlicher Faszination der Details, die gestaltungsprägend neue Ideen bestimmen und sogar zu sehr ungewöhnlichen Wirkungen.

Dabei ist die handwerkliche Vorgehensweise gar nicht sehr von Traditionen bestimmt und von der Perfektionierung bekannter Verfahren, sondern von innovativem und experimentellem Vorgehen, dem eine große Sorgfalt und Detailverliebtheit gewidmet wird, die, nach all den langen Jahren der Lässigkeit beim Nachwuchsdesign, doch überrascht. Augustin Teboul beziehungsweise Lou de Bèrtoly (dieses Mal nicht vertreten) betreiben dieses Verfahren zwar schon lange (und wurden genau dafür geliebt), aber jetzt erst wird die fummlige, geduldige und kreative Handwerksarbeit zu einem sichtbaren Trend.

Der große Vorteil des Berliner Salons, neben der schönen Übersicht, ist, dass man näher herantreten kann, betrachten, verweilen und irgendwie sich auch hie und da ein wenig verlieben. Und es gibt natürlich ganz unterschiedliche Ausgangspunkte der Detailverliebtheit. Bei Namilia ist es sicherlich der Arbeitsprozess, bei dem die Kreativität nie ausgeblendet wird – beim Aufbringen der Stachelnieten kommt dann die Idee, einige durch kleine Penisse zu ersetzen und das macht man dann auch. So setzt sich die Philosophie des Ganzen fort bis ins Detail und gewinnt ausserdem noch einen zusätzlichen Touch Humor:

Bei Haram hingegegen löst die verrückte Idee, einen Turnschuh in eine Corsage zu verwandeln, die anschließende Notwendigkeit aus, die detaillierte Konstruktion des Turnschuhs mit den angrenzenden Teilen weiter zu führen:

Überhaupt ist die Detailverliebtheit beim Turnschuhdesign verführerisch, sie im Großen weiter zu führen, indem man eben die Details neu zusammensetzt wie bei PLNGNS:

Aber bei Chelsea Jean Lamm werden die Detailkonstruktionen um ihrer selbst betrieben und zeitigen dann als komplexer Zusammenhang total innovative Vorgehensweisen im geduldigen und präzisen Handwerk:

Kitschy Couture:

Bei Haderlump gibt es auch interessante Strukturen in der Oberfläche, hier mit Zufallsfaktor:

Der analytische Aspekt der Dekonstruktion für eine interessante Neukonstruktion wird am Kleid von Milk of Lime auch zur visuellen Demonstration veranschaulicht, indem der plane Stoff in Streifen aufgelöst wird, die dann zu einem neuen Gewebe verflochten werden:

Die Zusammensetzung von Stoffflächen beziehungsweise -formen findet sich vielfach auch im Großen, ohne dabei an „Patchwork“ zu erinnern. Was vorher oft durch Schichtungen erzielt wurde, ist jetzt zum homogenen Teil verbunden. Mit dem Stoffrecycling sind das alles sehr erfrischende und kreative Verarbeitungs- und Anschauungslösungen, die letztlich auch demonstrieren, dass „Ökomode“ durchaus coole und pfiffige Erscheinungsbilder hervorbringt. In dieser Saison entschiedener und überzeugender als je zuvor und mit circa 25 Teilnehmern aus Berlin (von ca. 40) kann davon ausgegangen werden, dass Berlin als Modestadt mit eigenen Perspektiven den Gesamtbetrieb jetzt wirklich beeinflusst. Der Berliner Salon will diesen Aspekt deutlich abbilden und das gelingt ihm wie immer auf sehr informative und unterhaltsame Weise.

INTERNATIONAL CITIZEN:

ELHO:

MARKE:

SUISUEE:

T/SEHNE:

LION BUSCH:

HADERLUMP:

TABITA KARAOGLAN:

NAMILIA:

LAURA GERTE:

PLNGNS:

UNVAIN STUDIOS:

GINA MELOSI:

UNCOMMON MATTERS:

THE OTHER GODS:

KAREN JESSEN:

CÉCILE – FEILCHENFELDT – KNITWEARSTUDIO PARIS:

LACUEOR:

ODASSEY:

CHELSEA JEAN LAMM:

AVENIR:

HAP CERAMICS:

CHOUCROUTE:

STUDIO VADIM BATZ:

SOCIÉTÉ ANGELIQUE:

FELINE SASSE:

LANUK STUDIOS:

LUISE ZÜCKER:

ASSEMBLED HALF:

ADRIANE LILA FECKE:

STUDIO MILENA KLING:

ANNE BERNECKER:

LEINZ CONTEMPORARY EYEWEAR BERLIN:

CHRISTIAN METZNER BRANDENBURG:

MILK OF LIME:

KITSCHY COUTURE:

ZAMT BERLIN:

RAER SCENTS:

MAIRA GATH + PAULA DISCHINGER:

JASMIN WOTTKE + NICLAS HASEMANN:

MICHELLE BOHNES:

CHANTAL WEHRAN:

SOFIA HERMENS FERNANDEZ + RONJA BECKMANN:

CHELSEA JEAN LAMM + NANYI LI:

TATJANA HAUPT:

NARI HAASE:

FASHION X CRAFT X TENCEL:

UGG CULTURE CHANGEMAKER PRIZE:

HARAM:

SIRI MAJAROEN:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das war eigentlich vorher klar: Namilia werden nicht enttäuschen. Und so kam es dann auch – sie legten eine sehr große und einfallsreiche Kollektion hin und hatten, im Gegenzug, ein so großes und hingerissenes Publikum wie nie.

Bei allen Looks hatte man den Eindruck, die Designer hatten unglaublichen Spass daran, ja sogar, dass der die Triebfeder für alle Facetten der Gestaltungselemente und -aspekte, kurz für die das gesamte kreative Tun, ist. Damit meine ich nicht die übliche Freude, die ein Schöpfer bei seiner Arbeit hat, sondern richtig vergnügten Spass. Natürlich überträgt sich das auf den Betrachter und wenn, wie hier, die Sache dann auch noch richtig gut und mit Sorgfalt gemacht ist, wird sie leicht erfolgreich.

IN LOVING MEMORY OF MY SUGAR DADDY heißt die Kollektion des Design-Duos Nan Li und Emilia Pfohl und eine triefend ironische Verwendung des Christus‘ am Kreuz auf unzähligen Bekleidungselementen und Schmuck tritt ebenso rätselhaft hinzu. Der Pressetext gibt eine Verständnishilfe: „In the Bible, women are ditpicted in one of two mutually exclusive ways: as the virgin or as the whore. The myth of Adam and Eve establishes women as the demonic seductress responsible for the downfall of mankind. Western European society’s inequality and rigid views on gender have been oppressively enforced across the globe, a legacy that remains throughout modern society.” Aha, die schillernde Symbolik am sexualisierten Outfit angebracht entwirft also keinen ironischen, sondern zutiefst sarkastischen Blick auf die Religion, ihre Doppelbödigkeit und ihre aufgeladene Symbolik, nicht selten wird sie auf dem Hintern getragen. Religion als Anschauungsträger der gesamten westlichen Kultur(geschichte) wird zum Ziel schwerer Vorwürfe und Verachtung, besonders was das Menschenbild hinsichtlich Frauen angeht. Das ist eine heftige Politisierung der Mode, die allerdings sehr klug und amüsant gestaltend, geradezu unterhaltsam formuliert wird. Richtig gut wird es aber, weil der Gegenentwurf gleich mitgeliefert wird, und der ist nun sexuell aufgeladen, propagiert freien und gleichberechtigten Umgang, positives Selbstbewußtsein und vor allem kreative Selbstbestimmung.

Und zum Titel macht das Einladungsmotiv klar: der klassische Sugardaddy wird hiermit beerdigt.

Die bisherigen Kollektionen waren wesentlich von der Berliner Nachtclubszene inspiriert und das ist auch jetzt noch so. Hinzugetreten ist eine Öffnung zu Modehistorie und ikonischen Schnitten und Objekten aus der Grande-Class-Fashion und zu Eleganz. Auch dies nicht ohne (Selbst-)Ironie. Wir finden die Birkin-Bag als überdimensionierte Tasche, vor allem als verbleibende Henkel mit Schließe an sehr vielen Kleidern, Röcken, Tops und sogar auf Strumpfbändern und Slips. Wir sehen überall ironische Zitate, Exklamationen, Assoziationen, Details – sexy eingebaut oder als fette, glitzernde Schriftzüge aufgebracht. Und immer wieder das Fakematerial Krokoleder in gelacktem Silber, Pink, Weiß und Schwarz als verdrehten Luxusverweis. Fell, Spitze – viele sexuell aufgeladene Materialien kommen zum Einsatz und parallel dazu Schnitte und Kombis, die viel Haut frei lassen, fast immer in Ergänzung mit einem symbolischen Seitenhieb, sei es Schleier, religiöser Schmuck, Nonnentracht oder ein knappes, ordinäres Wort in Applikation.

Ein sehr komplexes und detailverliebtes Gestaltungsprinzip, stets verwoben mit kritischer Haltung, politischer Forderung, sexueller Lust und ironischem Humor. All das in dieser entschiedenen Konsequenz ist schon ein radikales Novum auf der Fashionweek und es funktioniert auch perfekt, weil die Ausführung höchst anspruchsvoll bis ins Detail ist und weil der subtile, gute Geschmack hier, nach dem langen Abschied in der Mode-Szene, nun wieder entscheidendes und unterscheidendes Kriterium ist. Insofern setzt Namilia neue Massstäbe auf der Berliner Fashionweek und man kann hoffen, dass sie auch hier bleiben und dass die Designer- und Organisatorenszene das auch begreift und weiter unterstützt. Amen.

Hinweis: Das Werbebild im Text stammt von der Namilia Pressestelle.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Es ist ein kleines Unternehmen, Familie und Freunde, das sich zum Ziel gesetzt hat, anspruchsvolle Schneiderkunst mit höchster Funktionalität und Belastbarkeit zu verknüpfen und dabei die zentrale Konzentration auf Nachhaltigkeit im ausgesuchtesten Sinne zu legen. Weniger ist mehr, das gilt grundsätzlich für Fassbender-Kollektionen, und so war die Präsentation zur Fashionweek auch eher klein, aber fein.

2017 wurde das Label von Christina Fassbender und ihrem Bruder Sebastian Steinhoff gegründet und hat sich immerhin einigermassen schnell zu einer renommierten Adresse in Hamburg entwickelt. Stets sucht Fassbender nach neuen Materialinnovationen, die von zertifizierten Produzenten unter höchsten ethischen Standards für alle Beteiligten entwickelt werden. Naturfasern wie Wolle und Alpaka von tierfreundlichen Farmen, Ahimsa-Seide ohne lebende Seidenraupen zu verletzen, vegane Lederstoffe aus organischen Materialen sowie recycelte Stoffe. Ebenso ausgesuchte Fabrikationen in Portugal und  Belgien.

Aus der Reduktion ergibt sich keine Konzentration avantgardistischer Vorstellung von Mode, stattdessen eine eher klassische Prägung einer attraktiven Standard-Garderobe mit Gültigkeit und Haltbarkeit über gegenwärtige Trends hinaus. Ein paar kräftige Farbkontraste sind dennoch erlaubt, ohne auf die hanseatische Kühle und das Understatement zu verzichten. Besonders die Strukturen der Stoffe, die, laut Christina Fassbender, in Japan hergestellt wurden, machen, neben spezifischen Recycling- und Herstellungsverfahren, wohl die saisonale Besonderheit aus.
My Fassbender ist ein typisch hanseatischer Beitrag zur Fashionweek, aus welcher Perspektive auch immer man das sehen will.

Zur übersichtlichen Präsentation der Bekleidungskollektion gab es ein projiziertes Video zu sehen, in kühlen Farben und urbane Aktivität vorführend. Dynamisch und im Kontrast verlangsamt, um Gelassenheit und Souveränität der Fassbender-Mode zu veranschaulichen; eher kurz, eher prägnant, eher unaufgeregt. Slow Fashion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Podyh liebt akzentuierende, kleingeometrische Formen in angeordneter Reihung, am liebsten Quadrate und Dreiecke, und erzielt damit die Wirkung großer Sorgfalt und sehr klarer Musterung. Nicht als Prints, sondern als Reihung textiler Applikationen. Also plastisch denkend. Dazu Streifen, die ebenfalls eine klare Ordnung suggerieren und – vertikal oder horizontal – der Kleidung so etwas wie belebte Ruhe verleihen. Die Schnitte sind recht klar gehalten und suggerieren Jugendlichkeit, manchmal verknüpft mit einem romantischen Touch oder einer sportlichen oder eleganten Grundnote. Somit macht der Reiz des Ganzen eine eher schlichte und zurückhaltende Präsenz aus, die aber immer sehr sorgsam austariert erscheint. Auf dieser Grundlinie leistet sich die Designerin dann auch kleine Verspieltheiten, in die eine oder andere Richtung, aber nie den Rahmen sprengend, eher behutsam.

Der dünn gestreifte Stoff ist zwar kontraststark, mit Schwarz und Beige aber eine elegante Farbkombination, die eher frisch als offensiv daher kommt. Überhaupt bleiben alle Farben – bis auf das Blau – eher blass beziehungsweise dezent und wirken behutsam abgestimmt.

Die Assoziation mit Architektur- und Fassadengestaltung liegt nahe und die ukrainische Designerin Daria Plaksyuk (Labelgründung 2020) gibt auch an, Erfahrungen in dem Bereich gesammelt zu haben und daher nicht nur ihre Inspiration zu ziehen, sondern auch die Liebe zur Sorgfalt im Vorgehen mitgenommen zu haben. Damit gelangt sie zu einer ästhetisch geradlinigen, recht konsequenten Kollektion.

Aber jenseits aller architektonischer Zu- oder Ableitung im Formalen und im Prozess entwickelt Daria Plaksyuk so etwas wie einen diskreten Charme und erst der gibt den Teilen und der ganzen Kollektion das gewisse Etwas, einen wirklich liebenswürdigen Stil: er wirkt zuverlässig, geordnet, zurückhaltend und zugleich angenehm lebhaft – Tugenden, die eigentlich nicht gerade modern sind aber dafür umso sympathischer. Als Stilsetzung ist das eher bei ganz jungen Frauen wirkungsvoll vorstellbar, eine sehr unaufdringliche Bekleidung für den dezenten Typus, angenehm und trotzdem selbstbestimmt. Das klingt vielleicht etwas allgemein, ist aber doch ein prägnanter und charakteristischer Stil und eine echte Bereicherung im Getöse der aufgeregten „Berliner Bewegung“. Und auch völlig losgelöst von Ukraine-Assoziationen.

Ein schöner Start, wie zumindestens wir finden.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die lange ersehnte Rückkehr des Berliner Salons ins schöne Kronprinzenpalais löste zwar nicht alle Erwartungen an die liebevolle Ausstattung der frühen Jahre ein, gab aber endlich der großen Schau wieder ihre Würde zurück. Nüchterner zwar, ohne hinreißende Blumenarrangements und mit Wasser aus dem Kühlschrank aber geräumig und in angemessenem Raumambiente.

Insgesamt ist die Auswahl an Modedesignern und Modedesignerinnen, so hat man jedenfalls das Gefühl, kleiner geworden, aber nach wie vor erlesen und kenntnisreich (Christiane Arp). Das kommt wohl daher, dass jetzt auch allgemeinere Gestaltungspositionen aus Design im kunstverwandten Sinne hinzu gekommen sind, nicht immer versteht man da den Zusammenhang. Möbelstücke, Einrichtungsobjekte, Parfüme sind dabei und Schmuck hat wieder stärkere Präsenz. Was den gestalterischen Umgang mit Webstoffen und „textiler Kunst“ betrifft, ist die Brücke hin zum Künstlerischen eher verständlich und auch sinnvoll – da geht es auch um Öffnung des Blickes für die kreative Nutzung von Textil. Beim Einrichtungsdesign aber stellt man sich dann schon Fragen.

51 Designer und Designerinnen sind vertreten, verteilt auf zwei Etagen, der großzügige Treppenbereich wurde nicht mehr genutzt. Viele Designer waren bei ihren Exponaten anwesend, auch das ist eine wunderbare Tradition. Besonders im Focus der Auswahl war, so lasen wir, Nachhaltigkeit bei den ausgestellten Marken – mittels eines Fragebogens wurden die Labels konkret danach abgefragt. Dieser Aspekt ist bei der Berliner Fashionweek ohnehin seit geraumer Zeit zum dominierenden Kriterium geworden, wesentlich radikaler als auf anderen Fashionweeks, wo er eines unter mehreren ausmacht. Nicht immer dient das dem erbaulichen Erscheinungsbild, aber dies Phänomen ist selten geworden. Die Emanzipation von dem schlechten Image des „Bio-Alternativen“ ist längst vollzogen. Das Diktat der Nachhaltigkeit hat zu überraschend vielen Wegen geführt, sinnvoll und überzeugend damit umzugehen, nicht selten gerade zu sehr originellen Einfällen im Recycling. Wie zum Beispiel die Schuh-Handtaschen von Haram. Die Idee ist zwar nicht ganz neu, denn wir sahen das schon viel origineller 2018 in Hyères von der Südkoreanerin Jinah Jung (Conshoesness), aber das mindert den Pfiff der Gestaltung keineswegs.

Die große Schau hat als Übersicht den Vorteil, dass gewisse Trends offenkundig werden, dieses Mal fiel der gestalterische Spass an Verschlüssen und deren ungewöhnlichen Möglichkeiten auf, sowohl das Erscheinungsbild als auch die praktischen Optionen zu erkunden. Als kleiner Trend ist das nicht unbedingt neu, aber hier sah man doch viele coole Ideen und daraus resultierende eigene Schnitte. Und als leichte Übertreibungen mit Gurten, Knöpfen und Reißverschlüssen eben mehr als Akzente. Außerdem ist das Thema Dekonstruktion nicht mehr so experimentell herausgestellt, die gestalterische Methode ist selbstverständlicher geworden.

Prominenter war dieses Mal der „UGG Culture Changemaker Prize“ dabei, der an Namilia, Marke, SF 1 OG und Kasia Kucharska ging. Ebenfalls dabei waren wieder die drei ukrainischen Designerinnen Litkovska, Bobkova und Dzhus, zum Teil auch aus solidarischen Gründen. Sie richteten im Laufe der Fashionweek auch wieder eigene Schauen aus.

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