Text, Interview und Bilder: Gerhard Paproth

Wie schon seit Langem organisiert die Hochschule für Technik und Wirtschaft Berlin eine kollektive Modenschau mit Abschlussarbeiten ihrer Viert-Semester im Fachbereich Mode Design. Mit circa 70 Looks von verschiedenen Designern ist die aufmerksame Beobachtung schon eine kleine Herausforderung, für die betreuende Organisatorin Prof. Anke Schlöder aber auch.

MODACYCLE: Eine Schau von Studentenabschlussarbeiten hat ja nicht nur etwas mit der Beglückung der Absolventen im realen Auftritt zu tun, sondern in erster Linie ist das als Nachwuchsförderung gedacht. Richtig?

PROF. ANKE SCHLÖDER: Richtig. Aber das ist nicht der Hauptantrieb. Das Erlernen der verschiedensten Abläufe einer Modenschau gehört zu meinem Unterricht „Modepräsentation“. Ich bringe hier über 30 Jahre Erfahrungswerte mit ein. Dieses Modul beinhaltet ausserdem, das die Studierenden mit dem dort erlernten Wissen unter meiner Leitung eigenständig eine Show organisieren und durchführen – ohne dass ihnen ein Budget dafür zur Verfügung steht. Was ja in den meisten Fällen auch im realen Modebusiness so ist.
Dieser Unterricht „Modepräsentation“ findet im 4. Semester statt. Daher werden in diesen Schauen immer die finalen Arbeiten des 4.Semesters gezeigt. Das Bachelor Studium an der HTW endet aber nach dem 7. Semester. Wir zeigen also praktisch eine Art „ Zwischenstand“.

M: Die Schau soll vermutlich auch zeigen, was ein Studium der Bekleidungstechnik/Konfektion an sachdienlicher Befähigung leistet, Schnitte, Nähen, Textilwahl usw. Welche Rolle spielt bei der Beurteilung der Prüfungsarbeit die kreative Idee?

A. S.: Ich bin Professorin am Studiengang Modedesign; nicht Bekleidungstechnik. Die Arbeiten, die Sie in der Show gesehen haben, stammen überwiegend aus meinem Unterricht „Creative Identity“. Hier liegt der Schwerpunkt ausschliesslich auf Kreativiät, Innovation und Einzigartigkeit des jeweiligen Studierenden. Das ist der Kern meines Unterrichts. Und das soll sich auch in den dort gezeigten Arbeiten wiederspiegeln.

M: Im Verlaufe der Schau sieht man nicht, wer der Schöpfer beziehungsweise die Schöpferin des jeweiligen Kleidungsstückes ist. Man weiß nicht einmal, ob die Paar-Auftritte von verschiedenen Gestaltern sind. Ist es nur eine Gesamtleistungsschau, wo Namen keine Rolle spielen oder ein organisatorisches Problem?

A.S.: Natürlich spielen Namen eine Rolle, aber da es ein No-Budget Projekt ist, fehlen uns hier die Mittel. Wir lösen das Problem, indem wir später alle Fotos auf Social Media mit den zugehörigen Accounts der Designer veröffentlichen. Das ist nachhaltig jederzeit einsehbar.

M: die.PLATTE ist eine Plattform für avantgardistischen und gesellschaftspolitischen Zeitgeist in der Mode, spielt das für Ihre Schauenorganisation eine bestimmte Rolle, zum Beispiel im Vergleich zur Teilnahme bei Neo.Fashion?

A.S.: Auf jeden Fall! Abgesehen davon, dass wir hier vollkommen freibestimmt eine Show zu 100% nach unserem Gusto und Vorstellungen gestalten können. Vor allem auch auf den Hinblick von Diversity bei Models und bei unseren Gästen. Neo.Fashion ist in erster Linie ein Geschäftsmodell, was sich rechnen muss. Da spielt die Kreativität – sei es bei den gezeigten Kollektionen oder auch bei den Showkonzepten – erstmal eine untergeordnete Rolle. Jeder der bezahlt, darf seine Kollektionen zeigen. Aber es kann auch nur jeder zuschauen, der zahlt.

M: Abgesehen von den modeideologischen Forderungen bei PLATTE sprechen Sie im Studium doch sicher auch über gesellschaftspolitische Ziele des Modemachens, jenseits von Technik und Kreativität. Wie relevant wird das, wenn die Studenten dann in einen Beruf übergehen?

A.S.: Ich denke eine sehr grosse Rolle. Genauso wie das Thema Nachhaltigkeit. Uns ist es sehr wichtig, dass die Studierenden sich schon sehr früh im Studium damit auseinandersetzen. Daher haben wir in unserem Curriculum verschiedene, theoretische Module verankert, die von erfahrenen Lehrenden unterrichtet werden.

M: Das deutsche Fashioncouncil hat sich Nachwuchsförderung auf die Fahnen geschrieben, sind die Programme da Ihrer Meinung nach optimal? (Wir sind jedes Jahr in Hyères und finden, dass deren Verfahren super ausgedacht sind und auch super funktionieren. Kreativ, anspruchsvoll und vorwiegend industriefinanziert.)

A.S.: Ich kenne auch den Hyéres Wettbewerb und finde ihn herausragend, was die Nachwuchsförderung angeht. Aber ich denke, die Voraussetzungen in Frankreich sind etwas anderes. Dort ist die kreative Mode ein Kulturgut und wird dementsprechend ernst genommen und unterstützt von vielen bedeutenden und traditionellen Modefirmen wie Chanel etc.
Das ist hier leider nicht der Fall und es gibt daher noch viel zu tun. Doch in den letzten zwei Jahren hat sich in Berlin einiges getan, dank des Fashion Councils. Meiner Meinung nach sollte das Council aber enger mit den Universitäten zusammen arbeiten, um hier einen direkten Einblick in die Arbeiten und auch einen direkten Zugang zu den begabtesten und leistungsfähigsten Absolventen zu bekommen. Denn direkt hier muss die Unterstützung ansetzen. Viele halten sonst aus finanziellen Gründen nicht lange genug durch, bis dass sie für das Fashion Council sichtbar werden.

M: Wie hoch ist Ihrer Erfahrung nach der Breiteneffekt einer solchen Schau? Medien, Publikum, Profipublikum?

A.S.: Sehr hoch. Ich mache die 4.Semestershow seit 13 Jahren und durch die immer grösser werdende Bedeutung der sozialen Medien wie Instagram und Tiktok in den letzten Jahren bekam dieses Projekt auch eine immer grössere Aufmerksamkeit. Allein unser „Werbe-Reel“ als Ankündigung zur Show wurde über 12.000 mal angeklickt. Es gab über 600 Besucher und wir mussten einige draussen lassen. Die Presse (z.b auch Sie) wurde auch mehr auf uns aufmerksam und das bedeutet für die HTW eine bessere Aussenwirkung, auch im Hinblick auf neue Bewerber.

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Ester Manas ist eine Frau mit viel Esprit und französischem Charme. Auf dem Festival de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode 2018 errang sie mit ihren temperamentvollen und zum Teil exzentrischen Entwürfen für kräftige Frauengestalten den Preis der Galeries Lafayette – ein Konzept, das Lust auf mehr machte. Vieles daran hatte handgemachten Charakter und man konnte sich nicht so leicht vorstellen, wie ein solches Herangehen in die industrielle Fertigung zu übertragen sein sollte. Aber dies Problem tauchte auch mit anderen Kandidaten früher schon auf. Manche, wie Vanessa Schindler, haben ihre Experimente weiter ausgebaut, andere, wie Botter & Herrebrugh haben ihre Leitideen in die neuen industriellen Möglichkeiten transferiert. Ester Manas hat – jetzt in Partnerschaft mit Balthazar Delepierre – sowohl ihre Leitgedanken neu modifiziert als auch ein kommerzielles Umsetzungskonzept gefunden und damit eine überraschend anders geprägte Kollektion erarbeitet. Geblieben ist ihr Interesse, nicht nur für Größe 34 zu entwerfen, sondern für alle Frauengestalten ein gutes und reizvolles Angebot zu schaffen und zugleich einen ökologisch verantwortungsvollen Anspruch dabei im Auge zu behalten.

modacycle: Ester Manas, Ihre neue Kollektion hat sich im Ansatz sehr gewandelt seit Ihrer Präsentation hier vor einem Jahr.

Ester Manas: Ja, als wir uns vor einem Jahr hier trafen, war das eine Kollektion die ein Bild repräsentierte. Während sie Versionen für verschiedene Größen von 34 bis 50 vorführte, hat die jetzige Kollektion Kleidung kreiert, die für alle Körper passt, es gibt nur noch eine Größe. Mittels verschiedener Systeme – Schnitt, Knöpfe, Raffungen u.a. – passen sich die Kleidungsstücke jetzt den individuellen Frauenkörpern an. Sogar wenn der Körper sich verändert im Leben, wirft die Frau das Kleidungsstück nicht mehr weg. Es ist wichtig heutzutage, sich diesem Prinzip gegenüber aufzuschließen. Ich glaube, gerade in Hinsicht auf den Konsum in ökologischer Hinsicht ist eine solche Überlegung wichtig, das heißt, nicht mehr in der Produktion alle Größen herstellen zu lassen und am Ende der Saison einen großen Teil wegzuwerfen, weil der nicht verkauft wurde. Es geht also um ein Vorgehen, das zugleich ökologisch und ökonomisch sinnvoll ist. Und gleichzeitig geht es um größere Dauerhaftigkeit, insofern als das Produkt auch wechselnden Anforderungen gerecht werden kann und nicht so schnell weggeworfen und Neues gekauft wird. Es ist mir wichtig, mit meiner Arbeit eine solche Position zu vertreten.

modacycle: Was hat Ihnen die Anwesenheit hier im letzten Jahr gebracht, und der gewonnene Preis?

Ester Manas: Ja, ich habe den Preis der Galeries Lafayette letztes Jahr gewonnen, der mir erlaubt hat, eine Kollektion für sie zu machen – man kann die Sachen zum Beispiel hier im Festivalshop sehen – und auch jenseits dessen bin ich mit meiner Arbeit sichtbarer geworden. Aber es sind nun auch Erwartungen auf mich zugekommen, was manchmal schon fast beängstigend ist. Immerhin sind damit auch Investitionen verbunden, bei einer so eine großen Gruppe wie Galerie Lafayette dreht sich halt viel um Geld. Und dem gegenüber steht eben auch die eigene Philosophie (siehe oben), die nun damit korrespondieren muss. So ganz leicht ist das nicht.

Und grundsätzlich hat mir der Start hier halt viel Freude in der Folge beschert.

modacycle: Und Sie glauben, dass das anhält?

Ester Manas: Ja, sicherlich. Zum Beispiel vorhin hatte ich wieder ein Interview mit dem Französischen Fernsehen, das uns seitdem begleitet. Und auf der kommenden Fashionweek werden wir Teil des Designers Apartement im Palais de Tokyo in Paris sein, welches eine wichtige Einrichtung ist, da sie ihre Designer auch weiter begleitet. Mit ihnen fühlt man sich wirklich unterstützt und ermutigt, auch konzeptionell, denn sie glauben an unser Projekt.

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Das Schmuckdesigner-Duo Räthel-Wolf wurde ein zweites Mal nach Hyères eingeladen, um nun die im vergangenen Jahr neu entwickelten Produkte vorzustellen und damit auch sichtbar zu machen, wie das Konzept der Nachwuchsförderung der Hyères-Veranstaltung konkrete Früchte trägt.

Das betrifft auch andere Designer, die zuvor in Hyères waren, dies Prinzip illustriert nicht nur sich selbst, sondern trägt die Förderung auch weiter. Dabei ist die Entwicklung der Designer in dieser „Startphase“ durchaus unterschiedlich gerichtet, wir berichteten ja schon, wie zum Beispiel Vanessa Schindler die Chance und den Preis zur experimentellen Entwicklung ihrer Materialien genutzt hat oder Botter-Herrebrugh sofort nach dem Wettbewerbssieg ihr Businesskonzept in Paris aufgebaut haben.

Wir sprachen mit Sari Räthel und Ricarda Wolf in Hyères über ihre Initiativen im vergangenen Jahr. Sie sind nach London gezogen, um sich dort zentral zu etablieren, leben aber nicht kontinuierlich an diesem Ort zusammen. Und – nicht gerade typisch fürs klassische Schmuckdesign-Gewerbe – sie suchen ein kreatives Umfeld eher in der rein künstlerischen Prägung, ohne die Ambition aufzugeben, sich gleichzeitig im Business fest zu etablieren. Balanceakte zwischen freier Kreativität und Geschäft, die von außen nicht ganz einfach erscheinen und die durchaus Teil einer jungen Orientierung sind, welche vorgegebene Fahrwasser des Vorankommens nicht mehr als zwingend auffasst, sondern neue Wege und Positionierungen erprobt. Auch die kreative Arbeit als homogenes Team zu begreifen und nicht als zufällig passende Addition individueller Richtungen, ist letztlich ein unkonventionelles Konzept im Schmuckdesign.

modacycle: Ein Jahr ist vergangen seitdem ihr hier schon anwesend wart, was hat es gebracht?

Räthel und Wolf: Einfach super viel. Zuerst mal gute Verbindungen zur französischen Modeszene, aber auch international, weil Hyères ein Magnet ist für alle, die in Fashion arbeiten. Die kommen hierher zu dem Festival. Das merkt man auf jeden Fall deutlich. Über Gespräche, die man führt, dann auch anhand der Kontakte im Nachhinein, also das ist schon toll.

modacycle: Hattet ihr jetzt einen speziellen Auftrag, konntet ihr im vergangenen Jahr etwas Konkretes arbeiten oder habt ihr weiter gemacht wie immer?

Räthel und Wolf: Wir haben weiter gemacht, sind ganz gut gewachsen und vorwärts gekommen. Es ist schwierig, weil wir ja erst 1 ½ Jahre alt sind, in der Phase wächst man eigentlich, es explodiert sogar wenn es gut läuft und wir sind ganz froh wie es läuft. Wir können nicht genau sagen ob das nur passiert ist wegen Hyères, aber ich glaube schon, dass die Credibility auch durch Hyères kam. Wir sind aber auch super aktiv: Wir zeigen auf der Pariser Fashionweek, wir haben eigene Events in London, wo wir mit anderen Künstlern kollaborieren, Veranstaltungen zu körperbezogener Kunst, was uns zu unserem körperbezogenen Schmuck inspiriert, kurz, durch die vielen Aktivitäten haben wir viel Interesse bekommen und auch Aufträge.

modacycle: Das Neuartige an eurem Schmuck hat zunächst den Körperbezug als Basis, Schmuck soll bestimmte Körperelemente akzentuieren, wie zum Beispiel durch die Art und Weise, wie der Fingernagel eingerahmt wird.

Räthel und Wolf: Genau, das ist richtig. Der Körper ist unsere Inspirationsquelle, wir designen immer direkt am Körper, „im Material“. Wir sind beide geschulte Goldschmiede (wir haben Schmuckdesign studiert), und ich glaube aus dem Prozess, mit Metall direkt am Körper zu arbeiten, finden wir andere Ergebnisse, andere Positionen am Körper wo der Schmuck getragen wird, als herkömmlich. Wie zum Beispiel diese Nagelringe (die wir von Anfang an dabei hatten), die den Nagel rahmen und auch das Gefühl der Intimität unter dem Nagel hervorheben, was man sonst eigentlich nicht so spüren würde. Oder eine kühles Objekt hinter dem Ohr: wie das Material sich an den Körper da anschmiegt, das sind einfach Sensationen die man, wenn man den Schmuck von einer Zeichnung her entwickelt, so nicht erreicht.

modacycle: Neu hinzu gekommen sind jetzt Steine.

Räthel und Wolf: Jetzt haben wir Edelsteine in unsere Kollektion eingebracht. Dadurch, dass wir immer nach neuen Wegen suchen, wie der Schmuck am Körper sitzt, ergibt sich nun auch die Aufgabe, wie der Stein mit dem Schmuckstück korrespondiert. Wir haben in Deutschland einen Produzenten gefunden, einen erfahrenen „prestigious Manufacturer“, der schneidet uns die Edelsteine von Hand im Sinne unseres Konzeptes und die fassen wir jetzt. Die werden aber nicht gefasst in dem Sinne wie man Diamanten fasst, sondern sie sind elementarer, integrativer Teil des Schmuckstückes und sitzen somit im Ohr oder um den Finger. Damit wird das bisher mit Metall entwickelte Konzept weitergetragen.

modacycle: Noch eine Frage zur gemeinsamen Arbeit: Ihr wohnt ja nicht am selben Ort. Wie macht man das dann praktisch? Macht die eine dies und die andere das, oder entwerft ihr die Stücke gemeinsam? Wie muss man sich das vorstellen, wenn die kreative Kommunikation über Entfernung stattfindet, gerade bei dieser Art von Konzept mit der Entwicklung am Körper?

Räthel und Wolf: Wir sind eigentlich an einem gemeinsamen Ort. Wir leben beide in London. Die Freiheit, individuell auch mal drei Wochen unabhängig an anderem Ort zu sein, nehmen wir uns aber auch. Generell sind wir zusammen in London und so wie das Business bis jetzt aufgestellt ist, designen wir alles zusammen. Die komplette kreative Vision ist von uns beiden, sie entsteht direkt und kommunikativ, auch wenn im täglichen Leben jeder seine spezifischen besonderen Fähigkeiten ins gemeinsame Entwickeln einbringt – die eine ist vielleicht spezialisierter auf die Social Media und die andere auf Webproduktion businessseitig. Dass aber die kreative Arbeit in der Kommunikation zwischen uns passiert, ist uns sehr wichtig und auch besonders.

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

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Bilder & Text: Boris Marberg

Model: Christiane

Haare / Make-Up: Anja Stachelhaus & Team

Mode: Andreas Trommler

Video: Marco Jacob & Tobias Ebert

Es ist knapp einen Monat her, dass wir in Dresden mit dem Designer Andreas Trommler verabredet waren um neue Kreationen von ihm zu inszenieren und kennen zu lernen. Andreas Trommler, versteht sich sowohl als in erster Linie Künstler, als auch als Designer, der mit Neuem, wie auch Traditionellem experimentiert und für seine eleganten Looks auf edelste Materialien und Handwerkskunst zurückgreift. Dabei ist er in keiner Weise ein Traditionalist. Die Marke Trommler ist seit einigen Jahren am Markt präsent. Neben einer Damenlinie, aus der wir bei unserer Modestrecke zurück gegriffen haben, findet sich auch eine ansprechende Herrenlinie. Die Kollektion für den kommenden Sommer 2012 wurde in Berlin auf der Fashion Week vorgestellt, die ja sich ja immer mehr als das Mode-Event in Deutschland herauskristallisiert hat und neben den groß gesponserten Schauen, neuerdings beim Brandenburger Tor, eine umfangreiche Präsentationskultur mittlerweile bietet. Berlin ist für Andreas Trommler das Sprungbrett in den Markt und auch über Grenzen hinweg. Für die Zukunft will der Designer auch weiter international expandieren. Das sein Design konkurrenzfähig ist steht außer Frage. Gerade eine Kundschaft, die auf ausgereifte Konstruktionen, hervorragende Verarbeitung und eine klare Konzeption wert legt ist hier richtig. Eines der Markenzeichen der Damenkollektionen ist die Verwendung von Transparenz und Spitzen. Dies macht die jeweiligen Kleidungsstücke besonders wertvoll und edel im Erscheinungsbild. Kombiniert wird dies mit raffinierten Applikationen. Das als Spielfeld für die Trägerinnen nicht nur der elegante Abendanlass oder der Rote Teppich eröffnet ist, zeigen auch Kombinationsmöglichkeiten, die fast schon sportlich in der Elegant wirken können, wenn Leggins mit Pailletten, oder geschuppte Lederkleider aufwarten.

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Modelle: Julia & Radha @ Option

Haare/Make-Up: Sarah Burzan

Immer wieder fallen uns junge und frische Designer aus, deren Labels noch nicht so bekannt sind, und die wir Euch näher bringen wollen. So konnten wir einen kleinen Einblick in das Werken der Schweizer Designerin Sibylle Kuhn-Lanz gewinnen und die Designer zu ihrer Tätigkeit befragen. Ihre Kreationen zeichnen sich durch eine schöne, weibliche und ansprechend frische Linienführung und durch einen attraktiven Umgang mit Oberflächen und Materialien aus.

Designer: Sibylle Kuhn-Lanz
Heimatstadt: St.Gallen

Fragen zum Modehintergrund:

Labels für die Sie schon gearbeitet haben?

Keine, nur für mein eigenes „seam“

Seit wie viel Jahren arbeiten Sie in der Modebranche?

Mit 16 habe ich meine Ausbildung begonnen. Meine Ausbildung zur Couture dauerte 3 Jahre. Nach meiner Diplomierung zur Werklehrerin habe ich nebenbei ab und zu Kleider genäht, aber bloss so viel wie die Zeit es erlaubte. Nach ein paar Jahren entschloss ich mich Modedesign zu studieren.  2009 hab ich mein Label –seam- [seem] gegründet.

Was ist Ihre Ausbildung in der Modebranche?

1997  Fähigkeitsausweis > Damenschneiderin

2008  Diplom Modedesign

Wohin sind Sie schon gereist?

England – London etwa 100 mal und wiederkehrend…hab da zuvor ein Jahr gelebt, Bournemouth ebenfalls ein Jahr und diverse andere Städte. Wales, Swansea…quer durch, Schottland – Edingborough, Glasgow & einmal …quer durch. Irland, Nordirland, Belgien, Polen, Frankreich, Thailand und so weiter.

Was sind Ihre Haupteinflüsse?

Pflanzen, Strukturen, frühere Epochen, und nicht zuletzt das Material an sich, ich lasse mich eigentlich immer  vom Material leiten.

Was sind Ihre bevorzugten Materialien?

Seide und Baumvolle.

Wann haben sie mit dem Schneidern angefangen?

…ich denke ich sass mit 7 das erste Mal an der Nähmaschine, meine Oma war Schneiderin so liess sie mich schon früh an die Nähmaschine.

So richtig gelernt hab ich es mit 16 Jahren.

Was sind Ihre bevorzugten Modeepochen?

Das ist keine einfache Frage, ich mag es zu kombinieren. Renaissance (Korsagen) bis Klassizismus (Empirelinien), Jahrhundertwende, 40er und 50er ab und zu… ich mag Taillenbetonte Kleidung.

Welche anderen Designer haben Sie wirklich beeindruckt?

Olivier Theyskens, Alexander McQueen.

Welches Potential für Modedesign sehen sie auf dem Schweizer Markt für Schweizer Designer?

Ich denke es gibt mehr und mehr Leute die gerne etwas Aussergewöhnliches im Schrank haben wollen, ob nun hier in der Schweiz oder im Ausland. Ob der Markt an sich schon bereit ist auf die eigenen Designer zu zählen ist die andere Frage.

Fragen zur aktuellen Kollektion:

Was ist das Ziel der aktuellen Kollektion?

Ein bisschen eintauchen in die Anmut der Transparenz.

Welche technische Inspiration liegt dem Erreichen dieses Ziels zugrunde und was waren die Hürden mit denen Sie konfrontiert waren?

Zugrunde der Inspiration liegt das Material an sich. Jeder Stoff verhält sich anders und mag der Unterschied auch noch so klein sein. Hürden sind oft dass man bei der Verarbeitung dem Material gerecht wird. So entstehen aber auch neue Ideen und Kreationen.

Was war Ihre visuelle Inspiration für die aktuelle Kollektion?

Es war eine Mischung aus…fading bloom… nach und nach schwindet die kraft und frische aus den Blütenblättern welche dadurch eine leichte Transparenz erhalten. sie gewährt einen sanften Einblick ins innerste. tau und kleine Wassertropfen glitzern verspielt und täuschen mit scheinbarer frische. Antwerpen… 3 tage in Antwerpen lassen hinter die Fassaden blicken. Häuser reihen sich eng aneinander entlang der vielen kleinen Gassen. schicht um schicht blättert die vergilbte Farbe ab und verblasst ins unscheinbare weiss. But time decays … das nahezu 300 Jahre alte haus lässt  wage erahnen wer darin ein und ausgegangen sein mag. jede Generation hat ihre spuren hinterlassen. Gardinen hängen in fetzen von den Fenstern und Zeitungen in Frakturschrift zieren den Boden in der Küche des Hauses.

Wo können Interessierte Ihre Kreationen im Moment erwerben?

Bislang ausschliesslich bei mir persönlich. Anfragen auf Massanfertigungen sind willkommen. Man kann sich am besten per Mail bei mir melden: s.lanz@seamdesign.ch und auf  facebook: (auf dem neusten Stand der Modelle)

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Kilian Kerner – Rück- und Vorschau

Interview: Boris Marberg

Bilder: Peter Becher

Mitten im Hochsommer präsentierte Kilian Kerne seine neue Kollektion in Berlin auf der MBFW und wir wollten mit etwas Abstand erfahren, was bei Kilian im Moment ansteht und wie er die Schau selbst erlebt hat.

Es ist ja jetzt seit die Kollektion in Berlin vorgestellt worden ist einige Wochen vergangen. Hat sich die Anspannung etwas gelegt, oder bist Du schon wieder mit neuen Projekten beschäftigt. Was werden wir in den kommenden Wochen an Neuem von Dir sehen und hören?

Die Entspannung hat 7 Tage gedauert. Danach ging’s weiter. Wir sind mit der neuen Kollektion beschäftigt. Unsere Jerseykollektion wird ausgebaut. Die Erweiterung ist super angenommen worden. Das wird jetzt eine komplette Kollektion zusätzlich zur Premiumkollektion.

Deine Schauen sind ja mittlerweile ein fester Bestandteil am Bebelplatz. Im Moment ist noch nicht klar, ob im Januar die MBFW wieder am Bebelpatz stattfinden wird, oder wegen dem Mahnmal Bücherverbrennung umziehen wird. Werden wir im Januar von Dir eine Offside Show sehen, oder wirst Du weiterhin am dann zentralen Ort die neue Kollektion vorstellen?

Ich werde definitiv im Zelt zeigen. Ich fühle mich dort sehr wohl und für uns hat sich seit der ersten Show im Juli 2008 dort vieles verändert. Ich bin der Mercedes-Benz Fashion Week und der IMG sehr dankbar für diese Plattform.

Für uns liegt der spezielle Reiz an einer Modenschau auch am Drumherum, der speziellen Stimmung direkt vor der Schau, wenn die ganze Energie geladen ist und alles auf den grossen Moment hinfiebert. Bist Du auch nach so vielen Schauen in Deiner Karriere immer noch aufgeregt bevor die Schau losgeht?

Mir ist schlecht vor Aufregung und ich liebe es. Ich glaube, wäre das nicht mehr so, müßte ich überlegen ob es noch richtig ist. Die Aufregung wird nicht weniger. Man muss ja wachsen, mit sich und dem Ganzen und man hat jede Saison neue Herausforderungen zu meistern.

Die neue Kollektion war ja etwas träumerisch. Woher beziehst Du für die Kollektionen und Entwürfe Deine Inspiration?

Immer durch Gefühlswelten. KILIAN KERNER Kollektionen entstehen immer aus dem Bauchgefühl einer Emotion, die in mir lebt.

Bist Du mit der Akzeptanz und Resonanz der neuen Spring/Summer Kollektion 2011 bisher zufrieden?

Absolut. Wir konnten die Umsätze steigern und die Presse war auch sehr nett zu uns.

In Berlin dreht sich immer noch viel bei der Fashionweek um Prominenz und Berichterstattung in der Tagespresse. Was hältst Du davon, dass Designer Prominente einkleiden und auf ihre Schauen auch gegen „Bezahlung“ einladen?

Jesus, ich würde keinen Promi dafür bezahlen zu meiner Show zu kommen. Entweder er mag uns oder er läßt es.

Kilian, danke für die Statements.

Backstageimpressionen:

Kilian Kerner im Interview

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