Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der  13. Positions im historischen Flughafen Berlin Tempelhof stellt das Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran im Hangar 5 zweiundzwanzig Modedesignlabels beziehungsweise Modedesigner für den eigenen Bereich FASHION POSITIONS 2026 vor. Wie schon in den Jahren zuvor oszillieren die Arbeiten, meist Installationen, zwischen künstlerischer Kreativität und Modehandwerk und suchen, dieses Jahr besonders, auch in den Blick zu rücken, wie Mode heute verstanden, konzipiert, produziert und erlebt wird.

Dabei begreifen die Modemacher ihr Tun als eigenständige künstlerische Disziplin, was allerdings unterschiedlich gut überzeugt. Hier fungieren Kleidungsstücke und Textilien als Rauminstallationen, skulpturale Objekte und gesellschaftspolitische Statements. Letztere sind dieses Mal gefühlt auffälliger vertreten als bisher, sogar die künstlerisch ambitionierteste Vertreterin, Esther Perbandt, verzichtet dieses Jahr weitgehend auf ihren ästhetischen Focus zugunsten eines moralischen Nachhaltigkeitsappels. Impari versucht dagegen, den Recyclinggedanken zu visualisieren, das mutet ein bisschen wie Schülerkunst an.

Während einige Teilnehmerinnen tatsächlich den Raum als solchen besetzen wie Carolin Dieler, Impari oder Rudzki und Kramer, nutzen andere ihn lediglich, um Kleidung an Puppen darin auszustellen oder Objekte in Bezug zu Bildern zu stellen (zum Beispiel V_Collective, Yccij + Maurer, Stefan Uhr, Uraomote). Manchmal als visuelle Interpretation, immerhin, begründet mit einer kleinen Geschichte oder einem Erinnerungsmoment.
Der häufigste Bezug zu Kunst ist naturgemäß der skulpturale, der mal mehr (Maximilian Gedra, Nicole Kiesel, Cruba x Uli Aigner, Selva Huygens) und mal weniger (Bodach, Vreni Jäckle) abstrahiert wird.
Andere bleiben einfach dicht an ihrer Designphilosophie und arrangieren ein paar Objekte dazu (zum Beispiel Plaid-à-porter).

Jenseits dieser Annäherungen gibt es aber auch ganz spezifische Kreationen, die konzeptionell sehr künstlerisch denken, Elodie Carstensen mit ihrem Bassin etwa, wo die Kleidung wie Undine- oder Ophelia-Assoziationen auf und unter dem Wasser liegt, oder Lithium Oak mit den gestalteten, fast zu Horror neigenden Visionen zu Schwangerschaft und damit verbundenen Ängsten. Human Touch (Juliet Seger) dagegen entwirft ihre Mode an sich schon mit zugrundeliegender künstlerischer Ambition, ihre Kleidung trägt die akzentuierten Spuren des Handwerks als spezifischen ästhetischen Ausdruck mit gewisser Eindringlichkeit. Sie war damit aber schon besser auf der Positions 2023 vertreten und verzichtet leider auch auf ein weiterführenderes Präsentationskonzept.

Sehr spannend kommen die Haar-Skupturen bei Nicole Kiesel daher, einerseits, weil Haar eine eigene Aura des Noch-Lebendigen und des Mythischen umgibt, andererseits weil die Gestalten aus dünnen Linien einen großen grafischen Reiz entfalten. Auch Vreni Jäckles angenagelte Skulpturen aus körpernahen Textilien wie Strumpfhosen evozieren ein etwas beklemmendes aber auch originelles Eigenleben.

Wie schon die vorausgehenden Jahre sieht man nicht wenige lockere Arrangements und Gedanken illustrierende Erweiterungen normaler Modegestaltung, eher entfernt von künstlerischem Denken und deutlich zu Dekorativem neigend – das kann man hier genauso bedauern wie beim Ausstellungsabschnitt der Galerien, wo einem das mindestens genauso häufig begegnet.

Bodach:
Threads: Interwoven in One Voice, 2026, Installation

Lilian Brade:
Artista Grottesca, 2026, Performance

Elodie Carstensen:
Void, 2026, Installation

Carolin Dieler:
Floating Through Keepforest, 2026, Installation

Maximilian Gedra:
The Swarm, 2026, Installation

Human Touch:
Artefacts, 2025,Kleidungsinstallation

Impari:
What Remains – The Weight of Consumption, 2026, textile Installation

Vreni Jäckle:
The Barriers Elasticize, 2026, Installation

Nicole Kiesel:
Haararbeiten, 2026, Installation, (Pferdehaar)

Cruba x Uli Aigner:
One Million, 2026, Porcelain Vessels And Textile Designs

Lithium Oak:
The Crib, 2026, Kleidungsstück I Archaic Mother, 2026, Kleid

Maqu:
Espazio Cacao, 2026, Installation

Müller + Faber:
Step into Escapist Garden, 2026, Installation

Esther Perbandt:
The Distance of a Jacket, 2026, Installation

Plaid À Porter:
Fading (is) Beauty, 2026, freistehende Installation

Rudzki + Kramer:
Traces of Matter, 2026, Installation

Tutia Schaad:
The White-T, 2024, Installation

Selva Huygens:
Aerospatial,2026, Installation

Stefan Uhr:
Ornelias Blumen, 2026, Prozessinstallation

Uraomote:
Freiraum und Linie, 2026 Tapisserie, Kleidung

V_Collective:
Echoes of Tomorrow, 2026, Modekollektion

Yccij + Maurer:
Im Abdruck, 2026, Installation

Malecka + Müller:
One Person One Voice. A Photographic Series Amplifiing Voices on Mental Health in Fashion., 2025, fotografische Serie

The post Fashion Positions 2026 appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

WITH[out]WASTE ist leitendes Programm des Labels Impari, das seine Kollektion damit in den Reigen der Versionen modischer Nachhaltigkeit stellt und darauf verweist, dass der Schlüssel zu modernem Modeverständnis in der ideologischen Sinnhaftigkeit steckt.

Dafür entwickelt das Berliner Atelier innovative Materialien aus recycelten Kunststoffen und baut neue Wertschöpfungsketten auf. Aber auch sonst sind die Grundlagen des gestalterischen Schaffens explizit gesellschaftspolitisch ausgerichtet, also non-binär beziehungsweise unisex, multiethnisch und so weiter. Soweit den auffindbaren Verlautbarungen folgend, versteht sich IMPARI allgemein als eine Marke, die bewusstes Leben, Individualität, Liebe und Achtsamkeit fördern will. Das klingt nach modernistischem Meinungsethos. Die Gründerin Jana Heinemann  unterstreicht diese Positionierung auf ihrer Webseite: „Das Wichtigste ist, dass ich einen neuen Blick auf Nachhaltigkeit in der Modeszene setzen möchte“ und dass in ihrem Designprozess „Vielfalt und Nachhaltigkeit als Schlüssel meines Labels“ zu verstehen sei.

Zur ästhetischen Positionierung findet man weniger Konkretes: „Die Handschrift meiner Designs zeichnen sich durch selbst erstellte Drucke in Kombination mit den unterschiedlichsten Materialien und Farben aus.“ Es geht um frische Farben, Vielseitigkeit des Materials, den Ausdruck von Lebensfreude, Individualität und gesellschaftliche Verbundenheit, hauptsächlich auf ein positives Erleben des nachhaltigen Anspruchs. Entsprechend vage und vielseitig sind die vorgeführten ästhetischen Stilmittel, in der Couture finden sich Varianten vom Kastigen bis zum Geschwungenen, vom Geschichteten zum Simplen, in der Farbgebung vom Bunten zum Monochromen, vom Zarten oder Gebrochenen zum kräftigen Reinfarbigen, vielseitig Gemixtes und einfach Belassenes – alles kreativ und launig angelegt aber ästhetisch eher ungefähr und ein wenig beliebig. Das schließt durchaus diverse Raffinessen ein, man sieht sehr pfiffige Raffungen und Fältelungen, dynamische Architekturen, gelungene Farbabstimmungen und auch formal ungewöhnliche Kombinationen. Zudem findet recyceltes PET interessante Gestaltungsanwendungen.

Ein besonderer Akzent gibt der Kollektion gelegentlich eine interessante Richtung: Die chinesische Tang-suit-Jacke wird neu interpretiert, die zugehörigen Schlaufenverschlüsse und Krägen peppen mehrere Tops reizvoll auf, und es gibt gelegentlich auch Hüte mit chinesischer Prägung neben Schlapphüten und Mützen.

Diese Vielseitigkeit mit diversen Akzenten versteht sich als die eigentliche gestalterische Kompetenz und als Auftrag, Individualität vorzuführen. Und ein aufgeschlossenes, positives Lebensgefühl. Mit dieser Interpretation des Nachhaltigkeitsanspruches geht die Kollektion immerhin schon einen Schritt über das ideologische Primat hinaus. Letzteres immer wieder herauszustellen, sollte sich aber mal erübrigen.

The post Impari – Anima appeared first on modaCYCLE.