Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg for BFW

In der Aufwärmhalle des Berliner Olympiastadions präsentierte der Designer William Fan seine neue Kollektion „Off Duty“ für Herbst/Winter 2024 und eröffnete damit „quasi kalendarisch“ die Berliner Modewoche. Eine Woche, die neben dem offiziellen Kalender eine Vielzahl von Nebenveranstaltungen geboten hat und oft von Professionellen als von eine vom gefühlten Zerfall des Einzelhandels getragene Institution gesehen wird.

Gerade der Einzelhandel in den Innenstädten leidet an einem massiven Umsatzschwund, rasant steigenden Mieten, exemplarischen Pleiten wie jene des KaDeWe in Berlin, was alles zusammen ein toxisches Umfeld für den Handel in den Zentren manifestiert. Kleine Labels setzen deshalb vermehrt auf eigenen Vertrieb. Und dennoch ist zeitgenössische Mode weiterhin urban ausgerichtet. Hier pulsiert die Kreativität, insbesondere modisch in Berlin, wie in keiner anderen deutschen Großstadt. Auch deshalb legitimiert dies weiterhin, dass Berlin mit seiner Modewoche für Deutschland und deutsche Mode tonangebend ist.

Die Aufwärmhalle des Stadions bot eine angemessene Mischung aus kühler Nüchternheit und sportlich-dynamisch warmem Ambiente. Die Tartanbahn wurde zum Laufsteg für die Modelle, mit denen William Fan zeigt, dass er Altersgrenzen mühelos überwindet und ein weites Publikum ansprechen kann. Seine neue Kollektion ist auf Freizeit und Distanz zum Arbeitsalltag ausgerichtet. Das ist nicht so selbstverständlich, denn dem Berliner Designer wird nachgesagt, ein Liebling derer zu sein, die einen Faible für hochwertige Eleganz hätten. Jedenfalls werden seine Kreationen leger getragen. Die Volumina sind weit und locker, wie auch die Silhouetten. Lange Hosen und Oberbekleidung lassen sich untereinander kombinieren und die Looks können mit Taschen unterschiedlichster Größe und Form aus dem selben Modehaus abgerundet werden. Diesen herbstlichen Kombinationen von Hosen, Blusen / Hemden, wie auch Jacken, Pullundern und Mänteln steht eine kleine Reihe von langen und weiten Kleidern für festlichere Auftritte zur Seite. Teilweise sehr dunkel gehalten mit griffiger in den Raum wirkender Struktur.

Die Kleidung wirkt tatsächlich edel, trotz oft gröberer Struktur im Gewebe, die Textilien sind griffig und angenehm auf der Haut. Farblich spielt der Designer wohltuend mit der Palette eines warmen Herbstes, eines Winters, der eher mediterran daherkommt. Warme Grüntöne, Beige, blasses Gelb, Abstufungen von Grau bis zu tiefem Schwarz finden sich bei den Looks und in zwei Varianten grobe Karos bei Mantel-Kleidern. Im Kontrast zur Tartanbahn stehen die zahlreichen fluffigen Pantoffeln, welche von vielen Modellen getragen wurden – für Freizeit im Winter sicher ein passendes Accessoire.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Positions Art Fair feierte dieses Jahr ihr 10. Jubiläum und das vierte Mal ist die „Fashion Positions“ angeschlossen. Anfänglich wurden die Modedesigner eingeladen, weil so viele Formate wegen Corona Shutdowns hatten, mittlerweile hat das Miteinander zu einer sehr spannenden Präsentation der künstlerischen Sicht von Modedesignern und -designerinnen gefunden.

Nicht zuletzt dank einer sehr ambitionierten Kuratierung von Esther Perbandt und Fiona Bennett dieses Jahr. Besonders die Vorzeigedesignerin Berlins, Esther Perbandt, erweist sich dafür als sehr kompetent, denn sie agiert selbst schon immer sehr gern in allen künstlerischen Gefilden der exzentrischen Stadt und erprobt die eigene Gestaltungslust stets auch jenseits der kommerziellen Interessen.
21 Modedesigner und -designerinnen waren eingeladen, ihre kunstaffinen Statements zu präsentieren und dabei die nachvollziehbaren Berührungspunkte mit freiem Kunstschaffen aufzudecken. Sehr viele Positionen wurden gut herausgearbeitet und auch durch jeweils einführende Texte interessant kommentiert (allerdings nur englisch).

Die Schnittstellen zwischen jungem Modedesign und freier Kunst finden sich auf sehr verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Perspektiven, sei es da, wo die Lebensrealität das gestalterische Schaffen thematisiert (zum Beispiel Krieg bei Dzhus) oder auch da, wo Gestaltungsprozesse und innere Strukturen in der Bildenden Kunst, Architektur oder visuellen Medien dazu inspirieren, das eigene Vorgehen in der kreativen Textilgestaltung darauf zu beziehen (zum Beispiel Brachmann). Darüber hinaus gibt es viele weitere Schnittstellen, oft gerade da, wo Mode nicht nur eine ästhetische Aussage treffen will, sondern auch eine Aussage im Sinne des Zeitgeistes anstrebt, also sich als Botschafterin gesellschaftlicher Ideen versteht (zum Beispiel Jenny Haas).

Gesellschaftlich Position beziehen

Angesichts der vielfältigen Problemlagen unserer Gegenwart sieht sich Mode heute bemüßigt, auch mit Aussagen Positionen zu beziehen. Das hat mit gesellschaftlicher Kritik an dem schnellen und unökologischen Modegeschäft angefangen und reicht heute über Nachhaltigkeitsverpflichtungen und inzwischen auch Genderfragen weit hinaus. Gesellschaftliche Positionierungen werden via Mode auf den Konsumenten projiziert und umgekehrt wird von ihm auch offensichtlicher Positionierungswille erwartet. Entsprechende Slogans auf T-Shirts gedruckt machten den Anfang, inzwischen ist die ganze (junge) Modeindustrie mehr und mehr darauf ausgerichtet.

Die Frage, warum nun die Modeindustrie sich in gesellschaftspolitische Debatten einmischt, kann auch damit beantwortet werden, dass schon die Mode-Studiengänge glauben, gesellschaftskritischer Stellungnahme im Studium großen Raum einrichten zu müssen. Und natürlich setzt dies sich in der zeitgemäßen Forderung fort, alles gesellschaftliche Tun auch moralisch und soziokulturell zu positionieren – eben auch in der Modegestaltung.
Damit wird Modemachen gewissermassen politisiert: Die gesuchte Zeitgeistigkeit kreativen Modegestaltens wird nicht mehr nur über rein ästhetische Idealismen formuliert, sondern zunehmend mit kommentierenden, konkreten Begriffen bzw. Schlagworten leicht verständlich aufgefüllt (oder sogar ersetzt). Damur ist ein gutes Beispiel dafür. Das kann auch der mitgelieferte Begriff „nachhaltig“ sein. Ob so allerdings Mode tatsächlich mit Sinnstiftung oder Bedeutung aufgefüllt wird, was ihrem eigentlichen Wesen ja widerspricht, bleibt vorerst dahingestellt. Zunächst ist es wohl eher eine Verschiebung der Codes, eine (ersehnte) Transzendenz der Erscheinungsbilder ergibt sich daraus eben nur scheinbar. Aber genau die soll Mode in die Nähe von Kunst rücken.

Die Infragestellung ästhetischer Relevanz

Reines Art pour Art hat im Kontext der jungen Modeszene eigentlich nicht mehr viel zu suchen und insofern beschleunigt das natürlich auch die abnehmende Relevanz ästhetischer Maßstäbe im Sinne dessen, ob etwas einfach nur hinreißend aussieht, besonders elegant daherkommt oder vielleicht ein pfiffiger Streich in Sachen Sexyness ist. Solche Kriterien sind mehr oder weniger außer Kraft gesetzt beziehungsweise dürfen oft nur noch am Rande der Chicness der Schlagworte ihre Wirkung hinzufügen.

Aber das  Problem der Aufgabenverortung im gesellschaftlichen Leben stellt sich nicht allein in der Mode, die vorher vorwiegend sinnlich mit Geschmacksargumenten arbeiten musste.  Auch die Bildende Kunst riskiert es, teilweise die Bedeutung ästhetischer Wahrnehmung einzubüßen, wenn sie beispielsweise Themen wie soziale Ungerechtigkeit, Feminismus, Krieg, Klima- und Naturkatastrophen als Spiegel gegenwärtiger Lebensrealitäten und der heutigen Zeit zugrunde legt oder über den Schöpfungsprozess stülpt. Kurz: es geht in der jungen Mode (und oft in der Kunst) momentan nicht darum, die Welt schöner zu machen, sondern besser. Inwieweit diese Art Chic erfolgversprechend ist, bleibt abzuwarten. Jedenfalls ist es in der Zusammenschau eine neue und bemerkenswerte Schnittstelle, wenn auch nicht die einzige.

Digitalisierung und andere Schnittstellen

Gleichzeitig spielt die durchdringende Digitalisierung eine nicht zu unterschätzende Rolle in allen künstlerischen Bereichen, sowohl in angewandten Verfahrensprozessen als auch als Thema. Blicke auf die Zukunft und digitale Innovationen tauchen als Faszinosum und Experimentierfeld auf und auch hier – zumindestens in der Mode – müssen ästhetische Belange erst einmal zurückstehen. Immerhin sind die Erwartungen ästhetischer Erfahrung an Bildende Kunst dabei noch vergleichsweise hoch gesteckt.

Andere Schnittstellen, wie zum Beispiel das Skulpturale oder auch die Zeichnung, folgen ganz klassischen Gestaltungsmotivationen. Das sind oft sehr spannende Auseinandersetzungen, sinnlich, prozessual und manchmal nur auf rein formaler Ebene. In Sachen Konnotation verhält es sich umgekehrt: Symbolische Aussagemomente der Bildenden Kunst werden leicht als (scheinbar ausreichende) künstlerische Aussagemittel für sich genommen und damit oft von Designern abflachend mißverstanden und inflationär eingesetzt, um Sinnstiftung zu demonstrieren. Man findet leider mehrere Beispiele dafür in der Ausstellung.

Fragwürdiges Kunstverständnis

Was die Nutzung medialer Präsentation betrifft, droht die Vergleichbarkeit zwischen Kunst und Mode ebenso schnell fragwürdig zu werden. Die reine Übernahme eines künstlerischen Mediums macht die Darstellung noch nicht zu Kunst. War die Installation einst ein Medium der Bildenden Kunst – mit der Einführung des realen Raumes -, gilt sie hier per se als künstlerisch. Es bleibt aber durchaus offen, ob eine Installation mit Modeelementen, Fotos und symbolischen Objekten schon eine kunstidentische Darstellung ist. Diese Unterstellung erweist sich an vielen Stellen als besonders problematisch.

Es ist ein großer Verdienst der Kuratorinnen, eine breitere Palette abzubilden, als diese kritisch beschriebenen Aspekte – wie die nachfolgenden Erkundungen im Einzelnen deutlich machen. Leider zeigt das kleine Begleitheft zur Positions die Komplexität der künstlerischen Modepositionierungen nicht sehr kompetent auf. Hier gibt es statt der Allgemeinplätze noch Ergänzungsbedarf bei den künftigen Fashion Positions. Ein sympathisches Interview mit Danny Reinke ist da wenig stellvertretend für den inhaltlichen beziehungsweise künstlerischen Anspruch der Sektion, der ja durchaus vielschichtig ist und mit vielen tollen Beispielen auch überzeugt.

Die ausstellenden Modedesigner

BRACHMANN: Zeichnungen von den Capsule Collections „Cube“ and „Skins„.

Die Designerin Jennifer Brachmann hat außer Mode auch Architektur studiert und ist dem Bereich nach wie vor sehr verbunden. Sie sieht ihr Modedesign als gleichberechtigte Kunstform wie Architektur, Industriedesign oder Malerei ganz im Sinne der Bauhausphilosophie und entsprechend legt sie ihre Gestaltungskunst an und aus. Nicht die Trennung der Eigenheiten sondern den Zusammenhang mit den anderen Fachbereichen will sie aufdecken und so sind die aktuellen Zeichnungen mit der Durchdringung von Mode und Architektur grundlegendes Statement ihres Verständnisses und auch ihres gestalterischen Vorgehens. Sie sieht Architektur und Kleidung als jeweils eine Haut des Menschen, in der er lebt und die ihre Gestaltung ihm zueignet.

Bauhaus-Minimalismus prägt noch immer ihr Credo und die Grundlage ihrer puristischen Eleganz.

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KAREN JESSEN: „Liquid Bloom 2023„. Installation, Skulptur, tragbare Kleidung, neu erfundene Häkeltischdecke.

Handwerkskunst prägt die Arbeit der Designerin grundlegend und die Lust an skulpturaler Kreation führt sie ebenso in abstrakte Dimensionen wie Bildhauerei. Dabei entwickeln die subtilen Material-Gespinste in ihrer Leichtigkeit bewegte und anmutige Formen, die sowohl wie digitale Träumereien sich in und durch den Raum bewegen als auch (als tragbare Kleidung) den menschlichen Körper umschmeicheln können.
Karen Jessens Mode besteht aus Upcycling, hier verwandelte Tischdecken-Elemente.

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CRUBA: „Trash on Snow„, 2023. Videoinstallation. Holz, Papier, Bio Zellulose.

Mira von der Osten überführt den Modeprint auf Stoff in eine mediale Vision, wo aufprojizierte, bewegte und wechselnde Elemente die Oberfläche zu träumerischem Leben verwandeln. Chaotisch auftauchende und verschwindende Trash- und Körper-Fragmente („auf schwarzem Schnee“) suggerieren kreative Erscheinungsverwandlungen auf und in der Oberfläche des Textils.

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DAMUR: „77 lucky charms for 77 people„. Schuhe, Pflanzen, Textilien.

Shih-Sun Huang liegt neben der inclusiven Einebnung von sexuellen, kulturellen und auch modespezifischen Unterschieden die weitestgehende Gleichstellung von Allem am Herzen – insofern sind auch Kunst und Mode für ihn keine verschiedenen Aktionsfelder. Ästhetische Kategorien hält er für längst überholte Perspektiven:  ideele Statements prägen als Symbole die Essenz aller Erscheinungen. Der Formulierung dieser Wahrnehmung gilt sein gestalterisches Interesse, auch in der Mode. In seiner Installation stehen die Schuhe als Träger des öffentlich Erlebten am Tage und die Zimmerpflanzen für  häusliches Leben, alles fügt sich irgendwie zu einem offenen Tableau des (Er-)Lebens.

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DANNY REINKE x MANUELA KARIN KRAUT: „Lustgarden“ 2023.

Danny Reinke entnimmt gelegentlich aus der Bildenden Kunst Motivelemente für seine Musterprints. Größere Nähe zu Gegenwartskunst hatte seine Kollektionsschau auf der Fashionweek ss23 Berlin: Hier gab er der Künstlerin Manuela Karin Knaut kooperative Gelegenheit für eine Live-Performance, wo sie ein Recycling-Brautkleid auf dem Laufsteg bemalte. Die Installation verweist aber auch auf den starken Naturbezug, mit dem seine Modekollektionen entstehen.

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DEAD WHITE MEN’S CLOTHES: „DWMC No. 267 – No. 287„, 2023. Installation.

Jojo Gronostay hat Ghanaesische Wurzeln und lebt und arbeitet in Wien. Sein Label ist ein Kunstprojekt und Modemarke zugleich und beschäftigt sich mit den Mechanismen interkulturellen, -ökonomischen und -politischen Austausches. Indem er ausrangierte Kleidung aus dem Westen auf Ghanaesischen Märkten aufkauft, neu manipuliert und auf dem westlichen Modemarkt verkauft, kehrt er das Dominanzgefüge um.
Die Videoinstallation zeigt ein Fußballspiel, aufgenommen in seiner Heimat Accra und die Tricots der Spieler sind mit Überdrucken hin- und hermanipulierte Spielkleidung europäischer Clubs. Die Wechselbeziehung von Kleidung als Ausdruck einer Machtkonstellation dominanter Kultur zu einer aneignenden wird hier im politisch-künstlerischen Sinne hinterfragt und neu formuliert.

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DZHUS: „Thesaurus„, Collection 2023.

Irina Dzhus ist Ukrainerin und ging mit Kriegsausbruch in den Westen. Der Krieg hat in der Selbstreflexion eine Neubewertung tradierter Selbstverständlichkeiten ausgelöst und die Grundlagen der Modegestaltung neu und ganz anders positioniert. Nicht nur die inzwischen berühmte Multifunktionalität ihrer Kleidungsstücke rückt ihre Arbeit in den Bereich Konzept-Art, sondern auch die skulpturale und manchmal quasi dialektische Ästhetik sowie das Referentielle der Materialien.

Thematisch geht es Dzhus auch um Gender-Dresscodes, die sie auflösen und durch einen egal-archetypischen ersetzen will; dem folgt auch die ästhetische Klarheit, welche auch die originellen und verspielt-witzigen Einfälle dominiert.

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ESTHER PERBANDT: „curse and blessing„, 2-teilige Installation mit künstlichem Haar und Schuhen auf Holzblock.

Die fragile Kopfputzkonstruktion aus schwarzem Kunsthaar schwebt frei in der Höhe und die mit goldenen Nägeln auf einem schweren Holzblock befestigten Schuhe drücken auf den Boden. Der freie Raum dazwischen steht für die Lücke zwischen Utopie und Realität. Perbandt versteht sich als visionäre Performerin und Künstlerin, wobei ihre Mode, die sie oft in installativen Arrangements präsentiert (zuletzt auf der Fashinweek Berlin ss 2024), als ein Teil der ästhetischen Konstrukte verstanden werden soll.

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FADE OUT LABEL: „You Wear What You Are„, 2023. Upcycled Jeans, Macro Pailletten aus Tomatendosen, Wegwerfmaterialien

Das Victoria&Albert Museum beschreibt in einer Publikation Andrea Bonfinis Label als die innovativste  Patchwork-Marke der Gegenwartsmode und seine Arbeiten finden sich auch in diversen Kunstgalerien. Die rein abstrahierende Präsentation der mosaikförmlich zusammengefügten Denim-Stofffelder entwickelt eine selbständige formalästhetische Qualität, die auf Kleidungsstücke übertragen wird, so dass quasi getragene Kunst daraus wird. Hinzu tritt die Eigenschaft des gelebten und symbolischen Charakters (Rock-Rebellion) des Jeansstoffes, die die Objekte auflädt.

Inspiriert ist die Arbeit von der Dada-Künstlerin Elsa von Freytag Loringhoven (1874-1924) , die unter anderem Wegwerfkunst als Bekleidung entwarf.

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FIONA BENNETT: „Two Souls. One Hat„. 2023. Filz, Stroh, Seide, Papier.
Tales of a Travelling Milliner, Chapter 3, Justine Lauefer.

Die Hutmacherin Fiona Bennett versteht ihre Kopfbedeckungen auch als symbolische Objekte (Stichwort „unter einen Hut bringen“) und in dieser interaktiven Installation sollen sich zwei Menschen unter einem Hut verbinden. Gemeinsam mit Justine Lauefer, Fotografin, entwickelt Bennett Visualisierungen von Begegnungen, bei denen Kopfbedeckungen dann die Rolle eines „Storytelling“ einnehmen. Mit der symbolischen Funktion von Kleidung und der interaktiven Präsentation in diesem Sinne repräsentiert der Sinn von Mode aus dieser Sicht eine übergeordnete, quasiphilosophische Ebene. Mit den dadaähnlichen Fotocollagen werden weitere Bezüge zu Kunst angedeutet.

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THE OTHER GODS: „Gaia – an Ode to Earth’s Spirit„. 2022/23. Leinen Wolle, Baumwolle, Pailetten.

Einen mobilen Tempel als Ode an Mutter Erde und Natur, mit Aura und Evokation höheren Bewußtseins, haben die Textilkünstler Lena Voutta und Thoas Lindner gefertigt. Das handwerkliche Gebilde aus textilem Baumaterial, das eher behausende Kleidung assoziiert, und sein archetypisches Raumkonstrukt verbinden hier im spirituellen Leitmotiv Mode und Kunst.

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ISABELLA RUDZKI

Isabella Rudzki gehört zu den wenigen Kunstschaffenden, die sich gerne in allen medialen Ausdrucksformen bewegen und Mode und Schmuck gehören wie selbstverständlich auch dazu. Der Mensch und sein Körper stehen im Zentrum der Ideen, die physische Nonkonformität des Individuums und die Sensibilität der Mensch-Welt-Beziehungen sind Gegenstand ihrer umfassenden Auseinandersetzungen. Dem Körper, als Behausung von Geist und Seele verstehend, sind Normen, Gleichberechtigung, Lebensumstände, soziale Beziehungen und zeitgenössische Bilder davon inhärent – nicht zuletzt die existenziellen Grundlagen und Erfahrungen der Gegenwart. Mythen  aus der Vergangenheit interessieren Rudzki auch, denn die kreisten schon um dasselbe.

Mode und Schmuck für den Körper können als eine Facette, sich mit der Wesenheit Mensch zu beschäftigen, verstanden werden und dann liegt hier die Schnittstelle mit Bildender Kunst in demselben Leitinteresse.

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JENNY HAAS: „Be Lilith Not Eve„. 2023. Materialmix.

Jenny Haas‚ Label gibt es seit diesem Jahr und sie sieht sich damit inhaltlich sozialen Fragen und besonders dem Feminismus stark verpflichtet. Gleichzeitig testet sie die Grenzen zwischen künstlerischer Botschaft und tragbarer Mode und diese Installation mit Elementen ihrer Master-Kollektion will davon Zeugnis ablegen. Mit einer etwas eigen ausgelegten Vorstellung vom Lilithmythos aus der talmudischen Überlieferung (Adams erste Frau, geheimnisvoll, verführerisch und zugleich unheildrohend), führt die Jungdesignerin in einer erzählerischen, ideell geprägten Material-, Objekt- und Bildcollage mit symbolischem Brautkleid angesagte Slogans („be xxx!“, „My dress is not a Yes!“) vor, die Frauen aufrufen sollen, ihr Selbstbild vom Patriarchat zu befreien und emanzipiert neu zu bestimmen. Damit liegt frau ja immer richtig. Die kreative Vielseitigkeit gestalterischer und handwerklicher Darstellungsformen kann hier als junger, künstlerischer Impuls verstanden werden.

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Vera KOCHUBEY: „Magicians Dream„. 2023, Installation.

Im Kontrast zum Grau ihres Heimatlandes (geboren in der UdSSR) findet Vera Kochubey eine künstlerische Alternative mit farbenfrohen, lebensbejahenden Motiven, die der Pop-Art der 80er Jahre entspringen und bei ihr als Gemälde oder Prints sowohl auf Leinwand als auch auf Kleidung  und Objekten erscheinen. Camp in Reinform und wie er Spass macht und ähnlich wie man ihn zum Beispiel auch bei dem Berliner Künstler Kiddy Citny findet.

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LAURA OBST: „A Game of Dualities“. 2023, Steinpaste, Bauschaum, Karton, Lack.

Mit ihren Modeentwürfen (Material ist vorzugsweise gebrauchtes Leder) sucht die junge Master-Aspirantin von der Kunsthochschule Berlin Weißensse ihre Verbundenheit mit der Natur auszudrücken. Die Rauheit und Strukturen von Stein und die Grandiosität von Bergen sind besonders kraftvolle Motive, die sowohl die Oberflächen wie die skulpturalen Formen ihrer Darstellungen beziehungsweise Entwürfe prägen und die als gestalterisches Kraftfeld sowohl für sich stehen als auch in bildhauerisch geprägter, abstrakt-modischer Stoffkonstruktion formuliert werden.

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PUGNAT: „Unstrickbar & Pieces – autumn/winter 23/24„, 2023. Zeichnung auf Papier, handgestricktes Kaschmir.

Antja Pugnat entwickelt beim Stricken genau wie beim Zeichnen Gebilde, die während des Tuns entstehen. Ab einem bestimmten Punkt notiert sie die experimentellen Stichkombinationen ähnlich wie ein Komponist seine entstehende Musik.
Den Prozess des Zeichnens und den des Strickens versteht sie als gleich.

Gleichwohl geht die Zeichnung mit ihren gestischen Möglichkeiten und ihrer frei-autonomen Linie über die Grenzen einer gestrickten Konstruktion hinaus. Die hier gezeigte Arbeit bezeichnet Pugnat entsprechend als „unstrickbare“ Entwürfe.

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SIRÉE SOLAN: „Asphyxia„, 2020. Gips, Alginat, Stoff, Schaufensterfigur.

Die Installation illustriert Darstellungen aus Dantes „Göttlicher Komödie“. Mode, Theater und Skulptur werden hier medial verknüpft, um ein künstlerisches Idealwerk der italienischen Frührenaissance zu versinnbildlichen und in die Moderne zu transferieren. Die Kleidung erhebt sich aus den rettungsuchenden Händen des höllischen Infernos und wird zu einem skulpturalen Gebilde (Vergil), das über sich hinaus wächst und damit eine höhere Authenzität erreicht. Die Kleidungsentwürfe transzendieren die kulturelle Erfahrung und das Erleben ihres Lebenswegs, wie die Designerin selbst erklärt.

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STEFAN UHR: „Babiosch Bojka – Uhraufführung“ 2023. Installation. Organisches Popeline auf Leinwand, Holz, Bügel, Bluse, Kleid, bestickter Holzrahmen.

Stefan Uhr studierte Kunstgeschichte vor Modedesign, das repräsentiert seine vielseitigen künstlerischen Interessen – Popkultur, Mode, moderne Kunst. Babiosch Bojka (schlesisch) bezeichnet laut Ausstellungstext „das Märchen über den femininen Mann“. Uhr reflektiert damit Genderproblematiken und indem er seine Kleiderentwürfe von geschlechtsspezifischen Models befreit, stellt er sie nicht nur frei, sondern heftet sie auf eine Leinwand, um die ästhetische Aura an sich zu zeigen, ohne geschlechtlichen Bezug. Doch damit nicht genug, das Weitere ist viel spannender.

Uhr beläßt die Präsentation nicht nur als „Kunstbild“ sondern formt das aufgeheftete Objekt prägnant neu und gestaltet die Untergrundfläche wie das aufgetragene, abstrakte Blusenmuster. Dekoration und Malerisches kommen damit zur Deckungsgleichheit, das ist der eine Aspekt, der andere stellt den skulpturalen Reiz des (plastisch ausgeformten) Kleidungsobjektes gegenüber der Fläche heraus. Es erscheint wie ein Wahrnehmungsspiel zwischen Malerei, Plastik und Modekleidung.

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THE HUMAN TOUCH (Juliet Seger): „Installation„. 2023. Textilfarbe auf Baumwolle, Polyesterfaden, synthetische Knöpfe, Metallbügel, Nägel und Nadeln, Nähmaschine, Hohlblöcke, Digitaldruck auf Karton.

Die Labelgründerin Juliet Seger beschäftigt sich mit menschlicher Arbeit bei der Herstellung von Kleidung und dem aktuellen Einfluss, den der digitale Wandel moderner Industrie auf die Produktion hat. Sie versteht Nähtechnologie als eine soziale Technologie, die den „Human Touch“ vermittelt. Mit „Paint-Sewing“, also „malendes Nähen“, bei dem die in Farbe getauchten Finger beim Arbeiten Spuren auf dem Objekt hinterlassen (und auch auf der Maschine), macht sie das Handwerkliche sichtbar und  drei der Hemdfragmente an der Wand zeigen dies, bei dem vierten, weißen, bleiben die Fingerspuren (ohne Farbe) unsichtbar.  Ähnlichkeiten der drei Erscheinungsbilder kennzeichnen die Massenproduktion. Die komplette Fertigstellung eines Hemdes ist nur von Hand möglich, ein Exemplar wird auch gezeigt.

Das scheinbar Aleatorische der Farbspuren verselbständigt sich zu einer ästhetischen Anmutung, die nur durch den handwerklichen Prozess entstehen kann und denselben damit gewissermaßen adelt. Erst die Kenntnis dieses demonstrativen Verfahrens enthüllt die didaktische Botschaft dahinter.

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INGRATO: „Babel: The Lockdown Collection„. 2023. Wolle, Metall, Steine, Video.

Sebastián Plaza Kutzbach alias Ingrato ist ein Textilartist aus Chile, der sich von der Aussagekraft symbolischer Darstellung angezogen fühlt. Die Installation zeigt Elemente seiner während des Lockdowns gezeigten Babylon Fashion Show: ein mit dem Jokerkartenmotiv versehener Sweater auf einem Metallgerüst, drei gestrickte Teufelsmasken sowie ein Videoscreen dazwischen, auf dem die Show gezeigt wird. Während der Lockdown allgemein eher für Chaos, Gefangenschaft und Entwurzelung steht, sieht Ingrato diesen unter dem Aspekt „Babylon“ ins Positive gewendet, nämlich als Fähigkeit zu Inspiration, Anpassung und Improvisation – also als Essenz kreativen und künstlerischen Tuns.

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VICTORIA ROST: „Object Oriented„. Kollektion 2022. Neue Wolle, Schaum.

Die Modedesignerin beschäftigt sich mit reinen Formen und der Frage, ab wann diese als Kleidung tragbar sind. Also der Unterscheidung von (Skulptur-)Objekt und Kleidung. Welchen Effekt hat die Auflösung der entsprechenden Grenzen? Mit neuen Formen, Funktionen und Volumen werden Kleidung neue Parameter der Wahrnehmung zugeteilt, die sich eher auf der Ebene des Künstlerisch-Abstrakten vollzieht und Fashiondesign ästhetisch neu und rein formalistisch befragt.

Dies rettet 100 Jahre alte Basisüberlegungen in die Gegenwart, denn es knüpft an Oskar Schlemmers ähnlich gedachtes Bauhausballett an, auch die Modeabteilung des bauhauses und die russischen Konstruktivisten der 1920er Jahre konzipierten Modeentwürfe vergleichbar.

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Das Konzept von Victoria Rost und der Bezug zum Beispiel zu den russischen Konstruktivisten (z.B. Ljubow Popowa und Warwara Stepanowa) zeigt auch, dass Mode und Kunst nicht zum ersten Mal Schnittstellen ausloten und nutzen. Der Gedanke hat seitdem unter anderen mit Yves Saint Laurent, Jil Sander oder Stella McCartney eine Fortsetzung gefunden, zumindestens in den formalen Zugriffen. Und auch Überlegungen zu funktionalen und industriellen Perspektiven sind nicht ganz neu, wenn auch diese früher eher industrie-fortschrittlich ausgerichtet waren, was heute zu Recht ganz gegensätzlich infrage gestellt wird. Gesellschaftlich revolutionär waren sie immerhin auch, schon insofern, als die Identität von Kunst und Design behauptet und gelebt wurde, sogar als soziales Konstrukt (welches dann allerdings im Gang der Geschichte scheiterte). Dieser Ansatz liegt vielen Designern offenbar wieder sehr am Herzen.

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Aus der Sektion Positions, umgekehrte Bezugnahmen

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Liegestuhl-Installation des Veranstalters (interaktiv):

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

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Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist vielleicht müßig, hier prinzipiell über die Nähe oder Verschiedenheit von Fashiondesign zu Bildender Kunst zu diskutieren, weil man die Einbindung von Modedesignern aus Berlin in die jährliche, dieses Jahr bereits verschobene Kunstmesse POSITIONS im Prinzip als einen solidarischen Akt verstehen kann, denn auch die wesentlichen Fashionveranstaltungen in Berlin sind alle ersatzlos ausgefallen und das hat eine schmerzliche Lücke offenbart. Das Experiment ist insofern gelungen, als sein Konzept klug angelegt ist. In den Messehallen besetzen 20 ausgesuchte Modedesigner Expositionsplätze im hinteren, abschließenden Hallenabschnitt, die alle versuchen, mit der Präsentation ihres jeweiligen Modekonzeptes eine erkennbare Verbindung zum freien künstlerischen Arbeitsprozess sichtbar zu machen und damit die Anbindung schlüssig erscheinen zu lassen.

Dies geschieht mit recht unterschiedlicher Pointierung, Michael Sontag zum Beispiel stellt nur Bildwerke aus, Litichevskaya dagegen reproduziert die schablonierten Prints der Kleidung noch einmal auf den Stellwandhintergrund als dekoratives Pseudobild.

Michael Sontag:

Litichevskaya:

Doch der Zusammenschluss ist so selbstredend nicht. Das Designerteam Starstyling hat da offenbar Zweifel und provoziert schon mit eigenen T-Shirt-Beschriftungen „KUNST MODE SCHEISSE“ gegenüber dem Anliegen des Ganzen und weiter mit denkwürdigen Fragen und Bildkombis auf großem Videoschirm. Sie sind aber die einzigen, die sich selbst mit der Hinterfragung der Herausforderung präsentieren.
Grundsätzlich stehen die gezeigten Modeentwürfe nie für sich selbst, denn der Entwurfsprozess ist immer Thema. Damit sind die Modedesigner letztlich transparenter als die meisten Bildenden Künstler, die davon ausgehen, dass ihre Arbeiten das Anliegen von selbst erschließen. Aber auch die Modedesigner müssen oft zusätzlich noch erklären, sonst bleiben ihre Exponate rätselhaft. Von Tra My Nguyen erfährt man zum Beispiel, dass die Kleidung aus einer ursprünglichen Motorradabdeckung entstanden ist. Die hat sie zerschnitten und die Teile als Kleidungsstücke hergerichtet. Die ursprünglichen, vorgefundenen Stoffmuster hat sie in den Computer geladen, vermischt, manipuliert und zu einem neuen, eigenen Muster transferiert. Mit einem speziellen Printverfahren hat sie Stoffe neu gestaltet und dann Kleider daraus genäht. Die Ergebnisse wirken für sich zunächst zwar etwas fade, aber mit der Kenntnis der kreativen Transformprozesse lädt die Rezeption sich neu auf – und bei der Anschauung auf den gezeigten Videobildern mit der Kleidung am menschlichen Körper bekommen die Stücke eine eigene Klasse.

Starstyling:

Tra My Nguyen:

Etwas unkomplizierter wird die Verbindung von Modedesign zu Bildender Kunst da, wo der Designer gleichzeitig selbst geschaffene Bilder und Kleidung präsentiert, das eine quasi das andere reflektiert und mit anderem Medium fortsetzt. Das haben viele so gemacht. Ein weiteres gelungenes Beispiel findet sich bei Fiona Bennett, die ihre Hüte gleichsam optisch in eine luftige und originelle zeichnerische Anmutung integriert.

Fiona Bennett:

Brachmann hat zusammen mit einer Fotografin ein Projekt vorgestellt, mit Franziska Stünkel. Deren Fotos zeigen Transparenzen und Spiegelungen als geschichtete Verbindung bzw. Überlagerung mehrerer Realitätsausschnitte in einer identischen Erscheinung. Parallel hat Brachman ihre Bekleidung als Schichtung mehrerer Flächengestaltungen angelegt und versucht damit, Kleidung als Synthese differenter Elemente in die Wahrnehmung zu bringen.

Brachmann und Franziska Stünkel: 

Manchmal wirken die Inspirationen der Gestaltung etwas einfacher, das legt jedenfalls die symbolbefrachtete Präsentation nahe. So der klassische Naturbezug bei dem Schmuckatelier Elle Pé oder bei Annitian.

Atelier Elle Pé: 

Annitian:

Konkret Bezug auf die gegenwärtige politische und gesellschaftliche Situation nimmt Cruba. Fragen aus Gesprächen, die als solche stehen bleiben, werden als Text belassen (z.B. „I do not understand“) oder die Ratlosigkeit in Zeichen transferiert und der Wust der Verwirrung als großes grafisches Bild oder Muster auf Kleidung geprintet.

Cruba:

Damur ist jetzt auf die Frage des Überflusses und die Idee des Kleiderrecyclings gestoßen. „Wieviele Hosen hast du?“ fragt er die Besucher und an einer Pinwand sollen sie ihre Zahl zu den vielen anderen hinzufügen. Mit dem Recycling von Kleidungsstücken thematisiert er für sein Konzept nun das Unikat, ein ganz neuer Aspekt. In Sachen Reflex auf zeitgenössische Haltungen ist er stets dicht an den ideologischen bzw. soziologischen Trends, die er mit seinen völlig darauf ausgerichteten Konzepten nicht nur zu spiegeln sondern auch zu verstärken sucht.

Damur:

Esther Perbandt im Gegensatz dazu verfolgt weiter experimentell ihre gestalterische Leitidee, die fast ausschließlich in Schwarz navigiert und dem Monochromen stets neue Reize und Gestaltungsverfahren abzugewinnen sucht. Mit einem Plotterverfahren entwickelt sie gerade Oberflächenapplikationen, die sowohl auf Papier und vergleichbaren Gründen ihr Eigenleben entfalten, als auch auf Kleidungsstücken. Insgesamt ist ihre Kollektion wesentlich eleganter im klassischen Sinne geworden, die Schnitte und Formen sind nicht mehr so crazy. Bei Schmuck leben schlicht und skulptural nebeneinander.

Esther Perbandt:

Lou de Bétoly ist ein Klassiker des Berliner experimentellen Fashiondesigns (angefangen und berühmt geworden mit Augustin Téboul), ihre konzeptuellen Handarbeiten zeigt sie als eigenständigen, handgemachten Textilentwurf wie ein Bild und als manuellen Eingriff und Brechung in ein asymmetrisches Kleid bzw. mit definierenden Applikationen.

Lou de Bétoly: 

Auch die Designerin von Pugnat hat zu konzeptueller Handarbeit gewechselt. Sie kommt von der industriellen Strickfertigung und versteht diese rückblickend als ein flächiges Gestaltungsprinzip. Mit dem Stricken von Hand geht sie nun dazu über, skulpturale Formen zu erproben und damit dieser Handwerkstradition eine spezifische Option abzugewinnen. Damit wird dem menschlichen Körper ein neuer, selbst wirkender Körper hinzugefügt.

Pugnat:

Trippen ist ein Designertrio, das auf Schuhdesign spezialisiert ist. Besondere Gestalt bekommen die Sohlen, die sich erst richtig sichtbar als Spuren hinter dem Besitzer manifestieren. Wie Stempel, die bei der täglichen Bewegung des Trägers Bilder hinterlassen, wenn auch ephemer.

Trippen:

Wanda Wasabi sind zwei asiatische Designerinnen, die sich ebenfalls auf Kleiderrecycling focussieren, allerdings ästhetischer und kulturspezifischer geprägt. Second Hand Kleidung ist in Japan eher eine verachtete Domäne, und das betrifft besonders Kimonos und andere klassische Kleidung. Die wird nur von einem Besitzer getragen und findet keinen Nachfolger. Bei den oft sehr aufwändig hergestellten Stücken ist das eine Schande. Wanda Wasabi schlagen nun mit ausgemusterten Kimonos eine Brücke in die Moderne, indem sie diese zu aktuellerer Kleidungsgestalt komplett umarbeiten und damit das Edle vergangener Kleidung und deren tradierte Muster in die Gegenwart einbinden.

Wanda Wasabi:

Einen kombinierten Abschnitt mit sechs Nachwuchsdesignern belegt „Fashion Positions Academy by Berliner Sparkasse“. Es handelt sich um prämierte Abschlusskollektionen von Studenten, die jeweils einer thematischen beziehungsweise experimentellen Leitidee folgen:

Dennis von Eichmann (Vast & Arid) bezieht die Gestaltungsästhetik seiner queeren Kollektion auf Wüstenlandschft und ihre atmosphärischen (besonders farblichen) Besonderheiten. Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider) behandeln jeweils das Thema der mysteriösen Nacktheit des Mannes und der“toxischen Maskulinität“. Bei Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic) werden plastische Ausformungen erprobt, die Integration von Mustern und die Manipulation des vorgefundenen Textils mit dem Anspruch, die Möglichkeiten so weit zu treiben wie es geht. Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen) sucht eine politische Haltung über Modegestaltung zu suggerieren, das Aufbegehren mit demonstrativer Power in Bezug auf sexuellen Missbrauch. Helena Stölting (Femoid) geht es um die Zwischenzone weiblicher Attraktivität und dem Ekel im verdrängten körperlichen Frausein (Menstruation etc.), deren natürliche Daseinsberechtigung sie offen legen will.

Dennis von Eichmann (Vast & Arid):

Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider):

Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic):

Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen):

Helena Stölting (Femoid):

Insgesamt ist die Einbindung des Fashionsegmentes in die POSITION Kunstmesse ein sehr gelungenes Experiment, denn es wird deutlich gemacht, dass Modedesign in Berlin in der Prozesshaftigkeit seiner Konzeptionen durchaus einen Anspruch hat, der über klischierte Modeflachheit weit hinaus geht. Und die Abschlussarbeiten der (Ex)Studentinnen belegen darüber hinaus, dass das Modestudium gesellschaftliche Reflexion fordert, um die Gestaltung substantiell zu machen. Dies einem kunstaffinen Publikum nahe zu bringen, ist durchaus ein Verdienst, wie überhaupt die gesamte Messe sich auch konzeptuell über die bloße Standvermietung hinaus engagiert. Angesichts der Problematik, dies auch in Zeiten der akuten Pandemie überzeugend zu realisieren, ist es erwähnenswert, dass die Vorsichts- und Achtsamkeitsmassnahmen auf strengste und vorbildlich berücksichtigt sind und auch kontrolliert werden.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag ist sicher nicht der einzige Designer, der seine Kollektion explizit mit einer persönlichen Botschaft begleiten will. Und nicht selten bleiben solche Anliegen eher banal oder romantisierend, wie an diesem Beispiel:  schon das aufwändig gemachte PR-Heft hantiert in einer etwas verquasten Einleitung mit Formeln wie Origin and Home, Door from Nature to City, The Visible and Strong from the Unknown etc.

Ein auffälliger Touch von Country-Style findet sich dann auch in den berüschten Kleidern, weichen Pullovern, Mustern und locker fallenden Schnitten, es gibt viele Mäntel und Jacken, diverse stilistische Rückgriffe auf das 19. Jahrhundert und die folgende Jahrhundertwende und hochgeschlossene Blusen. Nicht im Sinne von derb oder fest, Ostertags urbane Gestaltungs-Perspektive mit weichen und auch modernen Stoffen, lässigen Schnitten und großstädtischen Kombinationen bleibt stets sichtbar. Soweit ließe sich einem zeitgemäßen Rückgriff auf Natur mit toscanischem Landsitz, Park mit neuem Auto, See mit Bronzereihern am Ufer (Heft und Video) und so weiter noch folgen, auch wenn die Kleider mit Retrotouch, verspielten Rüschenapplikationen und Musterwiederholungen etwas langweilen. Als Gestaltungsthema, das jede Kollektion ja auch haben sollte, ist das soweit jedenfalls völlig in Ordnung. Über den anmaßenden Titel Revolution kann man ja auch hinwegsehen.

Aber die Schau geht darüber hinaus und präsentiert den Leitgedanken mit viel Brimborium und selbstgefälliger Ernsthaftigkeit. Eine 5-minütige Video-Einleitung mit wechselnden, inhaltsleeren Statements der Beteiligten, die sich mit ihren Kommentaren selbst und gegenseitig feiern, akzentuiertem Produktplacement des Auto-Sponsors, flotten Schnitten und ziemlich aufdringlicher Lautstärke fordert dem Publikum anfangs viel Nervenstärke ab.

Auf dem Laufsteg danach langsam schreitende Modelle mit wenig aufregenden Entwürfen. Es vermischt sich sommerliche Leichtigkeit und herbstliche Farbgebung, gelegentlich ist das auch sexy (es gibt noch kurze Röcke und taillenbetonende, knackig rote Gürtel). Auffälliger sind aber eher unförmige Kleider, die sehr weit sind und im Rückenbereich senkrecht herabfallen und die eher Bequemlichkeit im Schlumpi-Look assoziieren als lässig-pfiffige Eleganz. Die Rückkehr des praktischen, anspruchslosen Hauskleids. In ähnlichem Sinne gilt das auch für Mäntel, Jacken und diverse Kombinationen, nicht immer, aber oft.

Zum Schluss kommt ein sehr mitteilsamer Marcel Ostertag auf den Laufsteg und erklärt missionarisch seinen Revolutionsgedanken mit Rückkehr zu Langsamkeit und Rückbesinnung auf Ursprüngliches. Das dauert etwas.

Am Ende des Laufsteges steht ein rotes Auto des Sponsors (das laut Begleitvideo eigentlich noch den Laufsteg auf- und abfahren sollte, dafür war aber alles zu eng) – auch das ist nicht gerade eine souveräne Lösung für einen sachlich und ästhetisch überzeugenden Auftritt.

Mit früheren Schauen haben wir Marcel Ostertag deutlich spannender in Erinnerung als mit dieser Revolution.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg + Gerhard Paproth (Rückansichten)

Eine Wiederbegegnung der unerwarteten Art bot die Schau von Julia Seemann, nämlich mit der Hamburger 80er-Jahre-Band Xmal Deutschland. Im Zuge der Neuen Deutschen Welle hatte die ursprünglich weiblich dominierte Band eine deutsche Version von Gothic Rock begründet, auch und gerade mit deutschen Texten, und damit international beachtlichen Erfolg.

Selbst ich, der der Band damals freundschaftlich näher verbunden war, hatte sie mittlerweile schon vergessen. Was die junge Julia Seemann dazu bewegte, jetzt, ein viertel Jahrhundert später, mit Textzitaten und Bandname ihre Kollektion zu akzentuieren, wissen wir nicht, wir konnten lediglich beobachten, dass die 80er Jahre Ära auch in optischer Dynamik eine entscheidende Vorlage gewesen sein muss. Ohne Berührungsängste mit kräftigen Farben, entschiedenen Schnitten, harten Kontrasten, Mustermixen und starken Akzenten präsentierte Julia Seemann eine überaus abwechslungsreiche Kollektion mit Eyecatchern, die zwar immer wieder, aber nicht nur von den Textzitaten geprägt waren.

Die Textaufdrucke zitierten übrigens in Typografie – Typodesign war in den 80ern hochmodern – und Bildbruchstücken genau das visuelle Design der Band bzw. ihrer Plattencover seinerzeit und bedienten sich inhaltlicher Schlüsseltextstellen wie „Incubus Succubus“. Das waren aber die einzigen Gothic-Anmutungen, ansonsten kam die Kollektion frisch und sehr lebendig daher und verwandelte die vielen Retro-Zitate in ein sehr aktuelles Panoptikum zeitgenössischer Auffassung.

Das Einbringen von Text in die Gestaltung fand sich bei sehr vielen Outfits, und zwar an allen möglichen Stellen, nicht selten auf dem Rücken. Text auf Kleidung bedeutet ja auch immer einen Statementcharakter ihres Trägers und in Zeiten, wo in der Gesellschaft wieder viel diskutiert wird, wirken Positionierungen über knappe Worte recht aktuell und gegebenenfalls attraktiv. „Zu jung zu alt“, „Blut ist Liebe“, „Fetisch“, „X“ oder auch übergreifend der Designername „Seemann“ sind dafür allerdings eher spielerische, signifikante Gedankenbruchstücke, wie sie Poptexte ja meistens auch nur sein wollen.

Immerhin positioniert sich die Kollektion damit im deutschsprachigen Raum und bezieht sich auf kulturelle Erfolge innovativer Musik bzw. Jugendkultur aus Deutschland in den 80er Jahren. Damit rechtfertigt sich der Bandname Xmal Deutschland in einem aktuellen Modekonzept durchaus. Und die Wiedergewinnung selbstbewusster, optisch kraftvoller und akzentuierter Auftritte ist eine wirkliche Bereicherung der Szene.

Rückansichten

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Seit Anbeginn des Labels berichten wir über die traumhaft luxuriösen Schauen des deutsch-polnischen Designers, stets begeistert über die große Stimmigkeit bis hin in die letzten Details und Accessoires. In seiner Auftragsarbeit für Patrizia Aryton (polnischer Damenausstatter im Premium-Segment) hat Tomaszewski den komplexen Ästhetik-Anspruch jedoch zurückgenommen und konzentriert sich auf die Kleidungsstücke selbst.

Mit wunderbaren Materialien, darunter viel Kaschmir, Samt, Rohseide, und sehr eleganten, zum Teil raffinierten Schnitten gelingen ihm nach wie vor großartige Stücke, vor allem natürlich Mäntel, Kleider und Anzüge. Dabei zeigte die Schau zugleich eine größere Vielfalt der Gestaltungsansätze, zum Beispiel raffinierte Faltungen vs. geradlinigem Karomuster. Tomaszewskis geliebte Streifen finden immer wieder gut akzentuierende Einsätze auf verschiedensten Teilen, besonders jedoch die Lust am edlen Material weiß der Designer überall optimal herauszustellen.

Mit der Reduktion wurde allerdings das gewohnt perfektionistische Finish eingeschränkt, und das nicht nur weil die besonderen Zugaben und das Exzentrische – Federn, üppiger Schmuck etc. – fehlten. Vermisst haben wir die ausgerichtete Kollektionslinie, es war eher eine Ansammlung schöner Tomaszewskis. Verstärkt wurde dieser Effekt durch die Schichtungen von Einzelteilen übereinander, die den Leitgedanken harmonischer Stimmigkeit oft ganz aufzugeben schienen. Vielleicht ist das dem Auftragsmodus der Schau geschuldet, der die ästhetische Kraft und Geschlossenheit der früheren Tomaszewski-Schauen zugunsten einer Assemblage verkaufbarer schöner Teile eintauscht. Insofern war das Tomaszewski-Vergnügen hier nur noch ein geteiltes.

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Text: Susanne O. Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nscho-tschi in modernem Outfit

Winnetou lässt grüßen. Dorothee Schumacher eröffnete die Fashion Week Berlin Fall 2017 im ehemaligen Modeinstitut der DDR, im Kaufhaus Jandorf, mit ihrer Kollektion „A MODERN TRIBE“.Wieder spiegelt sie den Spirit amerikanischer Landschaften, Schluchten und Stammeskleidung in ihrer Kollektion. Dorothee Schumacher kann sich nicht von diesem Land lösen. Sie interpretiert alles immer wieder neu mit ihrer Gabe der Intuition. Mit asymmetrischen Layerings, Taillen betonten Silhouetten, dekonstruierten Schnitten, Farbkontrasten und unterschiedlichen Strukturen mixt die Designerin in provokant opulenter Art und Weise. Ihr Credo für diese Kollektion ist: Perfektion ist out.
Na wunderbar. So unperfekt kommen die Outfits gar nicht rüber. Vielmehr entsteht ein lässig, eleganter Look, der Luxus transportiert.

Mit Eyelet Details – auf deutsch Ösendesign -, Gürteln und scheinbar übergeworfenen Indianerdecken repräsentiert diese Kollektion so viel Einfallsreichtum, wie selten eine Schumacher Kollektion. Haben sich die Schumacherfans verändert oder wo ist das Leichte, Fließende, zart Beseidete geblieben? Nichts von all dem. Schumacherfans gehen auf Abenteuertour und mit ihnen die Designerin höchstpersönlich.

Sie wirft nichts über den Haufen und macht doch alles anders.

Schleifen sind gesteppt, aufgeblasen und überdimensioniert. Nichts da, so flatterig aus Seide fließend. Da wickelt sie eine halbe Daunenjacke um den Hals. So wirkt es – aber es wirkt gut.
Man hat fast den Eindruck, Dorothee Schumacher wartet mit ihrem gesamten Können auf. Eine tolle Kollektion, die verspricht, dass die Designerin immer wieder überrascht und neu verführt. Das will sie ja auch, wie sie im Sommer 2016 bei der Konferenz Mode & Stil nachdrücklich betonte und zeigt uns die wilde Nomadin der Großstadt.

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Text: Gerhard Paproth

Bild: Andreas Hofrichter

Der Schock war gelungen und die Provokation ausgiebig. Das Atelier um die beiden italienischen Designer Gianpaolo Tucci und Giulio D`Alessio, das in Italien produziert, aber Berlin als Standort angibt, brachte eine Kollektion (TERROR(ism)) auf den Laufsteg, die im Leitmotiv von martialischen Kampfeinsätzen geprägt war.

Es dominierten Kampfjacken, Kampfhosen, Gesichtsvermummung, Munitionsgürtel und -westen, Sprenggürtel, applizierte Symbolik (Blutspuren, abstürzender Bundesadler etc.) ergänzt durch entsprechende Accessoires (Handgranate, Militärsack als begleitende Tasche, Palästinensertuch u.a.) die Präsentation – zumeist in sehr expliziter Erscheinungsform.

In welche ethische Perspektive das Gesamtkonzept eingebunden war, bleibt weitgehend offen, Zeichen für diese oder auch jene (gegensätzliche) Positionierung waren durchaus zu finden – gleichzeitig. Das Ganze, und darin bestand die eigentliche Schockwirkung, verpackt in edle Materialien, schimmernd, weich, sauber, also den Prämissen edlen Designs subsumiert.

Doch entscheidend ist ja nicht, ob und wie es vielleicht „gemeint“ ist, entscheidend ist, wie es ankommt. Und es kommt in erster Linie so an, wie es codiert und aufbereitet ist.

Mode soll zwar den Zeitgeist transportieren und – im Alltag getragen – akzentuiert sichtbar machen, aber sie soll auch unsere Umwelt positiv bereichern, in ihrer inhaltlichen und formalästhetischen Einheit. Und aus dieser Betrachtung gerät die Kollektion von Atelier About in die Zone des Perversen. Die Ästhetisierung von Grauen, Terror und Krieg zum Einen, die Präsentation dessen auf dem Modelaufsteg zum Anderen (der Mix von Musik und Sirenengeheul reflektierte das ebenfalls) erwies sich für viele Zuschauer als Herausforderung. Unreflektierte Claqueure gab es wie immer natürlich auch, aber vorwiegend verunsicherte Reaktionslosigkeit. Nach der Schau gab es schon hie und da engagierte Gespräche, zumeist aber beim Glas Sekt den Small-Talk Übergang zur nächsten Schau.

Wenn Modedesign tabubrechend das Grauen und Elend der Welt designerisch veredelt und damit auf Aufmerksamkeit setzt, kippt das Ergebnis leicht in propagandistische Bereiche, oder in nivellierende Beliebigkeit.

Wenn das der Zeitgeist ist, muss man sich ihm widersetzen.

Ähnliche Erfahrung haben wir in den 80ern mit Oliviero Toscanis Benetton-Werbung gemacht, aber hier wurde bei längerem Nachdenken deutlich, dass das Anliegen ethisch grundsolide und engagiert war. Als hochproblematisch ist das Konzept dennoch in die Werbegeschichte eingegangen. Dieses Niveau kann die gezeigte Kollektion von Atelier About nicht erreichen.

Wir (die Redaktion) sind uns einig, dass das, was beim Zuschauer ankommt, zählt: Das Grauen der Welt in Designerästhetik zu verbrämen, erscheint als ein propagandistischer Prozess mit entsprechendem Wirkungsergebnis.

Wir glauben auch, dass angewandte Kunst sich nicht verwechseln sollte mit freier Kunst, die schon per Definition andere Spielräume und gesellschaftliche Vergegenwärtigung nutzt.

Und weil wir diese Schau in den entscheidenden Aspekten kontraproduktiv und bedenklich subversiv finden (sie negiert das konstruktive Selbstverständnis von Modedesign), verzichten wir darauf, sie an dieser Stelle mit „schönen Bildern“ zu wiederholen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Abgedunkelt und in den Silhouetten rauer ist die neue Kollektion der Designerin Rebekka Ruétz. In Bezug auf die Materialwahl und den –mix sind wir schon erfreulicherweise gewohnt mit Nachhaltigkeit konfrontiert zu werden, was leider bei Weitem nicht bei allen Labels der Fall ist, welche in Berlin präsentieren. Neben unter anderem Seide, Baumwolle, Kunstfaser, Kunstleder kommt auch wieder Fake-Fur zum Einsatz.

Sehr gekonnt werden von Rebekka interessante Kombinationen entwickelt, die eine gewisse Starrheit und etwas Robustes vermitteln. Drucke und Webstrukturen lockern dies etwas auf. Besonders geschwungene, in den Raum greifende Formgebungen bei Mänteln und Röcken schaffen Abwechslung. Die Taillen der Modelle werden akzentuiert. Dies wird noch durch erweiterte Gürtelkonstruktionen unterstrichen, die wie Fähnchen im Wind die Bewegungen untermalen.

Farblich ist die Linie konsequent herbstlich düster und kalt, während sich viele anderen Labels an den wärmeren Nuancen dieser Jahreszeit in der Palette versuchen. Durchbrochen wird dies durch ins Himmelblau gehende Fragmente.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Designerinnen haben die Präsentation dieser Saison in einen Baumarkt verlegt. Die Frage, ob damit die Kollektion konzeptionell einem Baukastensystem im Sinne des „DIY“ (do it yourself) entspricht, wurde damit allerdings nicht beantwortet.

Seit einiger Zeit wird das Label medial im Sinne einer nationalen Unterstützung von Leitmedien in der Mode in Deutschland unterstützt. Deutsches Modedesign soll insbesondere auch in Deutschland bewusster und wohlwollender in der Breite wahrgenommen werden. Dies stellt einen Ansatz dar, sich der geballten Front von Mode-Großkonzernen entgegen zu stellen. In immer drängenderer Form stellt sich entsprechend die Frage, was Modedesign ist, und ob es zutreffend ist, dass die Determination dessen heutzutage in der Funktion lediglich dem Kommerz, der Gewinn- und Umsatzmaximierung unterworfen ist. Was Mode ist, wird anhand von Kerngrößen im betriebswirtschaftlichen Sinne gesehen. Gerade in der deutschsprachigen, wissenschaftlichen Literatur zu diesem Gesichtspunkt kristallisiert sich immer mehr heraus, dass die Funktionsbestimmung von Mode immer mehr in Verschiebung zu geraten scheint.

Auch in der medialen Rezeption nimmt man dies wahr und thematisiert eine „Krise“ der Modeindustrie in ihrem Anpassungsprozess an globale Marktmechanismen und einer ungebremsten Beschleunigung des Konsumdrucks durch das Internet, welches mit seinen „Onlineshops“, die immer und überall im „Ausverkauf“ sind, die klassischen Kollektionsrhythmen in Frage stellt – immer neu, immer aktuell, immer ist irgendwo Sommer, Herbst, Winter oder Frühjahr.

PERRET SCHAAD spinnt die neue Kollektion um zwei Attribute, die diese Kollektion in stilistischer und zeitlicher Abgrenzung zu vorangegangenen definiert: Das Eichenblatt und das Gittermuster. Beide Elemente kommen in nahezu allen Looks und Kombinationen vor. Das Eichenblatt in herbstlichen Farben stellt Solidität ebenso dar, wie das Verwelkende, was den Herbst prägt und auf das Neue, Kommende hindeutet. Das Gittermuster, fängt, sperrt und trennt – es gibt ein Raster der Ausrichtung und Orientierung. Darüber hinaus sind die Kreationen kombinierbar und tragbar, auch in stetiger Kontinuität zu den Kollektionen der beiden Designerinnen, die wir schon gesehen haben. Eine saisonale Trennung ist hier de facto schon vollzogen, da die Kollektionen untereinander wenig Trennschärfe bieten.
Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und klären, was die Kriterien hierfür sein können?

Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und was die Kriterien hierfür sein können?

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Text & Bilder: Boris Marberg

Claudia Zuber zeigte sportliche Eleganz mit ihrer neuen Kollektion, welche sie in Zürich im Rahmen der Mode Suisse dem Fachpublikum vorgestellt hat. Dabei bleibt sie ihrer Linie treu und kann ansprechende Akzente setzen.

Das wir einen sehr persönlichen Bezug zu dem Design der Schweizerin haben, können und wollen wir nicht verhehlen und sehen Claudia Zuber weiterhin als eine der interessantesten jungen Designerinnen der Schweiz an, die sowohl gekonnt neue Akzente setzen kann, wie auch in einem abgesteckten Rahmenwerk aus dem Vollen schöpft. Weiterhin ist die Linie jung und elegant mit sportlicher Note. Den Kreationen ist anzusehen, dass ein tiefes Bewusstsein für Funktionalität vorhanden ist. Dabei nimmt Zuber die klassische Bandbreite von Damenmode auf und unterstreicht insbesondere, dass Selbstbewusstsein der Trägerinnen, sich selbst und ihre inneren Einstellungen, wie auch Reflektionen zum Ausdruck zu bringen. Wenn man davon ausgeht, dass Modedesign stets allen gängigen, wissenschaftlich elaborierten Ansätzen und Theorien nach, einen funktionalen Hintergrund hat, der sich nicht nur in der physikalischen Ausrichtung von Bekleidung im Allgemeinen erschöpft, sondern auch die soziale Komponente aufgreift, dann ist die neue Kollektion von Claudia Zuber konsequent und spiegelt den Rahmen und das Wirkungsfeld von Damenmode im urbanen, zeitgenössischen Kontext sehr gut wieder. Ihre Mode drückt neben Selbstbewusstsein auch die Zugehörigkeit zu einer dynamischen und flexiblen Gruppe aus, die darstellen kann und will, dass Stabilität der eigenen Persönlichkeit im Vordergrund steht. Sicher geht dies mit einem gewissen Grad an Anpassung an Konventionen einher. Im Gegensatz dazu hat aber Damenmode in den letzten Jahrzehnten viele Impulse erfahren, sich jene Freiräume zu erobern, welche der Herrenmode immer mehr abhandengekommen sind. Emanzipatorisch ist es nicht nur legitim, sondern geradezu notwendig, mit einer Anpassung an Herrenmode zu spielen und durch Parallelen auch eine Art Abgrenzung zum Maskulinen zu bewirken. Androgyne Strenge wird hier unterstrichen und dennoch bleibt das Weibliche sichtbar. Entsprechend „geschäftlich“ dominiert der Verzicht auf lockende, laute und Dominate Farben. Schwarz und Weiß sind Pole die Stabilität bezeugen –  Grau lockert auf und bringt Wärme. Die Silhouetten sind klar und vertikal. Bei Röcken kommt spielerisches Volumen in drehendem Schwung  zur Wirkung. Strick kann im Materialmix zudem die Oberteile gut auflockern.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Weißensee Absolventin Tosca Wyss zeigte ihre neue Herrenkollektion für Herbst und Winter 2016 im Rahmen der Mode Suisse in Zürich. Klare Oberflächen und Colour-Blocking für Männer dominieren die Kollektion. Schwarz, Weiß und Orange bilden in geometrischer Anordnung ansprechende kräftige Flächen in den Konstruktionen. Hierdurch wirkten die Looks breit und voluminös. Neben der Konzeption mit vertikalen Streifenansätzen, oder horizontalen Brüchen die Flächen zu gestalten, fallen als Applikationen Vögel, insbesondere „Flamigos“ als Motive auf. Zwei Jacken stechen mit feingliedriger Strukturierung im Druck auf, der Federn wiedergibt. Neben den klar und nüchtern strukturierten und konzipierten Looks, brechen diese Einzelstücke aus der Linie heraus und sind nicht konsistent. Die Hosen schließen sehr oft mit einem Materialmix in einem Ansatz von Glattheit unten ab. Insgesamt überzeugen die Kombinationen in Schwarz und Weiß mehr als die farbigen. Der sportlich jugendliche Look vermittelt Ungebundenheit und ist urban ausgerichtet mit einer sportlichen Note. Das Make-Up und Styling der Modelle hat leider hierzu nicht wirklich gepasst und wirkte zu aufgesetzt.

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Eine elegante Vorstellung

Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Das Herrenlabel Brachmann präsentiert seine Kollektion auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Designerin Jennifer Brachmann und ihr Partner Olaf Kranz stellen eine edle und elegante Männerkollektion vor. Die Show im „Me Collectors Room“ beginnt mit countryähnlichen Klängen und stellt den heutigen Mann in klassischer Rolle dar. Vor dem bildlichen Auge sieht man die Modelle mit Bärten, zigarrenrauchend, über Geldgeschäfte unterhaltend.

Die Mode wirkt durch beige, schwarz und anthrazit- blaue Farben sehr klassisch, der Mann in der Kleidung als ein echter Gentleman. Die einklingenden, elektronischen Beats, modernisieren allmählich das Bild des Mannes und rücken die Mode in ein durchaus alltagstaugliches, zeitgemäßes Licht, wo klassische Kleidung nicht nur im Business getragen werden kann.

Die Schnitte sind klar und streng, die Oberflächen durchdringen sich durch aufgesetzte Falten und Taschen. Besonders elegant sind die spitz zulaufenden Buisnessschuhe in braun und schwarz. Die cashmereähnlichen Pullower unterstreichen diese. Klassische Hemden und Pullover haben häufig eckig ausgeschnittene Kragen. Graue und graublaue Anzugshosen, sowie Trenchcoats wirken wie aus glänzendem, glatten Jeansstoff erarbeitet. Die Kollektion ist von Einflüssen der 40er Jahre geprägt. Hierzu zählen (Dinner-) Sackos, sowie Kellnerwesten, welche grob struktutiert sind. Im Allgemeinen kontrastieren die Stoffe von fein zu grob. Farbakzente setzt der orange farbene Pullover unter dem klassischem Mantel.

Die Show wird mit dem Song „Anabelle“ von Isolation Berlin beendet, welches vermittelt, dass auch Männer in Anzügen, Gefühle haben dürfen und jeder Mann, diese Mode tragen kann.

„Mein Herz schlägt bis zum Hals und der Kopf fährt Karussell, ich liebe dich so sehr, auuu!“

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Laurèl ist eine der „Stammmarken“, die auf der Fashion Week in Berlin präsentieren. Oft wird der Stil als Persönlichkeit unterstreichend und klassisch feminin beschrieben. Die Marke ist insbesondere im deutschsprachigen Einzelhandel sehr präsent und im höherwertigen Volumenmarkt angesiedelt. Elisabeth Schwaiger schafft mit ihrem Design-Team jährlich zwei Kollektionen, die den klassischen Saisons zuzuordnen sind. Auch für den kommenden Herbst und Winter 2016 sind die Volumen und Silhouetten klar und figurbetont angelegt. In der Kollektion finden sich viele freie Kombinationen aus Hosen, Tops die mit Mänteln kombiniert werden. Röcke finden sich kaum, wohingegen im Bereich Abendmode einige Kleider angesiedelt sind und somit die Palette von alltagstauglichen Looks hin bis zu festlichen Anlässen etwas zu bieten hat. Farblich dominieren die herbstlichen Nuancen die wenn mit entsättigtem Rot durchbrochen werden. Bei den Drucken wird auf konventionelle „Animal-Prints“ gesetzt, die bei vielen Schlüssen-Kreationen zu finden sind. Im Ergebnis ist und bleibt die Kollektion konventionell tragbar und Klientelorientiert.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Lyn Lingerie eröffnete die aktuelle Mode Suisse in der Edition 9 in Zürich. Evelyn Huber und Ramona Keller sind nun schon fünfte Mal in Folge bei der Mode Suisse vertreten. Nachdem der Versuch einer mehrtägigen Modeveranstaltung mit großem international in der Branche engagierten (Marken-) Sponsor in Zürich gescheitert ist, ist die Mode Suisse die einzige wirkliche Plattform für kleine und mittelgroße Labels, die in der Schweiz verwurzelt sind und auch überwiegend in der Schweiz produzieren.

Für das Label Lyn ist dies eine sehr gute Möglichkeit, denn es wird in Kleinserie direkt in Zürich in Handarbeit produziert. Entsprechend steht Individualität und höchste Qualität im Vordergrund. Mit „Fast Fashion“ haben die einzelnen Teile der beiden Protagonistinnen wenig zu tun. Im hochpreisigen Segment haben sie sich in den vergangen Jahren eine Nische erarbeitet, die nicht dem Druck permanenten kreativen Output zu generieren unterliegt. Das Ergebnis sind wie uns in der Schau wieder einmal gezeigt wurde zeitlose und dennoch modisch ansprechende Kreationen. Bei Lingerie von saisonalen Kollektion sprechen zu wollen und dieses Konzept einer exklusiv agierenden Marke aufdrücken zu wollen wäre indes fehl am Platz. Im Vergleich zu der „Kollektion“ Herbst / Winter 15/16 reihen sich die neuen Entwürfe nahtlos an, und wechseln farblich deutlich. War für die dunkle Zeit tendenziell eher Schwarz angesagt, so stellen die neuen Looks, mehrheitlich in Weiß und Rot präsentiert, eine schöne Erweiterung dar. Insbesondere die weißen Bodies erweitern das Repertoire sehr angenehm. Die Silhouetten sind feminin und mit anliegender Formgebung gehalten. Trotz viel Transparenz bleibt das „Hautzeigen“ dezent, fast funktionell nüchtern, ohne Charme zu verlieren.

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MB Fashionweek Berlin AW2016/17

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Duo des guten und innovativen Geschmackes Irene Luft und André Märtens gehörten wieder zu den Highlights der Fashionweek. Mit Kombinationen von Schwarz-Rot (und Gold) und ausgefallenen, japanisch anmutenden Haargestecken präsentierten sie dem erwartungsvollen Publikum wieder eine Kollektion in Spitze, Transparenz, Verfeinerungen und innovativen Experimenten, die der modernen, selbstbewussten Frau geschmackliche Veredelung auf den Weg gibt.

Immer körperorientiert und sexy finden die detailverliebten Spielereien mit Spitze, differenzierenden Oberflächen und ungewöhnlichen Mustern gleichzeitig zu klaren, formbewußten Architekturen, die mit dem akzentuierten Hairstyle in unterschiedlich durchgespielten Varianten jeweils noch kongeniale Akzente im japanischen Touch dazu bekommen. Klar und streng auch das einheitliche Make-Up dazu. Accessoires erübrigten sich, lediglich sehr pfiffige Hand“stulpen“ und Handschuhe aus schwarzen Riemengeflechten setzten noch passende Akzente.

Wie immer gelangen Irene Lufts Experimente mit Stoffoberflächen zu erstaunlichen Ergebnissen, besonders fiel die zugleich geschichtete und aufgebrochene Textur eines Kurzmantels und des Haori in Rot auf – ein offenbar kompliziertes Verfahren, das eine eindrucksvolles Spiel der Farbe im Licht erzeugt – das war einfach atemberaubend. Nach wie vor erprobt Irene Luft raffinierte Applikationen auf transparenten, dünnen oder Spitzenstoffen und findet dabei immer wieder verblüffende Möglichkeiten bei dem differenzierten Spiel mit den Ebenen und Oberflächen.

In der Formgebung bleibt Irene Luft den klaren, eher strengen taillen- und silhouettenbetonenden Gestaltungen treu. Die meist ausgestellten Röcke haben verschiedene Längen und deklinieren auch hier ein abwechslungsreiches Programm mit Spitze, Faltungen, Applikationen und Mustern, präzise verarbeitet und immer sinnlich weiblich.

Luxuriöse Schneiderkunst, eleganter Geschmack auf der Höhe der Zeit, Sinnlichkeit und einfallsreich gekonnter Hairstyle – damit glänzen die Münchner Designerin und der Berliner Hair-Artist wie stets absolut souverän.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion für Herbst und Winter 2016 hat Anne Gorke anspruchsvoll gezeigt. Dass städtisches und jugendliches Design auf der Berline Fashionweek gut platziert ist.

Auch wenn die Designerin (was sie oft auch betont) nicht aus Berlin kommt, und gerne auf dem Bauernhof lebt, so ist der gezeigten Kollektion das Urbane und Junge tief eingebettet. Lockere Volumen, klare Silhouetten und ansprechende Schichtungen prägen die Linie. Farbliche Akzente finden sich oft nur in Details, wie rosa Kniestrümpfen, oder am Ende der Modenschau in einer fast separaten Linie luftiger, roter Kleider und Kombinationen, die mit großflächigen Drucken daherkommen. Diese Muster sind abgeleitet von zackigen, langen Laubblättern, die herbstlich getönt sind.

Am ansprechendsten sind indes die ersten, dunkel gehaltenen Looks. Hier sind es Kombination mit groben wollenen Hosen, die locker Bewegungsfreiheit schaffen und oft mit griffigen Flokati-Jäckchen und Applikationen kombiniert werden. Auch transparente Blusen finden sich, unter denen die Modelle schwarze BHs tragen, was realistischer in der Präsentation ist, als nackte Haut unter den dünnen Stoffen im Herbst und bei anderen Designern.

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Berlin Fashionweek aw 2016/17 im Kronprinzenpalais

Text: Marcello Rubini

Bilder: Boris Marberg

Vielleicht brauchen wir bald gar nichts mehr schreiben über die junge Designerin, denn sie wird von Presse, Insidern und Publikum dermaßen gehyped, dass alles Wesentliche anderswo schon gesagt zu sein scheint.

Aber noch ist Marina Hoermanseder bodenständig, echt und ehrlich im Auftritt, unverfälscht charmant, und sie meistert die manchmal unerwarteten Herausforderungen hinter den Kulissen mit einer Mischung aus viel Kraft, Mut, realistischem Engagement und Herzblut, die der Rolle des ambitionierten und emotiven Upstarts überzeugender (und auch sympathischer) gerecht wird, als der der erfolgsverwöhnten Überfliegerin. Das ist nicht nur offen, sondern lässt auch unvorhergesehene Schwächen und Brüche im Konzept zu, ohne dass der Sympathie Abbruch geleistet würde, wie beim mutig geplanten Showverlauf über zwei Etagen und mehrere Räume hinweg zu erleben war.

Die Hinwendung zu unkompliziert tragbareren Teilen ist nicht ganz einfach, wenn das Markenzeichen fester Corsagen und Riemen-Schnürungen nicht ganz über Bord gehen soll. Das ist sowohl hinsichtlich Funktionalität als auch hinsichtlich der Ästhetik eine echte Herausforderung, denn der Anspruch der Alltagstragbarkeit liegt quasi am anderen Pol der Möglichkeiten angesiedelt. Eine logische Auflösung der unpragmatischen Zwanghaftigkeit hin zu bequemer Lässigkeit scheint kaum vorstellbar.

Aber Marina Hoermanseder lässt sich da offenbar nicht wirklich irritieren und schafft den Brückenschlag meist recht überzeugend. Sie bringt beides zusammen, ohne dass man das Gefühl hat, dass es eben nicht zusammen ginge. Die bewegungsbequemen Röcke zum Beispiel, gerne weit ausgestellte, kurze A-Form, wie sie sie auch selbst gerne trägt, die sich nach oben noch einmal zum Oberkörper etwas öffnen, lassen sich mit den festen Lederkorsagen durchaus kombinieren (und auch umgekehrt – leichtes Hemdchen mit festem Pencil-Rock), womit sich der gedankliche Widerspruch überzeugend aufzulösen scheint – zumindest teilweise. Das ist durchaus überraschend und auch spannend.

Zunehmender Schwerpunkt der Kollektion sind aber doch locker fallende und bequem aussehende Teile, manchmal noch mit Schnallen hie und da versetzt, oft die Riemenschnürungen noch andeutend, in meistens gedeckten, zurückgenommenen, durchaus herbstlichen Farben, beweglichen Stoffen und rautenförmigen Mustern, die optische Beweglichkeit und auch Rhythmik suggerieren. Die schon in der vorherigen Schau gezeigte Wende vom Zwang zur Lockerheit überwiegt nun und wird natürlich auch marktgerechter.

Unterm Strich ist – aus meiner Sicht – aber gerade die Kombination der Gegensätze sehr reizvoll und gelungen vorgeführt und vermutlich liegt darin nicht nur die Überzeugungskraft dieser Kollektion, sondern auch ein Janusgesicht ihrer Generation verborgen: Der kraftvolle, entschiedene Auftritt einerseits und die lässig-pragmatische Haltung andererseits – austauschbar und kombinierbar.

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