Anmerkungen zur Clubmode

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Obectra ist ein typisches Berliner Label, insofern, als dass es sich konkret auf den energiegeladenen Lifestyle seiner Clubszene beruft, kulturell nur dort und zielgenau mit dieser eigenen Philosophie. Inwieweit Berliner Clubkultur mit ihren Regeln (beziehungsweise ihrer Regelbefreiung) und Erweiterungen des Erlebens nun international für die Modeszene eine gewisse Rolle spielen könnte, bleibt abzuwarten, aber als modisches Statement jenseits von High Class und Haute Couture hat es attraktives Charisma, und das nicht zuletzt wegen der sexuellen Implikationen. Wir verstehen die betreffende Mode als Avantgarde. In Berlin spielen diese Regeln und Regelbefreiungen für die junge Generation eine erhebliche philosophische Rolle, und anders als in anderen gesellschaftlichen Bereichen sind Genderfragen und Gendercorrectness hier eingebettet und verständlicher Bestandteil in einem wirklich schlüssigen Zusammenhang. In der Berliner Clubkultur findet, zumindestens im Selbstverständnis, die wirkliche Avantgarde statt, der nächste Schritt gesellschaftlichen Fortschritts. Man kann das als spinnert-überzogen bezweifeln, aber immerhin haben im Laufe der Kulturgeschichte mehrere avantgardistische Bewegungen aus Berlin bemerkenswerte Spuren in der Kulturgeschichte hinterlassen, zumindestens in der künstlerischen.

Das muss man verstehen, wenn man Kollektionen wie Obectra als wesentliche Modemarkierungen verstehen will – und letztlich tut das Fashion Council gut daran, eher darauf zu setzen als auf Kunkurrenz im internationalen Mainstream der Fashionbewegung *.

Dementsprechend hat bei Obectra die sexuelle Komponente (natürlich offen und damit immer genderfähig) einen zentralen Anteil und in der Folge den direktesten Körperbezug, der denkbar ist. Vorhandene Tattoos unterstützen das. Riemen, Schnallen, Leder und Metall, zu Zeigendes und in der Bedeckung Verlockendes, Körpergestaltendes und -definierendes, Mystisches und Sehnsüchte und spielerische Prägungen aus BDSM und Fetischliebhaberei bilden das gestalterische Feld. Und das alles, immerhin ein neuer Aspekt, nicht nur auf Idealgestalten bezogen, sondern für Jedermann, Jedefrau, Jedenzwischenton muss etwas dabei sein oder gültig sein. Die Kompabilität ist also das eine, eine damit zu verknüpfende ästhetische Position das Spannende. In dieser Hinsicht ist die „Mode“-Bewegung noch nicht wirklich zu freier Entfaltung gekommen, aber das darf man noch erwarten. Man erinnere sich, wie rudimentär Techno als Musik-Bewegung angefangen hat und seinerzeit total unterschätzt wurde. Inzwischen geht in der zeitgenössischen Musik fast nichts mehr ohne diesen Ansatz.

Die Kollektion von Obectra führt genau das vor, was man als State of the Art in dieser Hinsicht verstehen kann. Sie ist darüber hinaus sehr einfallsreich und kreativ bis in die Details und bietet deutlich mehr, als man in den Clubs sehen kann, ohne sich von der Leitidee zu entfernen oder abzuheben. Die Schau war mit schätzungsweise über vierhundert Fans echt gut gefragt – und niemand sonst hat vorher etwas von Obectra gewußt. Viele andere Designer oder Designerinnen haben schon zuvor erfolgreich die Berliner Clubkultur und ihre Philosophie als Basis für Modebilder genommen, Richert Beil und besonders Namilia sind wohl geläufige Beispiele. Andere scheitern mit zu dünn angelegten Konzepten auf die Dauer, so wohl Ballard und viele andere angemaßte Designer. Der aktuelle Stand dieser Modebewegung ist noch offen, die Zukunft wird wie immer Spreu vom Weizen trennen, Obectra zeigt immerhin nicht nur die weltanschaulichen sondern auch aufscheinende ästhetische Konzepte. Und gerade daran und an innovativen Erfindungen wird sich zeigen, wer die erste Runde überlebt und wer im internationalen Modegefüge eine Stimme bekommen kann.

Aber, und auch daran sollte man denken: Die Szene denkt charakteristischerweise für den Gegenwartsaugenblick und nicht an morgen. Der momentane Spass entscheidet und bildet den momentanen Markt. Die frühe Technoszene hat auch nicht darüber nachgedacht, wohin sie sich in Zukunft entwickeln will, sie hatte den Moment gelebt. Und sich dann trotzdem weiter entwickelt und höchst konstruktiv überlebt.

* Obectra war allerdings nicht im offiziellen Programm vom Fashion Council.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angefangen als subkulturelle, aber berlinerische Veranstaltung, wo Anarchie zu Organisation und Erscheinungsbild das Wesen einer quasi gegenkulturellen Positionierung ausmachte, erweist sich das Konzept die PLATTE.Berlin seit wenigen Saisons als zunehmend erfolgreich.

Der Innenhof der Adresse als typischer Ort der öden berliner Plattenbauten mit seinem optischen, anarchisch aufgemotzten Erscheinungsbild war schon Location der ersten Platte-Veranstaltung und ist auch dieses Mal das kongeniale Locationkonzept. Ausserdem können sich die Veranstalter auch darauf verlassen, dass sich ein Großteil des Publikums dem subkulturellen Style angepasst hat und damit quasi der Schritt in die „Öffentlichkeit“ markiert ist. Und die verbleibenden Gegensätze stellen die Merkmale umso besser heraus. Als Veranstaltung im taghellen Freien ist es leicht, das Publikum in die Schau einzubinden, optisch, und das geniesst solche Situationen sehr: so ungewöhnlich und exzentrisch die Modebekleidung auf dem Laufsteg auch ausfällt, sieht man, dass das Publikum den Spass nicht nur im Zuschauen hat, sondern auch im Selbsttragen und im gegenseitigen Bewundern.

Dass die Wahl auf die Designerin Melisa Minca aus dem Platte-Kollektiv für eine ganze Schau fiel, folgte dem Gewinn des vorangegangenen, neuen Platte Award, der anhand der Prinzipen von Platte-Mode (Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz) vergeben wurde. Und wem es zu verdanken ist, dass die Platte überhaupt im offiziellen Programm erscheinen darf, auch letzte Saison schon, wissen wir nicht, vermutlich war dem Hauptsponsor Mercedes Benz die Subkultur kein imagefördernder Partner.

Melisa Mincas (Label 2018 gegründet) Konzept beruht im Wesentlichen auf Textilupcycling, stets sehr originell kombinierend, improvisierend und zugleich der gesellschaftspolitischen Haltung konsequent verpflichtet. Dass das Spielerische und auch Lustvolle den Ernst der politischen Positionierung weitgehend überdecken kann, ohne sie zu mindern, folgt natürlich auch dem gleichzeitigen  hedonistischen Anspruch. Das „eigentlich Nichttragbare“ wird zum Teil des spassorientierten Kontexts. Niemand ist verpflichtet alles trocken ernst zu nehmen und auch die Designerin nicht, alles ernst zu meinen. Neben dem Spass bleiben auch die plakativen politischen Statements quasi im Raum stehen. Von der handwerklichen Verarbeitung wird gefordert, dass sie solide, sorgfältig herstellt und nichts improvisiert, aber eben keine besonders hohe Schneiderkunst. Deutlich wird aber auch, dass der ästhetische Anspruch bei der Platte höher gehängt wird, als das in den ersten Saisons der Fall war, auch das ein Fortschritt.
Das romantische Schuhwerk wurde übrigens von merrfer unter Verwendung von Upcycled- und Deadstock-Materialien bereitgestellt.

Wie auch die Kleidungsstücke Unikate sind, so werden auch die vorführenden Modelle explizit individuell vorgeführt, mit der Schminke, den Frisuren, Tattoos, Ethnien und Körpern. Everybody United.

Wir schrieben es schon zuvor, in London sind diese Trends schon lange zu beobachten, hundertprozentig läßt sich also nicht sagen, dass Berlin in dieser Hinsicht nun etwas wirklich Neues geboren hätte. Aber es ist in mancher Hinsicht dann doch berlinerisch, umso mehr, als keine andere deutsche Stadt seine Subkultur so liebt und sich für ihr Selbstverständnis zu eigen macht. Und dass weitere Programmierungen aus der Szene in der aktuellen Fashionweek den Trend unterstreichen, bestätigt dieses Selbstverständnis endlich in gerechter Weise.

Grundsätzlich ist natürlich eine Provokation gegenüber dem klassischen Modeverständnis damit offiziell, darüber kann man vielleicht streiten oder die Nase rümpfen. Mit Punk hatten wir das ja ähnlich. Unbedingt überzeugend ist schon mal in jedem Fall, dass der Spass daran ein entscheidendes Kriterium ist und es auch ganz unkompliziert ist, den mit gesellschaftspolitischen Überzeugungen zu hinterlegen.

Gerade das ist eine besondere Erkenntnis, die die Platte.Berlin schon an sich besonders ehrt.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Geschlechteremanzipation sind das Fundament zur schöpferischen Philosophie der beiden Betreiber des Labels Namilia, Nan Li und Emilia Pfohl, woraus kontinuierlich und seit Jahren die Bestände ihrer Kollektionen wachsen. Und stets topaktuell bleiben, mehr noch, wirklich avantgardistisch.

Wir entdeckten Namilia bereits in Paris vor etwa 2 Jahren und schrieben schon ausführlich darüber (siehe Bericht). Erfreulicherweise hat das Berliner Label nun doch eine Möglichkeit gefunden, hier in der Stadt eine Schau zu veranstalten, die sehr begeistert aufgenommen wurde. Die Kollektion wurde entsprechend groß angelegt und war dennoch enorm abwechslungsreich.

Grundsätzlich ist die Mode von Namilia immer kompromisslos, feministisch, antirassistisch und pro trans. Sexuelle Freiheit einerseits und dynamische Sportlichkeit, hier Motocross, prägen viele Ideen und auch entsprechend die glatten Materialien und leuchtende Farbigkeit. Outfits von Motorsport pflegen ohnehin stets eine Vorstellung von Empowerment. Die Formgebung ist entsprechend ebenfalls „speedy“, sowohl in herausgezogenen Schultern als auch in den Applikationen und großflächigen, kontrastierenden Flächenformen (und auch in den Materialwirkungen, veganes Leder z.B.). Hinzu kommen Gothic- und Punk-Details wie spitze Schultern, Spikes oder Nieten. Und, nicht zu vergessen, auch hochgeschlossene, knöchellange Qipaos (ein traditionelles chinesisches Gewand) mit applizierten Stoffvulven.

Aber dabei bleibt es nicht. Wichtiges wird entfernt und bleibt quasi nackt oder die textile Gestalt wird extrem ausgeweitet. Die gewünschte Sexyness beziehungsweise Erotik modifiziert die Kleidergestalt durch Wegnahmen, Aussparungen, Taillierung, Öffnungsmöglichkeiten und viele weitere Strategien, bis die gewünschte Frechheit ziemlich kompromisslos das Ganze bestimmt. Liebevoller Einfallsreichtum in vielen Details und sorgfältigste Verarbeitung sind Teil des Vergnügens, das man mit diesen Outfits  hat.

Anregungen aus der Clubszene in ihren exzentrischsten Ausprägungen werden gerne verfolgt und ausgebaut, denn von da aus geht die Grundidee einer sexualisierten Gesellschaft (unter neuen Vorbedingungen) längst der allgemeingesellschaftlichen Öffentlichkeit voraus. Ausserdem fließt die reale eigene Körperlichkeit in seiner Anerkennung (Body-Consciousness) als Pro-Faktor in die Gestaltungsphilosophie ein und überwindet damit ganz souverän und selbstverständlich bisherige Standards, an denen die großen Modehäuser noch immer kleben.
Als aktuelles Leitthema geben Namilia den Text Cruising Utopia, The Then and There of Qeer Futurity von José Esteban Munoz an, möchten also, dass man ihre Kollektion als eine Vorstellung von „queer utopia“ betrachtet. Damit wird die Idee von sexueller Freiheit noch einmal weiter focussiert. Aus dieser Textquelle schöpft übrigens auch der DJ/Produzent Yazzus mit seinem Soundtrack zur Schau.

„Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ äußerte das Designerduo einmal und blieb bis heute unbeirrt dabei. Jetzt, wo die Berliner Fashionweek frei von äußeren kommerziellen Werbe- und Imageinteressen sich neu aufstellen kann, sind Labels wie Namilia neben Olivia Ballard und anderen plötzlich auf dem Plan und führen vor, was zwar längst schon da war, was als Berliner Kulturverständnis und Subkultur aber nicht in die erste Reihe der präsentierten Mercedes Benz Fashionweek kam. Diese Labels repräsentieren das authentische Mode-Berlin – ohne dass anders orientierte Labels damit herabgewürdigt wären. Labels, die, wie Namilia, deswegen anderswo bisherige Erfolge feiern konnten und zweifellos eine spannende Avavantgardeposition einnehmen, auch und gerade im gesellschaftspolitischen Anspruch.
Und dabei kommt es nicht von Ungefähr, dass Namilia auch in New York in den Szenen gefeiert wird und Bekanntheit erlangt hat.

Diese konsequente und kompromisslose Haltung der Labels und ihre kreative Innovationskraft werden die Berliner Fashionweek reizvoll und wichtig machen im internationalen Gefüge und umgekehrt stehen sie ja auch erklärtermaßen zu Berlin und seiner Lebensart.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Label Bondy der Jungdesignerin Judith Bondy gibt es seit 2018 mit ein bis zwei kleinen Kollektionen jährlich (hier quasi als alternativer Nachschlag zur Fashionweek) mit Kleidung, Schmuck und Accessoires. Da entsteht ein kleiner, bunter, fast willkürlicher Kosmos mit meist romantisch verspielten Kleidungsstücken und auch neopoppigen oder entfernt an Fetischszene erinnernden Teilen, die mittlerweile eine eigene Modeströmung bilden und sich auch frei untereinander mischen, wie wir schon bei der Platte-Look-Schau gesehen haben.

Gerade die Zusammenstellung des Verschiedenen ist wichtige Basis der Leitidee und steht auch für eine Vorstellung von sozialer Vielfalt beziehungsweise Durchmischung. Gemixt werden Elemente der Populärkultur der letzten 70 Jahre, also von Fifties über Op-Art, Flowerpower, Coolness der 80er bis hin zur Gegenwart, schön bunt, schimmernd, handwerklich geprägt und hie und da etwas schräg und auf Fantasy anspielend. Satin, Tüll, Strasssteine, Metall und PVC sind bestimmende Materialien und Weiß, Pastellfarben, Pink, Lila und Mintgrün als Hauptfarben akzentuieren eine weibliche und auch ein wenig kindlich anmutende Konnotation.  Verspiegelte Sonnenbrillen der Fünfziger, Handtaschen und verspieltes Schuhwerk ergänzen die Auftritte des mutigen Crossovers für große Mädchen.

Das etwas versonnene Blumenambiente auf und vor himmelblauer Folie ist hübsch und wirkungsvoll arrangiert mit echten und künstlichen Moosen und Blumen und mit zarten Schleifen. Weiße Pantonstühle (6os-Klassiker) darin als Ruhepole. Zwei Inseln, die ein Arrangement ergeben, in dem die vorgeführte Mode sich pittoresk für unzählige Handyfotos präsentiert: ein wichtiger Gedanke der Planung. Die Handyklicksituation – alle Zuschauer waren damit ausführlich beschäftigt – bestimmte die ganze Veranstaltung, wenn man mal vom Szenegeplauder danach absieht. Kalkulierte Wahrnehmung via Smartphone, Instagramm-Distribution und Konservierung im Handykosmos sind wesentlicher Teil des Konzeptes und vielleicht sogar der zeitgemäßeste Aspekt dieser Vorführung.

„Neverend“ heißt die Kollektion. Ein Pressetext führt hierzu aus: „NEVEREND folgt der Geschichte eines einsamen Frosches, der die Menschheit überlebt hat und Artefakte einer vergangenen menschlichen Rasse auf seiner Haut trägt.
Der Frosch wirft die Fragen auf: Wie wird die Menschheit Relikte ihrer Zeit auf der Erde hinterlassen? Kann es digitale Antiquitäten geben? Und werden die Überreste, die wir zurücklassen, eine wahre Repräsentation der menschlichen Erfahrung sein?“

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lange hat man nichts gesehen von Esther Perbandt, jetzt ist sie wieder da. Schleichend und behutsam hat sich die Marke verändert, musste sie ja auch, die Urprungsära von Postpunk, Goth und Post-Industrial ist ja längst vorbei. Immerhin gezielt zum Eleganteren hin, was im Hinblick auf die Startkonstellation vielleicht etwas verquer anmutet, aber grudsätzlichen Gestaltungsstilismen ist die Designerin schon treu geblieben. Besonders dem Schwarz.

Esther Perbandt entdeckt gerne Printmotive, die sie dann in verschiedenen Aufdrucken und Applikationsformen verwendet, in diesem Falle Blaupausezeichnungen mit Erläuterungen zu Seidenproduktionsmachinen aus alten Zeiten und aus Frankreich. Früh-Industrial, könnte man anmerken, das ist noch ein origineller Rückbezug. Aus den gefundenen Motiven sind in Lago di Como, Italien, Jacquardstoffe aus Seide-Leinen entstanden, Jacquard-Foulards aus Wolle und Seide und hochwertige Drucke auf Seide. Ebenso inspirierten sie zu einer neuen Schmucklinie aus teilweise überdimensionierten goldenen Zahnrädern als Ohrringe, Halsketten, Armcuffs und Gürtelbeschlägen. Dazu kommt ein Faible für schwarzseidene Kordeln (siehe ganz unten) mit goldenen Versatzstücken (Enden), wie überhaupt die Kombination Schwarz mit Gold ein wichtiges Gestaltungselement der Kollektion sind.

Hinzu treten Schuhe mit blockartigen Podesten unter den Sohlen (mit denen man aber noch ganz gut laufen kann) und Hüte aller Art von Fiona Bennett, oft sehr hoch wie seinerzeit bei Hoss von „High Chapparal“. Wir lieben Fiona Bennett, aber für diese Kollektion erschienen die Kopfbedeckungen weniger passend, da hätte man sich vielleicht kongruentere Entwürfe zur Kollektion gewünscht. Besonders bei den beiden Milchbubi-Modellen wirkten die Hüte schon ziemlich unernst.

Kaum jemand beherrscht die Gestaltung mit Schwarz in Schwarz und das Lichtspiel darauf so gut wie Esther Perbandt, diese Kompetenz hat sie in bestechender Weise kultiviert. Auch mit eleganten, feinen Textilien und schimmernden, eingewebten Mustern sowie mit den Kontrasten zu dem erwähnten schweren Goldschmuck. In den Schnitten bleibt sie ihren herkömmlichen Verfahren im Wesentlichen treu, aber die Schichtungen mit den stets gekonnten Effekten sind nicht mehr so zwingend die entscheidenden Wirkungsaspekte. Andere Gliederungen und Regulierungen, wie zum Beispiel mit den eleganten Schärpen, haben an Wichtigkeit gewonnen, vorteilhafterweise.

Auch die konsequente Geschlossenheit von dem Füßen bis zum Hals ist jetzt gelegentlich aufgegeben und man entdeckt damit die Erlaubnis zu mehr Sexyness und Hinwendung zum menschlichen Körper, der die Sachen trägt.

Getragene Elektromusik und langsame Bewegung der Modelle ist schon eine ungewöhnliches Schaukonzept, aber Esther Perband kann tolle Inszenierungsideen auf die Beine stellen, insofern reiht sie sich leider trotzdem in die üblichen Laufstegrituale ein, das fanden wir etwas schade, denn, wenn nicht sie, wer soll diese gleichförmig banalen Rituale endlich mal etwas ideenreicher aufbrechen?

Alles in allem ist die durchdringende Veredlung des Ersther-Perbandt-Styles ein absoluter Gewinn, die Geschmacksverfeinerung und Zuwendung zu Eleganz und ästhetischer Aura ist ein echtes Sehvergnügen, gerade da wo das Schwere und Verpackende leichter und raffinierter in der Zurücknahme geworden ist. Damit ist Esther Perbandt mit ihrem „Comeback“ auf dem Schauenzirkus nach wie vor die relevanteste Berliner Modedesignerin aus Berlin.

Esther Perbandt ist auch gerne anderweitig gestalterisch unterwegs, jenseits der Bekleidung und des Schmucks. Wir berichteten schon anläßlich der Positions von diesen Ambitionen, die sich an der Grenze zwischen Kunst und Modedesign bewegen. Es ist schwierig, diese Arbeiten einzuordnen, man könnte es vielleicht zweckfreies Design nennen. Anläßlich der Fashionweek hat Esther Perbandt eine kleine Installation aus drei Teilen in die Fußgängerpassage des „Bikini“ gestellt, wo sie dann auch der oben erwähnten Lust auf schwarze Kordeln ausführlich frönen konnte. Sieht schön aus.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Schon in den vergangenen Saisons lud die Mercedes Benz einen Sieger des vorhergehenden Hyères-Festivals für die Eröffnungsveranstaltung der offiziellen Fashionweek-Veranstaltungsreihe nach Berlin ein, für aw 2022-23 ist das die Gewinnerin des (neuen) Preises „Mercedes-Benz Eco-Responsible Collection Award“. Mit der Schau hat die Jungdesignerin aus Helsinki ihre Kollektion etwas erweitert unter Beibehaltung ihres gestalterischen Grundprinzips. Das besteht wesentlich aus parallel repetierten Schlaufen- und Knopfleisten, die Formvarianten zulassen und zugleich die ästhetischen Gefüge bestimmen. Grundlage des Denkens, daher auch der Preis, ist das ökologische Arbeitsethos, Schwerpunkt der Stilistik eine stark romantisierende, entfernt auch mal Countrylife assoziierende Ausstrahlung. Das gelegentliche Bauschen der Röcke vermittelt zwar etwas Plastizität, ansonsten blieb die Anmutung aber eher etwas flach. Und während die systematisch ordnenden Bänder eher eine strenge orthogonale Regelmäßigkeit vorgeben, gelingt es mit dem Gesamtschnitt zunehmend besser, den Silhouetten und den Gliederungen die erforderliche Weichheit und Lebendigkeit zu vermitteln. Besonders bei den Oberteilen sind dadurch sehr schöne und eigenwillige Gestaltungen entstanden, gerade bei den neu zu der Hyères-Kollektion hinzugekommenen Kleidern, was ein echter Gewinn und Fortschritt ist.

Ausserdem sind zu den eher gedeckten oder lichten Farben nun auch Schwarz und Weiß hinzu getreten, die der Ausstrahlung auch eine deutliche Portion straighterer Eleganz mitgeben. Auch Körper bzw. Taillenbetonungen tragen erheblich zur Gestaltmodifikation bei, im Gegensatz zu den sehr schlichten und A-förmigen Silhouetten, die zwar bequemen Bewegungsspielraum bieten, aber auch eine gewisse Bekleidungspragmatik assoziieren, die der Ökomode imagemäßig oft eher geschadet als genützt hat.

Es hat sich also gelohnt, die Kollektion mit viel Gestaltungsfeeling attraktiv auszubauen und damit den Erfolgsstart ästhetisch zu unterfüttern.

Und natürlich zeigt sich auch an diesem Beispiel, dass die französische Strategie der Nachwuchsförderung ziemlich effektiv ist, auch was das ökologische Ethos betrifft, während hier in Deutschland lieber die Diskussionen zu kreisen scheinen und die Gesamtperspektive effektiver Förderung aus dem Organisationsfocus gerückt zu sein scheint. Dieses Problem betreffend hat die Berliner Modeinstitutionalisierung noch immer keinen klugen und geradlinigen Weg gefunden und vielleicht wäre es gut, diese Eröffnungsschau zum Anlass zu nehmen, mal darüber nachzudenken, warum in Frankreich etwas dabei heraus kommt und hier nicht.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz sind die zentralen Schlagworte, mit denen die PLATTE.Berlin angetreten ist – zuerst liest sich das wie halbhohle Werbeformeln aus dem Generationen-Sprech, aber schon vor und während der Veranstaltung kann man erkennen, dass dahinter echte Haltung und echte Bemühung stehen, sich in laute, sichtbare Form zu gießen. Vom Veranstalter und vom Publikum. Die Veranstaltung „Platte-Look“ nahe dem Alexanderplatz in und vor einem DDR-Plattenbau ist organisiert wie ihr Inhalt. Bewusst nicht perfekt, dafür aber mit viel Spass. Und das Publikum der fast in den Öffentlichen Raum reichenden Schau passt offenkundig zum spezifischen Modestatement und kommt genau deswegen. Also eher nicht das gesuchte, zahlungsfähige oder prominente Segment der „gehobenen“ Modeszene, sondern eine Spaßfraktion, die sich selber feiert. In London sind diese exzentrischen Groups und diese Szene besonders auf der Fashionweek gang und gäbe, hier in Berlin aber selten sichtbar, auch wenn man glauben könnte, Berlin sei der logische Ort dafür.

Lebensfreude, Lust auf Verwandlung, Spass an schreienden Farbkaskaden und -mustern, Freude am Anderen sind erkennbare Charakteristika der Bewegung. Es ist ein Statement sozialer Haltung mit gegenseitigem Ansporn und Beifall, ohne Ansehen von Herkunft oder Zahlungskraft. Kreativität ist das verbindende Element im deutlich Sichtbaren, Anstrengung, Mut und Abgefahrenheit gehören zum Potenzial der Aktivität. Man sieht – schon vor der Schau im Publikum – die liebevolle Herrichtung in den Details und die Exzentrik verwendeter Trouvaillen in den Zusammenstellungen der auffälligen Outfits. Und eine sehr große Vielfalt an Akzentuierung zeigt sich dann in der repräsentativen Schau: Punk-Heritage, sexueller Fetisch, Gothic-Fantasy, handwerkliche Individualkreativität, Rüschenromantik und vieles mehr stehen gleichberechtigt nebeneinander und auch die vorführenden Modelle entsprechen möglichst großer, individualgeprägter Vielfalt.

Das ist, als grundlegende und herausgestellte Haltung, ehrlich und sehr beeindruckend und darum unterstützenswert. Denn es ist definitiv Lust an gelebter und identitätsspiegelnder (oder -stiftender) Mode, einem Modeverständnis, das nicht leer und nur ein ästhetisches Statement sein will, sondern selbst kreativ ist und starker Ausdruck eines Lebensgefühls, einer (humanen) Verortung jenseits des Mainstreams. Aus diesem Verständnis relativiert sich die ästhetische Kategorie als relevanter Maßstab. Die Gestaltung ist schierer Expressionismus. Und die Vorführung etabliert charismatische Qualitäten. Just das, was den herkömmlichen Laufstegmodellen eher abgesprochen wird.

All das hat noch den Beigeschmack von Punk, ist vielleicht eine erweiterte Post-Punk-Bewegung: die gezielte ästhetische Rücksichtslosigkeit, die Provokation mit Schrillem und die Verachtung der Konventionen sind Versuche, eigene Lebensräume zu schaffen und eigene Konsensbereiche zu etablieren. Dazu gehört nicht nur Mut, sondern auch viel Anstrengung und radikale Konsequenz, was sich beispielsweise in den sexuell aufgeladenen Outfits zeigt. Letzteres fehlte ja der Punkbewegung seinerzeit und die Verschiedenheit beider Strömungen (Fetisch-Erotik und Punk) gehen nun eine überzeugende und inkludierende Verschmelzung ein. Beispielsweise. Und insofern bleiben die eingangs zitierten Werbeformeln nicht hohl und „modisch“ sondern finden reale Konkretisierung statt vorsichtiger Annäherung an Überzeugungstrends.

Im realen Leben tragbar oder nicht, die Frage stellt sich mit diesen gewagten Outfits eher weniger. Denn die Szene hat da wenig Berührungsängste. So scheint es jedenfalls.

Damit stellt sich eine exzentrische Bewegung mit radikal eigenem Modeverständnis neben die etablierten Werte aus dem Schauengetriebe der Fashionweek(s), sperrig gegenüber Beurteilungskriterien des Mainstream aber mit einer eigenen Überzeugungskraft, die wichtige und überzeugende humane Qualitäten hat und deutlich auf Aspekte verweist, die in eben jenem Modegetriebe untergegangen sind oder unterzugehen drohen. Der offenkundige, lebensfrohe Spass ist nur einer davon.

Die Schau zeigte einen Mix verschiedener Designer/Designerinnen und Labels ohne jeweils ausgewiesen zu sein. Dazu gehörten: 7585 – #Damur – Auf Augenhöhe – Dennis Chuenne Fade Out Label – Haram – Isabella Rudzki – Joulala – Bondy – Khassel – Kolo – Leinz – Lettau – Lu La Loop – Luise Zücker – Mies Nobis – Ministry of Upcycling – MYL Berlin – Perlensau – Sample-CM – Starstyling – Susumu Ai – Tata Christiane – Therapy Recycle and Exorcise – Trippen – UY – Versuchskind – W1P

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Das Label besteht seit 1996 und positioniert sich in der Vergangenheit als Nischenlabel für Fetischmode aus Leder und Latex. 2011 wurde das Label von der jungen Designerin Carolin Rein übernommen und neu ausgerichtet. Seitdem geht die Marke neue Wege und erschliesst sich ein „salonfähiges“ Publikum, ohne dabei das in der Kleidung steckende Potential der Begehrlichkeit zu verlieren. Auf dem Lavera Showfloor in Berlin präsentierte die Designerin ihre neue Kollektion. Getragen von einer hochwertigen Materialwahl die auf Leder basiert und in den Kreationen geschickt Kombinationen mit Jersey und Paillettenstoffen realisiert wirkt die Kollektion tragbar und fast schon verführerisch leger. Die Silhouetten sind dabei schlank gehalten und die Oberflächen werden geschickt mit raffinierten Details strukturiert. Franzen, Reissverschlüsse und Lederapplikationen unterstreichen dabei eine wilde Weiblichkeit im Erscheinungsbild. Die Kollektion ist sehr Tragbar und bietet vielerlei Kombinationsmöglichkeiten.

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