Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Die Präsentation von Irina Dzhus‘ neuer Kollektion regt dazu an, sich mit grundsätzlichen Fragen auseinanderzusetzen, die sich mit dem Werk, dem zu vermittelnden Inhalt, der Künstlerin selbst und dem gesellschaftlichen Umfeld, in welchem diese Kunst stattfindet, aufkommen.

In Bezug auf das modische Werk folgt die Kollektion technisch, wie auch in Bezug auf die reine Präsentation, dem Muster der vorangegangenen Kollektionen. Das Grundkonzept der Wandelbarkeit und Veränderung der Looks während der Präsentation ist das modische Wesensmerkmal. Mit dem Krieg gegen die Ukraine ist Irina Dzhus in Berlin angekommen. Die Heimat verlassen zu müssen hat selbstverständlich einen großen emotionalen Einfluss auf das Wirken der Künstlerin. Ihrer Linie ist sie gestalterisch und technisch indes treu geblieben, eine Zäsur zu ihrer Mode vor 2022 ist nicht sichtbar.

Betrachtet man den gesamten Kontext – also Künstlerin, Werk und Rahmenbedingungen – wird klar, dass das Werk von Irina Dzhus weiter als die eigentliche Modeschöpfung gehen soll und die Kleider im Zusammenspiel mit der Performance als Gesamtwerk zu betrachten sind. Dies wird insbesondre deutlich, wenn man berücksichtigt, dass das gesprochene Worte während der Performance, wie auch alle anderen Texte die zur Verfügung gestellt werden, mit zu berücksichtigen sind (Pressemitteilungen, Blogeinträge auf der Homepage, Beschreibungen von Kooperationen, Interviews u.a.). Was Irina Dzhus während der Performance gesprochen hat, stand nur in der Muttersprache zur Verfügung und ist damit an das entsprechend sprachkundige Publikum gerichtet.

Inhaltlich soll die Kollektion und die Performance eine Auseinandersetzung mit Utopie-Gedanken sein und sich mit kollektiven, spirituellen und emotionalen Quellen für utopische Sehnsüchte, wie zum Beispiel Heimat auseinandersetzen. Zurückgegriffen wird auf jüdische Mystik und Zahlenmystik, die als „Kabbala“ allgemein aus einer esoterischen, theosophisch motivierten Bewegung stammt.
Neben dem Tierschutz als Grundthema, der sich in Dzhus Werk immer wieder als Anliegen findet, kann man das Thema „Heimat“ sehr wohl auch als eine Reflektion der individuellen Situation der Designerin sehen, die ihr künstlerisches Wirken nun außerhalb der Ukraine praktiziert. Sie steht, nach eigener Auskunft, in einem Prozess der Bewältigung persönlicher Traumata. Betitelt wurde die Kollektion mit dem Begriff „Anticon“, der überwiegend für „anti-conventional“, beziehungsweise „anti-conformity“ im Amerikanischen verwendet wird. Der Titel kann entsprechend als widersprüchlich zu der der Kollektion zugrundeliegenden Idee einer kollektiven Utopie gesehen werden. Sich und sein Wirken so zu verstehen, dass man eine Position gegen Konventionen und Konformität bezieht, ist heutzutage in unserer pluralistisch bis hin zur von Beliebigkeit geprägten Gesellschaft nichts Besonderes mehr. In der vielfach als wertkonservativer wahrgenommenen Ukraine mag der sozio-kulturelle Kontext anders interpretierbar sein.

Hinsichtlich der gebotenen Performance erscheinen die vielen symbolischen und textgeprägten Elemente, die Aktion und die Zeichen, für hiesiges Publikum in vielem unverständlich. Der zur Verfügung gestellte Pressetext (nur für die Presse) dazu holt in viele Richtungen erklärend aus, um trotzdem wesentliche Aspekte der Performance am gewählten Ort verständlich zu machen. Das betrifft über die oben beschriebene Konstellation hinaus auch religiöse Verweise und den Bezug zur Kabbala – was wir hier nicht alles wiederholen wollen.

Unsere Gesellschaft hat sich dazu entschieden, Künstlerinnen und Künstlern aus der Ukraine Möglichkeiten zu bieten, ihr Wirken und Werk weiterzuführen und aufrecht zu erhalten. Dabei spielt der Gedanke eine Rolle, dass die kulturelle Identität der ukrainischen Gesellschaft gesichert werden soll, dass Räume für die Weiterentwicklung entstehen, um in Zukunft in der Ukraine Anknüpfungspunkte zu ermöglichen, so dass Protagonisten dort wieder fortgesetzt tätig sein können. Dies wird unter anderem finanziell vom Senat Berlin gefördert und Irina Dzhus ist eine der geförderten Künstlerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Zehn Outfits in knapp 30 Minuten – das war vielleicht die slowest Fashion Show ever. Eine recht deprimierende Veranstaltung mit sehr langsamen Bewegungen, gleichmäßig dahinplätscherndem Text als Begleitsound und durchweg ernsten Gesichtern. Das ursprünglich ukrainische Konzeptlabel (jetzt ansaässig in Berlin) der Designerin Irina Dzhus ist im wesentlichen ökologisch geprägt und versucht der nachhaltigen Garderobe größtmögliche Wandlungsfähigkeit auf den Weg zu geben.

Bisher war das bei allen Outfits so und das vollzog sich gleichzeitig in einer atemberaubenden, skulpturalen Kreativität, so dass der überraschende Effekt der Verwandlung auf der Bühne auch als künstlerischer Prozess verfolgt werden konnte, eine Option, die danach imaginär an den Besitzer übergeben wird. Dieses eher dynamische Konzept wird jetzt, besonders in seiner Wahrnehmung, abgelöst durch einen eher gegenteiligen Effekt. Die geradezu schleichende Performance verhindert bewusst jeden erfrischenden Aspekt und betont stattdessen eher das Unbewegliche, Dröge und geradezu Pessimistische. Die Langsamkeit wird nicht im Sinne von „zur Ruhe kommen“ erlebt, sondern als Negation des pulsierenden Lebens. Und der Verwandlungszauber ist damit sehr dämpfend herunter gefahren.

Die Designerin sitzt mit versteinerter Mine und geradezu unbewegt am Rand der Mitte des Laufstegs, steht gelegentlich auf und arrangiert langsam und konzentriert die meisten der Outfits neu, aber nicht mehr alle, wie früher, und auch nicht mehr so spektakulär im Erscheinungsbild. Währenddessen bewegen sich die Models langsam schreitend über den Laufsteg, ernst und verhalten. Der von einer Frauenstimme im Hintergrund tonlos eingesprochene Text erzählt persönliches Erleben und Befinden zu „Gott und die Welt“, von Hoffnungslosigkeit geprägt und mit depressiver Anmutung ohne Höhen und Tiefen.

Aber innovativ sind die vorgestellten Outfits noch immer. Tops aus Hüten, eine Hose mit vier Beinen und anderes mehr. Die Gestaltungsprinzipien folgen keinem einheitlichen Gestaltungsmotto, sind aber noch immer skulptural gedacht. Flächen werden aufgebrochen und als Teile sich wandelnder Architekturkonstruktion verstanden. Die Stoffe sind nicht mehr so eingeschränkt in der Auswahl, andere als grobes Leinen sind hinzugekommen, zum Beispiel Chintz (dennoch ausschließlich ethische Materialien). Die Kontraststärke von Schwarz und Weiß wird prägnant ausgespielt, Farbe gibt es noch immer eher nicht. Auffällig ist die Verwendung von Hüten in der Bekleidung, manchmal ganz, manchmal aufgeschnitten, manchmal nur noch aus formalen Elementen bestehend. Hier ist die Dekonstruktion für Verwandlung am ausgeprägtesten angelegt – inwieweit sich daraus eine weiterreichende Interpretation ablesen ließe, bleibt aber nicht wirklich erkennbar. Dem Unisex Konzept ist die Designerin im Großen und Ganzen treu geblieben, ein ästhetischer Bezug zum Körper und zu Sinnlichkeit bleibt ohnehin aus, fest, stark und dauerhaft wirkt die Garderobe nach wie vor.

Inwiefern die Position als ukrainische Designerin unter den besonderen Umständen des Krieges hier in der Kleidung eine Rolle spielt, kann man höchstens noch mutmaßen, zwingend erscheint das aber nicht. Der Pressetext erklärt: „Ein makaberes Rendezvous mit den heiligsten Ängsten, das in einer tiefen Trauer um eine körperlose Lebensprojektion mündete, zwang sie, den bereits vertrauten Überlebensmodus einzuschalten und die angesammelten kreativen Kräfte in vollem Umfang als dringenden Bewältigungsmechanismus zu nutzen.“ Deutlicher, so scheint es eher, als bei der Kleidung kriecht die hoffnungslose, starre Atmosphäre der Performance unter die Haut. Das deprimierende Erleben einer gleichförmig schleichenden Modenschau ist dann doch, wenn man es im Rahmen der Modewoche sehen will, ein Statement, das den großen Kontext infrage stellt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Drei Designerinnen profitieren von der besonderen Ukraine-Unterstützung des Fashion Council Germany und zeigen erneut ihre Kollektionen auf der Berliner Fashionweek: Bobkova, Dzhus und Litkovska. Sie präsentieren an verschiedenen Orten und treten dabei auch nicht anders oder spezifischer auf als alle anderen.

Dabei scheint es nicht ganz so leicht zu sein, den Spagat zwischen dem eher innovativ geprägten Westen und der eher konservativ ausgerichteten Klientel in der Heimat zu bewerkstelligen. Während Dzhus bei ihren ungewöhnlichen, experimentellen Verwandlungs-Abenteuern bleibt, orientiert sich Bobkova eher an traditionellen, kommerziellen Leitideen, die lediglich mit ein paar kecken Ideen aufgefrischt sind. Litkovska erweitert und interpretiert die klassischen Standards in Schnitt und Architektur schon deutlich rasanter und experimenteller und positioniert ihre Kollektion kraftvoll und mit lässigerem, aufgeschlossenerem Auftritt. Immerhin, drei verschiedene Positionierungen von Modemacherinnen, die sich ihrer Herkunft verbunden fühlen und, selbst wenn sie schon eine Weile hier leben, in dieser Zugehörigkeit auch – mit Erwartungen – wahrgenommen werden. Eine modische Bereicherung aus dem Osten zeichnet sich dadurch noch nicht wirklich ab, eher stellen sie sich dazu.

Neu hinzugekommen ist das ukrainer Label Podyh, das haben wir bereits extra besprochen, nicht mehr dabei ist Jean Gritsfeldt.

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BOBKOVA im Garten des Kronprinzenpalais:

Bei Bobkova dominiert eine einfache Kombination aus zartbunten und dünnen Stoffen mit eher festeren, schlichten Materialien für klassische Jacken und Hosen oder Strick und Häkel, also eine Mischung aus Romantik und Business, manchmal auch als Zwischenkonzept. Keine nennenswerte Überraschung, höchstens ein paar hinzugefügte lockernde Akzente oder mal eine coole Sonnenbrille. Dabei gibt es hie und da ein paar Auffälligkeiten im Schnitt oder der Silhouette, aber grundsätzlich wird die bürgerliche Grenze der praktischen oder der ästhetischen Toleranz nicht berührt. Bequemlichkeit, Tragbarkeit, nur leichte Verschiebungen, folkloristische Anleihen und ein Touch weiblicher Grundromantik mit Natursehnsucht sind der Schlüssel für den lieber braven als ungewöhnlichen Stil. Diese Schau war vermutlich die konservativste Schau der Fashionweek, aber es ist gleichwohl unbestreitbar, dass auch eine westliche, eher in der Mitte der Gesellschaft angesiedelte Klientel sich durchaus von der klassischen Linie angezogen fühlt.

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DZHUS in der The Feuerle Collection:

Das Grundprinzip der Verwandlungsfähigkeit ihrer Outfits hat Dzhus (Label seit 2010) beibehalten, dabei sind die praktischen Herausforderungen des Transfers anscheinend etwas kleiner geworden und der Effekt scheint oft schlüssiger. Bei den unbunten Farben Schwarz/Anthrazit und Weiß/Beige ist sie geblieben, denn der skulpturale Effekt ist das Wesentliche und es ist stets erstaunlich, zu welchen Lösungen ihre Experimente gelangen. Natürlich sind die Spielereien um integrative Kopfbedeckungen als Teil dieses skulpturalen Denkens noch vertreten aber die Oberflächen der verwendeten Textilien haben nun deutlich mehr optische Attraktivität.

Neben dem plastischen Gestalten ist die Transformation des Einen in ein völlig Anderes entscheidender Teil der Inszenierung, dekonstruierend und konstruierend, das ist der konstruktive Ansatz, das Statement zu stets möglichen Veränderungen. Wie nahezu alle Designer der Fashionweek verfolgt auch Irina Dzhus eine entschieden nachhaltige Linie und bemüht sich um Auflösung sexueller Zuordnungszwänge.
Verweise auf die Notsituation in der Ukraine sind in der Kollektion nicht offenkundig verankert (abgesehen von dem Schwarzmarkt-Umhang mit Luxusuhren), in der Inszenierung ist sie aber schon angedeutet mit den zunächst im Raum wie Wachsfiguren abgestellten, zum Teil etwas zerzaust wirkenden Models und durch den aktiven Verwandlungseingriff vor Ort durch die Künstlerin.

In jedem Fall hat Dzhus mit ihrem Verwandlungskonzept eine eigene, kreative und zunehmend überzeugende Gestaltungslinie gefunden, die man als eine Bereicherung für die ökologische und die konzept- und gestaltsuchende Gegenwart im westlichen Aufbruch verstehen kann.

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LITKOVSKA im Kraftwerk:

Im Gegensatz zu Bobkova nutzt Litkovska die Freiheiten westlicher Gestaltungsverfahren vergleichsweise ausgiebig um ein eigenes Bild zu finden. (De)konstruktivistische Bearbeitungen mit voluminösen Schichtungen führen zu Kombinationen geschlossener Bekleidung mit offener Lässigkeit und bringen recht kraftvolle, manchmal wuchtige Erscheinungsbilder hervor. Geschichtet: quasi innen gepanzert und aussen dynamisch, halboffen, fast offensiv. Düsteres Schwarz dominiert die Farbpalette. Mit den großzügigen Volumina werden die Frauenkörper visuell aufgerüstet und es ist offenkundig, dass das Empowerment der modernen Frau hier anders definiert wird als mit sexueller Befreiung durch den blanken Körper. Im Gegenteil, der ist vom Hals bis zu den Zehenspitzen hermetisch geschützt. In der Frühjahrs- Sommerkollektion. Es gibt, zugegeben, auch Ausnahmen in allen Aspekten, das ist aber doch das Resultat der meisten Gestaltungsexperimente. Führt man diese Wahrnehmung spekulativ noch etwas weiter, ließe sich durchaus ein Statement vermuten, wie eine Vorstellung der kraftvollen ukrainischen Frau in diesen Zeiten zu denken ist. Die übrigen Beobachtungen können das bestätigen: Die Modelle wirken ungeschminkt und eher alltäglich und herb, ihre Frisuren sind leicht zerzaust und der schwarz-rote Background weckt eher düstere Gefühle als sommerliche Frische und Lebensspass. Und nicht zuletzt ist das Kraftwerk dafür der passendere Ort als der Garten im Kronprinzenpalais.

In jedem Fall aber hat sich Litkovska zunehmend selbstbewusst aus ihren recht konventionellen Anfängen (vgl. unseren Bericht von 2019) gelöst, wo sie noch, eher auf trendbewußte Weise, Gegenwartsideen kopierte und erprobte und der ukrainischen Klientel damit etwas modische Frische ins Land brachte. Auch wenn sie diverse Verfahrensaspekte wie offene Nähte, geschichtete Architekturen, eingreifende Formbeschnitte und widersprechende Gestalt und -Materialmixe noch immer etwas klischeehaft einbaut, steht das nicht mehr im Zentrum der Gestaltphilosophie, sondern die kraftvolle Selbstermächtigung im Auftritt dominiert die Anschauung und findet einen eigenen Platz in der optischen Auslegung für ein weibliches Selbstbild.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

DZHUS (Irina Dzhus) gehört zu den vier eingeladenen Designern beziehungsweise Designerinnen aus der Ukraine und wenn man diese Einladung über die solidarische Geste hinaus rezipert, stellt sich natürlich die Frage, ob die vorgestellte modische Leitidee die Besonderheit der Umstände auch reflektiert. Bei DZHUS ist das ganz offenkundig und sehr überzeugend der Fall.

Es handelt sich im Grunde um sehr raffinierte Funktionskleidung, weniger im Sinne von klimatischer Referenz als im Sinne der Nutzbarkeit und Vielgestaltigkeit. Letzteres führt die Schau in frappierender Weise vor: Das Modell läuft mit einer Kleidungsgestalt einmal den Laufsteg auf und ab, kurz vor Ende wartet die Designerin auf dem Laufsteg und beginnt dann, die Kleidung zu demontieren, umzustülpen, aufzubrechen in der Architektur und aus den Bestandteilen eine völlig neue Gestalt zu schaffen. Damit geht das Modell dann ein zweites Mal den Laufstegweg.

Der Soundtrack zur Schau suggeriert immer wieder Sirenenklänge, klagende Gesänge und chaotischen Krach, nicht simpel und klischeehaft, sondern als kompositorisches, elektronisch leicht modifiziertes, dissonantes Arrangement. Die Modelle tragen Verschmierungen in den Gesichtern, die mal durch Kapuzen oder Stoffmasken geschützt werden, mal frei und offen erscheinen. Ihre Kleidung „hängt“ mehr am Körper als dass sie sich auf ihn bezieht, abgesehen von den primären funktionalen Standards wie Ärmel, Kopfbedeckung etc. Zwei Basics begründen die Funktionalität: erstens viele, viele Taschen, manche Outfits bestehen quasi aus der Aneinanderreihung großer und kleiner Taschen, zweitens viele, viele Reißverschlüsse zur Demontage und Montage des Zusammenhanges beziehungsweise der Zusammenhänge. Und das ist sehr komplex konzipiert, so dass der Träger oder die Trägerin schon gut Bescheid wissen muss, welche Zusammenhänge möglich und intendiert sind und wie man sie kombinierend herstellt. Zum Teil kann die Trägerin das gar nicht selbst am Körper modifizieren, die Kenntnis der Designerin, die hier die Transformationen auf dem Laufsteg vorgenommen hat – und zwar so, dass es auch passt und funktioniert – ist zentrale Voraussetzung. Sogar die großen Taschenkombinationen lassen sich manchmal auflösen in Flächen, genauso aufbauschende Elemente und geschichtete Ebenen. Es ist bei genauerem Hin- und Zusehen der Transformation schon recht vertrackt und man sieht auch gelegentlich, dass Reißverschlüsse sich manchmal sperrig aufführen. Die Funktionalität der Taschen bleibt eher der Fantasie überlassen, bei einem Beispiel zog die Designerin aus einer Tasche ein aufs Minimale zusammengelegtes Unterkleid heraus, feuchtigkeitsabweisend und eine weitere Ergänzung.

Sowohl der Leitgedanke der komplexen Transformation eines einzigen Kleidungsstückes als auch die schwierige Umsetzung in so vielen Details sind pfiffig und durchaus – in gewissem Maße – praktikabel. Alles scheint optimal aus- und durchgedacht und erprobt. Das Erscheinungsbild, so sehr die Sachen auch angehängt wirken, funktioniert auch, angesichts der Tatsache, dass Kleidung sich schon längst in vielen Designströmungen vom Körper emanzipiert hat und gestaltend oft eigene Wege geht, ist das keine Überraschung im Erscheinungsbild mehr. (De)konstruktivismus ist bei DZHUS keine ästhetische Fragestellung oder ein Antistatement sondern die Öffnung zu neuem, konstruktivem Denken der Gestaltung, durchaus auch im ästhetischen Sinn.

Natürlich ist die ästhetische Komponente hier auch noch der Tradition verhaftet, man könnte sagen gottseidank, denn der rein transformatorische Gedanke trüge einen entsprechenden Anspruch nicht. Weiß und verschieden Beigetöne schaffen, zum Teil in Kombination mit Schwarz, farblich sehr ansprechende Anmutungen, ähnlich Grau und Schwarz. Die silbernen Reißverschlüsse bilden ordnende Linien oder große Liniengeflechte auf und unter der Oberfläche und die zum Teil abenteuerlichen Ausformungen und flächigen Konstrukte folgen ebenfalls einem deutlich anspruchsvollen Gestaltungswillen in der plastischen Gesamtarchitektur. Und letztere ist eben nicht nur von Outfit zu Outfit verschieden, sondern auch in den jeweiligen Transformationen.

Insofern ist das DZHUS-Design ein wirklich innovativer Fortschritt in Hinsicht auf den Stand zeitgenössischen Designs, wenn auch aus besonderen Umständen heraus geboren. Die Kombination aus Ästhetik, Funktionalität, Gestalt und Materialwahl wurde weitgehend aus einer neuen Perspektive gedacht und überzeugend konzipiert. Wenn man so will, ist das ein Impuls für das westliche Modedesign, der sich durchaus konstruktiv verwerten und ausbauen läßt.

Erwähnenswert ist noch, dass DZHUS – inzwischen international aktiv und erfolgreich, mehrfach ökologisch preisgekrönt – seit Kriegsbeginn 30% seines Gewinns an ukrainische Tierrechtsorganisationen und die Armee spendet.

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