Bilder: Andreas Hofrichter, Courtesy Helmut Newton Foundation

Text: Gerhard Paproth

Wie schon unsere letzten Ausstellungsberichte deutlich machten, ist es ein auffallender Trend, Mode in anderen Ausstellungskontexten zu präsentieren und der Berliner Salon betreibt das seit geraumer Zeit sehr entschieden so und durchaus erfolgreich.

Im Falle dieser Saison werden die Modeexponate in Ausstellungen des Fotografiemuseums eingefügt, mit dem besonderen Vorteil, dass diese Ausstellungen selbst auf Mode bezogen sind. Um zwei Sonderausstellungen geht es dabei, die Ausstellung „Polaroids“ zeigt konzeptuelle Skizzen von Helmut Newton. Die Ausstellung „Rico Puhlmann. Fashion Photography 50s–90s“ gibt einen Überblick über das Schaffen des Modefotografen und Illustrators.

Der Berliner Salon versammelt, unter der Kuratorenschaft von Christiane Arp und Marcus Kurz, jede Saison herausragende Modeschöpfer aus dem deutschsprachigen Raum, darunter viele interessante Newcomer. Das ist für jede Berliner Fashionweek eine wichtige Sammlungsschau mit Focus auf die vielfältigen und innovativen Gestaltungsansätze der Gegenwart. Diese Anschauung wird mit dem Museumskonzept jetzt aber mindestens relativiert, denn abgesehen von der Auswahl der betreffenden Designer verschiebt sich, mit der Einbindung in einen anderen, eigenständigen Ausstellungsgedanken, die Wahrnehmung vom konzentriert innovativen, reinen Modeaspekt auf die ästhetischen Kriterien, die vom vorgegebenen Ausstellungskontext (der auf Fotografie und auf Mode Ende des letzten Jahrhunders bezogen ist) ausgehen. Die offiziellen Begriffe Zusammenschau oder Dialog verschleiern dies leider. Das Museum schreibt dazu: „Design und Fotografie kreisen gleichermaßen um Aspekte wie Repräsentation, Selbstdarstellung, Körperbilder und gesellschaftliche Repräsentation. Damit verdeutlicht die Gruppenausstellung des Berliner Salons im Museum für Fotografie die engen Verbindungen zwischen den künstlerischen Medien Fotografie und Mode.“ Die Konzentration auf Modegestaltung im Jetzt und Heute wird verwässert.

Jenseits dieser Gedanken ist die Schau des Berliner Salons aber wie immer großartig und kenntnisreich zusammen gestellt und hat auch wieder einen atmosphärisch würdigen Ort gefunden. Die große Mischung der gestalterischen Leitgedanken ist faszinierend, von exzentrischen Statements über grob-schlichte Prägungen, folklorenahem Strick und manchmal auch gutem, eleganten Geschmack ist alles vertreten. Die vorgesehenen Korrespondenzen zu den Bildern an der Wand sind eher assoziativ und gefällig gemeint. Eventuelle Entscheidungen, was vielleicht früher besser war, drängen sich zwar manchmal auf, auch Überlegungen, wohin es nun geschmacklich wirklich geht, aber das bleibt dem Betrachter überlassen. Mit dem Aufzeigen des großen Spektrums haben die Kuratoren vermutlich faire und angemessene Vorarbeit geleistet.

Die Ausstellung wird unterstützt von Museum&Location.

Eine Sonderausstellung des Berliner Salons in Zusammenarbeit mit der Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin und der Helmut Newton Foundation.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue Salon (in Partnerschaft mit Swarowski) in Veranstaltungseinheit war auch diese Saison ein Highlight der Fashionweek, dank der weiterhin engagierten Ausführung dieses Konzeptteils zur Förderung junger, deutscher Designtalente. Auf zwei Etagen des Gebäudes und Erweiterung auf die Terrasse bekommen vielversprechende Designer (Mode, Accessoires, Schmuck, Wandgestaltung) Gelegenheit, ihre Arbeit in elegantem Ambiente und viel Publikum vorzustellen. Und sie sind persönlich präsent. Das ist für alle Beteiligten ein erfolgreiches Veranstaltungskonzept – eigentlich gedacht für Branchenzugehörige (Händler etc.) ist die Ausstellung dennoch auch ein Leckerbissen für interessiertes, breiteres Publikum. Wir dokumentieren bzw. berichten darum gerne darüber, denn die Präsentationen zusammen genommen ergeben ein recht umfassendes Bild vom State of the Art.

Von der Zeitmagazin & Vogue Konferenz im Kronprinzenpalais können wir dieses Mal leider nicht berichten. Das PR-Büro dieser ambitionierten und gesellschaftskritischen Veranstaltung verlangte von uns und Journalistenkollegen dieses Mal die Entrichtung einer beachtlichen Anwesenheitsgebühr, warum wissen die Götter. Dabei kennen wir die Veranstaltung aus den vorangegangenen Saisons durchaus als selbstkritisch und thematisch spannend, gesellschaftsbezogen und eben als ein Format, das sich Öffentlichkeitswirksamkeit auf die Fahnen geschrieben hat.

Während die Schauenvielfalt der Berliner Fashionweek insgesamt etwas heruntergefahren wurde und auch der Berliner Salon nur noch drei Schauen betreute, blieb die Gruppenausstellung umfangreich. Sie wurde nun sogar durch eine kleine Fotoausstellung ergänzt. Allerdings: auch wenn andere Veranstalter das anderswo sinnvoll zusammenführen, war diese Einfügung einer kleinen Bildabteilung in großem Raum hier doch etwas befremdlich. Inhaltlich ging uns das schon mit den Wanddekos oder den Objekten des Meissener Porzellan so, immerhin war deren Kombination mit den Odeeh-Exponaten geschmacklich geschickt arrangiert. Sie bringt nicht viel, diese integrierte Fotoausstellung  eines Fotowettbewerbes von Vogue und Huawei, wie wir finden, zu klein und zu wenig schlüssig im Zusammenhang.

Nicht wenige Designer haben wir hier schon näher vorgestellt, die vormals Schauen ausgerichtet hatten, dies aber nicht mehr tun. Darum war es gut, zu sehen, wie sie ihre Arbeit weiter entwickeln, so z.B. Julia Seemann, Lou de Bertoly (Ex Augustin Teboul), Allude, Dorothee Schumacher, Hien Le. Andere Designer sahen wir nur in diesen Ausstellungen im Fashionweek-Kontext, sie waren im Berliner Salon oft präsent wie Horror Vacui, Belize, Iris von Arnim, Rianna und Nina und viele mehr, sie alle sind ebenfalls mit ihrer Arbeit anspruchsvoll und sehenswert geblieben. Und bei denen, die parallel auch diesmal Défilés ausgerichtet haben, z.B. I’VR Isabel Vollrath, war es noch einmal spannend, dieselben Stücke vom Laufsteg nun von Nahem betrachten zu können.
Neue Designer sind auch hinzu gekommen, Insidern schon oft bekannt, weil sie international mehr Aufmerksamkeit bekamen als hierzulande, ausgestellt oder publiziert wurden; in diesem Zusammenhang haben sie jetzt auch eine verdiente Präsenz im Berliner Präsentationskontext. Auch da reicht die Palette der verschiedenen Ansätze von künstlerisch-experimentell wie bei Nhu Duong bis zu Fair-Trade-Konzepten wie bei 8 Eden Avenue oder eher konventionellen Streetwear Basics wie bei MCM.

Insofern ist letztlich das große Spektrum der Gruppenausstellung der eigentliche Reiz für den Besucher, umso mehr, als die Laufsteg-Schauen ja weniger wurden. Wir stellen die meisten Designpräsentationen nachfolgend vor:

Sminfinity:

Dawid Tomaszewski:

Und Gretel:

Ayede:

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Horror Vacui:

Lara Krude:

Lou de Bertoly:

MCM Worldwide:

Nhu Duong:

Odeeh und Meissener Porzellan:

Phylyda:

Roeckl:

Lala Berlin:

Marina Hoermanseder:

Mykita:

Peter O. Mahler:

Philomena:

Rianna und Nina:

Steinrohner:

Stiebich & Rieth:

Talbot Runhof:

Treuleben:

Unützer:

Werkstätte Carl Auböck:

William Fan:

Working Title:

8 Eden Avenue:

Antonia Zander:

Aoiro:

Belize:

Brachmann:

Gabriele Frant:

I’VR Isabel Vollrath:

Iris von Arnim:

Julia Seemann:

Kathrin Eckhardt:

Strenesse:

König Souvenir:

Dorothee Schumacher:

Allude:

in der Fotoausstellung:

Jan Kath:

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Bilder: Andreas Hofrichter und Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon hat es sich bekanntlich auf die Fahnen geschrieben, junge Designer mit förderungswürdigen Qualitäten dem Publikum vorzustellen und zeitgenössische Mode ganz allgemein ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken. Er will dabei neben den klassischen Print- und Onlinemedien die authentische Präsentation und den erlebbaren Dialog nutzen. Dank der ambitionierten Vorbereitung des Hauptorganisators „Vogue Deutschland“ gelingt dies auf drei Säulen der Gesamtveranstaltung: Défilés, Gruppenausstellung und Live-Konferenzen. Neben der Mercedes-Benz-Fashionweek, die sich als Hauptaktivist der von ihr ins Leben gerufene Berliner Fashionweek verstand, hat sich der Berliner Salon inzwischen so stark und kompetent etabliert, dass sich mittlerweile die Gewichte zu seinem Gunsten verschoben haben. Nicht zuletzt, weil die Leitideen der Ausrichtung auch verschieden waren/sind und der Berliner Salon das bessere Fingerspitzengefühl fürs Allgemeine und für die Details mitbringt.

Gruppenausstellung

Auch wenn die Schauen des Berliner Salons zumeist ein wunderbares Event darstellen, besonders, weil die Locations stets erlesen sind (und sei es auch nur auf der Terrasse des Kronprinzenpalais), ist in meinen Augen die Gruppenausstellung das Highlight der Präsentationen. Nicht zuletzt deswegen, weil die Auswahl der beteiligten Designer ein größeres Spektrum abdeckt und dabei auch unbekanntere Labels die Chance erhalten, ihre Arbeit zu zeigen (unsere Bilder sind lediglich eine Auswahl). Besonders aber auch, weil man die präsentierten Kollektionsteile beliebig lange und näher betrachten kann. Man kann die anwesenden Designer ansprechen und viele weitere Kontakte knüpfen, die sich im üblichen Betrieb nicht so leicht erschließen.

Die Hoffnung, einen allgemeinen Trend auszumachen (was mir aber nie gelingt) ist für den modeaffinen Sucher in diesem recht weit gespannten Panoptikum wohl am ehesten einzulösen, das auch diese Saison sehr ambitioniert und geschmackvoll ausgewählt und -gestaltet ist. Dieses Kompliment an die Verantwortlichen kann man eigentlich immer nur wiederholen.

Allude:

Antonia Zander Cashmere:

Antonia Goy:

Boss Women’s Wear:

Brachmann:

Dorothee Schumacher:

Gabriele Frantzen:

Hien Le:

Iris von Arnim:

Lala Berlin:

 Lou de Bètoly:

Maiami:

Perret Schaad:

Rianna And Nina:

Roeckl:

Sminfinity:

Strenesse:

Vladimir Karaleev:

Michael Sontag:

Antolina:

William Fan:

Die Zeitmagazin-Konferenz

Wie stets gut vorbereitet und mit einem abwechslungsreichen Programm verlief die ambitionierte ZEITmagazin-Konferenz Mode & Stil, dieses Jahr zum Thema Mode und Politik und zu Mode und Kunst /Kultur). Im 20-Minutenwechsel folgten verschiedene Podiumsgespräche hauptsächlich mit Designern aufeinander und beleuchteten unterschiedlicher Perspektiven und Aspekte. Angenehm sind die Zwiegespräche (neudeutsch one-on-one), weil sich die persönlichen Perspektiven dabei besonders gut entfalten können. Besonders erhellend aus unserer Sicht war das Gespräch von Christiane Arp mit der Professorin Dr. Christiane Funken, die analytisch sehr klar und komplex die Gesamtproblematik ausführte, gedanklich, sprachlich und mit guten Beispielen stets überzeugend. Berührend persönlich bzw. unterhaltsam war’s mit Angela Missoni und mit Stella McCartney, im Gespräch waren u.a. auch Jason Wu, Alex Eagle, Rabih Kayrouz, Jeanne De Kroon und Marcel Ostertag.

Diese Konferenz ist ein wichtiger Programmteil des Berliner Salons, weil er begleitend zum großen Modebad der Fashionweek auch Reflexion und soziologische Positionierung bzw. Verantwortung reflektiert. Er rundet ab und erhebt das Anliegen Modewoche zu gesellschaftlicher Relevanz. Insofern ist das Zeit-Magazin dafür ein guter Partner, und die Vogue setzt sich auch in ein umfassenderes Licht.

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Text: Susanne Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Gehärtetes Lackleder, Gürtel, Schnallen und Blümchen als Dekor. Das kennt man von Marina Hoermanseder, der Designerin, die seit Jahren die Highlightstellung der Fashion Week Berlin im Berliner Modesalon für sich beanspruchen darf. Immer wieder erfindet sich die Österreicherin neu, überrascht mit neuen Ideen und Interpretationen ihrer verspielten Visionen, die sie in die Mode übersetzt. Es wird einfach nicht langweilig. Hoermanseder spielt nach wie vor mit puppenhaften Attributen, ließ in den letzten Kollektionen wenig Bewegungsfreiheit für die Trägerinnen ihrer Korsetts und gehärteten Lederröcke. Doch schaffte sie auch, das scheinbar Untragbare ins Gegenteil zu verwandeln, ohne sich von ihrer Zeichensprache verabschieden zu müssen. Ihre Kollektionen trugen immer einen Hauch von Eleganz und nie gesehener Extravaganz mit ihrer ganz besonderen Handschrift.

Marina Hoermanseder erkundet neue Ufer

Nachdem M. Hoermanseder Ende Juni eine typische Hoermanseder Trachtenkollektion für das Traditionshaus Angermaier vorgestellt hat, nähert sie sich in der Kolletion SS 2018 dem urbanen Leben. Denim, feines Lackleder, Sweatshirtstoffe und feine Baumwolle reihen sich neben die ansonsten feine Materialwahl aus Seiden, Crêpes des Chine, Chiffon und hochwertigem leichten Lackleder und Leder. Wie vielfältig Marina Hoermanseder denkt und entwirft, kennt man bereits von ihr. Sie ist die perfekte Handwerkerin, die vor nichts Angst zu haben scheint. Mit Volants und Glockenröcken, Jumpsuits und Blusenkleidern in Lackleder, fließenden Stoffen und eigenem Stoffdesign setzt sie ihre Visionen um. Hier ist jedes Detail bedacht und entspringt dieser kindlichen Phantasie, die sie gekonnt in eine Erwachsenenwelt transportiert. Sogar Sweatshirtstoffe finden Einzug in die sonst so spezielle Materialwahl der Österreicherin. Damit wird die Kollektion urban und Marina erweitert ihr Repertoire auch für den lässigeren Geschmack.

Der Gürtel ist noch nicht ausgereizt

Mit XXL-Gürtelschnallen bis zum reinen Dekorelement in Miniformat scheint Marina Hoermanseder das Thema Gürtel noch nicht vollends ausgereizt zu haben. Pastellfarbene Lederröcke aus um die Hüfte gewundenen Breitbandgürteln, die in einer diagonal angeordneten Riesenschnalle enden, hat die ehemalige Esmodschülerin außergewöhnliche Kollektionsstücke kreiert.
Dabei fehlt selten das Blumenmeer, das immer wieder als Stickerei oder Applikation auf Tops, Handbeuteln, Handtaschen, Stiefeln, Gürtelbändern oder Haardekor auftaucht. Das macht die Kollektion leicht, unbeschwert und jung. Und wenn dies ein Défilé gewesen ist, dann sind wir gespannt, welche Bilder in der kommenden Saison an uns vorüberziehen.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Seit 2016 ist das Label Antonia Goy auf dem Berliner Modesalon vertreten und diese Kollektion für Frühjahr/Sommer 2018 ist die zweite, die es während der Berliner Fashionweek vorstellt. Dabei ist das Modeschöpfer-Duo Antonia Goy und Björn Kubeja schon relativ lange im Geschäft und seit zwei Jahren auch gezielt international ausgerichtet. Gute, oft lockere Passform auch für Nicht-Modellmaße und ein deutlicher Touch von Eleganz im Alltag kennzeichnen die Entwürfe, die aber gerade nicht zwingend schlicht daherkommen, sondern sehr lebendig und pfiffig konstruiert sind.

Streifen sind ein wesentliches Element der Gestaltung in dieser Kollektion, sowohl farblich als auch in den Schnitten und Arrangements. Schmal und kontraststark die Streifenlinien in Grundfarben oder Schwarz gegen Weiß, mit Hauptrichtungen (meist vertikal) und brechenden, dynamisierenden Schrägen – das Spiel setzt sich auch mit Karos fort. Die Stoffflächen werden häufig lang aufgeschlitzt oder mit -streifen unterbrochen. All das aber nicht in strenger, in sich ruhender Geometrie sondern stets locker und mit Freude am Spiel mit den Richtungen. Andere Prints finden sich auch, hauptsächlich ebenfalls zweifarbig und stets abstrakt und ungewöhnlich. Gleichermaßen werden die geradlinigen Gesamtformen aufgebrochen, mit Kurz-und-Lang-Kombinationen, Einschnitten oder offenen Stellen im Gefüge, ohne dass die Eleganz dem Formenspiel weichen muss: Es ist vielmehr umgekehrt – die Richtungen und Formen machen die bewegte Eleganz aus.

Gelegentlich erinnert das Vergnügen mit geometrischen Balancen und Verschränkungen auch an japanische Formensprache oder an Art-Deco der 20er Jahre, aber nur manchmal sind Verweise deutlich. Alles in allem entsteht ein geradezu architektonisches Spiel der Muster, Formen, Richtungen und Stoffe am Körper, nicht bemüht wirkend oder auftragend, sondern lässig im Ensemble, lebendig und stets klar.

Mit dem Berliner Modesalon korrespondiert diese geschmackssichere, vitale Ästhetik ganz ausgezeichnet.

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Berlin FWSS2018

Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Wir sahen die Arbeit der Schweizerin Vanessa Schindler bereits Ende April auf dem Mode-Festival in Hyères, wo sie schon zwei begehrte Preise gewann, den Première Vision Grand Prix und den Prix Publique der Stadt Hyères. Der Erstere sichert ihr neben 15.000 Euro Preisgeld die Zusammenarbeit mit einem Projekt von Chanels Métiers d’Art division zu, verbunden mit 10.000 Euro Erfolgsgarantie plus Einnahmen über die Rechte. Das ist schon großes Vertrauen in ihr Können und eine deutliche Adelung. Es ist auch ein Zeichen, wo man Zukunftstrends vermutet.

Um Gefrorenes Flüssiges geht es ihr nach eigener Auskunft bei den Ornamenten, Formen und Funktionalitäten. Das greift als Formel vielleicht etwas kurz, auch wenn sich in dieser Aussage schon der experimentelle Ansatz erahnen läßt. Ihre Entdeckung von Polyester-Urethan-Kautschuk als Kunststoff für Stoffbeschichtung animierte die Künstlerin zu recht ungewöhnlichen und aufwändigen Materialexperimenten, die in zwei Jahren schon zwei Kollektionen hervorbrachten.

Schindler fühlt sich inspiriert von flüssigen Designlinien, Industriedesign überhaupt, Architektur und auch dem Touch mystischer Erscheinungsformen. Moderne Technologie, Gestaltung und Sinnlichkeit, die sie in ihrer Mode zusammenführen will, beflügeln sie. Im Ergebnis sieht man Wirkungen, mit denen man Science-Fiction oder Unterwasserwelten assoziiert, sowohl infolge der exzentrischen Materialien als auch ungewöhnlicher Formgebung. Die menschliche Gestalt wird aufgelöst oder modifiziert mit neuen Dimensionierungen, angehefteten Zusätzen und eigenen, dominierenden Schwüngen in Linien und Formen.

Insofern, als Vanessa Schindler alle ihre lustvoll betriebenen Experimente auch mit funktionalen Ansprüchen verbindet, werden die entstandenen Teile weitgehend tragbar und sind sogar sexy und zugleich elegant. Darüber hinaus entsteht so auf vielschichtige Weise vielleicht auch ein Ansatz eines neuen Frauen-Bildes, auch wenn das gar nicht primär intendiert sein sollte.

In der Stimmigkeit des Ausdrucks dieser komplexen Anspruchsverbindung wird deutlich, worin das Zukunftspotential der Mode von Vanessa Schindler zu sehen ist und warum sie die große Aufmerksamkeit derjenigen erzielt hat, die kluge und überzeugende Innovation in der Bekleidung bei den Jungen suchen.

https://www.instagram.com/p/BYJRXwZFdIJ/?taken-by=modacycle.de

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Brachmann-Kollektionen sind stets geprägt von  einer Positionierung zwischen dem klassischen Modell männlicher Kleidung einerseits und streng kalkulierter Ästhetik der Moderne andererseits, wobei der Verzicht auf sportliche Pseudodynamik eine wirklich angenehme Haltung ist. Die Designerin schätzt die leicht distanzierte Eleganz des Anzugs, die sie modifiziert.  Die Betonung des Abschlusses oben – oft der geschlossene Kragen – akzentuiert die Vorstellung von Kleidung als einschließender Hülle, die ihrem Träger einen sicheren Auftritt verschafft. Strenge, Klarheit und Nüchternheit strahlen die Sachen aus, lieber wird das Detail genau kalkulierend geformt als dass verspielte oder zeitgeistige Extras beigegeben werden.

Dieser Standpunkt wird jetzt auch einer Frauenlinie zugrunde gelegt und das macht durchaus Sinn, auch wenn die Ergebnisse gelegentlich an uniforme Arbeitskleidung denken lassen (Krankenschwester, z. B.) und den Bezug zum Maskulinen mittransportieren. Doch im Zeitalter der geschlechtlichen Justierungen ist solch ein Entwurf für Damenmode eine wirklich interessante Positionierung, bei der Brachmann die feminine Gestalt durchaus nicht ignoriert. Der anfangs gezeigte Trenchcoat demonstriert die konzeptuelle Synthese aus unserer Sicht besonders überzeugend und ausgewogen.

Ein paar Eigenwilligkeiten leistet sich die Designerin aber immer, sie hebt damit ihre Gestaltung aus dem Vertrauten heraus und rückt sie ins Besondere.

Sogar zeitgeistige Phänomene finden Niederschlag: Die kurze Hose zum Jackett assoziiert aus klassischer Sicht den durchsetzungswilligen Halbwüchsigen, der auch den geschlossenen Halsabschluss verschmäht. Ein Angebot für den jungen Hipster, der auch im förmlichen Business seine eigentliche Haltung dokumentieren will.

Dennoch: Das Hemdsärmelige, das wir sehen, bleibt streng bzw. förmlich (auch im eigentlichen Wortsinn); und was kann das besser demonstrieren als die klassische Herrenweste ohne Jackett, die genau in dem Zwischenraum zwischen klassisch und unkonventionell auftaucht, in dem mehr oder weniger die ganze männliche Modelinie von Brachmann angesiedelt ist. Und für die Frauenlinie zeichnet sich das auch so ab.

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