Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

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Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie stets ist das Programm des Berliner Salons gut ausgesucht und bildet letztlich sehr viel besser ab, was gehobenes Design deutscher Modemacher hervorbringen, als das sonstige Fashionweek-Programm. Der Ort ist allerdings suboptimal dafür, die raue Schale des Kraftwerks kann mit dem schönen Kronprinzenpalais nicht konkurrieren.

Und letztlich sollte man auch nicht vergessen, dass die Auswahl zwar kompetent ist, aber eigentlich auch noch genug Subjektivität enthält, die dann auch die Frage aufbringt, wo eigentlich die allgemeine Leitlinie der Berliner Fashionweek auszumachen ist. Eine solche hat sich auch nach über zehn Jahren immer noch nicht etabliert und dieses Jahr tritt das noch auffäliger zu Tage als sonst, wo immerhin ein großes Programm einen in Atem halten konnte. Das war sehr spärlich dieses Jahr und wohl auch hauptsächlich nur ein paar Designern zu verdanken, die durchhalten wollten. Es gelingt der kreativen Stadt Berlin nicht, eine charakteristische Modeveranstaltung auf die Beine zu stellen, einen kompetenten Kopf fürs Programmatische zu finden, eine gute und zuverlässige PR-Organisation einzurichten und vor allem das zu finden und herauszustellen, was ein Alleinstellungsmerkmal für Berliner Modekultur ist und sein kann. Erst dann würde die Fashionweek aus Berlin international von Bedeutung. Und das wäre eigentlich nicht schwer, denn internationale Neugier und Interesse sind ja durchaus vorhanden.
Und es kämen auch die Designer nach Berlin zurück, die anderswo hin gegangen sind, um zu zeigen.

Um auf den Berliner Salon zurück zu kommen, hier sieht man doch ein großes Spektrum, auch wenn die Auswahl nicht etwas charakteristisch Berlinerisches im Focus hat. Wir zeigen hier alle, die vertreten waren und man merkt bei der Durchsicht schnell: Da ist doch eigentlich mehr, warum ist dieunddie nicht da und warum kommt derundder nicht in Betracht? Und das, obwohl der Berliner Salon im Untergang der Berliner Fashionweek die letzte Bastion zu sein scheint. Und er als gutes Format für Förderung gedacht ist.

Eigentlich braucht Berlin die Fashionweek nicht wie sie daher kommt, Berlin ist nicht eigentlich eine Modestadt und das Interesse der Berliner Bevölkerung kleiner als beschränkt. Die Fashionweek wurde der Stadt übergestülpt, ohne das zu erkennen und anfangs machte sie sich sogar mit den Platzierungen im Zentrum und unverfrorenen Straßensperrungen sofort unbeliebt. Aber Berlin ist kulturell breit aufgestellt und verfügt über ein einzigartiges Potential an Subkultur, und wenn man das als Ganzes sieht, ist eben Modegestaltung durchaus auch ein Teil davon, der etwas zu bieten hat und eine geeignete Präsentation verdient. Messen und High-Class Catwalks sind jedenfalls nicht die passende Antwort. So bleibt künftig abzuwarten, ob die Szene noch ein eigenes Format findet, das kompetente Unterstützung durch kenntnisreiche Macher und städtische Finanzierung bekommt.

Paris, Mailand, London, New York, Seoul etc.: Da ließen sich die städtischen Kulturdezernate ihre gut ausgebauten Modewochen nicht nehmen. Das sind wichtige Stützen des kulturellen Überbaus und es wird Zeit, dass Berlin da einen sachgerechten Beitrag auf die Beine stellt. Öko und Gender wird nicht reichen. Das kommt von selbst. Die vielen Ankündigungen und Podiumsdiskussionen zu Öko-Fashion und nachhaltiger Modeproduktion sind keine solide Basis für ein ungewöhnliches und sehenswertes Programm. Das ist Begleitprogramm. Wer zur Mode geht, will in erster Linie gucken und staunen. Bei aller Ehrenhaftigkeit der ideologischen Haltung reicht das nicht und es darf nicht übersehen werden, dass Berliner Modemacher mehr drauf haben als das. Ganz sicher.

Im Vorfeld war diese Ausgabe der Berliner Fashionweek schlecht organisiert, Infos sickerten nur langsam durch, Anfragen wurden oft nicht oder unzureichend beantwortet. Alles auf die letzte Minute. Darüber beklagten wir uns schon. Und das, obwohl das Programm schon klein und überschaubar ausfiel – alles ist geschrumpft. Im Ablauf funktionierte alles gut, besonders das Personal war erstmals sehr freundlich und hilfsbereit. Aber diese kleine und angenehme Verbesserung wird nicht reichen um künftig im größeren Kontext eine repräsentative Rolle zu spielen.

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DER BERLINER SALON

Working Title:

William Fan:

Werkstatt München:

Stiebich & Rieth:

Vickermann & Stoya. Horizn:

Société Angelique:

Sminfinity:

René Storck:

Rianna & Nina:

Esther Perbandt:

PB 0110:

OFTT:

LML Studio:

Lutz Morris:

Odeeh:

Konrad:

Lara Krude:

Lala Berlin:

Vladimir Karaleev:

Karen Jessen:

Hannibal:

Julia Leifert:

Dawid Tomaszewski:

Diehm & Bespoke:

Antonia Zander:

Ayede:

Bergauer Handschuhe:

Alexander von Bronewski:

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Text und Bilder: Boris Marberg

Wider alle Hemmnisse geht Rebekka Ruétz mit ihrer erneut vom Zillertal inspirierten Frühjahrs- und Sommerkollektion mit einer optimistischen Grundhaltung in das Jahr 2022. Konzeptionell bleibt sich die Österreicherin treu und setzt konsequent auf eine nachhaltige Produktion und Entwicklung, die getragen ist von einem Grundoptimismus, dass es nicht schon zu spät ist und Wandel nicht nur notwendig, sondern auch möglich ist. Diese positive Lebenseinstellung zeigt sich im Ansatz, Neues zu schaffen und auf Altem aufbauen. Die vorgestellte Kollektion verzichtet – abgesehen vom Slogan „life is beautiful“- auf Textdrucke, Schlagworte und politische Statements, mit welchen Rebekka Ruétz in der Vergangenheit immer wieder auch ihre Sichtweise direkt in der Kollektion mitgeteilt hat.

Die Kollektion vermittelt greifbar das Streben nach Freude und Sinnhaftigkeit bei unvoreingenommenen Begegnungen mit anderen und ist durch die naturgewaltigen Erfahrungswelten des alpinen Landschaftsraumes geprägt. Licht und Schattierungen des Waldes, der Steine und des Himmels vermengen sich zu einer warmen und leichten Farbpalette. Bei den Textildrucken zeigt sich dies in Assoziation zu Birkenrinde, Wolkenspielen am strahlenden Himmel, erleuchteten Steinmaserungen und kaleidoskopischen Musterungen, die an die Visualität von sommerlichen Insekten erinnern. Auch in den nun vorgestellten Kreationen finden sich wieder großflächige Farbanordnungen, mit denen gekonnt gespielt wird. Dabei bleiben die Konstruktionen weich, fließend und bei angenehmen Volumen locker und frei zu tragen. Viele A- und X-Silhouetten vermitteln gelebte Präsenz im eingenommen Raum ohne erdrückende Ausstrahlung aufkommen zu lassen. Dies macht es möglich, sich in kraftvoller Präsenz zu zeigen und dabei eben auch gelebte Freude zum Ausdruck bringen zu können.

Für einen angenehmen Tragekomfort setzt die Kollektion bei den Materialien auf Baumwolle, Mesh und Viskose. Dabei werden die Stoffe oft gerafft, spielerisch gefaltet und intelligent geschichtet. Dies unterstreicht die Freiheit in der Bewegung und in der Präsenz.

Damit ist es Rebekka Ruétz wieder gelungen eine sehr ansprechende und wohltuend freundliche Kollektion auf dem Berliner Laufsteg zu bringen, die Vorfreude auf das kommende Jahr ebenso vermittelt, wie auch die Gewissheit, dass Mode auch auf andere Art möglich ist.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Dschungel ist ein Ort unserer Sehnsucht und zu Orten der Sehnsucht hat Isabel Vollrath auch gerne ein inspirerendes Verhältnis. So wie sie mit ihrer Venedig-Kollektion 2019 schon einen klassischen Sehnsuchtsort zum Bekleidungsthema gemacht hat, so tut sie es mit ihrer aktuellen  Kollektion Tiger & Venus ebenso. „Verlorenes Paradies“ nennt sie diesen Ort Dschungel, der damit eher fiktiv ist als real, eine Utopie, wie sie selbst schreibt, und die ist natürlich romantisch.

Sie kam auf dieses Thema, solche Geschichten sind ja immer reizvoll, durch einen zugelaufenen Kater („Diego“) im Winter, der ihr ständiger Gast im Atelier wurde und mit dem sie eine leicht exotische Freundschaft entwickelte und andererseits inspiriert durch Tiermotive ihrer Freundin und häufigen Arbeitspartnerin Almut Warttinger, Textildesignerin, mit der sie den thematischen Plan entwickelte: „Ich wollte ein Universum schaffen – für Diego, die Tierwelt, die Natur, die Freundschaft – die Liebe. Ich griff zum Hörer und die Reise begann. Mit zarten Pinselstrichen und digitalem „Fine-Tuning“ entwickelte Almut meinen exklusiven, erträumt- utopischen Tropenwald, den ich anschließend in komplexen Druckrapporten auf ausschließlich nachhaltige Materialien drucken ließ… Im Rausch der Farben und Tiermotive versank ich monatelang in eine andere Welt, schuf einen Look nach dem anderen und ließ den Dschungel weiter, weiter, immer weiter wachsen. …“

Isabel Vollrath liebt das Spiel mit Volumenexperimenten und damit ist eine  Liaison zwischen Gestaltung auf der Fläche und in der plastischen Form ein kongeniales Unterfangen, wenn die beiden Arbeitspartner dieselbe Leitidee verfolgen, zumindestens im Modedesign. Das experimentelle Spiel verfolgt sie auch bei dieser Kollektion, wir sehen „verspielte Ärmelpartien, raffinierte Fältelungen, bodenlange Couture, aber auch Mäntel, kurze Jacken und Hosen für’s Büro“, viel Grün natürlich mit ergänzenden und kontrastierenden Farben (Schwarz, Rot), Tiermotive, Blattwerk und gegengesetzten einfarbigen Teilen. Und immer wieder Schleifen und Bänder in verschiedenen Varianten, fast ein Markenzeichen, verblieben aus romantischen Perioden, mit denen man stets noch zusätzliche Akzente setzen kann. Auch jeweils als Signum über dem Fußknöchel.

Im zweiten Abschnitt der Schau kommen dann noch zwei schwarzweiße Versionen der grafischen Gestaltung hinzu, sehr dicht und ebenfalls üppig, die ist vielleicht der Entstehungszeit im Winter geschuldet und trotzdem eine schöne Variante.

So weit, so prächtig.

In der Rückschau hat Isabel Vollrath nun ihre Fähigkeiten der skulpturalen Schnitte und kurvigen Silhouetten zu souveräner Anwendung geführt und sich trotzdem eine spielerische Facette erhalten, die stets noch pfiffige Variationen hinzufügt. In der Verarbeitung ist sie stets ziemlich perfektionistisch, schon die Rapportsetzung der komplexen Prints ist eine ziemliche Herausforderung, die hier perfekt ausgeführt ist.
Als Designerin auf den Berliner Fashionweeks hat sie sich damit  nicht nur selbst gut etabliert, sondern sie stützt auch das Catwalkprogramm wirksam, dass es in dieser Saison der vielen Ausfälle schon wie ein Rettungsanker erscheint. Ein wirklich schöner, immerhin.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Gerhard Paproth, Boris Marberg

Wenn ein Label beziehungsweise ein Modedesigner in der Fashionweek zu einem Date in ein Restaurant einlädt, ist das schon fast ein neues Format. Handverlesene Gäste, kaum Presse und ein eher intimes Ambiente rücken eine solche Veranstaltung im Vergleich zu einer großen Modenschau schon fast in einen intimen Charakter, wo der Modedesigner und seine Arbeiten scheinbar dicht am Publikum (sprich Kunden) dran sind.

Die Wahl der Location folgt hier anderen Massgaben, Niveau und Ambiente spielen eine große Rolle und in der Folge auch die angebotenen Speisen und Getränke, die Bedienung, das Licht und letzten Endes sogar der Stadtteil. Das muss imagegerecht geplant sein und so haben wir das auch wahrgenommen.

Die erste Veranstaltung dieser Art zur Berliner Fashionweek SS2021 war schon am vorausgehenden Sonntag, ein Brunch mit #Damur in Kreuzberg. Ein großer, eher etwas nüchterner Saal mit Bühne vor den großen Fenstern, langen Tischreihen, einer Bar und einem Büffet sowie einem Ausgang zum bestuhlten Garten. Eher unauffällig in einer Ecke platziert zwei Kleiderstangen locker gefüllt mit ein paar verschiedenen Outfits der jüngeren Produktion und einem riesigen Eyecatcherkleid aus Patchwork daneben. Alles eher schlicht, nicht unbedingt fotogen das Ganze, aber thematisch nüchtern, denn es geht nicht um Stil sondern um Upcycling. Wie bei Damur üblich, werden die aktuellen Schlagworte der jungen Generation optisch konsequent in eine Modeidee übertragen und variiert, wobei man dann um diese Schlagworte, also hier UPCYCLING, noch geistige Konstrukte bauen kann und darüber reden. Diese Gespräche und Ansprachen wurden dann auch von der Bühne ins Publikum lanciert, kommentiert und ausgeweitet. Zwischendurch wurde auch mal ein Outfit von einem Modell gezeigt, für die Kameras.

Ein typisches Damur-Konzept, ein symbolischer Begriff wird so direkt wie möglich visuell auf Kleidung übertragen und verbal gefüllt und ausgeschmückt. Ästhetische Konzepte haben laut Shih-Shun Huang ohnehin abgedankt und werden heutzutage durch aktuell ideelle ersetzt, was auch direkt auf die Mode zu übertragen sei. Wenn aktuelle Begriffe Mode werden, also zur sprachlichen Formel (Prinzip „Propaganda“), kann man sie auch zur Formel in der Modegestaltung transferieren und das hat dann auch zwingend Erfolg. Das nur scheinbar einfache Verfahren gelingt Huang Damur immer sehr schlüssig. Und in dem Sinne war die Veranstaltung auch ein gelungener Treffer.

Ganz anders positionierte sich die Lana Mueller – Veranstaltung. In einem hochkarätigen Restaurant: ambitioniertes Innendesign, mit runden Tischen, exquisiter Ausstattung, stilbewußtem Personal und eher intimer Beleuchtung. Gutes Essen, hochwertige Getränke (und ein guter Weinhändler als Sponsor) sowie erlesene Gäste, denen man auch das Bewußtsein zu exquisiter Mode ansah. Dazu eine professionelle Animatrice, der immer Text einfiel und die durch den zeitlich etwas gedehnten und damit entspannten Abend führte. So wurden die Pausen zwischen den drei Modevorführungen mit je vier Kleidern unterhaltsam gefüllt und die Designerin im Gespräch zu diesem und jenem vorgestellt. Schöner Aufenthalt, Modenschau und animierte Unterhaltung im Kreis geladener Gleichgesinnter erwiesen sich als stimmiges, imagegerechtes Konzept.

Die vorgeführten Modellkleider stammen aus den letzten 13 Kollektionen von Lana Mueller, jetzt nachhaltig neu produziert, elegant, aber nicht so spannend wie bei den saisonalen Schauen, die wir bisher von ihr sahen.

Die charmanteste Veranstaltung war die „Japanische Nacht“ des Labels Susumu Ai in einer eher winzigen Sake-Bar in der Ludwigkirchstrasse. Mit zurückhaltendem Charme und großer Aufmerksamkeit wurden alle Gäste periodisch in die Nomu Sake Bar (die erst nächste Woche offiziell eröffnet) geführt und mit exotischen Getränken (Kyushu Gimlet – japanischer Gin, Lime, Sakura; Green Planet – japanischer Whisky, Matcha, Vermouth) und exquisiten japanischen Häppchen versorgt.

Die Mode des Labels war wie Kunst an die Wände montiert, vier Beispiele, die den Kunstcharakter durchaus einlösen können. Eine Mischung aus klassisch japanischem und westlichem Styling, aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien, extrem sorgfältig verarbeitet und geschmacklich ausgewogen kombiniert – auf seine Weise außerordentlich elegant. Das Designerduo Keiho und Alisa Menkhaus mit seinem kleinen Team ist erst seit letztem Jahr auf den Markt getreten und verkauft zur Zeit per Internetorder aus Berlin.

Keine Übertreibung, klein und delikat, bescheiden aber große Klasse – in jeder Hinsicht korrespondierte auch diese Veranstaltung mit dem Selbstverständnis des Labels.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Wenn es einen Designer gibt, dessen Arbeiten fast immer das schöne Gefühl von Frühling, milder Luft, besonnter Landschaft und blütenbestandenen Wiesen vermitteln, dann ist das wohl Danny Reinke. Genau so ein Bild ist dann in riesig anfangs auch hinter den Laufsteg projiziert und auf allen Besucherplätzen finden sich jeweils die betreffenden Blumen in natura.

Die vorgeführte Kollektion leitet sich konsequent aus diesem Ambiente ab, hell, leicht und mit gelben Blumenprints besetzt. Abgesehen von einigen Sackleinenoutfits enthält das Farbspektrum auch nur Weiß, Grüntöne und Gelbtöne sowie auch Schwarz als Grund, in den locker eingewebte Blätter die Farbschwere lösen.

Laut einer Pressenotiz beschäftigt sich die Kollektion mit Erotik. Nun, da liegen die Welten ja manchmal weit auseinander, subjektiv, in dieser Hinsicht fanden wir die Vorführung nicht ungewöhnlich knisternd. Aber das will nichts heissen und wäre auch kein Scheitern. Die Schnitte sind zumeist eher unprätentiös und zeigen auch viel Haut, aber ohne das gestalterisch herauszustellen, eher natürlich.

Und nichts gleitet in Hippie- oder Country-Style ab, alles ist urban und sehr klar konzipiert. Die romantische Stimmung ist mitnichten überzogen. Genau das ist es, was den Reinke-Style so besonders macht, er verkörpert den Traum der Städterin von freier Gute-Laune-Natur ohne ideologischen Touch eines alternativen Pseudo-Lebensentwurfes und ohne erdig schweren Naturbezug. Leichtigkeit ist die Maxime. Die Frau trägt Frühlingsstimmung in die Stadt, unaufgesetzt und passend.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit der Pandemie wurden bekanntlich gerade Schüler und Studenten vor neue und besondere Herausforderungen gestellt. Es erweist, oder vielmehr bestätigt sich, dass effektive Ausbildung mit sozialen Bindungen und selbstständiger Motivation verknüpft ist und während das bei normalen Bedingungen so selbstverständlich gelebt wird, treten diese Aspekte in der Isolation plötzlich deutlich hervor. Gerade in kreativen Ausbildungsgängen ist der Sozialisierungsfaktor ein entscheidendes Kriterium für Erfolg und Produktivität. Heute vielleicht nicht mehr ganz so ausgeprägt wie früher, aber, wie man an den studentischen Arbeiten erkennen kann, doch sehr prägend. Paradoxerweise ist dann zum Abschluss der Studienentwicklung ein isoliertes Jahr noch eine Gelegenheit, das gewonnene eigene Potenzial auf den Punkt zu bringen.

Die Vorführung der Modeschulen mit den Abschlussarbeiten im großen Vergleich und in der allgemeinen ideologischen beziehungsweise zeitgeistigen Strömung bietet ja jedes Jahr einen guten Einblick, wo es mit Modegestaltung künftig lang gehen wird oder kann und auch wie ausgeprägt das innovative und kreative Potential gerade ist. Was wir in der jüngeren Vergangenheit bemerkt haben, ist gesellschaftspolitische Verantwortung neben individueller Selbstfindung in einem Problematisierungskontext ein starker Trend, der von der Hochschullehre vorgegeben wird.

Wenn man unterstellt, dass nun im letzten Ausbildungsjahr während der Isolation die Selbständigkeit zwangsläufig den höchsten Stellenwert bekommen hat, ist das einerseits eine schmerzliche, andererseits aber doch hoch spannende Voraussetzung für die Produktionsergebnisse. Wir haben jedenfalls die Schauen unter diesem Aspekt kritisch betrachtet und finden, bei allem Mitgefühl für die Problematik eingeschränkter Begleitung, dass dieses Zurückgeworfensein auf das eigene und bislang gewonnene Potential positiv kristallisierende Effekte zeigt.

Es war also alles nicht ganz anders, man liest die entscheidenden Impulse der Gestaltungslehren nach wie vor deutlich heraus. Aber man sieht eben auch, ob die Studenten nun beim Gelernten stehen geblieben sind oder in der Lage waren, abschließend eine eigene Position daraus abzuleiten. Und das, so hatten wir jedenfalls das Gefühl, ist den Kandidaten sehr unterschiedlich gelungen. Manche führten zugespitzte Semesterarbeiten aus der Ausbildungszeit vor, manche kombinierten das Gelernte geschickt zu einer Art Wissenscollage und andere konnten ein eigenes Leitinteresse herausarbeiten, das sichtbare Gewichtungen umreißt. Und für letzteres ist ein Jahr Isolation nicht die schlechteste Rahmensituation und diese Verortungen waren natürlich die spannendsten Beobachtungen.

Im Vergleich zu anderen Schauenveranstaltungen, die ja eher einmal gefundene Positionen eines Designers in Varianten schlüssig vorführen, sind die „Graduates“-Schauen vergleichsweise anstrengend, denn sie sind so individuell unterschiedlich in schneller Abfolge. Zumindest was das Kreative betrifft. Und wir haben darum versucht, nachfolgend die eindrucksvollsten Ergebnisse herauszupicken, was vielleicht nicht immer ganz gerecht ist, bei ca. 75 Teilnehmern mit jeweils drei bis sieben Outfits wird die Auswahl etwas subjektiv. Aber sie korrespondierte dann schon im Vorfeld überraschend mit den Lieblingsstücken der Designer selbst und auch der abschließenden Jurierung. Wegen diverser Überschneidungen haben wir auch nicht alle Hochschulpräsentationen gesehen. Nachfolgend stellen wir die Absolventen und Preisträger der „Best Graduates Show“ vor und im Anschluss eine kleine, zusätzliche Auswahl anderer Studenten aus verschiedenen Hochschulen.

Die Awards.

Award Kategorie „Best Design“ bekam Flora Taubner mit der Kollektion VALUE (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Ihre Gestaltung ist sehr Körperbewußt und collagenhaft geprägt. Die Entwürfe haben einen gewissen Witz, der erst auf den zweiten Blick bewusst wird.

Der Award Kategorie „Best Sustainability Concept“ geht an Paul Kadjo mit The Spirit Between Bodies And Objects (AMD Akademie Mode und Design). Im Vordergrund steht der Spass mit Fransen und verschiedenen akzentuierenden Stilelementen, die zum Teil auch ethnologische Assoziationen verwenden. Paul Kadjo hat schon ein eigenes Label gegründet, PROTOTYPE. Das „bietet dem Kunden qualitative, nachhaltige und gut verarbeitete Kleidung und Accessoires, welche Design in Form von Schnitt oder Drapierungen wiedergeben, statt nur in Form von Drucken“ (P. Kadjo). Über den kommerziellen Aspekt hinaus träumt er davon, in Zukunft „Mode als Kunst“ In Kunstausstellungskontexte einbringen zu können.

Den Award Kategorie „Best Craftmanship“ gewann Aylin Tomta mit Hylemorph (Fachhochschule Bielefeld. In der Tat fallen ihre Sachen auf durch gut gemachte Schneiderexperimente und geradliniges Konzept.
Sie hatte übrigens als junge Studentin 2016 auch schon den 3. Preis European Fashion Award (FASH)  gewonnen.

Aus den Neo.Fashion-Schauen der (Hoch-)Schulen.

Alicia Schikovski – INVOLUCRUM // CONNEXICO (Lette Verein Berlin): Sie spielt die Reize groß aufgeblasenen Microstrukturen (meist Wollgewebe) in Kontrast zu feinen Flächen aus, das inszeniert sie schlicht und wirkungsvoll.

Anna-Marta Thomas – Frequenzen // Close Encounter (Lette Verein Berlin): Schlaufen und Farbkontraste; mit zum Teil sehr raffinierten Einfällen und komplizierten Verarbeitungen entstehen wirkungsvolle Flächen und Reliefs, zumeist sehr elegant, manchmal aber auch im Schlafsackmodus.

Arabella Romen – Birth of Venus (AMD Akademie Mode & Design): Großzügige Prints und richtungswechselnde Überlagerungen bzw. Schichtungen charakterisieren am ehesten die Kollektion der Absolventin. Das Venushafte erschließt sich nicht unmittelbr.

Celine Witzke – GIRLS IN BOYS (AMD Akademie Mode & Design): Die Absolventin ist eines der raren Beispiele, die sich klassischer Eleganz und ästhetischer Herausforderung noch hauptsächlich verpflichtet sehen. Dies gelingt ihr sogar bei thematischen Skurillitäten, die ihr sonst aber eher fremd sind.

Clemens Oskar Kramer – Aus weniger mehr machen (MD.H Mediadesign Hochschule): Die Strukturierung von Flächen in Oppositionen sind gelungene Beispiele der Arbeiten. Hier funktioniert auch der Unisex-Charakter ganz gut, ohne proklamatorisch daherzukommen.

Deborah Tänzer – Momo  (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Schichtungen, oft monochrom, gewinnt die Designerin eine angenehm diffuse und zugleich klare Tiefenwirkung ab, stets elegant bleibend und meist auch sexy.

Dennis Sanders – Open Borders (Hochschule Hannover) gehörte zu den Kandidaten auf den Award. Auffällig ist die Lust, mit Stoffarten beziehungsweise Geweben kombinierend zu experimentieren. Gelegentlich ergänzende Akzente sind sehr wirkungsvoll hinzugefügt.

Felicitas Volk – It’s your world for a moment & City Landscape (Lette Verein Berlin): sie gehörte ebenfalls zu den Award-Kandidaten, mit  großzügigen, monochromen Outfits. Besonders die sehr schönen Farben bestimmen die Gesamtwirkung, große Reliefstrukturen (auch gelegentliche Textprints) und richtungswechselnde, konsequent angelegte Schnitte sorgen für ein interessantes und zugleich klares Erscheinungsbild.

Ganna Tsvetyanska – OB“YEDNANI (Hochschule Hannover): Schichtungen, oft kontraststark und sehr geometrisch konstruiert, geben der Kollektion eine klare Richtung, die auch für Männer unaufgesetzt mit einer gewissen Eleganz gut funktioniert.

Hannah Kaspari – Dreams behind walls (FH Bielefeld): Die Designerin liebt originelle Prints und luftige Oberflächenreliefs, bleibt im Übrigen aber eher klassisch und beim Modeüblichen.

Helena Wieser – Wollust (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Die Designerin experimentiert im Zusammenspiel zwischen Haut/Körper – Unterbekleidung – Oberbekleidung und gewinnt den entstehenden Wirk-Kontrasten irritierende, erotische Kombinationen ab. Strick, oft grob, ist dabei ein bevorzugtes Medium.

Jay Yang – Grenzenlose Grenze (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): sehr grafische Schnitte und auch ein asiatisches Formenverständnis führen zu eigentümlichen bis abenteuerlichen Konstruktionsexperimenten, ohne an Klarheit einzubüßen.

Jil Wollmann & Jana Steinmann – OKA PI (MD H Mediadesign Hochschule): Mit dem Schichtungsprinzip reduziert angewendet, Reduktion auch auf Schwarzweiss und mit asiatischer Klarheit im Finish führt das Duo hier eine ästhetisch sehr niveauvolle Kollektion vor.

Johann Erhardt & Johannes Stoehr – Phobia (Lette Verein Berlin): Auflösung der festen Textilien und Auflösung der Farbe bei Kontrasten sowie Auflösung klarer Schnitte. Experimente von eleganter, gediegener Wirkung mit Silhouetten, die noch einen Touch Erotik hinzufügen.

Insgesamt sind die Ergebnisse sehr kreativ. Wir fanden sie jedenfalls spannender als früher, zum Beispiel in der digitalen Präsentation letztes Jahr, die zum Teil grauenhaft und oberflächlich war. Vielleicht trügt der Gedanke, dass der gezwungene Rückzug im abschließenden Jahr jeden Designer konzentrierter hat arbeiten lassen als sonst. Damit ließe sich das öffentliche Kompliment, das Esther Perbandt den Studenten fürs Ertragen der Situation machte, auch auf die Mehrleistung ausweiten.

Die Lehrkräfte sehen das aber vielleicht mit geteilten Einschätzungen. Dieser Gedanke schoss mir durch den Kopf, als auf der Bühne eine Dozentin einen schönen Blumenstrauß schlecht in Packpapier verpackt ihrem Studenten zur Gratulation überreichte.

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Text & Artikelbild: Gerhard Paproth

Erfahrungsgemäß kann man schon im Vorfeld spüren, wo es lang gehen wird mit der jeweils anstehenden Fashionweek Berlin, organisationsmäßig, richtungsmäßig und programmmäßig. Das war sogar bei den letzten digitalen Veranstaltungen so – wo die Bemühung, die Fashionweek am Leben zu erhalten, indem man ihr eine aktuelle, eigene Richtung verordnet, deutlich zu spüren war.

Organisatorisch war aber leider ein (un)übersichtlicher Zugriff auf die Liveübertragungen recht anfängerhaft ins Netz organisiert und das, obwohl Fashionweeks andernorts (z.B. Paris, Mailand etc.) da schon professionellere Planungen und Übersichten im Internet vorführten. Das ist jetzt nicht besser geworden, man hat sogar den Eindruck, es wird alles Planerische noch mehr auf die letzte Sekunde geschoben. Anmeldungen bei der „Leitstelle“ werden nicht beantwortet, zuständige Mitarbeiter antworten nicht, die Organisation bleibt völlig undurchsichtig und, aus Sicht der Presse, höchst unprofessionell. Die Infos sind spärlicher denn je, nichts wird bereit gestellt, niemandem wird geholfen, niemand ist konkret ansprechbar. Zwangsläufig mussten wir uns darum auch vom „offiziellen“ Programm weg bewegen zu parallelen Konzepten, woraus sich aber – leider – noch keine spannende Planung ergibt.

Das Programmatische setzt, so sieht es bislang aus, noch vehementer auf ein ideologisches Konstrukt. Viel Palaver um nachhaltiges Modebewußtsein, wenig Demonstration, wie man sich die Ergebnisse davon vorzustellen hat. Und noch weniger Anschauung, wie die deutsche Modewelt nachhaltige Mode mit überzeugendem Styling und spannenden Protagonisten charakteristisch in den internationalen Kontext bringen will. Dabei erwartet diese internationale Szene gerade von Berlin wichtige und zukunftsträchtige Perspektiven.

Alle Veranstaltungen, die eher parallel zur „offiziellen“ MBFW stattfinden, sind besser aufgestellt. Neo.Fashion.2021 beispielsweise, die große Schau von Absolventen (Graduates) deutscher Modeschulen, liefert ein straightes, gut gegliedertes Programm. Das Programm im Kraftwerk bleibt dagegen bruchstückhaft. Die einzelnen Designer müssen jeweils ihr eigenes Süppchen kochen und je distanzierter sie sich von der offiziellen Schiene offsite organisieren, desto besser tun sie das in der Regel. Aber viele Highlights bleiben ganz weg oder verlegen sich auf einen digitalen Beitrag.

Und um die Verwirrung noch etwas zu steigern, gibt es dann noch das Format „About You“ (Fashion Week Autumn/Winter 21) im Anschluss, vom 11. – 15. September, quasi eine Sofortkauf-Version mit populär orientierter VIP-Präsenz-Masche. Da präsentieren dann, neben Marina Hoermanseder und Guido Maria Kretschmer, deutsche Models, TV- und Schlagerstars ihre Kollektionen. Ob das eine Edel-Version der Fashion Hall wird? Die es allerdings auch noch gibt, verschmolzen mit der Schau im Quartier 206.

Keine optimistischen Perspektiven im Vorfeld also. Und das ist umso gravierender, als die aktuellen Konditionen (Corona, Neuausrichtung der MBFW, Repräsentation ausgewählter Protagonisten, Verteilung live-digital u.v.m.) eine deutliche Linie verlangen. Abgesehen von gendergerechter Nachhaltigkeit als diffuse Leitideen im Diskursiven kann man vorab nichts erwarten und so wird die Berliner Fashionweek sich vermutlich selbst den Todesstoß versetzen, zumindestens was ihre internationale Relevanz betrifft. Und die galt es nach so vielen Jahren immer noch aufzubauen, weil sie sich bislang schon schwer genug tat. Das Hochhalten von einer ethisch sauberen Mode im organisatorischen Chaos ohne die eigentliche Lust an Modegestaltung zu feiern wird voraussichtlich keine interessante Zukunft starten.

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