Text und Bilder: Boris Marberg

Der junge, ukrainische Designer Jean Gritsfeld ist einer der vier Kreativen der Branche aus seinem Land, welche auf der Berliner Modewoche im Rahmen der öffentlichen Förderung durch den Senat zusammen mit dem Berliner Salon seine aktuellen Werke präsentieren konnten. Anders als DZHUS, Bobkova, Litkovska zeigte Gritsfeldt seine Werke weit im Berliner Osten, in einer ungenutzten kleinen Kraftwerkshalle in Schöneweide, unsaniert, idealisierend heruntergekommen, schwach beleuchtet und improvisiert – ziemlich versteckt. Ein erlesenes Fachpublikum fand dennoch den Weg dorthin. In sehr düsterer und dunkler Industrieromantik zeigte Gritsfeld seine Kollektion SCULPTOR OF LOVE, die im Grunde nichts Neues des Designers zeigte, sondern vielmehr Neuinterpretationen seiner bisherigen Kreationen. Diese stehen für sein bisheriges Werk. Die gekonnte und selbstbewusste Inszenierung geht dem ehemaligen Model auch leicht von der Hand. Der Star des Werkes ist nicht die Mode, sondern der Schaffende selbst, der in seiner aktuellen Lebenssituation, konfrontiert mit dem Krieg in seiner Heimat, sich spirituell geprägt sieht und erneut ein Statement für Frieden, Liebe und Harmonie, heraus aus den Wunden, die geschlagen wurden, dem Publikum mit auf den Weg geben möchte.

Dramaturgisch, von Presse und Publikum zelebriert, gelingt dies und kann die Anwesenden situativ begeistern. Gritsfeldt ist inzwischen – überspitzt und vielleicht zynisch formuliert – ohnehin quasi der „Darling“ aus dem Kriegsgebiet. Modisch und visuell betrachtet bleibt leider bei dieser Präsentation vieles (auch wortwörtlich) im Dunkeln. Die Herren- und Damenlooks sind sichtlich voneinander und auch untereinander isoliert zu betrachten. Fast biedere, klassisch-funktionale Herrenanzüge stehen neben wilden, metallisch schimmernden Damenlooks, die an Oversized Jacketts der 1980er von Designgrößen wie Gianni Versace erinnern. Außerdem die klassischen Material- und Stilcollagen. Es finden sich viele Brüche bei den Kreationen, eine einheitliche Stilistik ergibt sich mit der Kollektion kaum. Zur Herstellung eines Gegenwartsbezuges werden mehrfach Sprüche auf den Textilien appliziert oder direkt auf den Körper geschrieben, welche einen inhaltlichen Kontext zum Krieg und der Sichtweise des Designers auf die aktuellen Ereignisse zeigen. Interessant ist dies allemal, gibt es doch viel Einblick in die individuelle Realität und den erzwungenen Anpassungsprozess des schöpferischen Schaffens an schwierige, äußere Umstände.

The post Jean Gritsfeldt – neue Akzente appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Geschlechteremanzipation sind das Fundament zur schöpferischen Philosophie der beiden Betreiber des Labels Namilia, Nan Li und Emilia Pfohl, woraus kontinuierlich und seit Jahren die Bestände ihrer Kollektionen wachsen. Und stets topaktuell bleiben, mehr noch, wirklich avantgardistisch.

Wir entdeckten Namilia bereits in Paris vor etwa 2 Jahren und schrieben schon ausführlich darüber (siehe Bericht). Erfreulicherweise hat das Berliner Label nun doch eine Möglichkeit gefunden, hier in der Stadt eine Schau zu veranstalten, die sehr begeistert aufgenommen wurde. Die Kollektion wurde entsprechend groß angelegt und war dennoch enorm abwechslungsreich.

Grundsätzlich ist die Mode von Namilia immer kompromisslos, feministisch, antirassistisch und pro trans. Sexuelle Freiheit einerseits und dynamische Sportlichkeit, hier Motocross, prägen viele Ideen und auch entsprechend die glatten Materialien und leuchtende Farbigkeit. Outfits von Motorsport pflegen ohnehin stets eine Vorstellung von Empowerment. Die Formgebung ist entsprechend ebenfalls „speedy“, sowohl in herausgezogenen Schultern als auch in den Applikationen und großflächigen, kontrastierenden Flächenformen (und auch in den Materialwirkungen, veganes Leder z.B.). Hinzu kommen Gothic- und Punk-Details wie spitze Schultern, Spikes oder Nieten. Und, nicht zu vergessen, auch hochgeschlossene, knöchellange Qipaos (ein traditionelles chinesisches Gewand) mit applizierten Stoffvulven.

Aber dabei bleibt es nicht. Wichtiges wird entfernt und bleibt quasi nackt oder die textile Gestalt wird extrem ausgeweitet. Die gewünschte Sexyness beziehungsweise Erotik modifiziert die Kleidergestalt durch Wegnahmen, Aussparungen, Taillierung, Öffnungsmöglichkeiten und viele weitere Strategien, bis die gewünschte Frechheit ziemlich kompromisslos das Ganze bestimmt. Liebevoller Einfallsreichtum in vielen Details und sorgfältigste Verarbeitung sind Teil des Vergnügens, das man mit diesen Outfits  hat.

Anregungen aus der Clubszene in ihren exzentrischsten Ausprägungen werden gerne verfolgt und ausgebaut, denn von da aus geht die Grundidee einer sexualisierten Gesellschaft (unter neuen Vorbedingungen) längst der allgemeingesellschaftlichen Öffentlichkeit voraus. Ausserdem fließt die reale eigene Körperlichkeit in seiner Anerkennung (Body-Consciousness) als Pro-Faktor in die Gestaltungsphilosophie ein und überwindet damit ganz souverän und selbstverständlich bisherige Standards, an denen die großen Modehäuser noch immer kleben.
Als aktuelles Leitthema geben Namilia den Text Cruising Utopia, The Then and There of Qeer Futurity von José Esteban Munoz an, möchten also, dass man ihre Kollektion als eine Vorstellung von „queer utopia“ betrachtet. Damit wird die Idee von sexueller Freiheit noch einmal weiter focussiert. Aus dieser Textquelle schöpft übrigens auch der DJ/Produzent Yazzus mit seinem Soundtrack zur Schau.

„Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ äußerte das Designerduo einmal und blieb bis heute unbeirrt dabei. Jetzt, wo die Berliner Fashionweek frei von äußeren kommerziellen Werbe- und Imageinteressen sich neu aufstellen kann, sind Labels wie Namilia neben Olivia Ballard und anderen plötzlich auf dem Plan und führen vor, was zwar längst schon da war, was als Berliner Kulturverständnis und Subkultur aber nicht in die erste Reihe der präsentierten Mercedes Benz Fashionweek kam. Diese Labels repräsentieren das authentische Mode-Berlin – ohne dass anders orientierte Labels damit herabgewürdigt wären. Labels, die, wie Namilia, deswegen anderswo bisherige Erfolge feiern konnten und zweifellos eine spannende Avavantgardeposition einnehmen, auch und gerade im gesellschaftspolitischen Anspruch.
Und dabei kommt es nicht von Ungefähr, dass Namilia auch in New York in den Szenen gefeiert wird und Bekanntheit erlangt hat.

Diese konsequente und kompromisslose Haltung der Labels und ihre kreative Innovationskraft werden die Berliner Fashionweek reizvoll und wichtig machen im internationalen Gefüge und umgekehrt stehen sie ja auch erklärtermaßen zu Berlin und seiner Lebensart.

The post Namilia – Berlin Style at its best appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

„braveNEWworld“ nennt Rebekka Ruétz mutig ihre neue Kollektion.
Wuchtige Silhouetten und Asymmetrien in den Konstruktionen prägen die meisten der 34 Looks. Vielfach wird auf Stoffe der Raumausstattung zurückgegriffen, die schimmernd sind oder griffige, räumliche Strukturen und Texturen haben. Gepaart wird dies mit den Oberflächen von Überbleibseln funktioneller Stoffe für Wintersportbekleidung, die isolierend sind. Die vielen A-Silhouetten sind in die Breite gehend mit teilweise üppigen Volumen und die Flächen sind gebrochen oder öffnen den Blick auf  Spitzenunterwäsche. Dies bringt eine neckische, sexy Sichtweise in die Kreationen. Es stellt sich der Eindruck eines kubistischen Ansatzes bei den Flächenkompositionen ein – insbesondere bei der Oberbekleidung. Die Kreationen werden fast durchgängig mit Bändern und Gürtel abgeschlossen, so dass Konturen entstehen, welche die Flächen hervorheben und dass das Styling unterstreichend mit Blickfängen auflockert wird. Die Designerin greift als Quelle für das Material in dieser Kollektion ausschließlich auf vorhandenes recyceltes Material und Reste zurück.

Farblich spielt Ruétz mit dem Wechsel von warmen und kühlen Farben. Neben Lila und Türkis finden sich Schwarz, cremiges Weiß, Rot und Gelb bis Ocker.

Der Titel der Kollektion impliziert radikale Änderungen und Sichtweisen, um (vermeintlich) als Kulturgesellschaft bestehen zu können und ist aktuell mit Vorsicht zu genießen. Es werden Erwartungen an Mode und Konsum thematisiert. Die „schöne neue Welt“ ist als Begriff geprägt von der vermeintlichen Dystopie einer Gesellschaft, die Aldous Huxley 1932 literarisch als ein Gesellschaftsmodell beschreibt, welches alle Impulse und Bestrebungen zu Veränderung von gesellschaftlichen Strukturen wie Indoktrination, Konsum, Drogen und primär der Unterdrückung aller sexueller Befriedigung auslöscht. Aus dieser Sicht wäre das Kollektionsmotto kontraproduktiv. Mode ist per se körperlich und Mode lebt von der Lust sich auszudrücken und wird von Modedesign in einen vorhandenen zeitgenössischen Kontext gebracht und formiert.

In der globalen Krise wettstreiten Konzepte der Nachhaltigkeit mit dem nicht bremsbaren Wuchern des Konsumdiktats. Rebekka Ruétz fühlt sich einer nachhaltigen und verantwortungsvollen Produktion verpflichtet und griff wie beschrieben für diese Kollektion komplett auf recyceltes Material zurück. Die Materialwahl und die Präsentation mit Ski-Brillen führt uns zur Assoziation mit alpinem Wintersport – der nicht gerade als ein Paradebeispiel für Nachhaltigkeit und verantwortungsvolle Lebensweise verstanden wird. Er ist mit Klischees behaftet und massiv die Umwelt belastend. Die Überreste dieser funktionalen Sportbekleidung versöhnlich in neue Formen und Verwendungen zu bringen vermag hier womöglich einen Impuls zu setzen.

The post Rebekka Ruétz – schöne neue Welt appeared first on modaCYCLE.

Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der Kollektion „Grieved Serenity“ zeigt Danny Reinke, dass er eine verspielt träumerische Illusion feinfühlig und fellinesk umsetzen kann. Manege auf! Der Schwerpunkt der Kreationen bildet wieder die Damenmode, die spielerisch und dennoch sachlich Weiblichkeit zelebriert. Die jeweiligen Herrenlooks stehen im Kontext und spiegeln die weiblichen fast naturalistisch – hallen als Echo im Raum.

Die Farben sind warm, braun, beige bis hin zu arteriellem Rot. Die Materialien glänzen akzentuiert im Licht und die Oberflächen sind dezent horizontal, asymmetrisch unterbrochen, oft die Silhouetten taillierend. Volumen darf entstehen und die Konstruktionen klar aufteilen. Besonders die weiten Mäntel sind behaglich und elektrisierend – laden zum Reinkuscheln ein. Neben zirzensisch anmutenden Jacken und Kurzkleidern stehen lederne Kleider mit Unterbrustkorsage im Kontrast zu engen horizontalen Streifen bei Damenoberbekleidung mit eng anliegenden Ärmeln. An den Schultern werden Akzente mit dem Material in den Raum gesetzt und heben sich von engen Silhouetten ab. All dies spiegelt sich wider in übergroßen Taschen, die wie große Sofakissen wirken. Eingebettet in die Kollektion war zudem ein fein abgestimmtes Duo aus goldenem Herrenanzug und Kleidchen in A-Silhouette – er klassisch elegant mit zeitgenössischer Version eines Zweireihers – sie aufgelockert mit viel Bewegungsfreiheit im Volumen mit wuchtigen Handschuhen, die Bärentatzen wohl darstellen sollten und sich parallel als Stulpen an den Schuhen spiegeln  – beide Looks durchdacht in der Konstruktion. Dass Danny Reinke stets maßanfertigt, in Berlin, zeigt sich hier wieder sehr positiv im gesamten Erscheinungsbild – eben nichts von der Stange – das ist Handwerkskunst gepaart mit durchdachtem, sensiblem und stilvollem Design – und dabei zeitgenössisch.

Thematisch stellt Danny Reinke seine Kollektion in Zusammenhang mit seiner Entrüstung über Tierqual am Beispiel von Tanzbären. Bezugnehmend hat er darum diverse Accessoires (Nasenringe, Ketten) und Materialien (künstliches Bärenfell) in die Outfits eingefügt, die zirzensischen Looks sind wohl auch daraus abgeleitet.

The post Danny Reinke – Manege auf! appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

VORN Fashion ist so etwas wie eine genossenschaftliche Verbindung vieler Jungdesigner, die mit einer Fashion Show plus anschließender öffentlicher Ausstellung ein gemeinsames Statement zum aktuellen Modedesign in Berlin präsentieren. Die vorgeführten Outfits sind darum gemischter Provenienz (die in einem mitgegebenen Infoblatt geklärt wird), und jeweils sehr verschieden in den Ansätzen. Abgesehen von dem zentralen Umstand, dass sowohl etablierte als auch ganz neue, noch unbekannte Designer an der gesamten Schau mit Kleidungsstücken beteiligt sind, ist dieses Format ähnlich dem, was Neonyt vor wenigen Jahren auf der Fashionweek mit Absolventenarbeiten verschiedener Hochschulen erfolgreich erprobte. Unter den rund 80 teilnehmenden Designern finden sich viele inzwischen längst bekannte Namen, zum Teil erfolgreich auf dem Markt aktiv, die früher eigene Schauen vorführten und nun namentlich Teil des Gesamtbildes werden.

Entsprechend vielfältig sind die präsentierten, vielen Outfits (etwa 50), abgedeckt wird die ganze Palette der aktuellen und gängigen Leitideen des modernen Modeentwerfens, von ästhetisch raffiniert über genderpolitisch angelegt bis hin zu experimentell oder fetischnah akzentuiert. Daraus entstehen gelegentlich interessante Spannungsfelder wie zum Beispiel die Kombination von Latexbodies mit Nadelstreifenjackett oder ausgefallene Schnittkombinationen für gehobene Altersklassen oder beliebige Geschlechter, und man staunt, wie gut das funktioniert. Damit werden exzentrische Merkmale integriert in eine Gesamtschau und diverse klassische (De)konstruktionsarchitekturen der Modemoderne in ihren mittlerweile selbstverständlichen Zusammenhang gestellt. Angelegt wird mit der Schau quasi die Essenz gegenwärtigen Modegeschmacks und -designs in ihrem Variantenreichtum und das hinterläßt sehr inspirierte und inspirierende Momente, die sich an recht verschiedenen Beispielen fest machen.

Als Auftaktveranstaltung im Sinne des gängigen Kanons der Fashionweek-Modeschauen ist das als Grundlage all dessen verstehbar, was noch gezeigt werden wird und vielleicht auch der Massstab dessen, was als innovativ heraussticht.

Abgesehen von dieser exclusiven Schau präsentiert sich „The Berlin Fashion Hub“ auch für die öffentliche Allgemeinheit vom 18. bis 23. Januar im LNFA Store im Bikini Berlin als „VORN ACADEMY SHOWCASE EXHIBITON„.

The post VORN – Der gemeinsame Auftritt appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

The post Verwirrung um Adidas appeared first on modaCYCLE.