Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

An der Hochschule Hannover ist der Studiengang Modedesign Teil einer Gruppe von insgesamt 15 Masterstudiengängen (Medien, Information, Design) und stellt die Aspekte Nachhaltigkeit, Digitalisierung und Ethik als inhaltliche Schwerpunkte heraus. Im Rahmen dessen fordert sie die „Entfaltung individueller Handlungsspielräume und Entscheidungsfreiräume“ für selbstbestimmte Gestaltung.
Besonders erwähnt wird bei der Selbstbeschreibung eine Spezialisierungsoption auf nachaltige Designstrategien, auf Männermode und auf geschlechterübergreifende Enby-Mode (nonbinary). Damit wird formal schon eine ideologische Ausprägung angedeutet, die zwar kein Alleinstellungsmerkmal darstellt, aber doch den Geist des Modedesigns vorprägt und strukturell institutionalisiert. Die gezeigten Kollektionen und die Kataloghinweise bestätigen auch klar, dass die Basis des Modemachens wesentlich ideell (oder ideologisch) geprägt ist bzw. sein sollte und die Suche nach visuellen Konzepten und ästhetischen Qualitäten bestenfalls eine untergeordnete Rolle spielt. Nur wenige, sich behauptende Ausnahmen bestätigen die Regel.

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Patrick Rizzo „A Colour“.
Die Ton-in-Ton-Stickereien mit provokanten Inhalten sieht man aus der Entfernung nicht. Sie sind aber wichtiger Bestandteil einer umfassenden sozialen Philosophie, die sich mit Rassismus beschäftigt, mit Land- und Kulturraub, Genoziden, Vorurteilen, fragwürdiger Fortschrittlichkeit und vielem mehr. All das fasst sich in Patrick Rizzos Modedesign zusammen in gedeckter Ton-in-Ton-Farbe und schlichter Gestalt. Gleichwohl ist ein einheilicher Style nicht erkennbar und vielleicht auch angesichts der Problemvielfalt nicht angestrebt.

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Lars Lahrmann „x/10“
Eine Kollektion, die ästhetischen Ansprüchen und praktischem Nutzen folgt. Die vorbildlichen Kriterien sind Gestaltungsansprüche des bauhaus und deren Nachfolge mit Dieter Rams. Auch wenn das Ideal schon abgenutzt erscheint, entwickelte Max Lahrmann daraus eine Ready-to-Wear-Kollektion von 10 Basics der Männerkleidung mit Focus auf Funktion und Qualität in zeitgemäßer Ausprägung (z.B. mit kurzen Hosen, die damals für Männer aus Geschmacksgründen noch verpönt waren).

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Annika Jasmer „Brennum allt“.
Mit Faszination für Island im Hinterkopf entwirft die Designerin Mode für Umweltbewusste, mit Pflanzenfärbung, handgewebten Stoffen und hochwertigen Naturmaterialien, also ganz radikal und rudimentär ökologisch ausgerichtet. Die Kleidung soll zudem Herausforderungen der Naturgewalten trotzen, was man ihr zwar nicht unbedingt ansieht, aber als eine geistige Verortung gedacht ist.

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Claudia Bumb „Under Water Over Flow“.
Auch dieses ist eine gezielt ökologische Kollektion, thematisch begründet sie sich in der Verschmutzung der Meere mit Plastik. Die verwendeten Materialien (upgecycled aus Cellulose, Seide, Baumwolle und Meeresplastik) sind kreislauffähig ausgesucht. Die Gestaltung versucht die gedanklichen Verweise anzudeuten, ist ansonsten aber noch eher unentschieden formuliert.

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Christiane Gawlik „Reckless Abandon“.
Auch dies ist eine eher klassisch ausgerichtete Streetwear-Kollektion mit Anspruch an Belastbarkeit. Ideell ist sie aus einer allgemeinen Begeisterung für jugendkulturelle Freiheit und für die Stärke der Rebellion erwachsen, eine repräsentative Ästhetik dafür ist allerdings nicht wirklich erkennbar.

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Jingjing Qi „Boochen“.
Die Designerin hat ein Surfwear-Label gegründet und verfolgt entsprechend das Ziel, praktische und farbenfrohe Kleidung für dieses sportive Umfeld zu kreiieren. Ein ideologischer Anspruch an Ökologie drängt sich hier nicht unnötig auf, er ist in den nachhaltigen Materialien und der Funktionalität aber selbstverständlich.

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Svea Behrens „Razzzle Dazzle“.
Auch diese Unisex-Kollektion ist erfrischend farbenfroh – Mintgrün, Rosa, Hellgelb und -orange („Candy-Farbkarte“) evozieren Lebensgefühle der 50er und 80er Jahre, die Formen und Silhouetten sind allerdings aus der Gegenwart entnommen. Geometrische Flächen, vorwiegend Rechtecke, werden spielerisch und kontrastierend kombiniert. Auch wenn dieser Formenkanon oft etwas konträr und sperrig anmutet, ist doch die dominierende Farbgebung ein Signal der Lebensfreude und einer gewissen Leichtigkeit.

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André Rosenberg „&RE“
Die schwule Unterwäsche-Kollektion für Männer ist aus einem kämpferischen Geist der darstellenden Selbstbehauptung erwachsen. Wenn auch die Etablierung solchen kulturellen und sozialpolitischen Bewusstseins in der Mode durchaus ideologische Berechtigung hat, so bleiben die vorgeführten Teile doch eher selbstverständlich sinnlicher Natur, entwickeln eigene ästhetische Vorstellungen, erotische Signale und extrovertierte Sexualität. Der Kampfgeist schwingt eher in der Entschiedenheit mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die „Angewandte Kunst Schneeberg“ in Zwickau versteht sich als möglichst offene Hochschule mit vielen persönlichen und experimentellen Freiräumen einerseits und gleichzeitiger Focussierung auf praxisorientierte Professionalität andererseits. Damit ist sie thematisch offener aufgestellt als pointiert soziologisch reflektierende Hochschulen und in den Ergebnissen entsprechend breiter gefächert. Und die ästhetischen Ansätze erscheinen etwas prägnanter und professioneller gefordert (auch in ihrer geistigen Voraussetzung), als die Ergebnisse selbstdefinierender Suchen und revolutionierender Perspektiven. Soweit zumindestens der Eindruck, den die Schau und die Katalogbeiträge nahe legen.

Aus Beispielen der Schau wird aber auch eine spezifische Unterrichtsorientierung erkennbar, nämlich eine favorisierte Gestaltung mit geometrischen Entwicklungsprozessen, die allerdings sehr verschiedene Ansätze, Strategien und Prägungen hervorbringen.

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Aline Herzau “Future Fixes“.
Die Designerin sucht mit Materialexperimenten (Latex, Silikon, manipuliertes Textil) gefühlsgeprägte Kleidung zu machen und gleichzeitig Trendbewegungen aufzugreifen. Schon die Farbe Orange mit Weiß in Kombination, die Lässigkeit der Schnitte und aufscheinende Transparenzen suggerieren angenehme, unaufdringliche Emotionalität – es ist insofern eine inhaltliche Perspektive, als im Zeitgeist diese Sehnsucht mitschwingt.

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Jiri Spata „Antimonoton“.
Im Gegensatz dazu ist Jiri Spata eher von rationalem Vorgehen und Wirkungsinteressen geprägt. Er sucht flexible Anpassung von Kleidung an unterschiedliche Körpergestalten und geometrische Formulierungen, die das ermöglichen und zugleich einen avantgardistischen Zukunftsaspekt versinnbildlichen. Daraus entstehen unter anderem Unisex-Kleidungsstücke, die meist eher flächig und formal gedacht sind und von daher ihre Wirkung erzielen sollen.

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Madeleine Haber „Revamped 54“.
Das Gestaltungskonzept versucht einen Brückenschlag der disco-orientierten Mode der 70er Jahre (Studio 54) zu modernen Silhouetten zu schlagen. Auch sie bedient sich dabei geometrischer Gestaltungskombinationen, wie sie tonangebend in den 70s anfangs bei ABBA die Outfits und später z.B. die Thierry Mugler Kollektionen bis in die 80s prägten. Durch den Verzicht auf den Glamour-Anteil sowie bestimmter, spezifischer Schnittstandards der Epoche leitet die Designerin quasi eine zeitgenössische, gedämpfte Weiterentwicklung daraus ab.

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Sylvia Weber „Functionwear // Two Perspectives“.
Sehr pragmatisch entwickelt Sylvia Weber funktionale Kleidung im Spektrum von Arbeits-, Freizeit- und Businesskleidung. Sehr konventionell bedient sie sich dabei entsprechend praktischer, moderner Materialien und Verarbeitungstechniken und kooperiert mit tonangebenden Firmen auf dem Gebiet. Repräsentative Eigenschaften werden angedeutet, treten aber gegenüber Wetterschutz und Tragekomfort eher zurück.

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Linh Tran Thuy „Cultural Crossroads“.
Die Kollektion leitet sich aus speziellen folkloristischen Vorlagen ab (Hmong), bei denen ebenfalls geometrische Formulierungen die Schnitte und Muster bestimmen. Der Transfer der traditionellen Attribute in die Gegenwart führt zu neuen, eigenen Prägungen, aus denen sich zum Teil auch eine eigene Eleganz entwickelt.

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Ellen Judith Müller „Knit[ed]it“
Stricktechnik ist mittlerweile ein komplexes Verfahren geworden, das eigene Entwurfskonzepte verlangt und auch digitaler Programmierung bedarf. Die Entwicklung von der Fläche zur plastischen Form folgt anderen Wegen als bei klassischen Modedesignern und die Strukturierung und Oberflächengestalt des Materials ist wesentlicher Teil der Gestaltüberlegung, Muster im Gewebe eine besondere Raffinesse. Ellen Judith Müller zeigt besonders elaborierte Experimente, besonders mit einem Hosenanzug.

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Kristin Noack „Do/Cut“.
Lucio Fontanas Schnitt durch die Leinwandfläche läßt sich durchaus sinnvoll als Gestaltungskonzept auf Kleidung übertragen. besonders, wenn dahinter der reine Körper der Trägerin erscheint. Aber die Designerin versteht sich eher als Teil einer Avantgarde, den sogenannten Expeditiven. Versucht wird, den Konsumenten als Mitdesigner in die Gestaltung einzubeziehen, indem er interaktiv das Design weiter beeinflusst. Aus den hier gezeigten Kleidermodellen, die eher unspektakulär und klassisch daherkommen, wird das allerdings nicht erkennbar (soweit nicht ihr eigener Körper darin zur Wirkung kommt).

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Maria Salomé Buitrago Vasquez „Tropical Shades“ – Resort 20.
Der Zusammenführung zweier Kulturen, nämlich der von Lateinamerika (Strandmode) und der klassisch europäischen, widmet sich die Absolventin mit ihrer Kollektion. Die Verschmelzung der modetypischen Elemente spiegelt zwar auch den Prozess ihres eigenen Erlebens, zeigt aber letztendlich die positive gegenseitige Befruchtung, mit der die Trägerin sich identifiziert.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Es hat schon eine innere Logik, dass die Schauen der deutschen Hochschulen mit ihren „Best Graduates“ in Modedesign den Vorlauf der Fashionweek bestreiten und damit Erwartungen aufwerfen, wie die Studenten am Ende ihrer Studien ihren eigenen Zeitgeist reflektieren. Drei Schauen mit je drei Hochschulen sind ein ausgiebiges Programm, bei dem unzählige Gestaltungsstyles in schneller Folge letztendlich nicht nur Absolventinnen und Absolventen vorstellen, sondern auch Lehrkonzepte und letztlich sogar Eigenheiten der unterrichtenden Professoren bzw. Dozenten. Nicht selten nämlich werden noch Semesterkonzepte und -Themen erkennbar, von denen sich die Abschlussarbeiten nicht emanzipiert haben. Sowohl im technisch gestalterischen Sinne als auch im Blick auf intellektuelle Reflexion. In einer vorbildlichen Sammlung und Aufbereitung ist zu den Schauen ein Katalog erschienen („The Book“ 2020), der die vielen Positionen, Namen und Bildbeispiele zusammenträgt, um dem Erlebnisflash noch eine Aufbereitungsgrundlage zu bieten – leicht überdesigned aber gut strukturiert.

Teilnehmer waren die HAW Hamburg, Angewandte Kunst Schneeberg, HTW Berlin, FH Bielefeld, der Lette Verein Berlin, die Hochschulen Hannover, Bremen, Reutlingen und Halle. Das Format wurde bereits 2019 mit großem Erfolg erprobt und mausert sich schnell zu einer wichtigen Institution, die nicht nur die Suche nach jungen Talenten ermöglichen soll, sondern auch den Stand der Entwicklung der Mode im gesellschaftlichen und kulturellen Kontext vorzeigen will. Mit dem ausgegebenen Schlagwort „Fashion for Future“ tauchen schon diverse Implikationen und Anspielungen auf, die das innere Selbstverständnis des Modemachens in der Aktualität zu fassen versuchen. Dabei setzen die Hochschulen schon verschiedene Schwerpunkte hinsichtlich der branchenspezifischen Kontexte – Stichworte wären zum Beispiel Interdisziplinarität, sich verändernde Berufsfelder, kultureller und gesellschaftlicher Wandel, Künstlerpersönlichkeit, Marktstrategie, Material- und Verarbeitungstechnik, Geschichte, Präsentation und viele mehr. Nicht alles davon erscheint in einer Absolventenschau sichtbar, aber so manches wird spürbar über das jeweilige Exponat (und Parallelen in der Gruppe) hinaus. Im Katalog, der auch Statements und Leitideen zu den Looks aufführt, wird die ungefähre Orientierung schließlich manchmal deutlicher.

Mit drei Hochschul-Schauen stellen wir Beispiele vor (Hamburg, Zwickau, Hannover).
Die Hochschule für Angewandte Wissenschaften (HAW) Hamburg legt, laut Katalog, besonderen Wert auf klare Gestaltungsaussagen mit individuell geprägten Beiträgen. Genderüberlegungen und gesellschaftspolitische Statements und Auseinandersetzung sind offenbar wichtiges Thema im Studium. Das Frauen(selbst)bild spielt in der Schau eine wesentliche Rolle – Kleidung ist sozialer Panzer oder positionierendes Signal.

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Charlotte Strindberg „Lilith 2.0“.
Die Figur der Lilith hat viele verschiedene mythische Quellen, der Bezug hier meint aber wahrscheinlich nicht Bocksgeister sondern bezieht sich auf jüdisch-feministische Theologie (Midrasch), in der Lilith als eine Frau dargestellt wird, die sich nicht Gottes, sondern Adams Herrschaft entzieht. Großes, farbiges Hahnentrittmuster wird bei Charlotte Strindberg zur optischen Waffe, und bedeckt als zweite Haut schon mal den ganzen Körper. Hinzu treten große Drapierungen mit pointillistischem Muster auf Männerstoffen, die in grober Silhouette den Körper hart modifizieren. Haut bleibt dem Blick weitgehend entzogen.

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Joséphine Sagna „Painting Fashion“.
Die Absolventin ist zugleich bildende Künstlerin und sieht ihre Kleidungsentwürfe als Verlängerung dieses Schaffens. Auch sie bezieht sich auf die inhaltlichen Komponenten der Weiblichkeit, in der Zerrissenheit zwischen männlichen und weiblichen Aspekten mit farbigen Kontrastierungen und, wie bei den vorgestellten Outfits, männlichen und weiblichen Kleidungstypen in Verschmelzung.

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Sarah Niederaus „Insight Out“
versteht Kleidung als Schutz, weniger im Sinne von Wind und Wetter, wie es zunächst scheinen könnte, sondern besonders als mentaler Schutz interpretiert. Aus der Zeltplane einer Jurte gefertigt, hat die Trägerin metaphorisch ihre vier Wände am Körper, wenn sie sich im gesellschaftlichen Raum bewegt.

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Sonja Hormann „Desintegration“.
Die Arbeiten sind auf den ersten Blick nicht gesellschaftspolitisch und konzentrieren sich auf ästhetische Formulierungen. Sie repräsentieren gestalterische Transformation von Introspektion, allerdings körperlicher. Die Betrachtung der biologischen Konstellation der körperinneren Anatomie überträgt und überhöht Sonja Hormann mit einem Materialmix in verschiedenen Schichten und organischen Formen, die äußere Silhouette erhaltend. Die gezeigten Lösungen sind in diesem Sinne sehr subtil und genialisch und die konzeptuelle Strategie einer erprobenden Ästhetik ist – im Gegensatz zu den anderen Absolventen – als Ganze organisch verstanden und von daher vielversprechend.

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Catharina Holtgrave „Verlanden“.
Die Outfits beziehen sich auf Natur, sie führen ihr Erscheinungsbild auf landschaftliche Anmutung zurück (wesentlich Moorlandschaft), erdige Farben und Bodentexturen sowie Ausdehnungen und Einsprengsel assoziieren bzw. überführen Naturerfahrung. Das geht experimentell über eine bekannte Landarbeitererscheinung hinaus und lehnt an ökologische Sehnsüchte an. Es ist eine Perspektive des nomadischen Typus, der sich von urban orientierter Selbstbestimmung abwendet.

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Margarete Geisler „Under Construction“.
Auch hier geht es wieder um Geschlechterfragen, sogar um Diskriminierung, bezogen auf Berufswelt und -kleidung. Stoffe, Schnitte, Accessoires und spezifische Farbgebung aus Arbeitskleidung traditionell männlicher Berufe werden auf Frauenkleidung übertragen und die erzielte Widersprüchlichkeit in der sinnlichen Wahrnehmung geht schon über den spielerischen Witz hinaus. Der amüsante Impetus gesellschaftspolitischer Fragestellung bleibt aber soweit nur dahingestellt, reale Perspektiven für Modedesign ergeben sich daraus noch nicht.

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Katharina Rasch „61° 7′ S, 55° 11′ W“.
Die Imperial Trans-Antarctic Expedition ist für die Designerin das Sinnbild des Überlebens im zusammenhaltenden Kollektiv. Katharina Rasch sucht in diesem Ideal eine gestalterische Entgegnung auf gesellschaftliche Spaltungen, Zerfall und Isolierungen. Miteinander korrespondierende Schichtungen, Farben und Formen definieren daher die ästhetische Erscheinung eines Outfits, bodenständig, harmonisch, geschlechtsneutral und assoziativ offen für andere Kulturen.

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Céline van de Loo „Die Bedeutung des Objekts. Eine Sammlung“.
Kleidung will hier ebenfalls als Bedeutungsträger verstanden werden, Assemblagen von Fundstücken bilden semantische Konstrukte aus gesammelten Kleidungsstücken. Für die Designerin ergeben sich daraus vielleicht Geschichten und gedankliche (oder emotionale) Bezüge, lustvolle Reminiszenzen an gelebte Aneignungen. Für den Betrachter erscheinen die „Samplings“ eher als spontane, originelle Kleidungskombinationen mit überraschenden Effekten. Die spießige Abbildung eines Klassentreffens auf dem T-Shirt mag vielleicht noch bedeutungsträchtig sein, in Kombination mit den anderen Kleidungsstücken verschwindet das aber genauso wie die anderen Konnotationen und übrig bleibt weniger eine sinnliche, noch eine pfiffige Bekleidungspointe, geschweige denn ein ästhetisches Motiv.
Der vermutlich philosophische Gedanke dahinter ist dagegen schon interessanter, nämlich den Träger zu beauftragen, mit Kleidung kreativ eine eigene Geschichte zusammenzustellen anstatt modeindustriellen Vorgaben und Trends und Statements zu folgen. So verstanden führte die Designerin lediglich eigene Beispiele – gemacht für sie selbst – vor.

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Maximilian Lüers „Die unheimliche Frau“.
Mit seinem Interesse an surrealistischen Erscheinungen im Zusammenhang mit Frauengestalten entwickelt der Absolvent einen sehr sinnlichen Anspruch an seine Entwürfe, die das Nachdenken über „das Weibliche“, auch im abgründigen oder rätselhaften Sinne, einschließen. Dafür führt er Zufälliges zusammen, was ihm „weiblich“ erscheint und was den Titel der Kollektion evoziert. Zeitgemäß ist es in der ästhetischen Freiheit, emanzipiert dahingehend, dass die Rollenbeschreibung des Weiblichen aufgelöst und durch mystische Wesenheit ersetzt wird. Ein Ansatz, der die frauenkämpferischen Standards negiert und Eigentlichkeiten aufsucht. Die vorgeführten Outfits überzeugen in dieser Hinsicht allerdings noch nicht so sehr wie das Konzept dahinter.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Auch diese Saison zeigten Designer der Boutiquen im schönen Quartier 206 in der Friedrichstrasse mit einem eigenen Showformat ihre aktuellen Kollektionen, in einem Reigen aus 13 Schauen in drei Blöcken. Vertreten sind kleinere, aber durchaus nicht unbekannte Atelier-Labels – vorwiegend aus dem Osten, besonders Polen, aber auch aus dem Westen.

Erfahrungsgemäß funktionieren die ästhetischen Neigungen im Osten nicht selten in Richtung Glitzer, der ruhig etwas kräftiger aufgetragen sein darf. Auch Sexyness darf dabei oft etwas vordergründiger erscheinen, doch in dieser Saison gab es in dieser Hinsicht nur eine kleine, eher etwas verlegen auftretende Einlage im Vorfeld des Catwalks, quasi ein Extra für Fotografen, danach war die frivole Offensive gegenüber früher deutlich zurückgenommen. Die östliche Provinienz war vertreten durch Gera Skandal (Russland), Silk Epoque (Polen), A. Gliwinski & M. Arlukiewicz (Polen), Basia Olearka (Polen) und Kowalove (Polen).
Aber auch andere Herkunft war vertreten, darunter Seyit Ares (Deutschland), Andrea Droemont Couture (Deutschland), Dina Pinto (Monaco), Aynur Pektas (Brasilien), Martin Appelt (Deutschland) und Agnes Wuyam (Frankreich). Wie letztere ist Aline Celi (Brasilien/Deutschland) eigentlich immer dabei und die Designerin eröffnete und beschloss die Schauenreihe auch wieder.

Einige Designer traten auch in der Fashion-Hall Berlin im selben Zeitraum auf, was dem etwas anspruchsvoller gewünschten Kontext im Quartier 206 vielleicht nicht unbedingt förderlich ist und ihn in etwas instabileres Licht rückt. Solche Beobachtungen erscheinen in einem Fashionweek-Veranstaltungsformat eher befremdlich. Aber die Berliner Fashionweek hat ihr Gesamtgefüge noch immer nicht schlüssig etabliert und da sind solche Merkwürdigkeiten wohl nicht auszuschließen.

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Die Eröffnungsschau von Aline Celi focussierte sich auf die Kombination von schimmerndem Schwarz und großen, floralen Mustern in Gold. Dies als Auslegung von „Herbst“ ist ein edler Gedanke, der von anderen, flatternden und glitzernden oder schimmernden Kleidern, die zum Teil auch an Art-Deco-Ästhetik erinnern, ergänzt wird.

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Seyit Ares aus Düsseldorf/Berlin brachte allerdings die Kultur des exotischen Funkelns auf den Punkt. Mit mutigen und innovativen Kombinationen führte er einen femininen Clubstil vor, der in seiner Konsequenz und Experimentierfreude zu einer Kollektion gelangt, die einerseits noch von zu deutlichen Einflüssen von Marina Hoermanseder (harte Corsagen, Schnallen, Riemen), in deren Atelier er gearbeitet hat, aber auch von J.-P. Gaultier geprägt ist. Seyit Ares formuliert seine Leitidee andererseits jedoch noch futuristischer, geradezu spacig und entwickelt damit eine eigenständige Konsequenz. Leder im Metallic Look, schrille Farben, funkelnde Oberflächen und körperbezogene Schnitte gestalten noch pointierter als Hoermanseder so etwas wie eine zeitgenössische Party-Queen mit Amazonen-Touch. Inwieweit ihm künftig eine Emanzipation gelingen kann, bleibt abzuwarten. Mit seiner Gestaltung zwischen Offensive und Eleganz als Spiegel des Zeitgeistes gelang dem Designer jedenfalls das Highlight der Veranstaltung, bunt, exzentrisch und extrovertiert.

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Eine Modeschau für Kinder zeigte Gera Skandal aus Russland. Der Designer ist auf diese Klientel spezialisiert und findet jede Saison eine neue, sehr eigene Leitidee der Gestaltung. Das war dieses Mal ein fantasievoller Exkurs in Märchen- und Zwergenwelten, wofür raffinierte Materialien, Schnitte und Kombinationen in erdigem Farbspektrum sehr überzeugende Ausprägungen fanden. Gelegentlich neigten die Gestaltungen schon zu theaterhaften Ausstattungen, aber die gleichzeitige Verbindung mit ökologischer Wirkung, praktischer Diesseitigkeit und sorgfältiger Verarbeitung machte die Arrangements zu spannenden, anspruchsvollen, wenn auch zum Teil etwas versponnenen Couture-Exemplaren. Folgerichtig schloss eine – etwas reduziertere – Version für junge Frauen das Panoptikum ab und bewies noch einmal die durchaus attraktive, marktfähige Prägung der Kollektion.

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Andrea Droemont Couture ist aus Köln und auf die handwerkliche Seite der Gestaltung gerichtet. Dabei bleibt das Label aber nicht in seinem Traditionsanspruch stecken sondern zeigt verschiedenste Möglichkeiten und Gestaltungen im zeitgenössischen Sinn, so dass die gezeigte Kollektion geradezu ein Panorama von Stoffen, Schnitten und Mustern vorführt. Recht stilbewusst kommt das alles daher, in sehr maßvoller und unaufdringlicher Extravaganz.

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Das Atelier Silk Epoque aus Polen von Olga Ziemann entstand aus Liebe zur Seide und konzentriert sich auf Gestaltungsmöglichkeiten mit diesem feinen Material und einer inzwischen erweiterten Palette, in der auch Spitze, Samt und Bourette vorkommen. Ausgehend von den sehr feinen und besonders strukturierten Materialien entwickelt sie ihre Oberflächenanmutungen, Muster und Schnittarrangements, sorgfältig-liebevoll im Detail. Sie sucht in eher klassischen Silhouetten neue Wirkungsmodifikationen und ein Wechselspiel zwischen klassischer Eleganz und verspielter Lebendigkeit. Dabei ist allerdings der eher schwache Anspruch an die Schnitte und Silhouetten nicht so vorteilhaft und wirkt eher bieder als chic.

Positiv erscheint uns noch erwähnenswert, dass hier keine Magermodell-Auswahl statt gefunden hat, sondern auch Kleine, Große, Kurvige, Junge und nicht so Junge vorführten, wenn auch leider immer todernst. Für die Wahrnehmung der femininen Konzepte ist das eine Bereicherung.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Goodie-Bag bezeichnete sich schon vor der Schau als Materialrecycling, später in der Darbietung wies dann noch ein Pappschild auf „Ananasleder“ (ein Erntenebenprodukt) bei den Röcken hin – immerhin tut sich was bei der Entwurfskonzeption bei Marina Hoermanseder in Sachen Ökobewusstsein. Denn der erste Eindruck täuscht, wenn man die discomäßigen Teile, deren Oberflächen wie Kunststoffmaterialien aussehen, als dominierenden im Kopf behält. Laut Labelauskunft sind die verwendeten Leder „ausschließlich vegetabil gegerbt“ (schon immer) und die Färbungen mit GOTS-zertifizierten Pigmenten realisiert. Ein nachhaltiges Vollprogramm ist das freilich noch nicht, aber als bewusstseinsrelevant schon erwähnenswert, weil der meiste Oberflächenfunkel eben nicht nach nachhaltig aussieht.

Gegenüber den letzten Schauen war die gezeigte Kollektion jetzt wieder viel anspruchsvoller in den Erscheinungsbildern: Sweatshirts, Logoschals und ähnliche Streetwearteile tauchten nicht mehr auf. Die Konzentration auf geschmackvolle und experimentell reizvolle Kleidungsstücke war wieder das Wesentliche der Veranstaltung, mit einem Spektrum zwischen knapper Corsage und opulentem Abendkleid. Zu den Lederschnallen hat die Designerin noch nahezu unerschöpfliche Ideen, die jetzt auch wieder raffinierter ausgeführt werden und teilweise weniger aufdringlich als oft zuvor in Szene gesetzt sind. Auch die glitzernden Disco-Kleider mit L.A.-und-Las-Vegas-Taste, noch immer ein dominanter Anteil der Kollektion, haben zum Teil ungewöhnliche Gestaltungsmodifikationen durchlaufen, so dass der Touch des Billigen eingeschränkt oder ausgeschlossen wird. Dabei muss man allerdings zugeben, dass Marina Hoermanseder immer bemüht war, dieses Segment gestalterisch zu veredeln. Man denkt an Clubnacht-Outfits von Grace Jones (die waren natürlich noch exzentrischer) und überhaupt gibt es eine Reihe gestalterischer Rückgriffe auf die 80er und 90er Jahre, die ja auch die eigentlichen Discoclubjahre waren. Einfache Clubkleider hat Hoermanseder raffiniert geschnitten und effektvoll mit Applikationen versehen, manche Silhouetten sind spannend angelegt (z.B. oben weites Blouson, unten hautenger Rock), mit den festen Ledercorsagen hat sie kontrastierende Stücke verbunden, und die Bustiers werden jetzt teilweise mit darüber liegenden Transprenzen ergänzt. Das ist jeweils sehr gut gelungen, besonders da, wo die Designerin Schwarz inszeniert und die Riemen ein reizvolles Eigenleben entwickeln. Einschränkende Beobachtungen macht man aber auch: Zum Beispiel die Schnallenröcke haben jetzt oft nur eine Schauseite und sind hinten eher tragekomfortabel angelegt, solche Gestaltungslösungen erscheinen als ein unschöner Kompromiss zwischen Effekt und Pragmatismus.

Beruhigend ist neben der Konzentration auf gutes Niveau auch das Anliegen, die kaum tragbaren aber tollen „Rüstungen“ aus Leder immer wieder neu zu formulieren und vorzuführen, schon die Startfigur kam wie eine aufgemotzte Schlemmer-Figurine daher, hier mit Airbrush zu einem stilisierten Pythonkopf verwandelt. Ein anspruchsvolles Einleitungsstatement, viel mehr Varianten davon folgten zwar nicht, aber die spannend gemachten Ledercorsagen tauchten hie und da noch auf und belebten den dünnen Flitter in quasi vergewissernder Weise und geschmacksstabilisierend. Letzterer enthält, wie gewohnt, noch sehr viele Rosa-, Pink- und Lilatöne und viele weitere kitschige Anmutungen. Der Balanceakt zwischen ästhetischem Niveau und Pailettengeglitzer geht zwar manchmal, doch nicht immer zugunsten der Geschmackssouveränität aus. Die Entwurfskonzepte aus Marinas Märchen-, Disco- und Romantikland hatten schon immer ihre Tücken.

Im positiven Sinne entscheidend war aber der erwähnte Umstand, dass diese Schau die Anbiederung an den kommerziellen Streetwearbedarf mit den aufdringlichen Labelschriftzügen und anderen Billigkeiten außen vor gelassen hat und damit das geschmackliche Raffinement der Designerin wieder deutlicher herausstellte. Und der erwähnte Einzug ökologischer Experimente geht an keiner Stelle auf Kosten des guten und spezifischen Geschmacks, auch das nimmt man als vorteilhaftes Merkmal dieser – wie immer glänzend inszenierten – Schau mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Wir freuen uns ja stets, wenn neue Namen im Fashionweekprogramm auftauchen, gerade angesichts des Umstandes, dass die Zahl der Schauen schrumpft und die Bemühungen um Nachwuchs beschworen werden. Cashmere Victim ist ein neues Label im Programm und der Name verspricht eine Ode an die Sinnlichkeit.

Kaschmir gehört zu den Luxusmaterialien der Mode, denn diese Wolle ist eine der wertvollsten und teuersten Naturfasern mit der Eigenschaft sehr leicht zu sein und zugleich gut warm zu halten. Und sie hat eine ausgeprochen sinnliche, haptische Qualität. Entsprechend anspruchsvoll bzw. behutsam geht die Mode und die Industrie üblicherweise damit um. Ein gutes Beispiel ist die kleine Kaschmir-Kollektion von Alexandra Golovanoff, die zeigt, wie man französische Eleganz mit der Lässigkeit des Alltags und der Würde des Materials zusammenbringt.

Die Schau von Cashmere Victim legt jetzt eine weiter ausgelegte Anschauung des Materials in seiner Verwendung vor, gezeigt werden bequeme, gut und im Alltag tragbare Teile, die zum Teil recht chic sind, auch kaschmir-klassische Accessoires wie Mützen und Schals. Im Allgemeinen findet man viele schöne Teile in der Kollektion. Die leichten Federröcke, die damit kombiniert werden, sind sicherlich als eine Referenz auf das Tänzerisch-Traumhafte, die Leichtigkeit im Assoziativen zu verstehen, das wird der Anschauung auch irgendwie gerecht.

Doch die schlichte, lässige Eleganz des Alltäglichen wird erweitert auf etwas gröberen Streetwear-Style, es tauchen formlos schlabbrige Hosen auf, Blousons und Hoodies bzw. Kapuzenpullover.  Zu den schlichten, eher klassischen Erscheinungsbildern treten Gestaltungen mit großen Schriftzügen und Mustern sowie Bildprints (z. B. Naturmotive „Wald“), die ein eigenes Wirkungsfeld kreieren. Damit oszilliert die gezeigte Kollektion zwischen wirklich schickem Understatement und betontem Streetwearcharakter. Die Absicht manifestiert sich im Titel der Kollektion: „luxury meets coolness“. Doch durch die Kombination mit zerschlissenen Jeans z.B. wird das Image der Hochwertigkeit stellenweise auf Geschmackskategorien heruntergebrochen, die in ihrem Selbstverständnis von elegantem Styling eher entfernt sind. Man kann das als mutigen Balanceakt interpretieren bzw. als kontrastierende Akzentuierung oder aber, wenn man es aus der Klasse des Materials ableitet, als Herausfallen aus Stilsicherheit, denn die Sinnlichkeit des Kaschmirs verflüchtigt sich an solchen Beispielen oder wird abgewertet. Man kann dem Kaschmir die zugrundeliegende Eleganz wegdesignen.

Die gezeigte Kollektion ist etwas ausgedehnt, Mustersysteme und Farbwirkungen werden als Varianten vielfach durchgespielt, weniger wäre vielleicht mehr. Manchmal sind sie etwas hippieesk, manchmal angelehnt an Techno-Psychedelic-Style. Insgesamt bleibt das Erscheinungsbild trotzdem noch relativ zurückhaltend, das tut der Kollektion gut. Herausfordernd ist vielmehr der Gedanke, einem exklusiven Luxusmaterial mitsamt seinen edlen haptischen Qualitäten Charakteristika von Streetwear zuzuordnen. Das erweist sich als brisant und solche Experimente können die Franzosen einfach überzeugender.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine etwas ungewöhnliche Fashion-Location: Durch die Restaurantküche gelangt man ins Crackers – die schicke, etwas versteckte Bar (bzw. das Restaurant) an der Friedrichstrasse  wurde in eine Laufstegkonstellation umgeräumt und mit kleiner Hinzufügung ergänzenden Lichts und freundlicher Weinverkostung war der Ort für eine kleine Modenschau angemessen ausgestaltet. Die war dann eher für Insider-Publikum, also Kundenfreunde des Labels oder des Bar-Restaurants und entsprechend typisch in den modischen Erscheinungsbildern.

Die mit 50 Outfits relativ große Kollektion focussierte sich hauptsächlich auf Businesskleidung gehobenen Niveaus, geschmacklich solide, meist stimmig und ohne besondere Merkmale oder Kicks, gut verarbeitet und mit „wertigen“ Materialien. Seriosität mit der üblichen, angedeuteten Sportlichkeit, Lässigkeit und Großzügigkeit, die die dynamische und jung erscheinende Businessfrau aus erfolgreichen und wohlhabenden Kreisen repräsentiert. Das gestaltende Wagnis muss außen vor bleiben, aber gewisse Keckheiten im Arrangement sind als eine stilistische Aufwertung zu verstehen und stellen Lässigkeit heraus. Gold als bestimmende Farbe einiger Outfits fällt in dem Zusammenhang schon aus der kultivierten Zurückgenommenheit und setzt einen ungewöhnlichen Akzent. Gewagt im Businesskontext wirken dann auch die etwas freieren Outfits mit leider schlecht sitzenden Bandeau-BHs. (Und die Drapierung der Handtaschen vor einer Brust ist sicher dem Demonstrationsaspekt geschuldet und keine neue, modische Sitte.)

Einerseits war die Schau von Boscana x Gitta Banko während der Fashionweek alles in allem eine passende Einlage im üblichen Bar- und Restaurant-Getriebe des anspruchsvolleren Segments, nicht weiter spektakulär. Andererseits kann man sie aber auch als ein Statement für eine wohlhabende Großstadt-Klientel verstehen, die mittlerweile auch in Berlin Fuß gefasst hat und die Stadtkultur spürbar verändert beziehungsweise verändern will. Das hat, wie gesagt, noch Insider-Charakter, ist quasi der Hamburg-München-Düsseldorf-Import, ein noch subkulturelles Phänomen, es demonstriert aber, dass die Fashionweek nicht nur eine Veranstaltung von Kreativmode bzw. Mode-Kunst ist, sondern dass sie auch das bisherige kulturelle Selbstverständnis der Stadt neu aufmischt. In dem Sinne kann man scheinbar beiläufige Veranstaltungen wie diese nicht ignorieren.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lena Hoscheks Kollektion ARTISAN PARTISAN kommt mit einer scheinbaren Endgültigkeit daher: Früher oft unentschieden zwischen Folklore, 50s, Erotiktouch und floralen Spielereien und mit wechselnden Akzenten, kommt die Kollektion Herbst-Winter 2020/21 jetzt entschieden folkloristisch. Abgesehen von ein paar typischen Schnitten scheint der Abschied von den Fünfzigern jetzt endgültig besiegelt zu sein, das war der vergnügte und dynamische Fokus, mit dem ihre Karriere begann, und der erotische Pfiff als Thema in der Folge darauf ist nun wohl ebenso endgültig als vorübergehende Phase abzuhaken.

Folklore dagegen war schon immer ein bestimmter Teil des Interesses der Grazer Designerin, die tauchte annähernd durchgehend auf, und sie ist mit dieser Kollektion das leidenschaftliche Hauptthema. Mit viel Aufwand, Recherche und traditionellen Herstellungsaspekten macht Lena Hoschek daraus eine folkloristische Reise mit verschiedensten Prägungen und badet geradezu in dem enormen Fundus der möglichen Stoffe, Muster und Arrangements. Farbenvielfalt bleibt Verpflichtung, bewegt sich aber insgesamt in einem gedeckten Herbst-Ganzen und mit Mustern, ob gewebt oder geprintet, geht Lena Hoschek nach wie vor sehr einfallsreich und geschickt um. Das gilt natürlich auch für die große Bandbreite der Schnitte, die die Designerin beherrscht wie kaum eine andere. Und den meisten Outfits sichert Lena Hoscheks Sinn für Sexyness den wichtigen Touch des Lockeren und Modernen, so macht sie das Traditionelle attraktiv.

Die pointierte Entscheidung für die Liebe zur Folklore mag, wenn man das mal im breiten gesellschaftlichen Diskurs ansiedelt, sicher ein starker Link zum Thema „Heimat“ sein, den Hoschek hier aber eben nicht national ausrichtet, sondern stattdessen als inspirierte Vielfalt präsentiert; die Zuwendung impliziert aber auch eine Retro-Perspektive, die stärker von konservativer Sehnsucht geprägt ist als von einem optimistischen Blick in die Gegenwart oder Zukunft. Das wird von der Lust an der Vielfalt und ästhetischen Verliebtheit (und Freude an der optischen Weiblichkeit) zwar gebrochen – in der Hinsicht bleibt die Designerin sehr modern, thematisch aber ist die Hinwendung zu folkloristischen Traditionen und Prägungen von anderer Bedeutung als seinerzeit der zurückblickende Spaß am Rock’n Roll und auch den Schlagern der Fünfziger: Die assoziative Verbundenheit mit bodenständiger Kultur(en) und die Ausdrucksqualität des Traditionellen entwickelt in der Wahrnehmung eine eigenständige Kraft, die über die rein ästhetischen Gelüste und Entdeckungsspaß hinausgeht und ein zeitnahes Lebensfeeling tendenziell negiert. Hoscheks Kollektion sucht das nicht explizit, es schwingt aber zwangsläufig, wenn auch unbeabsichtigt, mit. Retro ist nicht immer schick, auch wenn es in diesem Sinne aufbereitet wird, es birgt auch die Gefahr sich zu verkehren, weil auch Haltungen aufscheinen.

Was die marktgerechte Ausrichtung für Österreich angeht, können wir keine Einschätzung abgeben, sondern nur vermuten, dass das schon passt, wissend, dass Lena Hoschek eine kluge und umsichtige Businessfrau ist und stets genau weiß, wie der Modemarkt praktisch tickt. Inwieweit diese folkloristische Retro-Orientierung auch für den deutschen Markt eine treffende Formulierung ist, wird sich zeigen. Was Trends auf den Fashionweeks betraf, war Lena Hoschek ohnehin immer unbeirrt unabhängig und eigenständig, zugleich anspruchsvoll und auf ihre Weise relativ vielseitig. Und auch erfolgreich. Einflussreich ist sie eher nicht, aber ihre Präsentation im großen Zeitgeistkontext der Fashionschauen kann trotzdem nicht nur solitär oder isoliert wahrgenommen werden, sondern stellt sich auch weiterreichender Betrachtungen, gerade wenn das Thema Folklore ins Zentrum gerückt wird.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Sie sind nach längerer Pause (seit 2012) wieder da: DSTM, mit einer „body-wear“-Kollektion und einer ungewöhnlichen Präsentation im Stil einer Tanzperformance auf dem Laufsteg mit Livemusik. Verantwortlich für die Schau waren Jen Gilpin (Inhaberin und Designerin der Marke), die Tänzer des Siciliano Contemporary Ballets, das auf sexuelles Selbstverständnis focussiert ist (Choreograph: Salvatore Siciliano) und die Elektronik-Musikerin EMIKA. Diese Performance sollte die Geschmeidigkeit und den Rundumanspruch der Kleidungsstücke auf sinnliche, einschmeichelnde und körperbetonende Weise demonstrieren – insoweit war das auch ein schlüssiges Konzept.

Es ist definitiv eine Bereicherung für die Berliner Fashionweek, wenn dieses Kleidungssegment sich selbstbewusst beteiligt, auch ganz unabhängig von einer eigenen Präsentationsform. Der englische Begriff Body-Wear macht da auch mal Sinn, denn die Erscheinungsbilder bilden quasi eine Synthese von Unter- und Oberbekleidung, weswegen die Bezeichnung Unterwäsche da zu kurz greift. Die Marke bietet ja die Bereiche Lingerie, Bodywear und Clothing an, also eigentlich noch Unterscheidungen, aber aufs Ganze gesehen ist die Sinnlichkeit der Gestaltung das letztlich prägende Merkmal. Und diese Anschauung geht einher mit einem sehr zeitgenössischen Gestaltungsbewusstsein, das einerseits den intimen und den öffentlichen Auftritt nicht mehr konsequent trennen will und andererseits den heutigen Vorstellungen erotischer Lebensgestaltung mehr Rechnung trägt, als klassische Dessousmarken das letztlich können. Der Standort Berlin verstärkt dieses Selbstverständnis und den Anspruch sicherlich auch noch.

Die Designerin Jen Gilpin schlägt diese Brücke sehr geschmacksorientiert und körperbewusst, ohne dabei Idealmasse zu erzwingen. Gewollte Haltbarkeit (also sehr hochwertige Materialien und Verarbeitung) ist darüber hinaus ein Kriterium der Nachhaltigkeit, weswegen die Gestaltungsentwürfe trotz ihrer Zeitgemäßheit auch eine klassische Qualität mitbringen. Daraus ergibt sich zwangsläufig die Einordnung im Luxussegment, dem die gestalterische Qualität voll Rechnung zu tragen weiß. Die Teile kommen wie eigenständige Kunstwerke daher und sind in ihrer Stilistik so prägnant, dass sie untereinander auch geschmackskompatibel sind. Und sie sind eben nicht nur auf eine Schauseite hin konzipiert, sondern rundherum wirkungsvoll. Die ausschließliche Farbe Schwarz ist wohl hauptsächlich dem erotischen, genauer gesagt sinnlichen Basisgeschmack geschuldet, jedenfalls ist damit jede Süßlichkeit ausgeschlossen und stilistische Dezenz garantiert, auch wenn viele Stücke sehr komplex und ideenreich in der Gestaltung erscheinen.

Auffällig ist, wenn man mal Vergleiche mit guten Produkten aus dem Spektrum der Fetisch-etc.-Szene wagt, dass eleganter Geschmack in Kombination mit dem erwähnten klassischen Touch den primären Eindruck hinterlässt und die erotisierende Komponente eher selbstverständlich enthalten ist. Diese Position ist darüber hinaus im Spektrum der Berliner Modephilosophie eine bewusst und stark vernachlässigte Perspektive, die sich zu recht hier kraftvoll, selbstbewusst und wirkungsvoll zu Wort meldet. Auch aus dieser Sicht erscheint der Auftritt wichtig und relevant fürs Ganze.

Die Schau feierte gleichzeitig das 10-jährige Bestehen der Marke DSTM, was den Erfolg des Anspruches belegt. Es bleibt zu hoffen, dass sie auch in den kommenden Berliner Fashionweeks gegenwärtig bleibt und nicht erst nach weiteren zehn Jahren wieder ins Modebewusstsein rückt.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Fragen stellen kommt vor der Handlung des Notwendigen. Die Designerin präsentierte ihre neue Herbst- und Winterkollektion für das Jahr 2020 wieder im Rahmen der Berliner Fashion Week im Kraftwerk Berlin, einem ehemaligen Heizkraftwerk und angesagten Ort für avantgardistische Veranstaltungen. Gerade diese Umgebung passt als Kontrast sehr gut zu der neuen Kollektion von Rebekka Ruétz, die diese Fragen aufgreift.

Die Designerin ist seit langem auf der Beliner Fashionweek dabei und immer wieder gut für dezente politische und gesellschaftliche Stellungnahmen in ihren Kreationen. Noch vor kurzem waren es schlagfertige Sprüche hinter einem „Hashtag“, die in einem Kontext zu einem zeitgenössischen Feminismus gesehen werden konnten. Auf stilistisch gesehen plumpe Sprüche verzichtet die neue Kollektion erfreulicherweise und dieser Trend einiger Marken war hoffentlich nur eine kurze Irritation in der Modebranche. Es wird Zeit, sich dringender Dinge anzunehmen und Anliegen adäquat zu vermitteln. Auf unsere Straßen werden wichtige Themen in den öffentlichen Raum getragen und Fragen gestellt, die zu beantworten sind und Rebekka Ruétz versucht auch stets, darauf zu reagieren. Denn Mode sollte sich dem nicht entziehen und will dies oft auch gar nicht. Hierzu eine Position zu haben und diese durch Mode auszudrücken ist eine Herausforderung und eine Auseinandersetzung, der sich Ruétz nicht entzieht.

Hinzu kommt die Krise der Modeindustrie, die nur ein kleiner Teil von dem ist, was für die Zukunft, aber auch für die Gegenwart, von Bedeutung ist, wenn dem Anspruch auf Nachhaltigkeit genügt werden will. Hier gestalterisch eine Synthese zu finden, die modischen Ausdruck und gesellschaftliches Anliegen verbindet und in ein nach außen gezeigtes Lebensgefühl überführt, ist oft nicht authentisch und glaubwürdig. In der Hinsicht bleibt die Positionierung des Labels noch offen.

Mit der Gestaltung der Kollektion greift die Designerin vielfach auf A-Silhouetten und Schichtungen zurück. Bedruckte Blusen, mit einem schärpenartigem Anhang, welcher teilweise bis zum Boden reicht, vermitteln einen fließenden Übergang von der Bluse hin zum leichten Mantel, der wiederum unter einer anderen Jacke getragen werden kann. Im Zusammenhang mit den warmen Farben und dem luftigen Material laden diese Einzelstücke auch dazu ein, im Sommer getragen zu werden, mit körperbetonten Schnitten. Daneben stehen fast schon kastenförmige Silhouetten, die selbstsicher den Raum einnehmen und viel Volumen bieten.

Unter den Looks finden sich schwarze Mäntel, Kurzmäntel und Jäckchen mit Lederoptik. Mit viel Schwarz wird in dieser Kollektion auf Kontrast zu den ansonsten sehr kräftigen und warmen Farben gespielt. Ein sehr erdiges Currygelb, ein knalliges Bananengelb, leichtes Türkisblau und warmes, dunkles Rot finden sich bei den Stoffen zwischen all den Drucken. Diese Drucke zeigen auf eine spielerische Art eine Kosmologie und einen Blick auf die Erde und dem, was ihr angetan wird, wie durch ein Kaleidoskop – oder sie kommen in einer an Batik angelegten Flächengestaltung daher. Hier soll sich eine Anspielung auf die Verschmutzung der Meere durch (Mikro-)Plastik wiederfinden (die, das sollte man dabei nicht vergessen, letzlich auch aus Kunstfasern in unserer Kleidung kommt). Eine Sonderstellung nimmt eine Serie von Looks ein, die in Gold gehalten sind. Das wirkt im übertragenen Sinne wie Honig, der über die gesamte Kollektion gegossen wurde und dahinfließt.

Bei den Details fallen spitze Krägen ebenso auf wie asymmetrisch gestaltete Schultern. Für die Arme werden gepuffte Armschoner in verschiedenen Materialien kreiert oder – kontrastierend – durch nur im Profil deutlich sichtbare „Protektoren“ ergänzt. Damit deutet sich eine gewisse „Geharnischtheit“ an. Immer wieder unterbrechen waagerechte Muster oder Applikationen den Fluss. Breite, lange Gürtel teilen die Silhouetten und fließen dann manchmal fast bis zum Boden hinunter. Wie bei den oben beschriebenen Schärpen wirkt dies auch als eine Verlängerung des Looks in den Raum hinein.

Dezent werden die Kleiderzusammenstellungen durch dekorativen Schmuck abgerundet.

Und zum Schluss schoss die Designerin mit einer flotten Fahrt auf einem knallig blauen Elektromotorrollerüber den Laufsteg – irgendwie auch noch ein Statement zur gesellschaftlichen Diskussion.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Vier südafrikanische Kollektionen bestritten die Eröffnungsschau der Berliner Fashionweek Herbst-Winter 2020, gesponsert von Mercedes Benz im Rahmen seines besonderen Förderprogramms. Und legten damit die Latte zu erwartender Standards und designerischer Haltungen ziemlich hoch. Sie führten nämlich ein Feuerwerk der Fantasie vor, exzentrisch und dennoch diesseitig, umweltfreundlich und liebevoll-sorgfältig in der Verarbeitung, lebensfroh und sehr in der Gegenwart zu Hause. Jeder auf völlig andere Weise und mit anderem Geschmack.

Die „Fashion talents from South Africa“ waren Clive Rundle, Rich Mnisi, Floyd Avenue und Viviers Studio, vorwiegend Newcomer. Die Entstehungsumgebung ist dabei für alle stark prägend infolge der unzulänglichen Herstellungs-Infrastruktur und der eklatanten Materialknappheit. Stoffe und geeignete Materialien sind rar, müssen gesammelt und wiederverwertet werden und entsprechend einfallsreich und geschickt „verbaut“ werden. Klassisches Handwerk – auch in tradierten Verfahren – ist unabdingbare Grundlagenkenntnis und -befähigung und ohne die Kreativität von Materialumnutzung und Neuverwendung kann nichts eigenes entstehen. Doch dabei bleibt es nicht, eine ästhetische Grundauffassung, die dem „guten Geschmack“ folgt, ist ebenfalls noch eine zentrale Anforderung, die in unseren Gefilden ja nicht mehr zwingend ist.

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Clive Rundle ist kein Newcomer, er ist bereits seit 30 Jahren im Modegeschäft und in Afrika renommiert. Seine Kollektion war für den Berliner Auftritt konzipiert. Er arbeitet im Wesentlichen mit ausgemusterten Stoffen (Stoffresten, die er über Jahrzehnte in Johannesburg gesammelt hatte) und, ganz zeitgemäß, mit dekonstruktivistischen Gestaltungsverfahren. Man verspürt die Freude am Detail, an besonderen Materialien und Oberflächen und die lebensfrohe und selbstbewusste Aneignung diverser Stile (auch Kolonialstil). Geschmack- und stilvoll fügt er überraschend Verschiedenes zu komplexen Gefügen zusammen, mit verschiedenen Schnitttechniken und Gestalten – alles zusammen in einer Raffinesse und Grandezza, dass einem der Atem stockt.

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Rich Mnisis Kollektion („Alkebulan“ – ein altes Wort für Afrika) repräsentiert ein sehr modernes Afrika, das auch im Kontext westlicher Ästhetiken einen sehr selbstbewussten eigenen Platz findet, der höchst attraktiv ist. Sie bietet sehr originelle Ausstattungsideen, vielfach mit wilden, bunten Mustern, die gleichwohl sehr kontrolliert eingesetzt werden und mit gezielten Akzentuierungen und mit komplizierten Schnittechniken eine ganzheitliche Form finden. Lässige, großzügige Eleganz kennzeichnet alle vorgeführten Erscheinungsbilder.

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Floyd Avenue (Kollektion „Within Your Ken“) gibt sich im Gegensatz dazu eher akzentuiert bodenständig (z.B. Frack aus Denim). Mit dunklen, gedeckten Farben (viel Anthrazit und Schwarz, Dunkelblau, Olivgrün) und eher schlichten Schnitten evozieren die Outfits so etwas wie eine gewisse Stärke, Männlichkeit und Puristisches. Très fermé, also eher schützender Charakter. Kleine, besondere Gesten in der Gestaltung, z.B. Reißverschlüsse und Knöpfe aus Restbeständen sowie orange Schnüre lockern das zwar nicht spielerisch auf, nehmen dem Prinzip gelegentlich aber doch die Strenge.

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Die Designerin von Viviers Studio ist dagegen eher verspielt in den Ideen und Ausgestaltungen. Tiermuster werden spielerisch neu formuliert, originelle Schuhkonstruktionen erhöhen die Person, königliche Elemente (inklusive ihrer Steifheit) werden vergnügt und aufwertend verwertet, koloniale Stilmittel ideologisch entleert und als reiz- und würdevoll für sich genommen eingesetzt. Alle geschichtsbehafteten Überlieferungen sind brauchbar bzw. wiederverwertbar, wenn sie das Erscheinungsbild veredeln können. Hinzu kommen starke Kontraste und intensive Farben. Daraus entsteht nicht selten ein total raffiniertes Über-, Unter- und Ineinander, einerseits sehr würdevoll, andererseits lebendig und anders, edel und meist fantastisch.

Umweltbewußte Herstellung prägt darüber hinaus das Selbstverständnis der Modemacherin.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die Stylistin und Co-Gründerin des Fashion Council Germany Claudia Hofmann war wieder die Schlüsselfigur der beeindruckenden Schau der „Alternativen“. Sie hatte eine Folge von 51 Multi-Label-Looks aus über 80 nachhaltigen Designerkollektionen, die auf der Neonyt-Messe vertreten sind, zusammengestellt, eine Schau, die aus oft sehr banalen Alltagsdesigns etwas Besonderes herauskehrte.

Das Grundprinzip, nämlich mit konstruktivistischer Manier, sicherem Geschmack, Witz und diversen Anspielungen ein komplexes Gesamtbild zu entwerfen, das gleichzeitig auch die avantgardistische Leitidee eines zukünftigen Modebewußtseins bzw. Selbstverständnisses vergegenwärtigt, konnte wie schon in der letzten Saison das Publikum überzeugen und sorgte für viel Beifall.

Der typische Protagonist bzw, die typische Protagonistin ist im Prinzip ein moderner Nomade. Sein Lebensentwurf ist bestimmt durch Unterwegssein, ob in der Natur oder im urbanen Irgendwo, er hat seine alltäglichen Notwendigkeiten und flüchtigen Besitztümer stets im Gepäck bei sich und versteht sich ansonsten unabhängig. Seine Kleidung ist für alles gewappnet, allen Witterungen gewachsen, also praktisch, warm oder locker genug, solide und natürlich nachhaltig, und der modische Sinn ergibt sich nicht (mehr) aus modeindustriellen Vorgaben, sondern aus der eigenen Kreativität der Zusammenstellung bzw. „Präsentation“, die seine Persönlichkeit mehr oder weniger erkennbar werden läßt. Das Individuum schafft aus dem Vorhandenen seine eigene Gestalt(ung).
Der typische Protagonist denkt die Zukunft mit, demonstriert mit seiner Kleidung eine Philosophie der grenzenlosen Welt und hat sich von modischen Trends unabhängig gemacht. Und Teil der Philosophie ist es eben gerade, selbst kreativ zu sein, quasi eine späte Erfüllung des Beusschen Kunstbegriffes, aus dem Bodenständigen, Energetischen eine ästhetische Gestalt abzuleiten.

Der besondere Reiz und der Pfiff des optischen Auftritts ergibt sich aus der kontrastierenden Kombination der Teile und in diesem Mix werden die gedeckten, eher unattraktiven Farben plötzlich zu reizvollen Qualitäten und mit witzigen Hinzufügungen werden banale Outdoorjacken plötzlich zu individuellen Betrachtungsweisen. Die Genderfrage braucht nicht weiter betont oder herausgestellt zu werden, sie ist impliziter Bestandteil des erweiterten philosophischen Selbstverständnisses.
Eine großartige und auch glaubwürdige Vorstellung, die mit der Modenschau hier optisch aufbereitet wird und damit avantgardistischer ist, als alles andere, was es auf der Fashionweek bisher zu sehen gab bzw. gibt, die Eröffnungsschau der südafrikanischen Designer mal ausgenommen. Beeindruckend ist zudem die ungeheure Vielfalt, die dieses Konzept ermöglicht, der differenzierte Spaß daran, der sichtbar wird und die verborgene Wildheit im Mix, der die pragmatische Grundhaltung aufmischt. Das so für eine Schau selbstbewusst, stimmig und geschmackvoll aufzubereiten ist eine hohe Kunst und der Stylistin Claudia Hoffmann als größten Verdienst an der Sache und an der Perspektive zuzuschreiben. Gleichzeitig verkehrt sie damit schließlich den muffigen Beigeschmack alternativer Gestaltungsschwächen in eine überzeugende Stärke, deren Perspektive mit größter Glaubwürdigkeit und deutlicher Attraktivität daherkommt.

Beteiligte Labels der Schau:

AA Gold, Ackermann Ledermanufaktur, Africa 254 (FA254) Samra, After March, Alinaschuerfeld, Ambiletics, An Buermans, Andy-Wolf, Anek., Angela Ciobanu, Anna Schuster, Annette Rufeger, Antonia Zander, Armedangels, Arys, Balütta, Before 7 am, Biker-Zone, Boochen, Brachmann, Church of the Hand, Cloudy – Berlin, Dopper, Ecoalf, Esther Perbandt, Fade Out, Falke, Fjällräven, Folkdays, Forever, Friedrich Dippmann, Fub, Graciela Huam, Hanna Fiedler, Hessnatur, Hi on life, Høyem, Icebreaker, Ida & Volta, Imarit, Informis Studio, Iriedaily, Klättermusen, Langer Chen, Lani Lees, Lanius, Lara Krude, Layla De Mue, Lemon Jelly, Lil‘ Lapel, Saheli Women, Afterlife Project, Manakaa Project, Mandala, Marco Scaiano, Marria Roslova, Marita Moreno, Mies Nobis, Mimycri, Miomartha, Nakt, Natascha von Hirschhausen, National Geographic, Neubau Eyewear, Noah, Opaak, Paladium, People Berlin, Phyne, Pulva Jewelry, Quite Quiet, Recto Verso, Reer 3, Rhuuma, Sandermann, Schmidttakahashi, Scoop, Sepideh Ahadi, Skarabeos, SKFK, Skua, Sonja Tafelmeier Couture, Spatz Hutdesign, Stoffbruch, Swedish Stockings, Tata Christiane, The North Face, Timberland, Tretorn, Trippen, Vaude, Veja, Wayk´s, Wolfskin Tech Lab, World Pearls Love und Wunderwerk.

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