Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die vom Berliner Senat geförderte Showroom-Veranstaltung DACH zu den Fashionweeks verteilt sich, noch real, in der Fashionweeksaison auf mehrere große Städte, angesichts der Tatsache, dass Reisen zu Pandemiezeiten ja problematisch bis unmöglich ist. Die Showzeiten sind entsprechend versetzt, aber dennoch reisen nicht alle teilnehmenden Kollektionen in alle fünf Städte, leider, die Label-Präsenzen sind verschieden gemischt.

Die per Jury zusammengestellte Gruppe, die diese Saison insgesamt vertreten ist, besteht aus #Damur, Aline Celi, Esther Perbandt, Franzius Hänska, Johanna Gauder, Marcel Ostertag, Perlensau, Schmiede Bosslau und Starstyling. Angeschlossen aus Österreich (AFA Agency) sind Florian Jewelry, Güç, Margaret and Hermione, Miyagi, Modus Vivendi, Scotria und aus der Schweiz (Mode Suisse) Luca Xavier Tanner, Yvy.

Paris wurde nach Berlin verlegt und die Teilnehmerzahl auf neun reduziert. Parallel zum realen Ort präsentiert sich der DACH Showroom auch im Internet, aber leider funktioniert da nicht alles.

Was man normalerweise bei der Großauswahl in Paris sieht, hat auch nur immer einige wenige Highlights, der Rest oszilliert meist im Mittelmäßigen, vorsichtiger formuliert im stark kommerziell Ausgerichteten. Jetzt, wo nun also der Showroom in Berlin (statt Paris) auf vergleichsweise wenig Designer zusammengezogen wurde, merkt man diese Verhältnisse schon deutlicher, umso mehr, als einige Fashion-Highlights wie Esther Perbandt stattdessen in Tokyo zeigen. Kurz, für lokale Einkäufer sicherlich eine durchaus attraktive Auswahl, für die Suche nach innovativer Gestaltung eher wenig spannend. Der Schwerpunkt liegt ohnehin mehr auf nachhaltigen Konzepten.

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Im Zentrum des Showrooms zeigt Damur eine große Kollektion und, wie immer, hat Shih-Shun (Damur) Huang der Gegenwart wieder das Aktuellste abgeschaut, was er so direkt wie es geht umgehend in Kleidungsgestaltung umwandelt. Und im Handumdrehen in Taiwan produzieren läßt. Lieferzeit: ein paar Tage. Und was ist das Aktuellste für uns? Richtig, Pandemie mit Masken, betrifft jeden! Wenn Mode ihrem ursprünglichen Anspruch folgt, so dicht und pointiert up to date zu sein wie möglich, dann ist das bei Damur der Fall. Nach seiner Philosophie ist kein aktuelles Thema unverwertbar für Mode. Schlagkräftige Begrifflichkeiten dürfen auch nicht fehlen: Schon auf der SS21 Taipei Fashion Week zeigte er im Oktober 2020 diese, seine achte Kollektion mit dem Titel “008 Epidemic-Free Fashion Era” in Kollaboration mit der Kalifornischen Marke Brothers Marshall. „Pandemie-sichere Travelwear“, wie immer in plakativem Design, unkomplizierten Unisex-Schnitten und jetzt aus dünnem Maskenstoff, der mit zusätzlicher Beschichtung wasserfest gemacht wurde. Reinigung: nur mit kaltem Wasser abwischen. Damurs Überzieher der Gegenwart zeigen, was angesagt ist in diesen Zeiten (und dass man damit voll dabei ist).

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Die Bademode von Margaret and Hermione ist vom Erscheinungsbild her wenig ungewöhnlich oder attraktiv, eher betont neutral. Aber das Material ist ungewöhnlich, statt aus Polyamid bestehen die Teile aus recycleten Fischernetzen: „Nach langer Recherche bin ich auf die Fischernetze gestoßen und fand das eine sehr schöne Geschichte: aus dem Meer zurück in das Meer“. Ein gutes Beispiel für Produktphilosophie, die den Geist der Dinge und die ideologische Haltung über den Gestaltungsauftrag stellt: „Man sollte nichts machen, was einfach nur schön oder gefällig ist.“

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Auch die Produkte des Berliner Taschenlabels HÄNSKA sind von Nachhaltigkeit geprägt, besonders der Baumwollschulranzen fällt auf. Hier ist aber Design des praktischen Nutzens mindestens gleichwertiger Anspruch, wenn auch nicht Chic und Eleganz verpflichtet, sondern eher zurückhaltend.

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Arbeitskleidung als Mode zu kreieren ist das Anliegen von Luca Xavier Tanner (Schweiz). In Assoziation mit Beuys und vielleicht auch Jonathan Meese ansprechend entwickelt er pragmatische Unisex-Kleidung für Künstler: Die „Teile der Kollektion sollten auch in der Lage sein, einen kreativen Menschen bei seiner täglichen Arbeit zu begleiten. Die Funktionen einer Utility-Jacke werden aufgegriffen und in die Kollektion integriert. Teile sollten den Träger bei seiner Arbeit unterstützen – nicht behindern. Viel Bewegungsfreiheit ermöglicht auch das Arbeiten auf dem Boden …“ teilt der Pressetext mit. Auch hier steht der pragmatische Anspruch für das ästhetische Konzept, immerhin bekommen manche Strukturmuster ein reizvolles Eigenleben. Wenn Bildende Künstler als ein Marktsegment für Mode erkannt werden oder als Protagonisten, gibt das jedenfalls zu denken.

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Das Wiener Strickwaren-Label Modus Vivendi bietet im eigenen Atelier (hand-)gefertigte Kleidung, teils mit eleganter Note, teils sehr lässig im Design, teils als bewusst plumpe Homewear.

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Der deutsche König der begleitenden Botschaften in der Mode, Marcel Ostertag, kann auch in dieser aktuellen Kollektion nicht gerade mit gutem Geschmack oder ausgefeiltem Stil punkten. Einige weniger auffällige Mäntel aber sind durchaus gelungen im Schnitt und gehen als lässig und für sich stimmig noch durch. Immerhin legt der Modemacher Wert auf nachhaltige Produktion, hochwertige Materialien und faire Produktionsbedingungen. Dies, und dass Ostertag seit Beginn der Berliner Fashionweek dabei ist, mag Kriterium für die Jury gewesen sein, ihn hier als repräsentativ auszuwählen. Seinen Kollektionen hat man eine gewisse Classe aber nie angesehen, so auch nicht dieser.

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Sogar das Wiener Unterwäsche-Label Miyagi setzt in erster Linie auf Nachhaltigkeit. Less-Waste ist der Begriff, der hier fällt. Die Wäsche ist weich und komfortabel. Gestalterisch schwanken die Teile eigentümlich zwischen Sexyness (Highwaist-Panties und Cut-Out Bras) und eher biederer Häkelapplikation sowie groben Formen.

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Rudolf, ebenfalls aus Wien, stellt “langlebige Stücke aus natürlichen Materialien her, die in Wien immer pflanzengefärbt werden.“ Also auch dieses Label stellt wesentlich heraus, „in punkto Ökologie, Nachhaltigkeit und sozialer Verantwortung neue Wege zu gehen.“ Gestalterisch sind die breiten Streifen auf den sehr schlicht geschnittenen Teilen allerdings durchaus attraktiv und kontrastreich, wenn auch in den farbigen Varianten eher gedeckt und zurückgenommen.

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Schmiede Bosslau ist ein Schmucklabel, das so heißt, weil der Werkstattvorläfer vor 7 Generationen eine Schmiede war. Dies zu wissen erklärt die teilweise rustikalen Rückgriffe des Designs parallel zur handwerklichen Faszination der Schmuckdesignerin für japanisches Kunsthandwerk. Handgemachte Maschinen, handgemachter Schmuck und Rohstoffe wie faires, recyceltes Silber, Gold und Messing sind auch hier eine nachhaltige Ausgangsbasis, mit der Susann Bosslau „einen bewussteren Lebensstil inspirieren“ möchte, der den Schwerpunkt auf die Bewertung perfekt unvollkommener Details, Qualität, Tradition und Handwerkskunst legt. Es gelingt ihr (teilweise), dieses Anliegen in eine ästhetische Qualität zu überführen, die über Öko-Touch hinausreicht. Dies, muss man einschränkend hinzu fügen, betrifft aber leider nicht alle Schmuckstücke: die kindischen Smiley-Herzchen wirken eher wie ein Verrat an dieser eigentlich anspruchsvollen Zielvorstellung.

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Aline Celi sucht sich auch in Paris einen Namen zu machen, dabei bedient sie allerdings eher konventionelle Geschmacksorientierungen. Dennoch gelingen ihr stets ein paar auffällige Akzente und sehr weibliche, akzentuierende Schnittentscheidungen, Musterapercus und kleine, kesse Wagnisse, die etwas herausstechen. Vorteilhaft ist, dass viele ihrer Entwürfe auch weniger schlanke Größen berücksichtigen und da auch funktionieren. Das abgebildete Kleid und andere sahen wir allerdings schon vor einem Jahr in ihrer Kollektion  – insofern gibt es da wohl nichts Neues für die Saison aw2021 zu berichten.

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Unterm Strich bleibt festzustellen, dass fast alle teilnehmenden Designer des DACH-Showrooms in Berlin Nachhaltigkeit (oder Weltbilder) als entscheidendes Wesensmerkmal für ihre Kollektion herausstellen. Die modische Gestaltung tritt hauptsächlich in den Dienst dieser Prämisse und es gelingt deswegen noch immer nicht, nachhaltige Mode aus dem Nimbus des „Alternativen“ zu befreien. Dabei belegt der Blick auf die Pariser Fashionweek sehr wohl, dass die Labels mittlerweile fast alle umgedacht haben oder zumindest im entsprechenden Wandel sind, ohne dafür den übergreifenden ästhetischen Anspruch aufzugeben.
Man kann vermuten, dass die hier gezeigten Labels den lokalen oder nationalen Raum nicht werden überwinden können und darauf setzen müssen, dass ihren Kunden die Demonstration ideologischer Ausrichtung wichtiger ist, als eine geschmacksgeprägte Umwelt mit optischer Attraktivität und der Freude daran.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Auch diese Saison zeigten Designer der Boutiquen im schönen Quartier 206 in der Friedrichstrasse mit einem eigenen Showformat ihre aktuellen Kollektionen, in einem Reigen aus 13 Schauen in drei Blöcken. Vertreten sind kleinere, aber durchaus nicht unbekannte Atelier-Labels – vorwiegend aus dem Osten, besonders Polen, aber auch aus dem Westen.

Erfahrungsgemäß funktionieren die ästhetischen Neigungen im Osten nicht selten in Richtung Glitzer, der ruhig etwas kräftiger aufgetragen sein darf. Auch Sexyness darf dabei oft etwas vordergründiger erscheinen, doch in dieser Saison gab es in dieser Hinsicht nur eine kleine, eher etwas verlegen auftretende Einlage im Vorfeld des Catwalks, quasi ein Extra für Fotografen, danach war die frivole Offensive gegenüber früher deutlich zurückgenommen. Die östliche Provinienz war vertreten durch Gera Skandal (Russland), Silk Epoque (Polen), A. Gliwinski & M. Arlukiewicz (Polen), Basia Olearka (Polen) und Kowalove (Polen).
Aber auch andere Herkunft war vertreten, darunter Seyit Ares (Deutschland), Andrea Droemont Couture (Deutschland), Dina Pinto (Monaco), Aynur Pektas (Brasilien), Martin Appelt (Deutschland) und Agnes Wuyam (Frankreich). Wie letztere ist Aline Celi (Brasilien/Deutschland) eigentlich immer dabei und die Designerin eröffnete und beschloss die Schauenreihe auch wieder.

Einige Designer traten auch in der Fashion-Hall Berlin im selben Zeitraum auf, was dem etwas anspruchsvoller gewünschten Kontext im Quartier 206 vielleicht nicht unbedingt förderlich ist und ihn in etwas instabileres Licht rückt. Solche Beobachtungen erscheinen in einem Fashionweek-Veranstaltungsformat eher befremdlich. Aber die Berliner Fashionweek hat ihr Gesamtgefüge noch immer nicht schlüssig etabliert und da sind solche Merkwürdigkeiten wohl nicht auszuschließen.

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Die Eröffnungsschau von Aline Celi focussierte sich auf die Kombination von schimmerndem Schwarz und großen, floralen Mustern in Gold. Dies als Auslegung von „Herbst“ ist ein edler Gedanke, der von anderen, flatternden und glitzernden oder schimmernden Kleidern, die zum Teil auch an Art-Deco-Ästhetik erinnern, ergänzt wird.

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Seyit Ares aus Düsseldorf/Berlin brachte allerdings die Kultur des exotischen Funkelns auf den Punkt. Mit mutigen und innovativen Kombinationen führte er einen femininen Clubstil vor, der in seiner Konsequenz und Experimentierfreude zu einer Kollektion gelangt, die einerseits noch von zu deutlichen Einflüssen von Marina Hoermanseder (harte Corsagen, Schnallen, Riemen), in deren Atelier er gearbeitet hat, aber auch von J.-P. Gaultier geprägt ist. Seyit Ares formuliert seine Leitidee andererseits jedoch noch futuristischer, geradezu spacig und entwickelt damit eine eigenständige Konsequenz. Leder im Metallic Look, schrille Farben, funkelnde Oberflächen und körperbezogene Schnitte gestalten noch pointierter als Hoermanseder so etwas wie eine zeitgenössische Party-Queen mit Amazonen-Touch. Inwieweit ihm künftig eine Emanzipation gelingen kann, bleibt abzuwarten. Mit seiner Gestaltung zwischen Offensive und Eleganz als Spiegel des Zeitgeistes gelang dem Designer jedenfalls das Highlight der Veranstaltung, bunt, exzentrisch und extrovertiert.

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Eine Modeschau für Kinder zeigte Gera Skandal aus Russland. Der Designer ist auf diese Klientel spezialisiert und findet jede Saison eine neue, sehr eigene Leitidee der Gestaltung. Das war dieses Mal ein fantasievoller Exkurs in Märchen- und Zwergenwelten, wofür raffinierte Materialien, Schnitte und Kombinationen in erdigem Farbspektrum sehr überzeugende Ausprägungen fanden. Gelegentlich neigten die Gestaltungen schon zu theaterhaften Ausstattungen, aber die gleichzeitige Verbindung mit ökologischer Wirkung, praktischer Diesseitigkeit und sorgfältiger Verarbeitung machte die Arrangements zu spannenden, anspruchsvollen, wenn auch zum Teil etwas versponnenen Couture-Exemplaren. Folgerichtig schloss eine – etwas reduziertere – Version für junge Frauen das Panoptikum ab und bewies noch einmal die durchaus attraktive, marktfähige Prägung der Kollektion.

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Andrea Droemont Couture ist aus Köln und auf die handwerkliche Seite der Gestaltung gerichtet. Dabei bleibt das Label aber nicht in seinem Traditionsanspruch stecken sondern zeigt verschiedenste Möglichkeiten und Gestaltungen im zeitgenössischen Sinn, so dass die gezeigte Kollektion geradezu ein Panorama von Stoffen, Schnitten und Mustern vorführt. Recht stilbewusst kommt das alles daher, in sehr maßvoller und unaufdringlicher Extravaganz.

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Das Atelier Silk Epoque aus Polen von Olga Ziemann entstand aus Liebe zur Seide und konzentriert sich auf Gestaltungsmöglichkeiten mit diesem feinen Material und einer inzwischen erweiterten Palette, in der auch Spitze, Samt und Bourette vorkommen. Ausgehend von den sehr feinen und besonders strukturierten Materialien entwickelt sie ihre Oberflächenanmutungen, Muster und Schnittarrangements, sorgfältig-liebevoll im Detail. Sie sucht in eher klassischen Silhouetten neue Wirkungsmodifikationen und ein Wechselspiel zwischen klassischer Eleganz und verspielter Lebendigkeit. Dabei ist allerdings der eher schwache Anspruch an die Schnitte und Silhouetten nicht so vorteilhaft und wirkt eher bieder als chic.

Positiv erscheint uns noch erwähnenswert, dass hier keine Magermodell-Auswahl statt gefunden hat, sondern auch Kleine, Große, Kurvige, Junge und nicht so Junge vorführten, wenn auch leider immer todernst. Für die Wahrnehmung der femininen Konzepte ist das eine Bereicherung.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Boris Marberg

Ein Nachtrag zur Fashionweeksaison in Berlin für Sommer 2020 in Berlin noch: Unter den Offsideveranstaltungen unterscheiden sich die Schauen verschiedener Veranstalter recht deutlich in den Zielgruppen, die ja per Einladung sehr präzise gesteuert werden können. Große Häuser wie das KaDeWe oder wie in diesem Fall Quartier 206 in der Friedrichstraße fokussieren sich deutlich auf feste Kundschaft für von ihnen vertretene Labels und zeigen demzufolge kaum kreativ-exzentrische Highlights sondern Prêt-à-Porter aus dem Segment des alltäglichen, aber gehobenen Chics. Die kleine Modenschau im Quartier 206 führte einige Designerkollektionen der dort ansässigen Boutiquen vor, zwölf an der Zahl verteilt auf zwei Tage, und hatte den wunderbaren Vorteil, schon ein geschmacklich exquisites Ambiente im Berliner Zentrum zur Verfügung zu haben. Organisatorisch hakelt es dann schon mal hie und da, das ist aber auch Teil des besonderen Charmes, den solche Veranstaltungen haben. Vorteil: Die Sachen sind meistens schon sofort zu haben.

Am zweiten Tag der Veranstaltungsreihe wurden fünf Kollektionen gezeigt, darunter einige mit polnischer Herkunft, die ja nicht selten für geschmacklich sichere Gestaltung steht und damit gerne auf gehobenes Luxussegment zielt.

Sehr klassisch-schlicht kam die Kollektion von Aline Celi daher,  weiß und sommerpastellfarben und gelegentlich angereichert mit kecken kleinen Extras, in den Schnitten minimalistisch und manchmal sogar leicht sportlich. Unproblematische, gute Kleidung mit Geschmack. Im Gegensatz zur letztjährigen Schau ist der Touch von Sexyness zurückgenommen zugunsten eines etwas konventionelleren Auftritts. Das Label vertritt nach eigener Auskunft nachhaltige Mode, faire Produktion und soziales Engagement. Eine Kollektion übrigens, die auch in unterschiedlichen Größen vorstellbar ist, was bekanntlich ein vorteilhaftes Kriterium im Angebot ist:

Aleksander Gliwinski & Viktoria Nosach zeigten dagegen eine Kollektion, die schon mit ein paar extravaganteren Details aufwarten konnte, Latex (oder Kunstleder) mit originell eingearbeiteten Reißverschlüssen und akzentuierend-großzügigem, fantastischem Schmuck sowie interessanten Lösungen mit Kunststoffen. Mode für selbstbewusste Frauen, denen das Durchschnittliche zu wenig ist und die Extravaganz als Bereicherung verstehen, ohne dass es freakig wird:

Die Kleidung von Agnès Wuyam, Paris (von Agnieszka Samulska Wuyam), hatte auch den Nimbus französischen Geschmacks und war vorwiegend geeignet für Parties und Empfänge. Die Mode richtet sich an dynamische, selbstsichere Frauen im urbanen Leben, wie man sie in Paris häufig antrifft:

Die Herrenkollektion von der jungen Menswearmarke DARKOH schwankte zwischen klassischen, leicht modernisierten Anzügen und Outfits für den jungen Karrieristen, der sich modische Eskapaden bzw. geschmackliche Schrägheiten im traditionellen Businesskontext leisten darf – also für die neue Generation junger, modebewusster Männer. Die Anzüge werden aus englischen und italienischen Stoffen in Norwegen gefertigt:

Rockmädchens Damenkollektion von der Designerin Marion Roscher war vom Geschmack der flotten Nachkriegsgeneration geprägt, vornehmlich wie er in Frankreich propagiert wurde, frisch, etwas temperamentvoll und sportlich-elegant. Die zum Teil recht pfiffige Erneuerung mit hellen Farben und karierten Linien auf weißem Grund, gelegentlich akzentuierenden Kopfbedeckungen sowie modifizierenden Schnitten war recht überzeugend und setzte einen leicht launigen Abschluss der Veranstaltung:

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