Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

In der Feuerle Collection – einem düsteren „Kunsttempel“ – wurde die erste Kollektion des Labels Unvain um den Gründer und Creative Director Robert Friedrichs präsentiert. Die brutale Betonästhetik des Weltkriegsbunkers erweist sich als kongenialer Ort für die Designästhetik von Unvain, die in der Berliner Club- und Subkultur verwurzelt ist, welche ebenfalls eine Affinität zu solchen Orten hat. Die minimalistische und konstruktivistische Gestaltung der Kleidung fügt sich so, mit einer fast kultischen Inszenierung, in den brutalistisch definierten Raum.

Fern vom Tageslicht und bei spärlicher Ausleuchtung wirkt die Schau kathedral, was durch Accessoires der Modelle, die Thuribula (schwenkbare Rauchgefäße) über den Laufsteg trugen, verstärkt wurde. Damit platzierten sie eine eigens für die Schau (in Zusammenarbeit mit RYOKO Berlin) entwickelte Duftinstallation. Man assoziiert mit dieser Inszenierung eine Messe für das antike Göttliche der Mode – vielleicht sogar mit Athene, die als Schutzpatron in der Webkunst und des Spinnens gilt. Bei der stilistisch auf Formgebung und Konstruktion ausgerichteten Kollektion von Unvain wäre das immerhin passend, mit einer Suche nach Schönheit jenseits von Glamour und Hochglanz.

Bei aller Härte der Formgebung leben die Looks, denn sie sind mit gezielten Akzentuierungen versehen und sie spielen mit harten Übergängen von unterschiedlichen Materialien oder Nuancierungen in der Hell-Dunkel-Farbgebung. Die Formen zeigen jeweils klare Kanten, grenzen ab und sind kompositorisch durchdacht arrangiert. Für die Wirkung spielt es dabei keine Rolle, ob harte, abgrenzende Materialien zum Einsatz kommen oder mit Transparenz und dem Durchscheinen bis auf die Haut gespielt wird. So kann ein transparenter Damenlook mit applizierten Posamentenborten, die an Zirkus-Uniformjacken erinnern, gleichrangig neben einem Herren-Look mit einer weißen Uniformjacke, ebenfalls mit solchen Posamentenborten, stehen. Die ist wiederum mit einer Used-Demin-Hose kombiniert.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine eher düstere, raue Note, die auch durch die weißen Teile und die wenigen spielerischen Applikationen nur bedingt aufgefrischt wird: hier lebt Brutalismus in mode-designter Perfektion. Verbunden wird diese formale Gestaltung mit einer gewissen Note von „benutzt und befleckt“, wenn Jeans manuell bearbeitet und verschlissen sind oder Flecken appliziert wurden. Das unterstreicht einerseits das Rohe und löst andererseits die formale Strenge, die zu Sterilität neigen könnte, geschickt auf.

2020 hat der Designer Robert Friedrichs das Label Unvain in Berlin gegründet und fügt damit dem Modeimage der Stadt eine ausgeprägte Note hinzu, die sich entsprechend aus dem Geist der Subkultur ableitet. Seine erste Kollektion auf der Fashionweek versucht die charakteristische Rauheit mit Raffinesse und Sinnlichkeit zu veredeln und die Anknüpfung an die Architekturästhetik des Brutalismus modisch neu zu beleben.

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4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Rosa Marga Dahl als Creative Director und Jacob Langemeyer als Co-Designer haben mit ihrer im Wedding gezeigten neuen Kollektion bewusste Spannung zwischen Sichtbarkeit und Introversion thematisch umgesetzt. Der Anknüpfungspunkt für die öffentliche Sichtbarkeit sei dabei die Jagd von Paparazzi auf Prominente gewesen, deren Leben von der Boulevardpresse dem Publikum zum Fraß vorgeworfen wurde. Als Reaktion würde man stilistische Anlehnungen bei strenger, schützender viktorianischer Trauerkleidung aufgreifen. In diesem Sinne kann die Kollektion als Kommentar zur ständigen Beobachtung in einer Welt, die auch von sozialen Medien und Überwachung geprägt ist, verstanden werden.

Als ideeller Akzent wurden bei mehreren Looks kleine Monitore in die Kleidung eingearbeitet, zum Beispiel seitlich an der Schulter beim ersten Herrenlook, einer kurzen Herrenjacke mit schwarzem Stehkragen. Schultern und Taille werden durch die Schnittführung betont. An der linken Schulter ist seitlich ein kleiner Videomonitor eingebaut, wohl im Sinne der oben erwähnten Beobachtung gemeint. Auf diesem  Bildschirm lief eine surrealistische Videosequenz, welche in Zusammenarbeit mit dem Künstler Michael Dahl entstanden ist. Bei den meisten Looks gingen diese Monitore allerdings im klassischen Format der Modenschau als Details und Implementierungen unter – man hat sie schlicht nicht wahrgenommen.

Ein weiterer wichtiger Aspekt der Kollektion ist der Fokus auf Textur und Haptik. Durch die Zusammenarbeit mit handwerklichen Manufakturen und die Verwendung von antikem Leinen, Kaschmir und Leder steht Stofflichkeit im Vordergrund und die technischen Komponenten treten so in den Hintergrund. Eine etwas raue Anmutung ist angestrebt, was auch mit gedeckten Farbgebungen unterstrichen wird. Durch Fransen, Schichtungen und feine Details werden verhaltene Raumbezüge hergestellt.
Auffällig und im Gegensatz dazu, immer wieder – diese Saison nicht nur bei SF1OG – Gummihandschuhe, glatt, klinisch, schützend und distanzierend.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Einen kleinen Entwicklungssprung führt die neue Kollektion von Kasia Kucharska vor und stellt den sympathisch lockeren Frauentyp vor. Eine sehr unernste Prägung von De- und Neukonstruktion, die von Frische und Lässigkeit geprägt ist, ohne auf Stilbewußtsein und Einheitlichkeit zu verzichten.

Helle und klare Farben, wie Weiß, Himmelblau und Rosa erscheinen oft und geben allen Konstruktionen einen leichten Charakter, das scheinbar Lose der zusammengefügten Elemente versinnbildlicht dasselbe in den Konstruktionen, die sich vieler geschickter Mittel bedienen. Die übergroßen, sich frei bewegenden Stulpen an Armen oder Beinen vermitteln Großzügigkeit mit einer gewissen Vehemenz im Auftritt und in Bewegung – auch dies eine unernste, aber wirkungsvolle Übertreibung. Hemden finden in allen Bestandteilen überraschend neue Verwendungen. Überhaupt wirkt nichts zwingend festgefügt und als dauerhaft bestimmt, stattdessen entsteht durch die Raffungen, Zusammensetzungen und formal scheinbar Unvollendetem eine ebenso scheinbare, improvisierte Flüchtigkeit. Hinzu treten an einigen Stellen übertriebene Schichtungen neben Freigelassenem. Auch lustige Späße werden hinzu gefügt wie die überlang herumbaumelnden Strapsbänder, symbolische natürlich nur, aus dem Kunststoff-Gewebe, das wir schon in den vorausgegangenen Kollektionen gesehen haben und das auch anderweitig innovative, neue Verwendung gefunden hat.

Das alles macht großen Spass und ist einfach gut gemacht. Sogar die großen, kitschig-kindlichen Tiermotive auf Brust und Bauch sind Statements der Unbekümmertheit wie auch das verbaute Teddybärfell und vor allem der (täuschende) Eindruck, dass das alles nicht so richtig hält. Letztlich steht, wie eingangs erwähnt, dahinter die Proklamation eines lockeren, sehr weiblichen und noch etwas mädchenhaften Frauentyps, der Spass an momentanen Erscheinungsbildern inklusive diversen Übertreibungen hat, Ordnung als erste Lebensregel zutiefst verachtet und Vergnügen am Launigen und pfiffig Improvisierten vorzieht. Und etwas vom Kindlichen wird auch noch herüber gerettet.

Spass am flüchtigen Jetzt und Freiheit im Auftritt sind eine gute Option unserer Gegenwart und die sollte man – wenn man so jung ist wie diese Zielgruppe – hemmungslos und launig ergreifen. Diese Option kann man sogar zum charakterisierenden Stil erheben und das bietet Kasia Kucharska mit dieser wundervollen, kreativen Kollektion an.

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Text & Bilder. Boris Marberg for BFC

Mit der neuen Kollektion „ROOM-FOR-PLAY“ geht Andrej Gronau spielerisch mit unterschiedlichsten stilistischen Ansätzen in einen kreativen Dialog und mischt auf spannende Weise modische Kleidungskonzepte und archetypische Einzelteile. Das macht Laune, und auch mit etwas Abstand betrachtet finden sich Ansätze, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind und erfrischen.

Er eröffnet sich mit dieser Kollektion einen weiterentwickelten Ansatz, sich mit Konstruktion und Gestaltung auseinanderzusetzen und seine Ideen zum Ausdruck zu bringen. Geschickt werden die Bezüge der einzelnen Stücke der Kollektion herausgearbeitet und dargestellt. So kommt es zu schönen Kontrastpaaren, etwa einer kurzen Damen-Couture-Jacke mit einer A-Silhouette in goldenem, griffig strukturiertem Brokat mit hellblauem Kragen und einem passenden Herrenlook mit goldener Short und fluffigem hellblauen Herrenpullover.

Solche Paarbildungen, mit verbundenen Details, sei es durch Material, Farbe oder Konstruktion, bilden den Kern der Kollektion, welche durch (Bowling-)Taschen bei Damen wie Herren ergänzt werden. Auch individuelle Stiefel mit handtellergroßen, sternförmigen Ausstanzungen bilden solch ein Paar und werden durch Sternchenanhängern bei den Taschen wieder thematisch aufgegriffen.

Der Designer scheut sich nicht, sehr mutig mit kontrastierenden Materialien zu experimentieren. Neben Brokat, Jacquard und Strick finden sich auch Textilien wieder, die aus dem Bereich der Heimtextilien kommen und eher bei warmen Stoffdecken verortet werden oder an die Taktilität von Plüschtieren erinnern.

Konzeptionell sind die 18 vorgestellten Looks eine konsequente und funktionierende Weiterentwicklung der bereits im Sommer sehr viel Anklang findenden Kollektion, welche sich mit Karo als flächenprägendem Element auseinandergesetzt hat.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Gottseidank gibt es sie noch, die gestaltungsverliebten Traumtänzer in Zeiten grauer Niedergeschlagenheit und zeitgeistiger Dekonstruktion. Thomas Hanisch ist ein solcher, der, nach vielen Jahren Schauen-Pause nun diesen Gestaltungsansatz über die Zeiten rettet und dabei alle pragmatischen Ansprüche an Modedesign aussen vor läßt, soweit sie die Fantasie bremsen.

Hanisch ist auch nicht an Begrenzungen durch zeitgenössische Strömungen interessiert, vielmehr ist er aufgeschlossen für alle Stilismen von Art Deco, Jugendstil über Gothic bis hin zu Futurismen. Das spiegelt sich auch in der Begleitmusik, die von Carl Orff am Anfang über viele komplexe und intelligente Technorhythmen bis zu Camille Saint-Saëns Karneval der Tiere reichte. Er hat seine exzentrische Formensprache seit 2013 sehr kreativ ausgebaut und denkt seine jeweiligen Erscheinungsbilder sehr individuell und in allen Bestandteilen komplett, alle Varianten von Schmuck, Frisuren und Makeup und sogar auffälliger Fingerschmuck sind gerne genutzte und wichtige Optionen. Die damit anspruchsvoll ausgefeilte Gesamtgestaltung ist stets als Unikat konzipert und die Fantasie reicht für eine große Vielfalt der Erscheinungsbilder. Besonderes Interesse richtet er neben der skulpturalen Form auf Materialien, also Texturen und Oberflächenspezifika. Er spielt darüber hinaus mit durchscheinender Spitze und dicken Materialien, die aber auch immer delikat wirken.

Die Lust, die Grenze dessen zu erweitern, was Mode kann und darf, führt stets zu exzentrischen Statements, nicht umsonst sind Lady Gaga und Company begeisterte Kunden, mit jedem Erscheinungsbild ist ein beeindruckender Auftritt und große Betrachtungsfreude garantiert. In der Schau wird die auch mit der sehr langsamen Bewegung der Modelle in großen Abständen ausführlich ermöglicht. Das feiert jedes Outfit angemessen und stellt gleichzeitig die gewohnt hochdynamische Rennerei über Laufstege infrage. Praktisch gesehen gibt das reduzierte Tempo auch Kontrolle über die sehr langen, bodenverbundenen Kleider zurück und bremst die gewohnte Flüchtigkeit der Handywahrnehmung zwingend aus. Wahrnehmung in Ruhe und ausführlich.

Natürlich denkt der Betrachter auch an eine Übertragung in die Realität, und damit sieht es nicht so aus, als ob die vielen exzentrischen Auswüchse in den gegenwärtig erlebten Alltag transportiert werden könnten, wie es in den Zwanziger Jahren des vorigen Jahrhunderts tatsächlich möglich war, zumindestens für Abendveranstaltungen und Film, Exotica, die Wahrnehmungsgewohnheiten prägten und das eine oder andere alltagskomptibel machten. Oder wie in den 80ern, wo auch viele Verrücktheiten in die allgemeine Kultur eindringen konnten. Heute bleiben solche Bizarrerien etwas abseitiger Luxus, leider, aber Haute Couture ist eben wunderbar, wie auch diese Kollektion.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Berliner Label Heroin Kids von Christian Kaiser und Corinna Engel präsentierte passend in einem typischen Berliner Club. Wer in den 1990er Jahren seine Jugend verbracht hat, wird bei dem subversiven Hauch von Grunge schmunzeln und sich freuen, dass es diese Lebensart zwischen Provokation, Wildheit und sexueller Selbstbestimmung in einer durchkommerzialisierten Gesellschaft mit einem durchdringenden Instagram-Lifestyle als Gegenentwurf noch gibt. Wenn nicht in Berlin, wo sonst wäre sie so authentisch? Im Kern wird hier eine Sehnsucht nach Authentizität in einer Welt, die von Perfektionismus, Selbstoptimierung und digitaler Inszenierung geprägt ist, gezeigt. Menschen, die sich hiermit identifizieren, wenden sich bewusst von Hochglanzästhetik ab und suchen das Ungefilterte, das Unfertige, das Echte. Und das Eigene. Dysfunktionales Verhalten zeigt sich in Aussagen wie: „Ich mache nicht mehr alles mit“, was weniger aggressiv, dafür umso konsequenter wirkt.

Das Unperfekte wird zum Stilmittel, und die Kleidung wirkt bewusst unfertig mit übergroßen Schnitten – nicht, weil man „lässig wirken“ will, sondern weil das Unpolierte als ehrlich empfunden wird und etwas darstellt, wozu man persönlich steht.

Die Entwürfe sind geprägt von applizierten Flächen mit Statement-Skizzen auf Tops bis hin zum Katzenbild, schimmernd metallischen Jacken, auch bauchfrei, und vielen schweren Stiefeln. Die Stoffe sind manuell bearbeitet, durchlöchert, oft asymmetrisch konzipiert. Es wird mit Transparenz gespielt und viel Haut gezeigt, bei einem wilden Materialmix. Das kommt greifbar und echt daher.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist ein Feuerwerk der Lebensfreude, was sogar die ansonsten eher unberührte Riege der dokumentierenden Fotografen begeistert hat. Die Kollektion von Orange Culture kommt diese Saison fast ungebrochen farbenfroh und optimistisch daher, nachdem Adebayo Oke-Lawals vorausgehende Schau in Berlin noch von traurigen Privatereignissen beeinflusst war.

Wenn man Pressetexte liest, ist man geneigt, die Interpretation in die vorgegebene Richtung zu lenken („In seinen neuesten Entwürfen beschäftigt sich der Designer mit Themen wie Nostalgie, Kindheit und Orten (wie Hinterhöfen), die uns im Laufe der Jahre prägen.“ – daher der Titel) aber in diesem Falle scheint es doch auszureichen, seiner Begeisterung für Lebensoptimismus zu frönen, dafür muss man sich ja nicht zwingend in nostalgische Erinnerungen zurückbeamen. Unsere Zeiten brauchen optimistische Zukunftsmusik und diese Kollektion von Orange Culture kann man auch so herum verstehen. Umso mehr, als unsere Klischeevorstellungen klassischer afrikanischer Stoffe besetzt sind mit selbstverständlicher Buntheit, mit Wärme und mit positiv leuchtender Lebensfreude, aus einem stets sonnigen Land der vielfältigen Muster und Erscheinungsbilder. Diese Kollektion setzt auf zeitgemäße Weise diese tradierten Vorstellungen fort und transportiert eine Menge Inspiration, um die Stimmung der Modebilder der Gegenwart aufzuhellen. Dabei kommt die Kollektion mitnichten folkloristisch daher, vielmehr assimiliert und reflektiert der ursprünglich afrikanische Ansatz die westlichen Modeströmungen in souveräner Weise und führt auch gekonnt afrikanisches Kunsthandwerk mit westlichen Herstellungsweisen und Modevorstellungen zusammen, zu einer globalen Perspektive also, die in afrikanischer Kreativität verwurzelt ist. Diese ungebrochene, stimmige Einheit ist wunderbar gelungen: Mehr noch als hier sieht man in Frankreich viele Schauen mit afrikanisch stämmigen Designern, die in Paris ihre Ausbildung gemacht haben. Und da zeigt sich oft, dass eine ausgewogene, selbstverständliche Verknüpfung der Kulturen eben nicht oft homogen und überzeugend gelingt – es bleibt eher bei Beeinflussungen.

Hier auf der Berliner Fashionweek hat bereits das Label Palmwine Icecream aus Ghana mit Life Moodboard und Muse einen wichtigen und gefeierten afrikanischen Akzent gesetzt, Orange Culture (Lagos, Nigeria) ergänzt diesen Ansatz nun auf eigene Weise, mit ebenso viel Feeling und ebenso erfolgreich.

Im Prinzip ist die ästhetische und handwerkliche Verschmelzung zweier Kulturen also die hohe Kunst dieses Labels, dazu gehören des Weiteren die skulpturalen Schnitte, lebendigen Farbpaletten und sozialbewussten Erzählungen. Der praktische Fokus liegt bei dieser Kollektion auf spezifischen Handwerkskünsten und besonderen Texturen, was sich insbesondere in den zahlreichen Ton-in-Ton-Looks, Makramee- und Häkelkleidern, handgefärbten Stoffen, bunten Drucken, Fransenpullovern, handgefalteten Schlaghosen und gewebten Accessoires zeigt. Sehr komplexe, aufwändige Entwurfs- und Herstellungsweisen, die dann allerdings auch zum Begriff Luxusmode führen, womit der angestrebte Impact dann leider wieder geschmälert wird. Aber für eine überzeugende Modenschau spielt das ja eher keine Rolle.

Und im Grunde ist es auch müßig, über den nostalgisch-persönlichen Background des Designers, über die kunsthandwerklichen Spezifika der Herstellung und über kulturelle Herkunft des einen oder anderen Elements zu sinnieren – die emotionale Begeisterung der reinen Anschauung ist Kennzeichen genug, dass hier eine Sehnsucht eingelöst wird, die eigentlich ganz unspezifisch in uns wohnt. Das dürfte die ganz große Qualität dieser Kollektion sein.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach dem fulminanten Erstauftritt in der vergangenen Saison konnte man sicher sein, dass der Designer Boehl Cronau auch jetzt eine denkwürdige Fashionshow veranstalten würde. Diese Erwartung hat er auch in ungewöhnlicher Weise eingelöst; für die neue Kollektion  hat er nämlich nicht nach atemberaubenden Effekten gesucht, sondern sich auf das Schlichte für den Alltag konzentriert, mit dem Ziel, dafür eine zeitlose Eleganz wiederzufinden, die als Leitlinie des Schaffens eine Garantie für höchste Ansprüche jenseits des Spektakulären verläßlich ist. Die Schau von ioannes am ersten Tag legte die Messlatte – zumindest in dieser Hinsicht – für alle folgenden hoch, und das auf gewissermassen leise Art.

Johannes Boehl Cronau hatte angekündigt, dass dies seine letzte Schau sei, zumindestens in einem solchen Format. Nach der letzten Saison in Paris mit Schauen im Palais de Tokio und den Galeries Lafayette Anticipations kam er zu dem Schluß, den modischen Wandlungserscheinungen den Rücken zu kehren und sich nun auf die Klassiker und Werte zu besinnen, die seine Leitphilosophie des Entwerfens ausmachen: eine Haltung und eine ästhetische Sprache. Nicht als Wiederholung sondern als Konzentrat, als Bekleidungsfreude und nicht als spektakulären Effekt. Dazu gehören eine Reihe persönlicher und geistiger, modischer Archetypen aus seinem Gedächtnis. Das sind zum Beispiel Schneiderstücke aus den 90er Jahren, wie Jil Sanders Büroanzüge, verbunden mit dunklem Lippenstift und spitzen Absätzen. Und auch das, was man als „transitional Dress“ bezeichnet, also die Kombination von Be- und Entkleidung im selben Teil.

Für eine bewußt „letzte Schau“ ist das schon eine Herausforderung an sich selbst, aber auch an das Publikum, das ja stets neue Trends und Ideen erwartet. Klassische Strickjäckchen und schlicht gehaltene Businessanzüge liegen da nicht im Erwartungshorizont, die zugrundeliegende Eleganz in diesem Fall schon – und die wird hier selbstverständlich auch bedient. Und sie ist es, wenn wir hier von einer qualitativen Messlatte spekulieren. Ob die Rückschau, Rückbesinnung, der Rückzug auf Klassisches und sogar Konventionelles ein Zeichen setzen wird, das Folgen hat, darf man dagegen bezweifeln. Letztlich demonstriert das ja auch ein Stück Konservativismus im Modebereich und ob der bei gleichzeitiger Beschleunigung subversiver Innovation und anderer Interessen (genauso wie in der Gesellschaft allgemein) ein anzustrebendes Ziel ist, muss sich jeder selbst beantworten. Vielleicht betrifft das sogar auch den Wert von Eleganz an sich, den die Entwicklung ja auch schon mehr oder weniger dahingerafft hat.

Den Titel der Kollektion „Apokalypse“ will Boehl Cronau nicht als Untergang verstanden wissen, sondern als Offenbarung. Mit der Suche nach den zugrunde liegenden Werten dieser Kollektion geht es ihm allerdings in erster Linie um eine gestalterische Selbstfindung und in diesem Sinne weniger um eine Proklamation eines Trends. Es klingt geradezu wie der Versuch, ein eigenes Geschmackstestament zu schreiben.
Sehr schön war die Schau allerdings wirklich und der demonstrative Ruf nach mehr Eleganz ist eigentlich ja auch berechtigt.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

80 Absolventen von 12 renommierten Hochschulen in Modedesign präsentierten ihre Arbeiten auf der Neo.Fashion, die dieses neunte Mal umständlich als „Neo.Fashion. presented by Potsdamer Platz“ im Atrium Tower am Potsdamer Platz im Verlaufe von zwei Tagen mit verschiedenen Programmpunkten stattfand. Zum Abschluß gab es eine Prämierung der besten, gegliedert in verschiedenen Kategorien und auch von verschiedenen Jurys bewertet.

Das Format Neo.Fashion war schon am Start eine gute Idee des repräsentativen Zusammenschlusses von Modeakademien und sie hat sich über die Jahre konzeptuell stets weiter ausgebaut. Inwieweit das ambitionierte Projekt als relevante Talentschmiede taugt, läßt sich von außen schwer einschätzen, als Termin mitten in der Fashionweek ist die Groß-Schau für Profis und Medien noch immer eine konkurrierende Veranstaltung, vielleicht finden sich terminlich einmal klügere Positionierungen. Und mit der Berlin Curated Schau im offiziellen Programm ist nun noch ein weiteres Format eingebracht, das man als Konkurrenz zu Neo.Fashion betrachten könnte, besser aber als Brücke zum offiziellen Fashionweekprogramm geeignet ist. Mit seinem eigenständigen und geschlossenen Konzept wäre, unserer Einschätzung nach, Neo.Fashion eine ideale Einleitung zur Fashionweek.

Denn auch die gezeigte Mode ist ein innovatives Momentum „auf dem Weg“. Vorwiegend experimentell und gleichzeitig modernen Anforderungen genügend, umfassen die Looks sehr verschiedene Perspektiven und Schwerpunkte, was die Vergleichbarkeit erschwert und weswegen auch die Preise in vier verschiedene Kategorien gesplittet wurden: In diesen gingen die Preise an:

• Best Digital Fashion Design: Flora Schwöppe, AMD Akademie Mode & Design Hamburg
• Best Craftsmanship: Melanie Parzenczewski, HTW Berlin
• Best Design: Wiebke Lendewig, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle
• Best Sustainability Concept: Azura Barber, Hochschule Macromedia
• Best Global Concept: Jon Liesenfeld, AMD Akademie Mode & Design
• Zusätzlich wurden zwei Sonderpreise verliehen:
  Potsdamer Platz Award: Laurin Schuler (KH Weißensee)
  Brisbane Showcase: Lennart Bohle (HS Pforzheim)

Nicht nur aus der großen Diversität gezeigter Looks sondern auch aus dem Beurteilungssplitting kann man ableiten, dass diese Modekonzepte noch am Anfang oder vor dem Anfang stehen und eine runde Komplexität eher noch aussteht. Fachhochschulspezifische Schwerpunkte lassen sich für Aussenstehende nicht herauslesen. Insofern, als die Kommerzialisierung als zwingendes Kriterium hier noch keine nennenswerte Rolle spielt und das Experiment noch freie Hand haben dürfte, sind die Neo.Fashion-Schauen allemal spannend, auch die große Diversität. Manchmal merkt man, dass die individuelle Gestaltforschung noch sehr studentisch geprägt ist, machmal bemerkt man die aktuell zunehmende Politisierung des Gestaltungsstrebens innerhalb der Hochschulen – irgendwie anregend und interessant entwickelt sind die gezeigten Ergebnisse dann soweit doch meistens. Der schnelle Wechsel der gestalterischen Ansätze läßt manchen Zuschauer leicht irritiert zurück, ein orientierender Trend ist höchstens im Nachhinein beim Betrachten der Bilddokumentation zu verspüren.

Wir fotografierten die letzte Award-Schau des zweitägigen Neo.Fashion Programms.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Hinter dem Label Orange Couture steht der aus Nigeria stammende Designer Adebayo Oke-Lawal. Das Label wurde von ihm bereits 2011 gegründet. Ursprünglich trat Adebayo Oke-Lawal an, in der Finanzwelt beruflich Fuß zu fassen. Dass es dann Mode wurde, ist ein Glück, denn mit der neuen Kollektion für den Sommer 2026 hat das in Lagos geborene Talent die Berliner Modewoche mehr als bereichert, vielmehr die Internationalität unterstrichen, die Berlin modisch bieten kann. Kurz vorweggenommen: eine der spannendsten und ansprechendsten Kollektionen, die gezeigt wurden.

Das kommt aber nicht wie aus dem heiteren Himmel, sondern ist der aktuelle Höhepunkt einer langen Reise und Entwicklung. Das Label konnte schon in Paris, London und New York präsentieren und hat über die Jahre nicht nur eine Fangemeinde, sondern vielmehr eine Bewegung um sich herum von treuen, aber auch immer wieder neu begeisterten Menschen scharen können. Gezeigt wurden im „Fürst“ am Kudamm Herren- wie auch Damenkreationen, die vielfach stilistisch als emotional, androgyn und kulturell durchdrungen beschrieben werden können. Die Kollektion spricht mit sehr warm gestalteten, freundlichen und reflektiert positiven Impulsen Seele und Gefühl an. Die Silhouetten sind sowohl bei den Damen als auch bei den Herren verspielt, vermitteln durch die Konstruktionen Bewegungsfreiheit und sind sehr abwechslungsreich gehalten. Dabei geht die Bandbreite von klassischen und formellen Grundideen hin bis zu sportlich lockeren Freizeitassoziationen. Das ist nicht beliebig, sondern stets fein aufeinander abgestimmt und stilgetreu. Der Humor schwingt bei den Konstruktionen stets mit, wenn zum Beispiel ein Damenrock direkten Bezug zu einem Blazer nimmt und der Bund auch die Überreste von einem Revers sein könnten.

Schön kombiniert werden solche flächigen Konstrukte mit Transparenz, die eng anliegend den Körper betont, ohne aufdringlich zu sein. Da zeigt sich, dass mit der Materialwahl schöne Kombinationen aus Regenesis-Stoffen aus recyceltem Plastikmüll, handgewebtem Aso-Oke aus dem Südwesten Nigerias, Baumwolle und Wolle realisierbar sind. Nachhaltigkeitsaspekte und Regionalität sind hier selbstverständlich. Besonders stolz kann man auf die Textildrucke sein, die extra für die Kollektion entwickelt wurden und sich gut integrieren. Die Modelle tragen Blumensträuße oder die Looks abrundende Taschen. Das Herz, großflächig appliziert auf mehreren Oberteilen, setzt bewusst einen Bezug zur Emotionalität: Man lebt und fühlt, ist nicht von der Umgebung und Umwelt isoliert.

Adebayo Oke-Lawal hat in der Vergangenheit immer wieder durch solche Symbole zu vermitteln versucht, dass es ihm um mehr als nur um Bekleidung geht, sondern auch um ein gesellschaftliches Statement auf der emotionalen Ebene.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Oft wurde schon in das modische Wirken von Andrej Gronau hineininterpretiert, er würde seine Kollektionen auf einem Material- und Mustermix , wilden Farbkombinationen und Details aufbauen – er würde mit Augenzwinkern nostalgisch mit Begriffen wie Heimat und dem Ländlichen spielen.

Oberflächlich betrachtet kann man zu dem Schluss kommen, wenn man Bauernkaros – auch bekannt unter Vichy-Karo – als Sternstunde der Textilgestaltung ansieht, das würde schon irgendwie passen. Das muss man aber nicht verstehen.

Sicherlich finden sich neben diesen Karos – auch nicht immer in Weiß-Rot daherkommend – diverse verspielt-naive Details wie Sternchen, Schleifen und Bänder in der neuen, in Berlin vorgestellten kleinen Kollektion, die passend in einer (ehemaligen) Industriebrauerei stattfand. Damen und Herren tragen einen wilden Mix aus verschiedensten konzeptionellen Ansätzen. Da steht eine Strickkombination für eine junge Dame, angelehnt an die Formgebung der 1960er , neben übergroßen Boxershorts-Unterhosen – in Karo! –, mit denen sich der urbane Mann neuerdings in der Öffentlichkeit zur Schau stellen soll. Das braucht Mut, mag witzig sein, kann aber nicht wirklich überzeugen. Hochgeschnittene Hosen stehen hier neben rustikalen Pullovern. Der Cowboy-Stiefel kommt öfter zum Einsatz. Warmherzig ist hingegen die Farbpalette, und die Flächenkombinationen laden dazu ein, einzelne Looks auseinanderzunehmen und die Einzelstücke isoliert zu betrachten. Dann werden viele Aspekte in der Einzelbetrachtung wieder stimmig. Da ist zum Beispiel ein „Purple“-Herrenpullover, der mit feiner Silhouette und farblicher Lautstärke punkten kann. Auch andere Strickoberbekleidung ist ansprechend kombinierbar, lebt indes aber vor allem durch Haptik, Silhouette und die bereits angesprochene warme Farbpalette. Ob dies alles in eine neue Interpretation der zeitgenössischen Jugendkultur verallgemeinernd passt, erscheint fraglich. Dafür ist die zeitgenössische Jugendkultur – auch mit einer Sehnsucht nach Tradition und Verbundenheit – zu heterogen.

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Bilder und Text: Boris Marberg

Am Kurfürstendamm wurde die fast nostalgische Sommerkollektion des jungen Labels COLRS dem interessierten Publikum präsentiert. Als Inspiration hat dem Designer, Zec Elie-Meiré, das idealisierte und emotional aufgeladene Strandleben in Brasilien gedient – maskulin und verspielt, körperbewusst und bereit für den Spaßfaktor, auch mal Grenzen auszutesten.

Für die Umsetzung sehr passend ist, dass man weiterhin auf Upcycling und Vintage-Stücke – neugestaltet und umkonstruiert – setzt. Plakativ und jugendlich kommen auf dem Laufsteg die Modelle mit T-Shirts entgegen, welche Schlagwörter und prägende Sprüche tragen: „Boys“, titelgebend, über den Zaun springen – „JUMPING FENCES“ – und des Swimmingpools wegen irgendwo nächtlich einbrechen, um sich von der Sommerhitze abzukühlen. Das Erwachsenwerden wird hier thematisch aufgearbeitet und idealisiert. Ja, solche Bilder und Stimmungsmotive erscheinen heutzutage in einer Jugend, die durch soziale Medien geprägt ist, schon nostalgisch – die guten alten Zeiten. Wenige Kontrapunkte in der Kollektion stehen dem frischen und jugendlichen Look entgegen. Alles, was gezeigt worden ist, ist technisch sehr gut umgesetzt und generiert ein einheitliches Erscheinungsbild, welches auf den ersten Blick an „Selbst an die Nähmaschine gesetzt“ erinnert, aber stringent, unkompliziert durchdacht wirkt. Das kommt sehr frisch daher.

In Bezug auf die verwendeten Materialien basiert die Kollektion auf Patchwork-Denim, leichter Baumwolle und Mesh. Zudem vermitteln transparente Stoffe und geknotete Bänder Dynamik und Sportlichkeit, ein Schwerpunkt auch der vorangegangenen Kollektion, der weiterentwickelt wird. Weiß und Denim sahen wir viel auf dieser Fashionweek, so auch hier. Ganz klar findet bei der noch jungen Marke eine Ausrichtung auf Streetwear und Freizeitmode für junge Männer statt. Auch das passt zum urbanen, jugendlich geprägten Berlin, dessen Seen mit den Ufern natürlich nicht mit der Copacabana in Rio de Janeiro konkurrieren können. Ein einziger, lockerer Herrenanzug in klassischer Anlehnung erweitert die Linie um formellere Aspekte – auch das passt und rundet die Kollektion ab.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Schau zur neuen Kollektion für den Sommer 2026 von Haderlump Atelier Berlin fand im Haus der Visionäre, einer Veranstaltungshalle mit industriellem Charme, Bauhaus-Architektur und historischem Backsteinbau statt. Die vergilbten Wände werfen ein warmes Licht auf die Kleidung und vermitteln Vergänglichkeit. Auf künstliches, hartes Licht wurde verzichtet. Damit ist der Raum auch ein greifbarer Ort geworden, der sehr gut zum thematischen Überbau der Kollektion passt, einer Auseinandersetzung mit vergehenden Kulturgütern und der Fragestellung, was für Folgen und Auswirkungen das digitale Zeitalter haben könnte.

In der Halle wurden mehrere Kuben platziert, die gespickt waren von mit Text bedruckten Bücherseiten und die einen räumlichen Rahmen für die ansonsten klassische Modenschau boten. Das passt alles sehr gut zu dem einrahmenden Themenfeld Autorschaft, Identität und Vergänglichkeit. Symbolhaft werden die Ex Libris, die individuellen Kleinode in Büchern, als Aufhänger genommen – in der Modegestaltung selbst ist der Bezug allerdings nur selten und schwer zu erkennen. Musikalisch hat man technisch innovativ mit sich rhythmisch an die Bewegung der Modelle anpassender Musik experimentiert.

Die Kollektion richtet sich an eine weibliche sowie männliche Kundschaft, der es wichtig ist, greifbar im Raum die eigene Identität zu bewahren und sich dezent abzugrenzen. Neben dem Haptischen des Materials – Leder, Leinen, Baumwolle – wird sehr spannend mit Konstruktionen gespielt, die sowohl klassische Silhouetten bieten als auch provokante Brüche in den Konstruktionen zeigen. Die verwendeten Materialien stehen oft in lautem Kontrast zueinander, was farblich abgemildert wird. Die Palette basiert auf Weiß, Beige, Schwarz und Grau – ab und zu Anlehnungen an Brauntöne – alles eine Frage der Interpretation und zurückhaltender Gestaltung.

Diese Zurückhaltung zeigt sich in der entstandenen Bandbreite von weichen Looks bis hin zu harten, skulpturalen Entwürfen, ohne zu „erschlagen“. Hier treffen breite Schultern, Korsettblusen und drapierte Röcke auf wuchtige Schichtungen, massive, in den Raum greifende A-Silhouetten, voluminös schwingende Mäntel. Kombiniert wird viel mit adoleszenten „Schildmützen“ und Taschen, die aus einer Kooperation mit „Liebeskind Berlin“ stammen. Funktional ausgelegter Streetstyle steht hier bei Haderlump ganz selbstverständlich neben wilder, aber auch edler Abendgarderobe für Damen, die mit Leichtigkeit auch repräsentativ genutzt werden kann. Bei mehreren Looks sind in Jacken integrierte Kapuzen spannend gelöst und vermitteln ein interessantes, sehr bedrängtes Stimmungsbild. Da duckt sich jemand im Großstädtischen weg und schützt sich vor den Eindrücken. Das rundet die insgesamt urbanen Looks ab und knüpft gekonnt an die letzten Kollektionen an. Johann Ehrhardt ist damit wieder eine sehr ansprechende Kollektion mit seinem erst 2021 gegründeten Label gelungen, die mit vermehrt eigenen Akzenten aktuelle Trends zusammenfasst. Damit stellt der Lette-Verein-Absolvent erneut unter Beweis, dass er zu den vielversprechendsten zeitgenössischen Berliner Designern gehört.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Berliner Label Ottolinger der beiden Schweizerinnen Christa Bösch und Cosima Gadient focussiert sich auf die innovative Prägung dessen, was als berlintypischer Style gilt und erweist sich damit als zunehmend erfolgreich. Nun erscheinen sie erstmals auf der Fashionweek im Intervention-Programm mit dem Anliegen, sich als Szene-Label größer zu etablieren.

Das Publikum war entsprechend szenemäßig, Insider und frühe Fans des eigenwilligen Labels, das ihnen für seine subversive Energie mit dekonstruierten Silhouetten und rohen Oberflächen bekannt ist.

Der Typus einer jungen Frau, der hier bedient wird, ist nicht die Heidi aus dem Schwarzwald, sondern etwa der einer etwas unzuverlässigen Person, die mit leicht selbstherrlichem Auftritt einen etwas exzentrischen Kleidungsgeschmack vorführt, das aber wohl überlegt und mit ungewöhnlichen Akzentuierungen. Dazu gehört zum Beispiel die überraschende Wahl von Stofflichkeiten, von Pants und schmalem, flachem Bandeau-Top oder verworrenes Schnittwerk, das das Ganze irgendwie zusammenhält. Nichts ist wirklich grell, weder die Farben, noch die Kontraste oder die Gesamtarchitektur, aber doch vieles ein wenig neben der erwarteten Spur. Daraus wurde ein Style entwickelt, der die Lust am leicht Verpeilten thematisiert und feiert und was viel Freiheit und Kreativität ermöglicht. Dazwischen erscheinen auch relativ konventionelle Kleider, ohne das als Kontrast spüren zu lassen. Es tauchen diverse „Schutzelemente“ auf, für’s Gesicht große Sonnenbrillen, für die Brust die erwähnten Bandeaustreifen oder als zusätzliche Gurte oben drüber, die auch sonst oft deplaziert angebracht werden. Etwas bewußt deplatziert ist einiges aber nie alles. Außerdem stets ein paar wild herumschwingende Strippen, die das frei Bewegte des Erscheinungsbilds verstärken. Gleichwohl bleibt das Dekonstruierte körpernah und sehr weiblich ausgelegt, meist, aber nicht immer. Das einzige Herrenoutfit findet auch eine geeignete männliche Note des Prinzips. Dabei sind die Grenzbereiche manchmal fluide. Das gilt für viele Aspekte des Konzeptes, scheinbarer Festlegung wird immer wieder mal deutlich entgegen gearbeitet.

Der Typus ist also die junge Frau, die einem oft im Leben begegnet, häufiger noch im Internet, trotz vieler charakteristischer Verpeiltheiten ist sie pragmatisch, straight und selbstbewußt, mit gelegentlicher Schlampigkeit, und auf dem Laufsteg wirkt manche auch launisch dazu. In Geschmacksfragen ist sie nicht gerade anspruchsvoll aber auf jeden Fall eigen und umgibt sich auch mit einigen gefundenen Trouvaillen der ausgefallenen Sorte. Wie wir schon bei Sia Arnika anmerkten, kommt die Erscheinung der noch etwas unsteten und „unfertigen“ Generation in Berlin hier ebenfalls zum Tragen, wenn auch gestalterisch prägnanter formuliert und als selbstbewußter beschrieben. Dieser Designerinnen-Mut wird immerhin von der Fanschaft mit großer Begeisterung gefeiert und Heidi ist konzeptuell als eine „berlintypische“ Kollektion zu verbuchen. Das Weitere besorgen die Influencerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach diversen Schauen in Paris betritt das Label ioannes nun auch die Fashionweek Berlin und bringt den Anspruch von Eleganz und Geschmackssicherheit in die letzte Schau des Berliner Reigens Frühling/Sommer 2026 zurück. Und das mit einiger Verve: „Dornen wachsen besser als dickere Haut“.

Das Konzept der Kollektion des Designers Johannes Boehl konzentriert sich auf das moderne Selbstverständnis der Frau, zwischen den Polen von akzentuierter Weiblichkeit und selbstbestimmter Kraft im Auftritt. Eigentlich führt die Schau die übliche französische Modeposition vor, denn sie vereint diese scheinbare Ambivalenz mit großer Selbstverständlichkeit, während man hier Emanzipation erst einmal diskursiv und theoretisch zu lösen versucht.

Der gestalterische Anspruch bei ioannes ist stets das komplette Erscheinungsbild von Kopf bis Fuß, also von der ausgewählten Sonnenbrille (MYKITA) über den Kleidungsentwurf und den prägnanten Schmuck bis zu stilgerechtem Schuhwerk, das gegebenenfalls auch einen eigenen Gestaltungsmodus erfährt. Alles erscheint sehr „bestimmt“ in der Anmutung, schlüssig und charismatisch. Zartheit wird Stärke und die Stärke erscheint subtil ausgespielt. Lässigkeit entsteht durch Selbstbewußtsein und geschmackliche Souveränität.

Das ist, so ungefähr, der französische Modemodus, den man in Paris auch als real gelebt in der Öffentlichkeit erfährt und mit Hilfe dessen man auch die philosophische Positionierung der Frau, ihr Selbstverständnis als emanzipiert im gesellschaftlichen Kontext, wahrnehmen soll. Dabei werden die gestalterischen Codes stets dem guten Geschmack unterstellt, denn der ist letztlich die eigentliche Kraft für überzeugende Wirksamkeit. Hierzulande ist es oft der ideologische Überbau – Nachhaltigkeit, Auflehnung gegen tradierte Erscheinungsbilder, Generationskonflikte und vieles mehr -, der den modischen Auftritt bestimmt, Geschmack und Eleganz sind eher eventuelle Optionen oder Extras; in Berlin sind sie nicht selten sogar ein No-Go.

Das Spiel des Modedesigns schöpft bei ioannes vielfach aus Kontrasten, die die Anschauung spannend machen, ohne widersprüchlich zu werden. Lockeres, zum Beispiel Bänder an der Tasche, wird mit geometrisch Strengem, zum Beispiel Blazer, verbunden, kraftvolle Schlangenprint-Boots werden zu kurvigem Schlauchkleid gefügt, gefährlich spitze Sandalen zu transparentem Kleid, extra lange Ärmel zu sehr kurzem Kleid, rosa Minikleidchen werden mit schwarzen, blickdichten Strümpfen getragen. Das aber ist kein festes Prinzip, denn Farbspiele, Transparenzen und Materialzusammenstellungen können auch als Nuancierungen den Look bestimmen. Hinzugefügte Elemente sichern stets klare Positionierung, besonders Sonnenbrillen (Distanzierung), kompakte und kräftige Ohrclips, strenge Frisuren, unverspieltes Make-Up. Jede Gestalt bekommt starkes Charisma, egal ob ein romantischer Touch oder schwarze Hochgeschlossenheit Ausgangspunkt des Typus ist.
Und: die moderne Pariser Frau wird ihre Sexyness damit niemals aufgeben sondern unterstreichen.

Mit geschmacklich souveränem Spiel wird so die emanzipierte Frau der Gegenwart definiert, zumindestens in dem Sinne, wie Paris das versteht, und als eleganter Einwurf (sogar als letztes Wort) auf der Berliner Fashionweek kann oder sollte das durchaus zu denken geben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Eine funktionale Halle, weit im Berliner Osten, dunkel gehalten mit schwarzem Molton, mit ein paar von der Decke herabhängenden Neonröhren und einer US-amerikanische Stretch-Limousine waren die Kulisse für die neu vorgestellte Kollektion der in Berlin ansässigen dänischen Designerin Sia Arnika. Immer wieder hat die Designerin in der Vergangenheit als ihre Inspirationsquelle nordische Künstler und deren Werk angegeben. Diesmal wird auf Karl Ove Knausgård verwiesen, ein preisgekrönter norwegischer, zeitgenössischer Autor, der vielfach einem essayistischen und introspektiven Stil zugeordnet wird und stark autofiktional schreibt. Es geht Sia Arnika beim Modemachen also offenbar um grundlegende Befindlichkeiten, bezogen auch auf ihr gewähltes Leben in Berlin. Und um Autofiktion.

Wenn man solchen Betrachtungen Raum geben will, passt das Mittel der Autofiktion modisch durchaus zu Berlin. Die Stadt war schon oft ein Tiegel, in welchem Realität, Projektion und Fiktion künstlerisch ineinander übergegangen sind, und auch heute ist die Stadt wieder eine Plattform für die Verarbeitung der persönlichen Historie und Emotionalität, viele Protagonisten sehen sich geradezu herausgefordert, sich künstlerisch selbst zu inszenieren und in eine Fiktion des Selbst zu gleiten. Manche siedeln sich gerade deshalb in dieser Stadt an. So verschmelzen autobiografische Elemente mit fiktionalen Erzählformen, und diese werden hier als Mode oder als „Content“ in sozialen Medien kommuniziert: jeder steht im Mittelpunkt seiner eigenen Realitätsblase mit dem Wunsch nach sozialer und künstlerischer Wahrnehmung. (Die digitalen Medien unterstreichen ohnehin, dass eine Trennung von Fiktion und Realität keine echte Bedeutung mehr hat – „Das Medium ist die Botschaft“, schrieb schon 1964 der kanadische Medientheoretiker Marshall McLuhan.)

Soweit wäre ein philosophischer Überbau denkbar, demnach wirft Sia Arnika die Frage nach der Bedeutung der eigenen Mode im Kontext „Berlin“ auf, nach der Positionierung einer recht jungen Altersgruppe. Es geht darüber hinaus um Orientierung in der Adoleszenz, das Suchen nach einem Weg von der Kindheit zum erwachsenen Sein, aber auch darum, wie das Erwachsensein mit fortschreitendem Alter an Kindheit und Jugend festzuhalten versucht. Ihr Spiel wird irgendwie ernst, es wird mit der eigenen sexuellen Attraktivität kokettiert. Das Design spielt dabei gestalterisch mit Überhöhungen und Assoziativem und nutzt alle möglichen künstlerischen Freiheiten. Die sexuelle Selbstentdeckung wird zum Beispiel mit  knappen, bunten Damenlooks, Blicken ins Dekolleté, Transparenz und anderen klassischen Codes thematisiert. Kurze Röckchen bei den Damen stehen neben sportlich reduzierten Looks für junge männliche Protagonisten. Materialien werden wild gemischt, und Zusammenhänge werden immer wieder aufgebrochen. Die optische Wahrnehmung zieht oft etwas nach unten. Gleichzeitig erinnern weich geschwungene Abschlüsse und Silhouetten partiell an klassische Formgebungen der 1960er und 1970er Jahre bei Damenkleidchen.
Die Herren verharren „casual“, wenig zuordbar, die Oberbekleidung mal flächig „en bloc“ oder mit Drucken auf den Textilien. Der junge Mann bei Sia Arnika darf kommenden Sommer ruhig mal in Unterhose und -hemd auf die Straßen gelassen werden und trägt trotzig ein Halbarmhemd offen. Einerseits kann man auch das als visionär verstehen, realistisch gesehen folgt es andernfalls, ganz nebenbei, der Berliner Unbekümmertheit in Sachen Erscheinungsbild in der Öffentlichkeit.
Ein sehr eigener Kosmos wird hier thematisiert, wohl darum wirkt die Kollektion auf den ersten Blick gestalterisch zusammenhangslos und auch irritierend.

Immerhin wird das Ganze in der Schau durch die Stimmung und Abfolge der jeweiligen Looks dann doch zu einem einigermassen konsistenten modischen System, wenn auch sehr schräg. Es verharrt als Anmutung in einem Hauch von traumhaft, verstörend und tiefgründig surreal – ja, eine Traurigkeit im Sommer, Trauer über den Wandel und das Eingeständnis, dem Wandel der Zeit zu unterliegen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

„Berlin Curated“ ist ein neues Show-Format, das verschiedene junge Talente präsentieren will. Initiiert wurde es von Christiane Arp (Zitat:“Die Berlin Fashion Week ist die Bühne für aufstrebende Talente,“) und ausgeführt wird es von Sevil Uguz mit ihrer Agentur 0049x. Damit wird sinngemäß eine Brücke geschlagen, von Neo.Fashion, das gelungene Ausbildungsergebnisse zeigt zu den Programm- Schauen, eine Brücke, die den Einstand ins Professionelle ermöglichen will.

Mit Berlin Curated reagiert die Vorsitzende des German Fashion Council unter anderem auf die häufigen Vorwürfe, dass die wirkungsvolle Förderung von Talenten in Deutschland nicht effektiv angegangen würde, die Konzepte intransparent seien sowie auch auf eigene Erkenntnisse. Der Versuch, mit diesem Format nun eine relevantere Aussenwirkung zu erzielen, ist lobenswert, mit der großen Erfahrung von Frau Arp, auch im Kuratieren – siehe Berliner Salon -,  wird das sicher auch kompetent auf den Weg gebracht – wenn auch vielleicht von subjektiven Verfahren und Prägungen begleitet.

Die Probleme des Berufsstartes für Modedesigner sind hinlänglich bekannt, Sichtbarwerdung, professionelles Netzwerk, Medienrelevanz, Imageaufbau sind dazu einige Stichworte. Alles das ist schwierig, weil Deutschland keine solide Modeindustrie hat, wie sie in Frankreich oder Italien funktioniert und die Professionalisierung hier schwieriger zu richten ist. Aber Berlin Curated will für die zentralen Herausforderungen Mittel und Wege finden und bereit stellen, und vielleicht wird mit diesem Format auch transparent, wie es dann funktioniert.
Eine neue Webseite dazu gibt es jetzt auch (und natürlich Instagram).

Wir berichten seit vielen Jahren aus Hyères (Frankreich) und wissen, wie das erfolgreich aussehen kann: kompetente und jährlich mit großen Namen neu besetzte Jurys wählen aus und die Wettbewerbssieger zeigen ein Jahr später dort mit neuer Kollektionsschau, was aus der bereitgestellten Förderung geworden ist. Teil der Förderung ist eine große Schau zur FW Paris. Aber dort spielen die großen Modehäuser eine wesentliche Rolle in der Unterstützung, was hierzulande eben nicht verfügbar ist. Auch die Fashioncouncils anderer Länder beziehungsweise Städte haben im Laufe der Jahre wirksame Verfahren entwickelt (besonders interessant: London).

Mit dieser ersten Schau von 16 ausgewählten (studentischen) Talenten mit 42 Looks wird nun also ein neuer Anfang eingeläutet. In der Regel drei Looks durften die Designer präsentieren, manches erscheint noch studentisch experimentell, manches etwas theaterhaft, einiges fasst modische Trends zusammen oder stellt liebevolles Schneiderhandwerk heraus und manches mutet schon recht geschmackssicher an. Additionen, Dekonstruktionen und große Volumina sieht man häufig, ökologisches Bewusstsein muss als selbstverständlich gelten und ist auch nicht selten gestalterische Innovationskraft.

Wir wünschen dem Format und dem Konzept viel Erfolg!

*

(Foto Netzfund)

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Ästhetische Vorschläge, wie Streetwear im europäischen Sinne neu aufgestellt werden könnte, gibt es ja nicht wenige, in der Überzeugungskraft und vor allem in der Durchschlagskraft führen die erdachten Vorstellungen aber nur bruchstückhaft und sehr langsam zu innovativen Standards. Ein einheitliches Bild führt das Label sample030 von Designer Ruben Jai vor.

Die geschickte Zusammenführung von Streetwear-Ästhetik mit Anti-US-Mainstream und Upcycling findet hier zu einem eigenen Stil, der vormacht, welche Gestaltungsmodi ein wirkungsvolles Bild prägen können. Ganz frei von eher unattraktiven und gewohnten Elementen wie Flecktarn, Kaputtmachen und ungewöhnlichen Längen schlecht sitzender Hosen sind viele Looks zwar nicht, die muss man wohl als „Basics“ verbuchen, aber ihre Aufbereitung und der innovative Reichtum in einem geschmacklich schlüssigen Gesamtkonzept ist wirklich bemerkenswert.

Grundlegende Herausforderung für Streetwear – als Anti-Konzept – ist es ja, Häßlichkeiten attraktiv zu machen, ihnen die spannende Reize abzugewinnen, die meist erst auf den zweiten Blick erkennbar werden. Und die weitere ist es, in der Zusammenstellung der verschiedenen (neuen oder übernommenen) Codes eine ästhetische Einheit zu kreieren. Beides gelingt sample030 sehr überzeugend, umso mehr als auch spezifische Berliner Trends dabei zum Tragen kommen. Denn besonders diese sind es, die den Anti-Mainstream bewußt prägen.

Nicht von ungefähr fand darum die Schau auch in einer rauen Lagerhalle mitten in Neukölln statt, im The Cank Berlin, im wohl roughsten urbanen Umfeld, das Berlin aufweist. Die gezeigte Kollektion war dann auch bruchlos die entsprechende Veredlung dieses Ambientes und machte ihrem Namen Ghetto Express alle Ehre. Dabei verzichtet der Designer weitgehend auf den Rückzug auf „Berliner Schwarz“ oder auf billige Schlagwortprints, im Gegenteil, die Farbigkeit zwischen Unbuntem und verschatteten Farben – zum Beispiel oliv oder verblichenes Jeans-Graublau, Beige und Erdfarben – erzielt oft unerwartete Akzente, ohne laut zu werden. Auch die Schnitte und Architekturen und die Printakzente verzichten weitgehend auf auffällige Übertreibungen oder Stilbeharrlichkeiten und behalten trotzdem den Touch des Ungewöhnlichen. Dasselbe gilt ähnlich für die anderen Gestaltungsaspekte wie die Materialmixe, den Umgang mit Upcycling, das dekorativ Undekorative, die Stilbrüche – alles ist da aber nichts ist aufdringlich oder „gewollt“.

Im Endeffekt gelingt Ruben Jai etwas sehr Ungewöhnliches, nämlich annähernd so etwas wie eine Eleganz der Anti-Ästhetik. Die, traurigerweise, findet allerdings doch noch einen Bruch: Das durchgehend entsetzliche Schuhwerk. Diese geschmackliche Bösartigkeit ist zu radikal, die läßt sich wohl nie und nirgends ästhetisch aufwerten sondern gehört verboten.

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