Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg for BFW

In der Aufwärmhalle des Berliner Olympiastadions präsentierte der Designer William Fan seine neue Kollektion „Off Duty“ für Herbst/Winter 2024 und eröffnete damit „quasi kalendarisch“ die Berliner Modewoche. Eine Woche, die neben dem offiziellen Kalender eine Vielzahl von Nebenveranstaltungen geboten hat und oft von Professionellen als von eine vom gefühlten Zerfall des Einzelhandels getragene Institution gesehen wird.

Gerade der Einzelhandel in den Innenstädten leidet an einem massiven Umsatzschwund, rasant steigenden Mieten, exemplarischen Pleiten wie jene des KaDeWe in Berlin, was alles zusammen ein toxisches Umfeld für den Handel in den Zentren manifestiert. Kleine Labels setzen deshalb vermehrt auf eigenen Vertrieb. Und dennoch ist zeitgenössische Mode weiterhin urban ausgerichtet. Hier pulsiert die Kreativität, insbesondere modisch in Berlin, wie in keiner anderen deutschen Großstadt. Auch deshalb legitimiert dies weiterhin, dass Berlin mit seiner Modewoche für Deutschland und deutsche Mode tonangebend ist.

Die Aufwärmhalle des Stadions bot eine angemessene Mischung aus kühler Nüchternheit und sportlich-dynamisch warmem Ambiente. Die Tartanbahn wurde zum Laufsteg für die Modelle, mit denen William Fan zeigt, dass er Altersgrenzen mühelos überwindet und ein weites Publikum ansprechen kann. Seine neue Kollektion ist auf Freizeit und Distanz zum Arbeitsalltag ausgerichtet. Das ist nicht so selbstverständlich, denn dem Berliner Designer wird nachgesagt, ein Liebling derer zu sein, die einen Faible für hochwertige Eleganz hätten. Jedenfalls werden seine Kreationen leger getragen. Die Volumina sind weit und locker, wie auch die Silhouetten. Lange Hosen und Oberbekleidung lassen sich untereinander kombinieren und die Looks können mit Taschen unterschiedlichster Größe und Form aus dem selben Modehaus abgerundet werden. Diesen herbstlichen Kombinationen von Hosen, Blusen / Hemden, wie auch Jacken, Pullundern und Mänteln steht eine kleine Reihe von langen und weiten Kleidern für festlichere Auftritte zur Seite. Teilweise sehr dunkel gehalten mit griffiger in den Raum wirkender Struktur.

Die Kleidung wirkt tatsächlich edel, trotz oft gröberer Struktur im Gewebe, die Textilien sind griffig und angenehm auf der Haut. Farblich spielt der Designer wohltuend mit der Palette eines warmen Herbstes, eines Winters, der eher mediterran daherkommt. Warme Grüntöne, Beige, blasses Gelb, Abstufungen von Grau bis zu tiefem Schwarz finden sich bei den Looks und in zwei Varianten grobe Karos bei Mantel-Kleidern. Im Kontrast zur Tartanbahn stehen die zahlreichen fluffigen Pantoffeln, welche von vielen Modellen getragen wurden – für Freizeit im Winter sicher ein passendes Accessoire.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag ist sicher nicht der einzige Designer, der seine Kollektion explizit mit einer persönlichen Botschaft begleiten will. Und nicht selten bleiben solche Anliegen eher banal oder romantisierend, wie an diesem Beispiel:  schon das aufwändig gemachte PR-Heft hantiert in einer etwas verquasten Einleitung mit Formeln wie Origin and Home, Door from Nature to City, The Visible and Strong from the Unknown etc.

Ein auffälliger Touch von Country-Style findet sich dann auch in den berüschten Kleidern, weichen Pullovern, Mustern und locker fallenden Schnitten, es gibt viele Mäntel und Jacken, diverse stilistische Rückgriffe auf das 19. Jahrhundert und die folgende Jahrhundertwende und hochgeschlossene Blusen. Nicht im Sinne von derb oder fest, Ostertags urbane Gestaltungs-Perspektive mit weichen und auch modernen Stoffen, lässigen Schnitten und großstädtischen Kombinationen bleibt stets sichtbar. Soweit ließe sich einem zeitgemäßen Rückgriff auf Natur mit toscanischem Landsitz, Park mit neuem Auto, See mit Bronzereihern am Ufer (Heft und Video) und so weiter noch folgen, auch wenn die Kleider mit Retrotouch, verspielten Rüschenapplikationen und Musterwiederholungen etwas langweilen. Als Gestaltungsthema, das jede Kollektion ja auch haben sollte, ist das soweit jedenfalls völlig in Ordnung. Über den anmaßenden Titel Revolution kann man ja auch hinwegsehen.

Aber die Schau geht darüber hinaus und präsentiert den Leitgedanken mit viel Brimborium und selbstgefälliger Ernsthaftigkeit. Eine 5-minütige Video-Einleitung mit wechselnden, inhaltsleeren Statements der Beteiligten, die sich mit ihren Kommentaren selbst und gegenseitig feiern, akzentuiertem Produktplacement des Auto-Sponsors, flotten Schnitten und ziemlich aufdringlicher Lautstärke fordert dem Publikum anfangs viel Nervenstärke ab.

Auf dem Laufsteg danach langsam schreitende Modelle mit wenig aufregenden Entwürfen. Es vermischt sich sommerliche Leichtigkeit und herbstliche Farbgebung, gelegentlich ist das auch sexy (es gibt noch kurze Röcke und taillenbetonende, knackig rote Gürtel). Auffälliger sind aber eher unförmige Kleider, die sehr weit sind und im Rückenbereich senkrecht herabfallen und die eher Bequemlichkeit im Schlumpi-Look assoziieren als lässig-pfiffige Eleganz. Die Rückkehr des praktischen, anspruchslosen Hauskleids. In ähnlichem Sinne gilt das auch für Mäntel, Jacken und diverse Kombinationen, nicht immer, aber oft.

Zum Schluss kommt ein sehr mitteilsamer Marcel Ostertag auf den Laufsteg und erklärt missionarisch seinen Revolutionsgedanken mit Rückkehr zu Langsamkeit und Rückbesinnung auf Ursprüngliches. Das dauert etwas.

Am Ende des Laufsteges steht ein rotes Auto des Sponsors (das laut Begleitvideo eigentlich noch den Laufsteg auf- und abfahren sollte, dafür war aber alles zu eng) – auch das ist nicht gerade eine souveräne Lösung für einen sachlich und ästhetisch überzeugenden Auftritt.

Mit früheren Schauen haben wir Marcel Ostertag deutlich spannender in Erinnerung als mit dieser Revolution.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg + Gerhard Paproth (Rückansichten)

Eine Wiederbegegnung der unerwarteten Art bot die Schau von Julia Seemann, nämlich mit der Hamburger 80er-Jahre-Band Xmal Deutschland. Im Zuge der Neuen Deutschen Welle hatte die ursprünglich weiblich dominierte Band eine deutsche Version von Gothic Rock begründet, auch und gerade mit deutschen Texten, und damit international beachtlichen Erfolg.

Selbst ich, der der Band damals freundschaftlich näher verbunden war, hatte sie mittlerweile schon vergessen. Was die junge Julia Seemann dazu bewegte, jetzt, ein viertel Jahrhundert später, mit Textzitaten und Bandname ihre Kollektion zu akzentuieren, wissen wir nicht, wir konnten lediglich beobachten, dass die 80er Jahre Ära auch in optischer Dynamik eine entscheidende Vorlage gewesen sein muss. Ohne Berührungsängste mit kräftigen Farben, entschiedenen Schnitten, harten Kontrasten, Mustermixen und starken Akzenten präsentierte Julia Seemann eine überaus abwechslungsreiche Kollektion mit Eyecatchern, die zwar immer wieder, aber nicht nur von den Textzitaten geprägt waren.

Die Textaufdrucke zitierten übrigens in Typografie – Typodesign war in den 80ern hochmodern – und Bildbruchstücken genau das visuelle Design der Band bzw. ihrer Plattencover seinerzeit und bedienten sich inhaltlicher Schlüsseltextstellen wie „Incubus Succubus“. Das waren aber die einzigen Gothic-Anmutungen, ansonsten kam die Kollektion frisch und sehr lebendig daher und verwandelte die vielen Retro-Zitate in ein sehr aktuelles Panoptikum zeitgenössischer Auffassung.

Das Einbringen von Text in die Gestaltung fand sich bei sehr vielen Outfits, und zwar an allen möglichen Stellen, nicht selten auf dem Rücken. Text auf Kleidung bedeutet ja auch immer einen Statementcharakter ihres Trägers und in Zeiten, wo in der Gesellschaft wieder viel diskutiert wird, wirken Positionierungen über knappe Worte recht aktuell und gegebenenfalls attraktiv. „Zu jung zu alt“, „Blut ist Liebe“, „Fetisch“, „X“ oder auch übergreifend der Designername „Seemann“ sind dafür allerdings eher spielerische, signifikante Gedankenbruchstücke, wie sie Poptexte ja meistens auch nur sein wollen.

Immerhin positioniert sich die Kollektion damit im deutschsprachigen Raum und bezieht sich auf kulturelle Erfolge innovativer Musik bzw. Jugendkultur aus Deutschland in den 80er Jahren. Damit rechtfertigt sich der Bandname Xmal Deutschland in einem aktuellen Modekonzept durchaus. Und die Wiedergewinnung selbstbewusster, optisch kraftvoller und akzentuierter Auftritte ist eine wirkliche Bereicherung der Szene.

Rückansichten

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Seit Anbeginn des Labels berichten wir über die traumhaft luxuriösen Schauen des deutsch-polnischen Designers, stets begeistert über die große Stimmigkeit bis hin in die letzten Details und Accessoires. In seiner Auftragsarbeit für Patrizia Aryton (polnischer Damenausstatter im Premium-Segment) hat Tomaszewski den komplexen Ästhetik-Anspruch jedoch zurückgenommen und konzentriert sich auf die Kleidungsstücke selbst.

Mit wunderbaren Materialien, darunter viel Kaschmir, Samt, Rohseide, und sehr eleganten, zum Teil raffinierten Schnitten gelingen ihm nach wie vor großartige Stücke, vor allem natürlich Mäntel, Kleider und Anzüge. Dabei zeigte die Schau zugleich eine größere Vielfalt der Gestaltungsansätze, zum Beispiel raffinierte Faltungen vs. geradlinigem Karomuster. Tomaszewskis geliebte Streifen finden immer wieder gut akzentuierende Einsätze auf verschiedensten Teilen, besonders jedoch die Lust am edlen Material weiß der Designer überall optimal herauszustellen.

Mit der Reduktion wurde allerdings das gewohnt perfektionistische Finish eingeschränkt, und das nicht nur weil die besonderen Zugaben und das Exzentrische – Federn, üppiger Schmuck etc. – fehlten. Vermisst haben wir die ausgerichtete Kollektionslinie, es war eher eine Ansammlung schöner Tomaszewskis. Verstärkt wurde dieser Effekt durch die Schichtungen von Einzelteilen übereinander, die den Leitgedanken harmonischer Stimmigkeit oft ganz aufzugeben schienen. Vielleicht ist das dem Auftragsmodus der Schau geschuldet, der die ästhetische Kraft und Geschlossenheit der früheren Tomaszewski-Schauen zugunsten einer Assemblage verkaufbarer schöner Teile eintauscht. Insofern war das Tomaszewski-Vergnügen hier nur noch ein geteiltes.

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Text: Susanne O. Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nscho-tschi in modernem Outfit

Winnetou lässt grüßen. Dorothee Schumacher eröffnete die Fashion Week Berlin Fall 2017 im ehemaligen Modeinstitut der DDR, im Kaufhaus Jandorf, mit ihrer Kollektion „A MODERN TRIBE“.Wieder spiegelt sie den Spirit amerikanischer Landschaften, Schluchten und Stammeskleidung in ihrer Kollektion. Dorothee Schumacher kann sich nicht von diesem Land lösen. Sie interpretiert alles immer wieder neu mit ihrer Gabe der Intuition. Mit asymmetrischen Layerings, Taillen betonten Silhouetten, dekonstruierten Schnitten, Farbkontrasten und unterschiedlichen Strukturen mixt die Designerin in provokant opulenter Art und Weise. Ihr Credo für diese Kollektion ist: Perfektion ist out.
Na wunderbar. So unperfekt kommen die Outfits gar nicht rüber. Vielmehr entsteht ein lässig, eleganter Look, der Luxus transportiert.

Mit Eyelet Details – auf deutsch Ösendesign -, Gürteln und scheinbar übergeworfenen Indianerdecken repräsentiert diese Kollektion so viel Einfallsreichtum, wie selten eine Schumacher Kollektion. Haben sich die Schumacherfans verändert oder wo ist das Leichte, Fließende, zart Beseidete geblieben? Nichts von all dem. Schumacherfans gehen auf Abenteuertour und mit ihnen die Designerin höchstpersönlich.

Sie wirft nichts über den Haufen und macht doch alles anders.

Schleifen sind gesteppt, aufgeblasen und überdimensioniert. Nichts da, so flatterig aus Seide fließend. Da wickelt sie eine halbe Daunenjacke um den Hals. So wirkt es – aber es wirkt gut.
Man hat fast den Eindruck, Dorothee Schumacher wartet mit ihrem gesamten Können auf. Eine tolle Kollektion, die verspricht, dass die Designerin immer wieder überrascht und neu verführt. Das will sie ja auch, wie sie im Sommer 2016 bei der Konferenz Mode & Stil nachdrücklich betonte und zeigt uns die wilde Nomadin der Großstadt.

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Text: Gerhard Paproth

Bild: Andreas Hofrichter

Der Schock war gelungen und die Provokation ausgiebig. Das Atelier um die beiden italienischen Designer Gianpaolo Tucci und Giulio D`Alessio, das in Italien produziert, aber Berlin als Standort angibt, brachte eine Kollektion (TERROR(ism)) auf den Laufsteg, die im Leitmotiv von martialischen Kampfeinsätzen geprägt war.

Es dominierten Kampfjacken, Kampfhosen, Gesichtsvermummung, Munitionsgürtel und -westen, Sprenggürtel, applizierte Symbolik (Blutspuren, abstürzender Bundesadler etc.) ergänzt durch entsprechende Accessoires (Handgranate, Militärsack als begleitende Tasche, Palästinensertuch u.a.) die Präsentation – zumeist in sehr expliziter Erscheinungsform.

In welche ethische Perspektive das Gesamtkonzept eingebunden war, bleibt weitgehend offen, Zeichen für diese oder auch jene (gegensätzliche) Positionierung waren durchaus zu finden – gleichzeitig. Das Ganze, und darin bestand die eigentliche Schockwirkung, verpackt in edle Materialien, schimmernd, weich, sauber, also den Prämissen edlen Designs subsumiert.

Doch entscheidend ist ja nicht, ob und wie es vielleicht „gemeint“ ist, entscheidend ist, wie es ankommt. Und es kommt in erster Linie so an, wie es codiert und aufbereitet ist.

Mode soll zwar den Zeitgeist transportieren und – im Alltag getragen – akzentuiert sichtbar machen, aber sie soll auch unsere Umwelt positiv bereichern, in ihrer inhaltlichen und formalästhetischen Einheit. Und aus dieser Betrachtung gerät die Kollektion von Atelier About in die Zone des Perversen. Die Ästhetisierung von Grauen, Terror und Krieg zum Einen, die Präsentation dessen auf dem Modelaufsteg zum Anderen (der Mix von Musik und Sirenengeheul reflektierte das ebenfalls) erwies sich für viele Zuschauer als Herausforderung. Unreflektierte Claqueure gab es wie immer natürlich auch, aber vorwiegend verunsicherte Reaktionslosigkeit. Nach der Schau gab es schon hie und da engagierte Gespräche, zumeist aber beim Glas Sekt den Small-Talk Übergang zur nächsten Schau.

Wenn Modedesign tabubrechend das Grauen und Elend der Welt designerisch veredelt und damit auf Aufmerksamkeit setzt, kippt das Ergebnis leicht in propagandistische Bereiche, oder in nivellierende Beliebigkeit.

Wenn das der Zeitgeist ist, muss man sich ihm widersetzen.

Ähnliche Erfahrung haben wir in den 80ern mit Oliviero Toscanis Benetton-Werbung gemacht, aber hier wurde bei längerem Nachdenken deutlich, dass das Anliegen ethisch grundsolide und engagiert war. Als hochproblematisch ist das Konzept dennoch in die Werbegeschichte eingegangen. Dieses Niveau kann die gezeigte Kollektion von Atelier About nicht erreichen.

Wir (die Redaktion) sind uns einig, dass das, was beim Zuschauer ankommt, zählt: Das Grauen der Welt in Designerästhetik zu verbrämen, erscheint als ein propagandistischer Prozess mit entsprechendem Wirkungsergebnis.

Wir glauben auch, dass angewandte Kunst sich nicht verwechseln sollte mit freier Kunst, die schon per Definition andere Spielräume und gesellschaftliche Vergegenwärtigung nutzt.

Und weil wir diese Schau in den entscheidenden Aspekten kontraproduktiv und bedenklich subversiv finden (sie negiert das konstruktive Selbstverständnis von Modedesign), verzichten wir darauf, sie an dieser Stelle mit „schönen Bildern“ zu wiederholen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Abgedunkelt und in den Silhouetten rauer ist die neue Kollektion der Designerin Rebekka Ruétz. In Bezug auf die Materialwahl und den –mix sind wir schon erfreulicherweise gewohnt mit Nachhaltigkeit konfrontiert zu werden, was leider bei Weitem nicht bei allen Labels der Fall ist, welche in Berlin präsentieren. Neben unter anderem Seide, Baumwolle, Kunstfaser, Kunstleder kommt auch wieder Fake-Fur zum Einsatz.

Sehr gekonnt werden von Rebekka interessante Kombinationen entwickelt, die eine gewisse Starrheit und etwas Robustes vermitteln. Drucke und Webstrukturen lockern dies etwas auf. Besonders geschwungene, in den Raum greifende Formgebungen bei Mänteln und Röcken schaffen Abwechslung. Die Taillen der Modelle werden akzentuiert. Dies wird noch durch erweiterte Gürtelkonstruktionen unterstrichen, die wie Fähnchen im Wind die Bewegungen untermalen.

Farblich ist die Linie konsequent herbstlich düster und kalt, während sich viele anderen Labels an den wärmeren Nuancen dieser Jahreszeit in der Palette versuchen. Durchbrochen wird dies durch ins Himmelblau gehende Fragmente.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Claudia Zuber zeigte sportliche Eleganz mit ihrer neuen Kollektion, welche sie in Zürich im Rahmen der Mode Suisse dem Fachpublikum vorgestellt hat. Dabei bleibt sie ihrer Linie treu und kann ansprechende Akzente setzen.

Das wir einen sehr persönlichen Bezug zu dem Design der Schweizerin haben, können und wollen wir nicht verhehlen und sehen Claudia Zuber weiterhin als eine der interessantesten jungen Designerinnen der Schweiz an, die sowohl gekonnt neue Akzente setzen kann, wie auch in einem abgesteckten Rahmenwerk aus dem Vollen schöpft. Weiterhin ist die Linie jung und elegant mit sportlicher Note. Den Kreationen ist anzusehen, dass ein tiefes Bewusstsein für Funktionalität vorhanden ist. Dabei nimmt Zuber die klassische Bandbreite von Damenmode auf und unterstreicht insbesondere, dass Selbstbewusstsein der Trägerinnen, sich selbst und ihre inneren Einstellungen, wie auch Reflektionen zum Ausdruck zu bringen. Wenn man davon ausgeht, dass Modedesign stets allen gängigen, wissenschaftlich elaborierten Ansätzen und Theorien nach, einen funktionalen Hintergrund hat, der sich nicht nur in der physikalischen Ausrichtung von Bekleidung im Allgemeinen erschöpft, sondern auch die soziale Komponente aufgreift, dann ist die neue Kollektion von Claudia Zuber konsequent und spiegelt den Rahmen und das Wirkungsfeld von Damenmode im urbanen, zeitgenössischen Kontext sehr gut wieder. Ihre Mode drückt neben Selbstbewusstsein auch die Zugehörigkeit zu einer dynamischen und flexiblen Gruppe aus, die darstellen kann und will, dass Stabilität der eigenen Persönlichkeit im Vordergrund steht. Sicher geht dies mit einem gewissen Grad an Anpassung an Konventionen einher. Im Gegensatz dazu hat aber Damenmode in den letzten Jahrzehnten viele Impulse erfahren, sich jene Freiräume zu erobern, welche der Herrenmode immer mehr abhandengekommen sind. Emanzipatorisch ist es nicht nur legitim, sondern geradezu notwendig, mit einer Anpassung an Herrenmode zu spielen und durch Parallelen auch eine Art Abgrenzung zum Maskulinen zu bewirken. Androgyne Strenge wird hier unterstrichen und dennoch bleibt das Weibliche sichtbar. Entsprechend „geschäftlich“ dominiert der Verzicht auf lockende, laute und Dominate Farben. Schwarz und Weiß sind Pole die Stabilität bezeugen –  Grau lockert auf und bringt Wärme. Die Silhouetten sind klar und vertikal. Bei Röcken kommt spielerisches Volumen in drehendem Schwung  zur Wirkung. Strick kann im Materialmix zudem die Oberteile gut auflockern.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Weißensee Absolventin Tosca Wyss zeigte ihre neue Herrenkollektion für Herbst und Winter 2016 im Rahmen der Mode Suisse in Zürich. Klare Oberflächen und Colour-Blocking für Männer dominieren die Kollektion. Schwarz, Weiß und Orange bilden in geometrischer Anordnung ansprechende kräftige Flächen in den Konstruktionen. Hierdurch wirkten die Looks breit und voluminös. Neben der Konzeption mit vertikalen Streifenansätzen, oder horizontalen Brüchen die Flächen zu gestalten, fallen als Applikationen Vögel, insbesondere „Flamigos“ als Motive auf. Zwei Jacken stechen mit feingliedriger Strukturierung im Druck auf, der Federn wiedergibt. Neben den klar und nüchtern strukturierten und konzipierten Looks, brechen diese Einzelstücke aus der Linie heraus und sind nicht konsistent. Die Hosen schließen sehr oft mit einem Materialmix in einem Ansatz von Glattheit unten ab. Insgesamt überzeugen die Kombinationen in Schwarz und Weiß mehr als die farbigen. Der sportlich jugendliche Look vermittelt Ungebundenheit und ist urban ausgerichtet mit einer sportlichen Note. Das Make-Up und Styling der Modelle hat leider hierzu nicht wirklich gepasst und wirkte zu aufgesetzt.

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Eine elegante Vorstellung

Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Das Herrenlabel Brachmann präsentiert seine Kollektion auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Designerin Jennifer Brachmann und ihr Partner Olaf Kranz stellen eine edle und elegante Männerkollektion vor. Die Show im „Me Collectors Room“ beginnt mit countryähnlichen Klängen und stellt den heutigen Mann in klassischer Rolle dar. Vor dem bildlichen Auge sieht man die Modelle mit Bärten, zigarrenrauchend, über Geldgeschäfte unterhaltend.

Die Mode wirkt durch beige, schwarz und anthrazit- blaue Farben sehr klassisch, der Mann in der Kleidung als ein echter Gentleman. Die einklingenden, elektronischen Beats, modernisieren allmählich das Bild des Mannes und rücken die Mode in ein durchaus alltagstaugliches, zeitgemäßes Licht, wo klassische Kleidung nicht nur im Business getragen werden kann.

Die Schnitte sind klar und streng, die Oberflächen durchdringen sich durch aufgesetzte Falten und Taschen. Besonders elegant sind die spitz zulaufenden Buisnessschuhe in braun und schwarz. Die cashmereähnlichen Pullower unterstreichen diese. Klassische Hemden und Pullover haben häufig eckig ausgeschnittene Kragen. Graue und graublaue Anzugshosen, sowie Trenchcoats wirken wie aus glänzendem, glatten Jeansstoff erarbeitet. Die Kollektion ist von Einflüssen der 40er Jahre geprägt. Hierzu zählen (Dinner-) Sackos, sowie Kellnerwesten, welche grob struktutiert sind. Im Allgemeinen kontrastieren die Stoffe von fein zu grob. Farbakzente setzt der orange farbene Pullover unter dem klassischem Mantel.

Die Show wird mit dem Song „Anabelle“ von Isolation Berlin beendet, welches vermittelt, dass auch Männer in Anzügen, Gefühle haben dürfen und jeder Mann, diese Mode tragen kann.

„Mein Herz schlägt bis zum Hals und der Kopf fährt Karussell, ich liebe dich so sehr, auuu!“

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Laurèl ist eine der „Stammmarken“, die auf der Fashion Week in Berlin präsentieren. Oft wird der Stil als Persönlichkeit unterstreichend und klassisch feminin beschrieben. Die Marke ist insbesondere im deutschsprachigen Einzelhandel sehr präsent und im höherwertigen Volumenmarkt angesiedelt. Elisabeth Schwaiger schafft mit ihrem Design-Team jährlich zwei Kollektionen, die den klassischen Saisons zuzuordnen sind. Auch für den kommenden Herbst und Winter 2016 sind die Volumen und Silhouetten klar und figurbetont angelegt. In der Kollektion finden sich viele freie Kombinationen aus Hosen, Tops die mit Mänteln kombiniert werden. Röcke finden sich kaum, wohingegen im Bereich Abendmode einige Kleider angesiedelt sind und somit die Palette von alltagstauglichen Looks hin bis zu festlichen Anlässen etwas zu bieten hat. Farblich dominieren die herbstlichen Nuancen die wenn mit entsättigtem Rot durchbrochen werden. Bei den Drucken wird auf konventionelle „Animal-Prints“ gesetzt, die bei vielen Schlüssen-Kreationen zu finden sind. Im Ergebnis ist und bleibt die Kollektion konventionell tragbar und Klientelorientiert.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Lyn Lingerie eröffnete die aktuelle Mode Suisse in der Edition 9 in Zürich. Evelyn Huber und Ramona Keller sind nun schon fünfte Mal in Folge bei der Mode Suisse vertreten. Nachdem der Versuch einer mehrtägigen Modeveranstaltung mit großem international in der Branche engagierten (Marken-) Sponsor in Zürich gescheitert ist, ist die Mode Suisse die einzige wirkliche Plattform für kleine und mittelgroße Labels, die in der Schweiz verwurzelt sind und auch überwiegend in der Schweiz produzieren.

Für das Label Lyn ist dies eine sehr gute Möglichkeit, denn es wird in Kleinserie direkt in Zürich in Handarbeit produziert. Entsprechend steht Individualität und höchste Qualität im Vordergrund. Mit „Fast Fashion“ haben die einzelnen Teile der beiden Protagonistinnen wenig zu tun. Im hochpreisigen Segment haben sie sich in den vergangen Jahren eine Nische erarbeitet, die nicht dem Druck permanenten kreativen Output zu generieren unterliegt. Das Ergebnis sind wie uns in der Schau wieder einmal gezeigt wurde zeitlose und dennoch modisch ansprechende Kreationen. Bei Lingerie von saisonalen Kollektion sprechen zu wollen und dieses Konzept einer exklusiv agierenden Marke aufdrücken zu wollen wäre indes fehl am Platz. Im Vergleich zu der „Kollektion“ Herbst / Winter 15/16 reihen sich die neuen Entwürfe nahtlos an, und wechseln farblich deutlich. War für die dunkle Zeit tendenziell eher Schwarz angesagt, so stellen die neuen Looks, mehrheitlich in Weiß und Rot präsentiert, eine schöne Erweiterung dar. Insbesondere die weißen Bodies erweitern das Repertoire sehr angenehm. Die Silhouetten sind feminin und mit anliegender Formgebung gehalten. Trotz viel Transparenz bleibt das „Hautzeigen“ dezent, fast funktionell nüchtern, ohne Charme zu verlieren.

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MB Fashionweek Berlin AW2016/17

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Duo des guten und innovativen Geschmackes Irene Luft und André Märtens gehörten wieder zu den Highlights der Fashionweek. Mit Kombinationen von Schwarz-Rot (und Gold) und ausgefallenen, japanisch anmutenden Haargestecken präsentierten sie dem erwartungsvollen Publikum wieder eine Kollektion in Spitze, Transparenz, Verfeinerungen und innovativen Experimenten, die der modernen, selbstbewussten Frau geschmackliche Veredelung auf den Weg gibt.

Immer körperorientiert und sexy finden die detailverliebten Spielereien mit Spitze, differenzierenden Oberflächen und ungewöhnlichen Mustern gleichzeitig zu klaren, formbewußten Architekturen, die mit dem akzentuierten Hairstyle in unterschiedlich durchgespielten Varianten jeweils noch kongeniale Akzente im japanischen Touch dazu bekommen. Klar und streng auch das einheitliche Make-Up dazu. Accessoires erübrigten sich, lediglich sehr pfiffige Hand“stulpen“ und Handschuhe aus schwarzen Riemengeflechten setzten noch passende Akzente.

Wie immer gelangen Irene Lufts Experimente mit Stoffoberflächen zu erstaunlichen Ergebnissen, besonders fiel die zugleich geschichtete und aufgebrochene Textur eines Kurzmantels und des Haori in Rot auf – ein offenbar kompliziertes Verfahren, das eine eindrucksvolles Spiel der Farbe im Licht erzeugt – das war einfach atemberaubend. Nach wie vor erprobt Irene Luft raffinierte Applikationen auf transparenten, dünnen oder Spitzenstoffen und findet dabei immer wieder verblüffende Möglichkeiten bei dem differenzierten Spiel mit den Ebenen und Oberflächen.

In der Formgebung bleibt Irene Luft den klaren, eher strengen taillen- und silhouettenbetonenden Gestaltungen treu. Die meist ausgestellten Röcke haben verschiedene Längen und deklinieren auch hier ein abwechslungsreiches Programm mit Spitze, Faltungen, Applikationen und Mustern, präzise verarbeitet und immer sinnlich weiblich.

Luxuriöse Schneiderkunst, eleganter Geschmack auf der Höhe der Zeit, Sinnlichkeit und einfallsreich gekonnter Hairstyle – damit glänzen die Münchner Designerin und der Berliner Hair-Artist wie stets absolut souverän.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion für Herbst und Winter 2016 hat Anne Gorke anspruchsvoll gezeigt. Dass städtisches und jugendliches Design auf der Berline Fashionweek gut platziert ist.

Auch wenn die Designerin (was sie oft auch betont) nicht aus Berlin kommt, und gerne auf dem Bauernhof lebt, so ist der gezeigten Kollektion das Urbane und Junge tief eingebettet. Lockere Volumen, klare Silhouetten und ansprechende Schichtungen prägen die Linie. Farbliche Akzente finden sich oft nur in Details, wie rosa Kniestrümpfen, oder am Ende der Modenschau in einer fast separaten Linie luftiger, roter Kleider und Kombinationen, die mit großflächigen Drucken daherkommen. Diese Muster sind abgeleitet von zackigen, langen Laubblättern, die herbstlich getönt sind.

Am ansprechendsten sind indes die ersten, dunkel gehaltenen Looks. Hier sind es Kombination mit groben wollenen Hosen, die locker Bewegungsfreiheit schaffen und oft mit griffigen Flokati-Jäckchen und Applikationen kombiniert werden. Auch transparente Blusen finden sich, unter denen die Modelle schwarze BHs tragen, was realistischer in der Präsentation ist, als nackte Haut unter den dünnen Stoffen im Herbst und bei anderen Designern.

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Berlin Fashionweek aw 2016/17 im Kronprinzenpalais

Text: Marcello Rubini

Bilder: Boris Marberg

Vielleicht brauchen wir bald gar nichts mehr schreiben über die junge Designerin, denn sie wird von Presse, Insidern und Publikum dermaßen gehyped, dass alles Wesentliche anderswo schon gesagt zu sein scheint.

Aber noch ist Marina Hoermanseder bodenständig, echt und ehrlich im Auftritt, unverfälscht charmant, und sie meistert die manchmal unerwarteten Herausforderungen hinter den Kulissen mit einer Mischung aus viel Kraft, Mut, realistischem Engagement und Herzblut, die der Rolle des ambitionierten und emotiven Upstarts überzeugender (und auch sympathischer) gerecht wird, als der der erfolgsverwöhnten Überfliegerin. Das ist nicht nur offen, sondern lässt auch unvorhergesehene Schwächen und Brüche im Konzept zu, ohne dass der Sympathie Abbruch geleistet würde, wie beim mutig geplanten Showverlauf über zwei Etagen und mehrere Räume hinweg zu erleben war.

Die Hinwendung zu unkompliziert tragbareren Teilen ist nicht ganz einfach, wenn das Markenzeichen fester Corsagen und Riemen-Schnürungen nicht ganz über Bord gehen soll. Das ist sowohl hinsichtlich Funktionalität als auch hinsichtlich der Ästhetik eine echte Herausforderung, denn der Anspruch der Alltagstragbarkeit liegt quasi am anderen Pol der Möglichkeiten angesiedelt. Eine logische Auflösung der unpragmatischen Zwanghaftigkeit hin zu bequemer Lässigkeit scheint kaum vorstellbar.

Aber Marina Hoermanseder lässt sich da offenbar nicht wirklich irritieren und schafft den Brückenschlag meist recht überzeugend. Sie bringt beides zusammen, ohne dass man das Gefühl hat, dass es eben nicht zusammen ginge. Die bewegungsbequemen Röcke zum Beispiel, gerne weit ausgestellte, kurze A-Form, wie sie sie auch selbst gerne trägt, die sich nach oben noch einmal zum Oberkörper etwas öffnen, lassen sich mit den festen Lederkorsagen durchaus kombinieren (und auch umgekehrt – leichtes Hemdchen mit festem Pencil-Rock), womit sich der gedankliche Widerspruch überzeugend aufzulösen scheint – zumindest teilweise. Das ist durchaus überraschend und auch spannend.

Zunehmender Schwerpunkt der Kollektion sind aber doch locker fallende und bequem aussehende Teile, manchmal noch mit Schnallen hie und da versetzt, oft die Riemenschnürungen noch andeutend, in meistens gedeckten, zurückgenommenen, durchaus herbstlichen Farben, beweglichen Stoffen und rautenförmigen Mustern, die optische Beweglichkeit und auch Rhythmik suggerieren. Die schon in der vorherigen Schau gezeigte Wende vom Zwang zur Lockerheit überwiegt nun und wird natürlich auch marktgerechter.

Unterm Strich ist – aus meiner Sicht – aber gerade die Kombination der Gegensätze sehr reizvoll und gelungen vorgeführt und vermutlich liegt darin nicht nur die Überzeugungskraft dieser Kollektion, sondern auch ein Janusgesicht ihrer Generation verborgen: Der kraftvolle, entschiedene Auftritt einerseits und die lässig-pragmatische Haltung andererseits – austauschbar und kombinierbar.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der in Berlin vorgestellten neuen Kollektion für den Herbst und Winter 2016 durchbricht die Designerin im weiteren Schritt zu den vergangenen Kollektionen ihre eigene Ausrichtung und wird femininer und entfernt sich mehr vom Funktionalismus – ohne dabei aber avantgardistisch, oder experimentell zu werden.

Bereits die Installation auf dem Laufsteg, eine sehr langgezogenes „X“ – im Gegensatz zu der seit einiger Zeit nicht mehr prägenden Sichtbetonwand zeigt auf, dass die Kollektion querer erscheinen soll. Farblich dominieren dunkle, winterliche Töne, die durch helle Streifen in den Oberflächen durchbrochen werden. Zusätzliche finden sich zahlreiche Kleidungsstücke, die mit feinen Strukturen in Vogelsilhouetten aufwarten. Streifen, wie auch die Muster unterstreichen dabei eine vertikale Ausrichtung der Figuren und Konstruktionen. Diese sind für einen strengen Herbst und Winter relativ locker bis hin zu sportlich in den Volumen ausgestattet und bieten viel Bewegungsfreiraum.

Sicher, die feminine – tragbare – und funktionelle Art gibt Dorothee Schumacher nicht auf. Sichtbar ist aber der Anspruch auch ein jüngeres Publikum erreichen zu wollen und können. Die gestandene Geschäftsfrau kann nun auch von der jugendlichen Tochter im gleichen Schick begleitet werden. Bieder war Schumacher noch nie, aber immer auch auf Konvention und Tragbarkeit ausgelegt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Ein Live-Dj am Start des Laufstegs ist schon einmal ein Statement für die kulturelle Präsenz der begleitenden Musik und was dann musikalisch die Schau begleitete war genauso hinreißend, geschmackvoll und klar wie die Defilees des Designers Manuel Kirchner (Hamburg).

Nicht unbedingt herbst- oder winterlich sondern eher leicht und luftig kam der Großteil der Kollektion daher, aber auch Pelze und schwerere Stoffe waren dabei. Viele elegante Schwarz-Weiß-Kompositionen, zum Teil in recht grafischer Manier, prägten die klare Gestaltungsvorstellung, manchmal eher streng aber doch auch so form- und körperbewusst, dass die elegante Weiblichkeit stets Thema war. Neben den Schwarz-Weiß/Beige-Kombinationen gab es auch Braun, Rosé und wenige kräftige Farben in stimmigen Kombinationen mit klugen und sicheren Akzentuierungen. Überhaupt war Geschmackssicherheit durch Reduktion, Klarheit, Präzision und Proportionierung ein auffälliges Merkmal, edle, mit viel Gespür ausgesuchte, verschiedenste Materialien das weitere. (Bei sehr dünnen, transparenten Stoffen funktionierte aber das Konzept stellenweise weniger gut, heißt nicht ganz so vorteilhaft für die Gestalt der Trägerin in der Bewegung.)
Die wenigen, ausgesuchten Muster gaben stellenweise dem Schlichten eine sanfte, unaufdringliche Lebendigkeit und schöne Akzente. Röcke (und Kleider) in allen Längen dominierten, Hüften sind fast immer betont – häufig proportionierten schmale Gürtel oder Nähte die Figur entsprechend. Jacken, Mäntel und Capes ergänzten die Teile kongenial, stets edel und geschmackvoll.

Nach dem auffällig eleganten Schauenabschnitt kamen dann noch etwas lässigere Outfits für den Alltag hinzu, hier lösten manchmal flache Boots die Heels ab, jedoch ohne dass das Prinzip der Grazie verloren ging.

Insgesamt zeigte Tulpen eine sehr umfangreiche Kollektion, wo der Ideenreichtum dann vielleicht etwas nachließ, der qualitative Anspruch aber nicht. Jedenfalls war sie eine sehr überzeugende Bereicherung der Eleganzfraktion der Berliner Fashionweek.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Im Rahmen der Berliner Fashion Week, hat der Designer Kilian Kerner seine neue Damen- und Herrenkollektion in einer umfangreichen Modenschau dem interessierten Publikum präsentiert.

In einer aufwändig konzipierten Installation im Ellington Hotel wurden dem Publikum in U-Form die neuen Kreationen unter Begleitung von Live-Musik vorgestellt. Unter dem Publikum befand sich neben der Fachpresse, Einkäufern auch, wie bei allen vorangegangenen Schauen von Kerner, viel Prominenz. Mittlerweile rangieren diese Schauen in der Top-Position was das Interesse an in Berlin gezeigter Mode anbelangt. Eine Berliner Modewoche ohne ihn und seiner Treue zu dem Standort wäre undenkbar.

Die Installation um den Laufsteg herum basierte auf abstrahierten Baumkonstruktionen. Der Hintergrund deutet einen entlaubten Wald an. In der Kombination zu den Applikationen auf der Kleidung und den verwendeten Drucken, wie auch der Farbpalette hat dies eine sehr stimmige Gesamtkonzeption ergeben, die Anklang gefunden hat.

Die Herrenkollektion ist sehr tragbar, funktionell und kann auch generationsübergreifend getragen werden. Sehr viele der Herrenmäntel können in den Konstruktionen, als auch in den Proportionen überzeugen. Das warme, wenn auch nicht sehr helle Licht der Schau hat die weichen und angenehmen Farbstimmungen der Kleid und sehr gut unterstrichen. Beige, Schwarz sind recht dominant und laden zu möglichen Ausflügen in orangene Farbtöne, die sich ebenfalls finden, geradezu ein. Bei den Mustern und großflächigen Gestaltungen der Oberflächen dominieren Vögel-Motive. Diese sind abstrakt gehalten und erinnern in der ersten Betrachtung an Zeichentrickgestaltungen der 1970er Jahre, wie die Klassiker von Zdeněk Miler.

Auch die Damenkollektion ist sehr gelungen und kann zu den besten gezählt werden, die von Kilian Kerner bisher gezeigt worden sind. Sie ist sehr elegant und damenhaft ausgelegt und deutlich gereift im Vergleich zu früheren sehr jugendlich ausgerichteten Kollektionen.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag präsentiert seine Herbst-, Winterkollektion AW16 unter dem Namen „RAIN“ auf dem berliner Laufsteg. Der Hauptsitz des Labels liegt (noch) in München, der Designer lässt ausschließlich in Europa produzieren.

Die Kollektion von Marcel Ostertag wurde in der Heeresbäckerei vorgestellt. Die Show und die verbleibende Zeit bis zur Laufstegeröffnung wurden von einer elektronischen Stimme mehrmals angesagt. Die Show wird von der Stimme als „Ring“ dargestellt, was ein Gefühl von Stärke übermittelt. Der Laufsteg teilte sich in mehrere parallel liegende Reihen auf.

Bevor die Show begann, wurde ein Making of Video des Lookbooks an rauer See abgespielt. Hierin wurde Persönlichkeit und Transparenz vermittelt. Transparenz finden wir auch in der modischen Darstellung der Kleidungsstücke im Laufe der Präsentation. An manchen Kleidungsstücken sind die Brust und der Po durchschimmernd.

Die vielfältigen Stoffvariationen sind besonders präsent. Regenmantelartige Kreationen, wollige Schals und oversized Pullover, verfranste Westen, fedrige Jacken, gardinenähnliche Verziehrungen, Lederteile, seidige Blusen. Die Farben sind zum Großteil in den Bereichen rot, grau, beige, schwarz, und babyblau gehalten. Die langen Mäntel mit gemischten Farb- und Mustervariationen sind auffällig. Diese verändern sich von grauen, astartigen Längsstreifen zu komplett rot-getupften Flächen. Diese werden oft durch transparente Stoffe oder Ledereinsätze unterbrochen, jedoch finden wir auch glatte Strukturmuster bei Blusen oder überlangen Kleidern. Die Jackentaschen stehen weit hervor. Schwarze Jacken werden mit aneinandergereihten, goldenen Schnallen versehen. Zu den Outfits kombiniert der Designer ähnlich vielfältig, wie die Mode selbst, High Heels, flache Boots, Stiefeletten und klassische Sneakers. Die Haare der Modele sind wie vom Regen genässt, leicht gewellt.

Die Kollektion wirkt sehr jugendlich und frisch. Die Regenzeit ist zwar noch etwas hin, aber „RAIN“ kann sich getrost in den Regen stellen.

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