Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Selbstreflexion der Modemacher zum Stand der Dinge in der globalen Branche hat zu einem eigenen Darstellungsmodus ihrer Labels geführt, der nun selbst Mode geworden ist. Mit Buzigahill ist in diesen Kontext jetzt ein weiteres Label hinzu getreten, das, wie auch schon Palmwine Icecream, Probleme des afrikanischen Kontinents besonders akzentuiert herausstellt. Denn dort lädt die westliche Welt ihren gebrauchten Fast-Fashion-Schrott en masse ab und zeigt gerade damit die verwerfliche Marktpolitik ihrer Produzenten am penetrantesten.

Dass dieser Reflex afrikanischer Modemacher nun auf der Fashionweek in Berlin eine besondere Bühne bekommt, verweist auf das relevante Bewußtsein und die große Bedeutung, die dem ökologischen Aspekt der Mode hier zugewiesen wird und unterstreicht das politische Anliegen der jungen Modewelt auf das sinnfälligste.

Buzigahill ist das Label für eine kollektive Produktion in Uganda (und darüber hinaus reichend) mit der Absicht, Textilkolonialismus, Ownership und Rückgewinnung in seinem Herstellungsprozess als gesellschaftspolitisches Statement vorzuführen. Nachweise zu (und an) jedem Kleidungsstück zu seiner Herkunft, Beschaffenheit und  seinem Produktionszeitraum werden wie ein Pass mit einer Identitätsnummer dokumentiert und in einem kleinen Infoheft detailliert aufgelistet. So bringt das Vorgehen den Modeschrott aus Europa, Nordamerika oder Asien klug und innovativ aufbereitet wieder zurück in sein altes, westliches Umfeld (Return to Sender), versehen mit Hinweisen, die der erneuten Nutzung auch ein erneutes, erweitertes Bewußtsein hinzufügt.

Die gesellschafts- und systemkritische Grundlage dieser Modeschöpfung wird bei Buzigahills Schau von Anfang an durch einbettende Inszenierung ins Bewußtsein gerückt, mit beginnender Stille, eingelesenen Passagen aus der UN Menschenrechtserklärung in 17 Sprachen, endend mit dem Satz „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“, mit Infomaterial und nicht zuletzt einem gewählten Publikum.

Die Produktionen der Looks sind sehr vielfältig und komplex angelegt – handgefertigte Patchworks, traditionelle Stickkunst eines Kollektivs aus 46 süd-sudanesischen Frauen im Bidi Bidi-Flüchtlingscamp und viele weitere überraschende Kombinations- und Upcycleverfahren in Material und Aufbereitung geben den Outfits einen Background, der sich als entscheidender Aspekt dieser Mode versteht. Und der auch vorführt, dass nicht ein Lieferkettengesetz, ein wenig Upcycling oder neue Ökomaterialien schon alles ist, was hier neu gedacht werden muss. In dieser Hinsicht ist diese Schau auf der Berliner Fashionweek einer der wichtigsten und überzeugendsten Beiträge.

In anderer Hinsicht, nämlich der ästhetischen Prägung – für sich und auch fürs Ganze –  genommen, bleibt vieles noch offen, denn deutlich gemachte gesellschaftspolitische Positionierung ist noch kein ausreichender ästhetischer Modus. Zudem sieht man den Sachen ja auch nur gelegentlich an, was dahinter steckt. Das Erscheinungsbild der ursprünglichen Teile, meistens ja Streetwear, ihre modischen Codes und die materialgeprägte Sportlichkeit erscheinen oft ungebrochen beziehungsweise repetiert wieder, sei es in den seitlich offenen, geknöpften, dünnen Hosen oder in den aufgeduckten Sprachfetzen (BIG, Try Jesus, Easy Love) und Signets (Addidas-Steifen, Nike-Haken, Labelnamen). Auch mit den üblichen Schichtungen, Dekonstruktionen und Mixturen entsteht letztlich noch kein eigener visueller Style, der eine Unverwechselbarkeit des Labels herausarbeitet und auch eine dazu gehörende formale Neupositionierung anstrebt. Es gibt zwar schon einige Besonderheiten, wie zum Beispiel den Denim Faltenrock und ein paar andere Pfiffigkeiten, aber viel eher findet man wieder, was man schon anderswo gesehen hat und vor allem viele Hässlichkeiten der amerikanischen Streetwear, inklusive baumelnder Shorts, tief hängender Hosenbünde (nun mit Unterhosenabschnitt fertig vernäht), fetter Prints und batikgefleckter Jeansjacken, bleiben Teil (manchmal auch Grundlage) der Gesamtästhetik. Hier sind die zutiefst negativen, proll-ästhetischen Standards der Fast-Fashion-Modewelt nicht analog zu den negativen Prozessen ihres Produktionssystems reflektiert. Dabei sind sie auch Teil dessen. Und diese Erscheinungsbilder wollen wir doch eigentlich ebenfalls nicht mehr. Nun, das ist vielleicht der zweite Schritt, auf den man noch warten muss.

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Text & Bilder: Boris Marberg

COLRS wurde 2017 vom haitianisch-deutschen Designer Zec Elie-Meire gegründet und widmet sich seitdem modisch dem leichtfüßigen Umgang mit klassischer Herrenkleidung, ohne zu freakig daherzukommen. Zec schöpft seine Inspiration aus seinem multikulturellen Hintergrund sowie einer Mischung aus fröhlichen, und klassischen Einflüssen und hat dadurch einen unverwechselbaren, frischen und jugendlichen Stil entwickelt.

Seine kreative Reise begann mit einfachen Upcycling-Projekten in seiner Jugend und führte ihn schließlich zum Studium der Herrenschneiderei an der renommierten Esmod in Paris, wo er seine Design- und Schneiderfähigkeiten weiter verfeinerte.

Upcycling in der Mode, insbesondere in Berlin, gewinnt zunehmend an Bedeutung. Zahlreiche Labels aus Berlin haben sich diesem Thema verschrieben. Die Stadt ist bekannt für ihre kreative und dynamische Modeszene, die innovative Ansätze und nachhaltige Praktiken fördert. Upcycling bezeichnet den Prozess, alten oder ungenutzten Kleidungsstücken neues Leben einzuhauchen, indem sie kreativ umgestaltet und aufgewertet werden. In Berlin, einer Stadt, die für ihre unkonventionellen und experimentellen Modeansätze bekannt ist, hat sich deshalb Upcycling zu einer wichtigen Bewegung entwickelt. Viele Designer und Labels setzen auf Upcycling, um einzigartige und umweltfreundliche Mode zu schaffen. Dies trägt nicht nur zur Reduzierung von Textilabfällen bei, sondern fördert auch die Wertschätzung für handgefertigte und individuell gestaltete Kleidung. Upcycling-Mode spiegelt den urbanen und alternativen Geist der Stadt wider und spricht eine wachsende Zahl von umweltbewussten Konsumenten an. Insgesamt stellt Upcycling eine nachhaltige und kreative Alternative zur konventionellen Modeproduktion dar und trägt zur Förderung einer umweltfreundlicheren Modeindustrie bei.

Die in Berlin präsentierte Kollektion greift thematisch das legendäre Mille Miglia-Autorennen in Italien auf und zelebriert bekannte Rennfahrer von damals wie Stirling Moss, Gianni Agnelli und Juan Manuel Fangio. Der Wagemut und die Leidenschaft der Rennfahrer soll stilisiert werden. Es entstehen lockere, aber auch teilweise elegante Looks, die sich an Streetstyle anlehnen und gelegentlich sogar bunt und lebendig daherkommen. Insbesondre die locker fallenden Anzugkombinationen sind Hingucker. Die obligatorischen Lederhandschuhe dürfen als Detail nicht fehlen. Das Lebendige ist bei Zec Elie-Meire Programm und legt gerade auch jungen Männern, die sich stimmig zwischen klassisch und sportlich positionieren wollen, eine geeignete Stillinie vor. Schade, dass die Lebensfreude und die Farbgebung in der eher düster gehaltenen Location der Schau nicht wirklich erfahrbar war.

2020 feierte COLRS sein Debüt auf dem Laufsteg in Lagos, Nigeria, gefolgt von einer zweiten Show dort im Jahr 2021. Die ersten Schritte der Marke in Berlin wurden durch die Teilnahme am New Wave Showroom während der Intervention von Reference Studios im Juli 2024 markiert, gefolgt vom Berlin International Sales Showroom in Paris, ebenfalls von Reference Studios organsiert, im September 2024.

Zec Elie-Meire ist mittlerweile für seine innovative Herangehensweise und seinen kreativen Geist bekannt. Geboren in Port-au-Prince, Haiti, und aufgewachsen in Deutschland, schöpft er aus einem reichen kulturellen Erbe und vielfältigen Erfahrungen. Sein besonderes Augenmerk liegt auf Nachhaltigkeit und sozialem Engagement, was sich in seinen Designs widerspiegelt. Seine Fähigkeit, traditionelle Schneiderei mit modernen Elementen zu verbinden, hat ihm einen besonderen Platz in der Szene in Berlin verschafft.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Wenn, wie bei Maria Chany, Sci-Fi und Fantasy eine kreative Rolle bei der Modegestaltung bekommen, ist das wahrscheinlich und grundsätzlich schon ein optimistischer Aspekt. Und wenn umweltbewußtes Recycling verschiedenster Materialien aus textilfremden Bereichen als reizvolle Herausforderung und gestalterische Chance beziehungsweise Inspiration verstanden wird, ist der modephilosophische Ansatz eigentlich schon perfekt. Aber mit dieser anspruchsvollen Umsetzung überrascht dann doch irgendwie, dass das etwas affektierte Fast-Fashion-Insta-Influencer-Publikum den etwas zu kleinen Veranstaltungsort mit seiner etwas überforderten Organisation geradezu überrent.

Die Aufgabe, wiederverwertetes Gummi, Biomaterialien aus Nüssen und Stoffen aus Restbeständen, darunter viele widerspenstige, robuste Materialien in Formen zu bringen, die ganz offensichtlich auch eine gewisse Eleganz erzielen wollen, ist eine echte Herausforderung, die die Designerin tatsächlich verblüffend überzeugend meistert, umso mehr, als ganzheitliche Gebilde angestrebt werden, von der Sohle bis zum Kopfputz. Dabei ergeben sich Silhouetten mit ausladenden Becken, mit schmetterlingsartigen Flächen und mit ausladenden Röcken, die trotzdem stets auch körperbetont sind, weil die Hüften schmal und kurvig bleiben. Mit der akzentuierenden Ausarbeitung dieser Zonen in der Hüfte bekommen die Outfits einen sehr weiblichen Akzent, der alle möglichen anderen Ausdehnungen in der Silhouette erlaubt. Letztlich ist aber jeweils ein fantasiegeprägter Leitgedanke die Basis der Gestaltungslust, die formalen Spieleien ordnen sich stets ein. Selbst die pointiert herausgestellten Recycling-Themen werden mit der Anmutung von Zukunft von rustikalen Klischees befreit und letztlich noch leicht und locker formuliert. In dieser ästhetisch ausgeprägten Herangehensweise ist das neu und optimistisch.

Mit dem Verständnis des harmonischen Miteinanders von Nachhaltigkeit und Kreativität teilt sich, zum Beispiel bei der Verwendung der widerständigen Materialien, auch die Lust mit, die oft haptisch oder optisch nicht so attraktiven Objekte (z.B. Gummireifen) neu zu erleben, sowohl im Zusammenhang des kreativen Einsatzes als auch als erweiternde Ergänzung des Körpers. Im Sinne des Letzteren werden die von Thierry Mugler ausgebauten, kraftvollen Schultern nun gedanklich zu Flügeln erweitert und als Leichtigkeit uminterpretiert, oft ergänzt durch ausladende Kragenkonstruktionen, die den Kopf konsequent in die fantasiegeprägte Gestaltkonstruktion integrieren. Das Make-Up und der Kopfputz setzen diese Idee fort.
Das ursprünglich Grobe bekommt einen eleganten Auftrag und wird dabei manchmal sogar sehr sexy.

Natürlich haben solche Gestaltungsexperimente mit Upcycling immer das Problem, mit Unikaten auf den Markt zu kommen. Aber dieser Gedanke sollte für neue Gestaltungsphilosophien sekundär bleiben. Entscheidend im Jetzt ist, dass wie hier der sympathische und optimistische Flair der Gesamtauffassung dieser zukunftsgeträumten Gestaltung erst einmal begeistert – das ist vielleicht der wichtigste und nachhaltigste Aspekt zum Stilbewusstsein von Maria Chany.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Die beiden Designerinnen Rianna Kounou und Nina Knaudt führen ihr Label aus dem Herzen Berlins hinaus in die Welt und bieten glamourösen Luxus, gepackt in Liebe für Vintage-Stoffe. Eine Persönlichkeit, die Glamour perfekt verkörperte, war die Opern-Sängerin Maria Callas, eine der bedeutendsten Sopranistinnen, die von 1923-1977 lebte und in den öffentlichen Wahrnehmungen eine der ersten Internationalen Superstars im Bereich der klassischen Musik wurde. Sie prägte den Begriff Diva.

Die Kollektion mit dem Titel OPERA ist eine Hommage an diese Ikone und spielt mit der Eleganz der Callas neben der Bühne und der Opulenz der Kostümbildnerei auf der Bühne. Präsentiert wurde kulturell passend im Bode-Museum – wenn auch kein Opernhaus, doch auf jeden Fall repräsentativ. Das Leben ist bunt, facettenreich und hat eine grundoptimistische Ausrichtung bei RIANNA + NINA. Die Verspieltheit und Kreativität zeichnen sich bei der Formgebung ebenso aus wie dem Rückgriff auf Textilien aus aller Welt, die liebevoll zusammengetragen werden. So werden Seidenorganzas, Obis und Kimonos aus Japan und Stoffe aus Mexiko wiederverarbeitet oder Federkielstickerei aus Osteuropa eingefügt.
 
Das alles darf und soll wieder umwerfend bunt und schillernd daherkommen. Überall glitzert es, Pailletten verfeinern die Oberflächen und Goldelemente finden sich auf zahlreichen Kreationen. Röcke und Kleider können dynamisch im Raum schwingen. Sie sind weich und üppig angelegt und gleichzeitig oft sehr luftig. Es finden sich sowohl Konstruktionen mit Symmetrien, als auch asymmetrische Schnitte, wertvolle Besätze oder Applikationen und großzügige, gelegentlich raumgreifende Ärmel sowie Volants an Blusen. Mit dem Titel im Hinterkopf fühlt man sich oft an die Kostüme von Opern und Operetten in südländischem Stil erinnert. Viele der Looks kommen in klassischen A-Silhouetten daher, wie diese auch in den 1960er und 1970er getragen wurden, und vermitteln Bewegungsfreiheit, Volumen und unterstreichen die Weiblichkeit.  Die Schuhe von „Converse“ – mit Kooperation – bilden Kontraste und sind handbemalte Unikate. Als Accessoires finden sich strassbesetze Schwimm- und Sonnenbrillen und handgefertigter Keramik-Schmuck rundet die prächtigen Erscheinungsbilder ab.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label PLNGNS (Palingenesy) des Designers Mitya Hontarenko aus Kiev hat sich zuvor ausschließlich mit Schuhen beschäftigt und lanciert nun seine erste Total-Look Kollektion. Die Erweiterung bleibt schlüssig, denn Ästhetik und die Wiederverwendung von entsprechenden Materialien sind gleich geblieben.

Der Ansatz, gebrauchte Kleidung analytisch in kleine Elemente zu zerlegen und diese anschließend zu einer neuen Gestalt aufzubauen – das heißt zusammenzunähen – ist ein pfiffiges, aber auch aufwendiges Gestaltungsprinzip und emanzipiert sich, wenn es strategisch zielgerichtet genutzt wird, entschieden von dem Patchwork der Hippie-Ära. Es ist eher eine geplante Collage. Denn der Zufall spielt eher eine sehr nachgeordnete Rolle, umso mehr, als eine eigene Ästhetik des Erscheinungsbildes zu einem unverwechselbaren Style führt. Es versteht sich von selbst, dass jedes Teil ein Unikat ist und das mit umso aufwändigerer Schneiderarbeit, je kleiner die Einzelteile sind und je exzentrischer ihre Form ist.  „Es ist Kunst, die man tragen kann“, sagt Mitya Hontarenko – zumindestens sind die Verfahren ihr entlehnt und der Aufwand tendiert zu Haute Couture.

Mit dem Verfahren entstehen aus alten Sneakern, Turnschuhen, Stiefeln und diversen gebrauchten Kleidungsstücken neue Schuhe, Jacken, Hosen und Caps – das ist das ökologische Prinzip und die gestalterische und handwerkliche Herausforderung, bei der schon mit Blick auf Details eine beeindruckende Faszination erzielt wird (siehe auch hier):

Entscheidender aber ist dann das Ganze, nämlich wie die Gesamterscheinung daher kommt, und die ist, wie gesagt, alles andere als beliebig. Grundlegend ist die allgemeine Ästhetik von (Turn-)schuhdesign, die sich im Laufe der letzten Jahre ausgeprägt und spezifiziert verselbständigt hat, bis hin zu Sammler- und Künstlerexemplaren. Unter modebewußten Konsumenten hat sie bekanntlich große Aufmerksamkeit und ein eigenes, sehr differenzierendes Stilverständnis etabliert. Mitya Hontarenko erweitert dieses bislang eher für sich agierende Genre auf einen Style für die Gesamtkleidung. Auch da, wo die Elemente ihre Herkunft nicht verraten, werden sie so zurechtgeschnitten und so ins Ganze eingefügt, dass die optische Referenz Schuh als Dekor sichtbar wird und sogar im Gesamtschnitt zumindestens eine Anlehnung daran erkennbar ist. Die Kollektion zeigt sehr verschieden gestaltete Erscheinungsbilder dieser Leitidee, abgesehen von den Sturmhauben, die vielleicht als Acessoire so etwas wie zusätzlichen Vollschutz symbolisieren.

Man kann diese Kollektion durchaus als ein Statement beziehungsweise Beitrag verstehen, wie das nachhaltige Upcycling-Verfahren zu ästhetisch anspruchsvoller und sehr zeitgemäßer Mode geführt werden kann. Hinzu kommt der Anspruch des Designers „Mir ist es wichtig, dass jedes Kleidungsstück anders und einzigartig ist.“ Inwieweit all das vom teuren, aufwändigen Unikat in industrielle Fertigung übertragen werden könnte, ist noch offen, der Auftrag an die Industrie, hier Lösungen zu finden, wird zunehmend dringlicher werden. Die Designer machen jedenfalls ihre Arbeit – und das inzwischen richtig gut.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Verdrehung, Neuinterpretation, Irritation: Avenir zeigt das klassische Verfahren pfiffiger Gestaltung mit Upcycling. Kreativität im Sinne von „die Dinge neu denken“ ist Grundvoraussetzung für das Vorgehen und bedarf, wenn etwas stilistisch Eigenes dabei herauskommen soll, eines geschmacklich und gestalterisch sicheren Gespürs.

Die Gründerin des Labels (2020) Sophie Claussen beherrscht  das Verfahren ziemlich vorbildlich, um so mehr, als es ihr gelingt, auch noch den Körper, respektive die Haare, in das gestalterische Konzept einzubinden und auf diese Weise zusätzlich überraschende, originelle Effekte zu erzielen. Denim ist der Stoff, mit dem sie sich bevorzugt beschäftigt, weil er einerseits stabil und verbreitet ist, andererseits weil seine Produktion die Umwelt besonders belastet. Aber natürlich betrifft das die ambitioniert-ökologische Seite, die allein noch keine attraktive Kollektion ausmacht. Für die gestalterische Herausforderung sind viele andere Textilien interessant und Claussen zeigt, dass auch scheinbar unscheinbare Stoffe „wertvoll“ auftreten können.

Farblich bleibt die Kollektion eher bedeckt, viele helle, natürlich erscheinende Erdfarben dominieren (abgesehen von akzentuierendem Neongrün und Blau) und damit ist der oft hergestellte Bezug zu Haarfarben eine naheliegende und zugleich sinnliche Gestaltungsoption. Formal ist freilich die neue Sicht auf die geschneiderten Konstellationen des vorfindlichen Materials die entscheidende Voraussetzung, die mit Arrangements, Verdrehungen, Umfunktionalisierungen, interessanten Applikationen oder Ergänzungen  eine neue, tragfähige Gestalt hervorbringen muss. Ästhetisch überzeugend und in der Realität tragbar und gut funktionierend. Weitere Ansprüche fügt die Designerin hinzu: geschlechtsneutrale Mode, deren Größen von S bis XL reichen und die individuelle Anpassungen möglich macht. Da jedes Stück ein Unikat ist, ergibt sich daraus schon ein gewisser praktischer Luxus, dem die Gestaltung im ästhetischen Anspruch zu folgen hat.

Und mit dem gewissen Pfiff, der bei einigen Looks noch hinzugefügt wird, nämlich die Einbindung der langen Haare – durch Schlaufen und Schlitze laufend, frisiertechnisch gestaltergänzend und ineinander übergehend etc. – meist erst in der rückwärtigen Ansicht zu sehen – fügt die Designerin abschließend noch einen sympathischen Aha-Effekt hinzu, neben der Bezugnahme auf Natürlichkeit.
Das merkwürdige Schuhwerk ist eher ein gestalterischer Apercu als ein realer Vorschlag. Eine kleine, symbolische Randnote.

Die Not, zumindestens in der deutschen Designer-Szene, besteht zu einem wesentlichen Anteil darin, die ideologischen Nachhaltigkeits-Zwänge (beziehungsweise das entsprechende Wollen) zu transferieren in eine mehr als ansprechende Gestaltung, und damit auch auf dem kommerziellen Markt zu reüssieren. Wenn Nachhaltigkeit laut als Qualitätskriterium Nummer Eins propagiert wird, kommt die Überraschung dann, wenn ein teures Stück gekauft werden soll und es sich zeigt, dass Öko nicht reicht sondern für diesen Preis der Look auch richtig cool aussehen muss. In anderen Ländern geht man eher umgekehrt vor: Bei Gefallen kommt erst dann die Frage nach dem ökologischen Background auf. So herum gilt der Wert des Produktes als „vollständig“ überzeugend.

Mit der Avenir-Kollektion gelingt der Designerin der Schritt zu einer überzeugenden, ganzheitlichen Lösung ziemlich gut.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit viel spielerischer Hingabe präsentierten die Modell-Protagonisten für die Kollektion von Anima Protection ein Upcycling-Konzept, das auch mehr von Spass als von seriösem Statement geprägt war. Die Location, „La Vineria“, ein Penthouse im 11. Stock nahe dem Kurfürstendamm, war passend gewählt, eine kleine Lounge, auch Minirestaurant und Bar, wurde zu einem aufmerksam arrangierten Ambiente umfunktioniert, gedeckte Tischchen mit absurdem, minimalistischem Speisenaufgebot, Sessel daran, sodass man gar nicht wirklich hätte speisen können und zum Teil merkwürdig verschobenem Mobiliar. Das per Aufzug in sechs großen Schüben eintreffende, launige Publikum, vielsprachig (englisch, niederländisch, spanisch, deutsch), wurde von den aussergewöhnlich liebenswürdigen Gastgebern herzlich begrüßt – viele kannten sich untereinander und es schien, als ob dies eine Insider-Veranstaltung war, bei der man sich untereinander ausgesprochen wohl fühlte.

Die Schau war eigentlich eher eine Performance zu szene-gesellschaftlicher Interaktion mit integrierten kurzen Laufstegeinlagen, verbunden mit lockerer, unaufdringlich blubbernder Electromusik. Alle stark, schon etwas übertrieben und exzentrisch geschminkten Modelle posierten dann an verschiedenen Stellen im Raum, gespielt affektiert, agierten gelegentlich mit Stühle-Verrücken, Platztausch, verqueren Bewegungen, mimischer Exzentrik und beiläufiger Interaktion, alles nicht schlüssig oder erzählerisch aber doch unterhaltsam. Die Choreografie war zugleich klar ausgedacht und nur offen umrissen und etwas schauspielerische Lust war gefordert für die unkomplizierten Aufträge. Mit viel Hingabe und Überzeugungskraft inszenierten die Protagonisten das absurde Spiel und dies reflektierte letztlich auch das, worum es eigentlich ging, nämlich die Modeentwürfe, die sie trugen. (Uninhibited island Pt. 2, so der Titel der Kollektion. Lauryna Jankauskaite und Gintare Jankauskaite sind die Designerinnen.)

Die inhaltliche Offenheit des Absurden gibt der Gestaltung viel Raum, und wenn man das als Voraussetzung nimmt für ein Upcycling-Konzept, wie es hier vorgeführt wurde, entstehen erstaunliche Gebilde. Widersprüchliches, Unpassendes, Zufälliges, Beliebiges und Unerwartetes gerät aufeinander und zueinander und der Stil, in dem man das „moderiert“, also zusammenschneidert, gebiert Erstaunliches, manchmal Tragbares, manchmal fast Unmögliches. Das macht Spass, viel Spass, beim Anschauen, beim Vorführen und wahrscheinlich auch beim gestaltenden Machen. Das Vorgefundene prägt das Erscheinungsbild und seine Transformation in einen neuen Zusammenhang ist eine kreative Schöpfung, die zumindestens in der Kunst, aber wahrscheinlich auch hier, erst beim Machen geboren wird und nicht mit festem Plan. Dieser Transfer künstlerischen Arbeitsprinzips auf Modegestaltung führt aber zu demselben Resultat, nämlich dem Vergnügen an der Überraschung des Absurden. Gut gemacht, und das war es hier (auch handwerklich), führt das immer zu Staunen und zu sehr aufmerksamer Wahrnehmung.

Das gut gelaunte Publikum, vorwiegend so um 30 Jahre alt, hatte viel Spaß an der Aufführung und den präsentierten Outfits. Das Event hatte einerseits etwas von geschauspielertem Gesellschaftsleben, war aber andererseits eine Spiegelung des eigenen real anwesenden Szenelebens: die affektierten Poseure und die Handyvoyeure in ihrem Element und die Mode war so etwas wie ein tragendes Medium dabei.

Dass diese Generation dieses Spiel so liebt, ist eigentlich nichts, was früher anders gewesen wäre, es ist aber sehr pfiffig und ziemlich direkt, sein Modeschaffen so entschieden in diesen Kontext zu pflanzen. Und es ist darüber hinaus auch schön, dass Mode nicht erst Mode wird, wenn sie den entsprechenden Hype anvisiert, sondern sich mit einer Schau genau da ansiedelt, wo sie ideell zu Hause ist.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Kristina Bobkova möchte mit ihrer neuen Kollektion Mriya starke Frauen darstellen, die ihren Lebensalltag mit allen Wirren und Herausforderungen ihrer Heimat meistern und dennoch gesellschaftlich eine aktive Rolle einnehmen. Die Verwirklichung eines Lebenstraumes wird eingefordert, auch wenn das Bürgerliche tragisch erschüttert wird und zwischen (geforderter) Stärke und Zerbrechlichkeit pendelt.

Neben DZHUS, Jean Gritsfeldt, und Litkovska ist Kristina Bobkova eine der ukrainischen Designerinnen, die im Rahmen des Berliner Salons präsentiert wurden und diese Präsentation mit einer eigenständigen Schau erweiterte.

Wie bei zahlreichen anderen in Berlin präsentierten Kollektionen wird auf Upcycling und die Verwendung von Verschnitten an Stoffen und Strickwaren zurückgegriffen. Hier zeigt sich ein ausgesprochener Pragmatismus, denn die Kollektion wurde im Atelier in Kiew erstellt – unter widrigen Umständen, wie Kälte, Stromausfällen und Luftalarm. Die Aufrechterhaltung der wirtschaftlichen Tätigkeit und der Produktion in der Heimat ist für jetzt und besonders auch für die Zukunft von entscheidender Bedeutung.

Typisch für eine Kollektion von BOBKOVA ist, dass konsequent minimalistisch und stakt reduziert gestaltet wird. Die Silhouetten sind stringent vertikal locker fallend und spielen wenig mit Volumen, bieten dennoch viel Bewegungsfreiheit. Brüche in den Looks finden sich, wenn an den Taillen bei zum Beispiel Blazern und Overalls durch breitere monoton gehaltene Gürtel die Durchgängigkeit unterbrochen wird. Spitze wird dezent appliziert. Auch die Farbpalette ist stoisch dezent und basiert weitestgehend auf Braun, Beige und cremigen Tönen. Farbliche Akzente finden sich nur bei einem Stricktop und bei einem langärmeligen Schlauchkleid. Glänzende Materialien schaffen etwas Leuchtkraft und die divers eingestreuten Keckheiten geben der ansonsten eher konservativ angelegten Kollektion etwas Esprit auf den Weg.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Der Designer Lucas Meyer-Leclère hat sich dem kreativen Schaffen von Mode aus dem bereits Bestehenden verschrieben und sich damit innerhalb kürzester Zeit einen Namen gemacht. Und mit seiner Männerkollektion prägt er auch die Geschlechterrolle anders. Im Telegraphenamt in Berlin präsentierte er eine ziemlich theatralische Inszenierung seiner Kollektion „Sensible Ensemble“.

In der Gegenwart einer Epoche, in der wider aller Vernunft in der Mode die Wegwerfkultur prägend ist, mit ihren Fast-Fashion-Konzernen, die alles Kreative aufsaugen, kopieren und wie Vampire das menschlich Lebendige entziehen, zeichnen sich nun vermehrt zwei langfristige Gegentrends ab. Zum einen die immer konsequentere Ausrichtung auf Nachhaltigkeit der Neuproduktion und zum anderen auf einen Rückgriff auf bereits vorhandene Produkte und diese neu zu kreieren, zu konzeptionieren, aufzubereiten und zu kombinieren. Letzterem folgt Lucas Meyer-Leclère mit seinem Label LML und es gelingt ihm damit, eine sehr lebendige Sammlung von – logischerweise Unikaten – tragbaren Stimmungsbildern zu kreieren. Mit der Schau wird deutlich, dass er wie kaum ein anderer Designer in Berlin es geschafft hat, auf dem Laufsteg eine gelungene Symbiose von gelebter urbaner „Club-Kultur“ und Mode zu zeigen. Er spiegelt sowohl mit seinen Werken  als auch mit der Gesamtinszenierung das wider, was die Jugend- und Subkultur der Großstadt Berlin an Lebensgefühl, Ausdruckswillen und Selbstverständnis in sich trägt und auch nach außen zeigen will.
Gegen die umgreifende gesellschaftliche Depression, die von medialer Dauerberieselung befeuert wird und eine dystopische Stimmung in der Gesellschaft beschleunigt, stellt sich das Jugendliche mit seinem Lebensdrang – was es immer getan hat. Dieser Lebensdrang greift aus Opportunität mit den vorhandenen – meist limitierten Ressourcen – selbstermächtigend modisch ein. Mode war – neben Musik – stets ein Mittel jugendlicher Positionierung, aber nun kommen ökologische Erwägungen dazu. Bei gegenwärtigem Stand scheint dies Statement wesentlich zu sein: Nicht weniger konsumieren, aber aus anderen Quellen, anders interpretiert. Und dennoch ostentativ eine gewisse (kostspielige) Exklusivität tragen.

Bei LML werden Männer in einen selbstbewussten Kontrast aus Diversität gestellt. Dies drückt sich in einem wilden Mix aus Materialien aus, sehr viel Strickware, bunte, fragmentierte Flächen, gescheckt oder streifig arrangiert. Die Silhouetten werden durch dekonstruierte Schnitte und Flächenverhältnisse gebrochen und zugleich körperbetont inszeniert. Der vielfach nicht mehr im herkömmlichen Verständnis als maskulin definierte Mann inszeniert sich als Kunstwerk (ohne bisher eine passende mediale Plattform für eine solche Selbstinszenierung zu haben). Hiermit greift der Designer Lucas Meyer-Leclère auf eine sehr intensive und durchdringende Art thematisch auf, dass unser mediales Multiversum an sozialen Netzwerken und – Medien noch immer gnadenlos auf die (Selbst-)Darstellung von Frauen und Weiblichkeit ausgerichtet wird, zumindestens den Lifestyle betreffend. Querbeet durch die neuen Medien hindurch wird Weiblichkeit als Sein dargestellt und das Männliche als das Machende. Instagram zum Beispiel ist bekanntlich die spezifizierte Plattform für solcherart Eigendarstellung von Protagonisten: während Frauen zumeist durch die rein äußerliche Darstellung von Attributen und adaptierten Schönheitsidealen präsent sind, werden Männer zumeist im Kontext des etwas (Besonderes) Tun dargestellt. Damit verfestigen sich Geschlechterrollen. Trotzdem scheint der Wunsch auf, dem Männlichen mehr Diversität, Emanzipation von Rollenzwängen und Selbstbewusstsein zuzugestehen. Freilich, den erkennt man am deutlichsten in den Nischen (zumeist der Subkultur, auch in der Mode), denn er wird sonst vom gesellschaftlichen Mainstream mit seinem tradierten Grundverständnis der maskulinen Uniformität und des Machertums glattgebügelt.

Die Nische in der Mode, welche Lucas Meyer-Leclère gekonnt, humorvoll und dennoch mit Ernsthaftigkeit bedient, hat dabei die dankenswerte Funktion zu zeigen, dass es im Ansatz auch anders geht. Er hält den tradierten Erwartungen quasi einen Spiegel vor und zeigt im Gegenzug, dass Maskulines in der Mode nicht als funktional erscheinen muss, sondern gestalterische Rechte einfordern kann, mit denen der Mann (was immer man heutzutage darunter verstehen mag) sich zeigen und feiern kann. Das funktioniert durchaus gut und ist darüber hinaus von erstaunlichen Überraschungen geprägt.

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