Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

80 Absolventen von 12 renommierten Hochschulen in Modedesign präsentierten ihre Arbeiten auf der Neo.Fashion, die dieses neunte Mal umständlich als „Neo.Fashion. presented by Potsdamer Platz“ im Atrium Tower am Potsdamer Platz im Verlaufe von zwei Tagen mit verschiedenen Programmpunkten stattfand. Zum Abschluß gab es eine Prämierung der besten, gegliedert in verschiedenen Kategorien und auch von verschiedenen Jurys bewertet.

Das Format Neo.Fashion war schon am Start eine gute Idee des repräsentativen Zusammenschlusses von Modeakademien und sie hat sich über die Jahre konzeptuell stets weiter ausgebaut. Inwieweit das ambitionierte Projekt als relevante Talentschmiede taugt, läßt sich von außen schwer einschätzen, als Termin mitten in der Fashionweek ist die Groß-Schau für Profis und Medien noch immer eine konkurrierende Veranstaltung, vielleicht finden sich terminlich einmal klügere Positionierungen. Und mit der Berlin Curated Schau im offiziellen Programm ist nun noch ein weiteres Format eingebracht, das man als Konkurrenz zu Neo.Fashion betrachten könnte, besser aber als Brücke zum offiziellen Fashionweekprogramm geeignet ist. Mit seinem eigenständigen und geschlossenen Konzept wäre, unserer Einschätzung nach, Neo.Fashion eine ideale Einleitung zur Fashionweek.

Denn auch die gezeigte Mode ist ein innovatives Momentum „auf dem Weg“. Vorwiegend experimentell und gleichzeitig modernen Anforderungen genügend, umfassen die Looks sehr verschiedene Perspektiven und Schwerpunkte, was die Vergleichbarkeit erschwert und weswegen auch die Preise in vier verschiedene Kategorien gesplittet wurden: In diesen gingen die Preise an:

• Best Digital Fashion Design: Flora Schwöppe, AMD Akademie Mode & Design Hamburg
• Best Craftsmanship: Melanie Parzenczewski, HTW Berlin
• Best Design: Wiebke Lendewig, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle
• Best Sustainability Concept: Azura Barber, Hochschule Macromedia
• Best Global Concept: Jon Liesenfeld, AMD Akademie Mode & Design
• Zusätzlich wurden zwei Sonderpreise verliehen:
  Potsdamer Platz Award: Laurin Schuler (KH Weißensee)
  Brisbane Showcase: Lennart Bohle (HS Pforzheim)

Nicht nur aus der großen Diversität gezeigter Looks sondern auch aus dem Beurteilungssplitting kann man ableiten, dass diese Modekonzepte noch am Anfang oder vor dem Anfang stehen und eine runde Komplexität eher noch aussteht. Fachhochschulspezifische Schwerpunkte lassen sich für Aussenstehende nicht herauslesen. Insofern, als die Kommerzialisierung als zwingendes Kriterium hier noch keine nennenswerte Rolle spielt und das Experiment noch freie Hand haben dürfte, sind die Neo.Fashion-Schauen allemal spannend, auch die große Diversität. Manchmal merkt man, dass die individuelle Gestaltforschung noch sehr studentisch geprägt ist, machmal bemerkt man die aktuell zunehmende Politisierung des Gestaltungsstrebens innerhalb der Hochschulen – irgendwie anregend und interessant entwickelt sind die gezeigten Ergebnisse dann soweit doch meistens. Der schnelle Wechsel der gestalterischen Ansätze läßt manchen Zuschauer leicht irritiert zurück, ein orientierender Trend ist höchstens im Nachhinein beim Betrachten der Bilddokumentation zu verspüren.

Wir fotografierten die letzte Award-Schau des zweitägigen Neo.Fashion Programms.

The post neo.fashion – Best Graduates Show appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit der Pandemie wurden bekanntlich gerade Schüler und Studenten vor neue und besondere Herausforderungen gestellt. Es erweist, oder vielmehr bestätigt sich, dass effektive Ausbildung mit sozialen Bindungen und selbstständiger Motivation verknüpft ist und während das bei normalen Bedingungen so selbstverständlich gelebt wird, treten diese Aspekte in der Isolation plötzlich deutlich hervor. Gerade in kreativen Ausbildungsgängen ist der Sozialisierungsfaktor ein entscheidendes Kriterium für Erfolg und Produktivität. Heute vielleicht nicht mehr ganz so ausgeprägt wie früher, aber, wie man an den studentischen Arbeiten erkennen kann, doch sehr prägend. Paradoxerweise ist dann zum Abschluss der Studienentwicklung ein isoliertes Jahr noch eine Gelegenheit, das gewonnene eigene Potenzial auf den Punkt zu bringen.

Die Vorführung der Modeschulen mit den Abschlussarbeiten im großen Vergleich und in der allgemeinen ideologischen beziehungsweise zeitgeistigen Strömung bietet ja jedes Jahr einen guten Einblick, wo es mit Modegestaltung künftig lang gehen wird oder kann und auch wie ausgeprägt das innovative und kreative Potential gerade ist. Was wir in der jüngeren Vergangenheit bemerkt haben, ist gesellschaftspolitische Verantwortung neben individueller Selbstfindung in einem Problematisierungskontext ein starker Trend, der von der Hochschullehre vorgegeben wird.

Wenn man unterstellt, dass nun im letzten Ausbildungsjahr während der Isolation die Selbständigkeit zwangsläufig den höchsten Stellenwert bekommen hat, ist das einerseits eine schmerzliche, andererseits aber doch hoch spannende Voraussetzung für die Produktionsergebnisse. Wir haben jedenfalls die Schauen unter diesem Aspekt kritisch betrachtet und finden, bei allem Mitgefühl für die Problematik eingeschränkter Begleitung, dass dieses Zurückgeworfensein auf das eigene und bislang gewonnene Potential positiv kristallisierende Effekte zeigt.

Es war also alles nicht ganz anders, man liest die entscheidenden Impulse der Gestaltungslehren nach wie vor deutlich heraus. Aber man sieht eben auch, ob die Studenten nun beim Gelernten stehen geblieben sind oder in der Lage waren, abschließend eine eigene Position daraus abzuleiten. Und das, so hatten wir jedenfalls das Gefühl, ist den Kandidaten sehr unterschiedlich gelungen. Manche führten zugespitzte Semesterarbeiten aus der Ausbildungszeit vor, manche kombinierten das Gelernte geschickt zu einer Art Wissenscollage und andere konnten ein eigenes Leitinteresse herausarbeiten, das sichtbare Gewichtungen umreißt. Und für letzteres ist ein Jahr Isolation nicht die schlechteste Rahmensituation und diese Verortungen waren natürlich die spannendsten Beobachtungen.

Im Vergleich zu anderen Schauenveranstaltungen, die ja eher einmal gefundene Positionen eines Designers in Varianten schlüssig vorführen, sind die „Graduates“-Schauen vergleichsweise anstrengend, denn sie sind so individuell unterschiedlich in schneller Abfolge. Zumindest was das Kreative betrifft. Und wir haben darum versucht, nachfolgend die eindrucksvollsten Ergebnisse herauszupicken, was vielleicht nicht immer ganz gerecht ist, bei ca. 75 Teilnehmern mit jeweils drei bis sieben Outfits wird die Auswahl etwas subjektiv. Aber sie korrespondierte dann schon im Vorfeld überraschend mit den Lieblingsstücken der Designer selbst und auch der abschließenden Jurierung. Wegen diverser Überschneidungen haben wir auch nicht alle Hochschulpräsentationen gesehen. Nachfolgend stellen wir die Absolventen und Preisträger der „Best Graduates Show“ vor und im Anschluss eine kleine, zusätzliche Auswahl anderer Studenten aus verschiedenen Hochschulen.

Die Awards.

Award Kategorie „Best Design“ bekam Flora Taubner mit der Kollektion VALUE (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Ihre Gestaltung ist sehr Körperbewußt und collagenhaft geprägt. Die Entwürfe haben einen gewissen Witz, der erst auf den zweiten Blick bewusst wird.

Der Award Kategorie „Best Sustainability Concept“ geht an Paul Kadjo mit The Spirit Between Bodies And Objects (AMD Akademie Mode und Design). Im Vordergrund steht der Spass mit Fransen und verschiedenen akzentuierenden Stilelementen, die zum Teil auch ethnologische Assoziationen verwenden. Paul Kadjo hat schon ein eigenes Label gegründet, PROTOTYPE. Das „bietet dem Kunden qualitative, nachhaltige und gut verarbeitete Kleidung und Accessoires, welche Design in Form von Schnitt oder Drapierungen wiedergeben, statt nur in Form von Drucken“ (P. Kadjo). Über den kommerziellen Aspekt hinaus träumt er davon, in Zukunft „Mode als Kunst“ In Kunstausstellungskontexte einbringen zu können.

Den Award Kategorie „Best Craftmanship“ gewann Aylin Tomta mit Hylemorph (Fachhochschule Bielefeld. In der Tat fallen ihre Sachen auf durch gut gemachte Schneiderexperimente und geradliniges Konzept.
Sie hatte übrigens als junge Studentin 2016 auch schon den 3. Preis European Fashion Award (FASH)  gewonnen.

Aus den Neo.Fashion-Schauen der (Hoch-)Schulen.

Alicia Schikovski – INVOLUCRUM // CONNEXICO (Lette Verein Berlin): Sie spielt die Reize groß aufgeblasenen Microstrukturen (meist Wollgewebe) in Kontrast zu feinen Flächen aus, das inszeniert sie schlicht und wirkungsvoll.

Anna-Marta Thomas – Frequenzen // Close Encounter (Lette Verein Berlin): Schlaufen und Farbkontraste; mit zum Teil sehr raffinierten Einfällen und komplizierten Verarbeitungen entstehen wirkungsvolle Flächen und Reliefs, zumeist sehr elegant, manchmal aber auch im Schlafsackmodus.

Arabella Romen – Birth of Venus (AMD Akademie Mode & Design): Großzügige Prints und richtungswechselnde Überlagerungen bzw. Schichtungen charakterisieren am ehesten die Kollektion der Absolventin. Das Venushafte erschließt sich nicht unmittelbr.

Celine Witzke – GIRLS IN BOYS (AMD Akademie Mode & Design): Die Absolventin ist eines der raren Beispiele, die sich klassischer Eleganz und ästhetischer Herausforderung noch hauptsächlich verpflichtet sehen. Dies gelingt ihr sogar bei thematischen Skurillitäten, die ihr sonst aber eher fremd sind.

Clemens Oskar Kramer – Aus weniger mehr machen (MD.H Mediadesign Hochschule): Die Strukturierung von Flächen in Oppositionen sind gelungene Beispiele der Arbeiten. Hier funktioniert auch der Unisex-Charakter ganz gut, ohne proklamatorisch daherzukommen.

Deborah Tänzer – Momo  (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Schichtungen, oft monochrom, gewinnt die Designerin eine angenehm diffuse und zugleich klare Tiefenwirkung ab, stets elegant bleibend und meist auch sexy.

Dennis Sanders – Open Borders (Hochschule Hannover) gehörte zu den Kandidaten auf den Award. Auffällig ist die Lust, mit Stoffarten beziehungsweise Geweben kombinierend zu experimentieren. Gelegentlich ergänzende Akzente sind sehr wirkungsvoll hinzugefügt.

Felicitas Volk – It’s your world for a moment & City Landscape (Lette Verein Berlin): sie gehörte ebenfalls zu den Award-Kandidaten, mit  großzügigen, monochromen Outfits. Besonders die sehr schönen Farben bestimmen die Gesamtwirkung, große Reliefstrukturen (auch gelegentliche Textprints) und richtungswechselnde, konsequent angelegte Schnitte sorgen für ein interessantes und zugleich klares Erscheinungsbild.

Ganna Tsvetyanska – OB“YEDNANI (Hochschule Hannover): Schichtungen, oft kontraststark und sehr geometrisch konstruiert, geben der Kollektion eine klare Richtung, die auch für Männer unaufgesetzt mit einer gewissen Eleganz gut funktioniert.

Hannah Kaspari – Dreams behind walls (FH Bielefeld): Die Designerin liebt originelle Prints und luftige Oberflächenreliefs, bleibt im Übrigen aber eher klassisch und beim Modeüblichen.

Helena Wieser – Wollust (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Die Designerin experimentiert im Zusammenspiel zwischen Haut/Körper – Unterbekleidung – Oberbekleidung und gewinnt den entstehenden Wirk-Kontrasten irritierende, erotische Kombinationen ab. Strick, oft grob, ist dabei ein bevorzugtes Medium.

Jay Yang – Grenzenlose Grenze (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): sehr grafische Schnitte und auch ein asiatisches Formenverständnis führen zu eigentümlichen bis abenteuerlichen Konstruktionsexperimenten, ohne an Klarheit einzubüßen.

Jil Wollmann & Jana Steinmann – OKA PI (MD H Mediadesign Hochschule): Mit dem Schichtungsprinzip reduziert angewendet, Reduktion auch auf Schwarzweiss und mit asiatischer Klarheit im Finish führt das Duo hier eine ästhetisch sehr niveauvolle Kollektion vor.

Johann Erhardt & Johannes Stoehr – Phobia (Lette Verein Berlin): Auflösung der festen Textilien und Auflösung der Farbe bei Kontrasten sowie Auflösung klarer Schnitte. Experimente von eleganter, gediegener Wirkung mit Silhouetten, die noch einen Touch Erotik hinzufügen.

Insgesamt sind die Ergebnisse sehr kreativ. Wir fanden sie jedenfalls spannender als früher, zum Beispiel in der digitalen Präsentation letztes Jahr, die zum Teil grauenhaft und oberflächlich war. Vielleicht trügt der Gedanke, dass der gezwungene Rückzug im abschließenden Jahr jeden Designer konzentrierter hat arbeiten lassen als sonst. Damit ließe sich das öffentliche Kompliment, das Esther Perbandt den Studenten fürs Ertragen der Situation machte, auch auf die Mehrleistung ausweiten.

Die Lehrkräfte sehen das aber vielleicht mit geteilten Einschätzungen. Dieser Gedanke schoss mir durch den Kopf, als auf der Bühne eine Dozentin einen schönen Blumenstrauß schlecht in Packpapier verpackt ihrem Studenten zur Gratulation überreichte.

The post Hochschulen und Nachwuchspreise appeared first on modaCYCLE.

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Schau fand statt, obwohl es regnete und windig war. Am Abend des 13. Juli zeigten Studierende und Absolventen des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der UdK Berlin Arbeiten aus verschiedenen Kursen, Projekten und ihren Abschlüssen. Eine Catwalk-Choreografie auf einem Seitenarm der großen Berliner Strassenachse, vor dem Haus der Universität. Zugegen war vorwiegend studentisches Publikum, aber auch andere Interessierte und ein wenig Presse. Die Choreografie des Ablaufes und die Arbeiten waren vom Experiment geprägt – konzeptuell in den Überlegungen und der Gestaltung und natürlich visionär in der Anschauung.

Abgesehen davon, dass dergestalt spielerisch-ernste Entwürfe grundsätzlich mehr visuelle Abenteuer bereit halten als kommerziell angelegte Kollektionen, wird an solchen Beispielen ansatzweise deutlich, wo zeitgenössische Interessen liegen und wie diese neben technischen Errungenschaften und ästhetischen Haltungen zu möglichen Neupositionierungen der Mode führen können. Das ist das eigentlich Reizvolle an Veranstaltungen wie dieser.

Natürlich konzentrieren sich die verantwortlichen Professoren und Dozenten neben dem Handwerk wesentlich auf Kreativität, zivilisatorische Problemstellungen besonders der Gegenwartsdiskussion und auf geschichtliche Phänomene. Wenn man sich vorstellt, was dabei herauskommt, findet man eine – manchmal bizarre – Mischung von alledem in den gezeigten Ergebnissen, in unterschiedlichen Ausprägungen der Reife. Der Spagat besteht zwischen Anspruch und Offenheit.

Eines aber war mit dieser Schau allgemein offenkundig: Gender ist ein fast durchgehend relevantes Thema. Die Kleidung orientiert sich nicht mehr an der Spezifik eines Geschlechtes, alle können alles tragen und die herkömmlichen Zuordnungen für Kleider, Anzüge, Accessoires (Männer mit süßen Handtäschchen etc.) bis hin zum Makeup werden bewusst und konsequent über den Haufen geworfen.

Zweitens: Gestaltungen unterwerfen sich nicht mehr einer ästhetischen Grundforderung. Sie werden vielmehr bestimmt durch konzeptuelle Überlegungen aus dem gesellschaftlichen Umfeld, das kann in diesem Kontext manchmal auch praktische Nützlichkeit sein. Ästhetische Liebhabereien dürfen schon noch erscheinen, aber sie kommen nahezu beliebig aus dem großen Fundus des Vorfindlichen und sind frei im Einsatz und Kombinationen. Der persönliche Geschmack ist maßgeblich, kein mühsam ausgebildeter. Und der spielerische Anteil erlaubt sehr viel. Und nicht zuletzt: Scheußlichkeiten beherbergen immerhin provokative Kräfte und haben deswegen ein Recht auf Programmatik.

Drittens: Materialien sind zu entdecken und (sachfremd) erprobend anzueignen und zu verwenden. Teppiche, Gardinen, Folien, Kunststoffe – alles Denkbare kann für Bekleidung dienlich sein. Das ist Recycling im besten Sinne. Kleidungsunikate mit handwerklichem Aufwand werden in diesem Sinne zwingend und sind auch gewünschtes Prinzip: Das Originelle ist ein relevantes Qualitätsmerkmal, hieran muss sich Individualität des Trägers festmachen.

Alles in allem versteht Mode sich so als konzeptuelles gesellschaftliches Statement ungezwungener Vielgestaltigkeit. Das Individuum soll sich mit originärem Auftritt hervortun und setzt selbst die Grundlagen dafür. Vorbei sind die Zeiten, wo das ästhetische Erscheinungsbild visuell so etwas wie Zeitgeist pointierte, jetzt bzw. hier sind visionäre Positionen zur gesellschaftlichen Selbstverortung anvisiert, bei denen Schönheit, Chic oder subtiler Geschmack keine Rolle mehr spielen.

Auch wenn die gezeigten Arbeiten jeweils aus thematischen Projekten erwachsen sind, wird es problematisch, sie als Außenstehender kommentieren zu wollen. Manchmal ist es schon schwierig, überhaupt zu verstehen. Das dürfte aber auch gar nicht gefordert sein, denn die meisten Sachen behaupten und begründen sich in ihrem So-Sein. Und so zieht das große Défilé aus hunderten von Arbeiten wie ein offenes Panoptikum an einem vorbei, in Gruppen, Duos, Solos und performativen Konstellationen. Varianten, Solitäre, Versuche. Und das demonstriert natürlich den Ausbildungsunterschied zwischen einer Schneiderwerkstatt und einer Universität, die der gesellschaftlichen Forschung verpflichtet ist und damit einen anderen Bildungsmaßstab setzt. Und die im Ergebnis ein wunderbares Panorama des gestalterischen Denkens vorführen kann (möglichst kulturrelevant), wie wir es hier gesehen haben.

Vielleicht – und da werden wir sehr spekulativ – kann eine solche Schau sogar darüber hinaus etwas repräsentieren, was in der Konsequenz seiner Abseitigkeit Berliner Kultur-Geist ausmacht.

Entsprechend der vielfältigen Ansätze präsentieren wir eine zufällige Bildauswahl ohne Wertungsmassstäbe, namentliche Zuordnungen sind soweit nicht möglich:

The post UdK Berlin: Wenn Mode-Studenten gendern appeared first on modaCYCLE.