Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Frühling kommt und damit tauchen auch die ersten Urlaubsgedanken auf. Lustvolles Reisen gehört zum Schönsten, was unsere freie Welt anzubieten hat, besonders, wenn erhellendes, launiges Wetter die Welt der unbeschwerten Bewegung besonnt. „Mitropa“ war nicht umsonst das Zauberwort der 20er Jahre, es bedeutete geschmackvolles und abenteuerversprechendes Reisen mit Fernzügen und Luxuslinern, stand für modernes Lebensgefühl und sinnliche Expansion. Mode, Design, Architektur, alles trug diesem neuen Zeitgeist Rechnung – die neue Mobilität der Goldenen Zwanziger wurde zugleich zu einer ästhetischen Kategorie. Der Touch des Snobistischen war kein Nachteil, sondern befeuerte die Lust.

Auch die 50er und 60er Jahre entwickelten in Westeuropa ein starkes Fernweh und damit eigene ästhetische Mittel und Themen in Mode und Design.

Julia Starps Kollektion REISENDE zeigt sich stark inspiriert von dieser Begeisterung und transportiert sie nostalgisch gemixt in die Gegenwart. Und es wäre auch keine typische Julia-Starp-Schau, wenn sich damit nicht ein gesamtgestalterisches, theatralisches und emotionales Konzept verbände. Mit einer Stunde Flugverspätung eröffnen und begleiten Originalsounds des Reisens (Flughafen, Big Ben etc.) die Schau ebenso wie französische Chansons und andere nostalgische Musikschmankerln. Die Kleidung nimmt uns mit auf die Reise. Frankreich, Italien und Amerika sind in diesem Rückgriff die repräsentativen Orte der Sehnsucht, Postkarten und Werbeplakate akzentuieren als große Prints die nostalgische Lust am Reisespaß, wichtige Reiseaccessoires wie Koffer und Reisetaschen gehören dazu.

Präsentiert werden auffällige Mäntel, Blazer und Jacken, mondäne Kleider (auch Hängerchen) sowie bequeme Hosen und Röcke. Kleine Hüte und geschmackvoll gemusterte Shirts  (oft quergestreift) ergänzen die Vorstellung eines zeitlosen, eleganten und auch praktischen Auftritts. Bunte Prints kontrastieren zu schwarz-weissen Silhouetten und grafischen Formulierungen, womit die integrative Kombination der Stilmittel des Art-Deco und der 50er/60er Jahre überzeugend pfiffig gelingt.

Die Schnitte und Silhouetten sind stets körperbewusst gehalten und daher sexy. Auch für Männer findet die Designerin entsprechende Gestaltungsformeln, lässig elegant und auch sportlich angelegte.

Zum Schluss folgt noch eine weiße Braut- und Abendmodenlinie mit Plauener Spitze, Hemp-Silk und Softtüll. Auch hier sind die Gestaltungsbezüge zu den eleganten Zwanzigern offenkundig, und der gute Geschmack (und Exklusivität) transportiert sich damit fast zwangsläufig.

Insgesamt eine Schau, die viel Spaß macht, weil sie den Zuschauer selbst auf imaginäre Reise führt und zeigt, dass schon die Kleidung und Ausstattung die halbe Reiselust ausmachen. Dabei ist der nostalgische Rückgriff nicht nur eine sinnvolle geschmackliche Zuordnung, sondern auch der passende emotionale Kick.

Angesichts erschreckender Kleidungspanoramen auf Flugsteigen und an touristischen Orten in der Reisezeit sind Modestatements wie diese ein echter Hoffnungsschimmer.

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Hinter dem Label LIDA NOBA steht die Designerin Lida Nobakh, ansässig in Zürich, aus dem Iran stammend, wo sie auch auf der Kunstakademie abgeschlossen hat. Auch wenn man der Linie eine spielerische Note ansieht, die „orientalische Elemente“ suggerieren, so wirkt die Sommer- und Frühjahrskollektion für 2017 sehr strukturiert und aufgeräumt.
Neben einigen Herren-Looks, ist die Kollektion eine Damenkollektion, die farblich warm und dezent ausgerichtet ist, und als Akzent ein ansprechendes Blau als Note mitbringt. Die Volumen sind großzügig, weit und dynamisch fallend, ohne zu sehr in „Oversize“ zu gehen. Abgerundet wird oft mit passenden Accessoires – sprich Taschen, welche Ornamentik wiederspiegelt. Hier finden sich auch schöne strukturierte und formale Muster wieder. Ansonsten sprechen in Bezug auf Ornamentik, oder Strukturgebende Details schöne Bänder an, welche die Silhouetten an Armen unterstreichen. Präsentiert wurde die Kollektion dem Fachpublikum in Zürich im Rahmen der Mode Suisse.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Jetset der 1970er

Der Designer Dimitrios Panagiotopoulos zeigte in Berlin auf der Fashion Week seine neue Kollektion, besser Kollektionen für den kommenden Sommer 2017. Neben der bekannten Linie für Damen, stets elegant und glamourös, finden sich auch lässige Herren-Looks und Bademode. Weitestgehend in hellen, seidenen Tönen kommen die Kreationen daher, sind schwungvoll dynamisch bis wehend bei den Damen und oft lässig hemdsärmelig bei den Herren. Auf den ersten Blick kommen Assotiationen mit Kleidung aus der Antike auf, die ihren großen Auftritt ab den 1960er und vor allem in den 70er Jahren bei den sogenannten „Sandalenfilme“ hatten. Namentlich fällt da der Film Caligula von 1979 ein, mit den entsprechenden Ausschweifungen, die auch zum Mythos des Jetsets der 1970er Jahre passen könnte.

Besonders Gefallen habe die eher beigen Entwürfe in sportlichem, dezenterem Erscheinungsbild gefunden. Die Bademode hat indes in der Präsentation mit „Laufstegmodellen“ nicht ganz so überzeugen können, was dem Umstand Size Zero geschuldet ist und etwas von der Realität der normalen weiblichen Figuren und Proportionen abwich.

Die Herrenlooks hingegen könnten einen Auftakt zu einer interessanten neuen und weiterzuführenden Linie darstellen, die man im Auge behalten sollte und nach „mehr“ verlangen.

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Eine Präsentation im me collector’s room als alternatives Angebot an Designer, die nicht die große Schau an der Hauptlocation wollen, ist nicht nur die preiswertere Entscheidung für Modeschöpfer sondern auch die intimere, persönlichere. Mit einer künstlerischen Installation kann man gestalterische Ambiente kreieren und den Besucher in Ruhe die gezeigten Stücke betrachten lassen, das ist eine gut kontrollierbare Inszenierung in einer sehr schönen Räumlichkeit. Manche Designer machen hier eine kleine Laufstegveranstaltung, die noch von der Nähe profitiert, die Modeschauen ganz früher oft hatten, als sie noch in den Modehäusern selbst stattfanden.

Nathini van der Meer

hat sich für beides entschieden, sie lässt die kleine Schau in der statischen Installation münden. Dafür hat sie den Boden mit Holzkohle-Streifen neu gegliedert und charakterisiert, die Wände mit großen Geflechten aus dunklen Ästen strukturiert, in die sie Teile ihrer Kollektion gehängt und schließlich die Modelle davor positioniert hat. Eine schöne, stimmige Idee, die die Assoziation zu Natur und Vergänglichkeit erlaubte und das Spannungsfeld zwischen Naturfreiheit und systemischer Ordnung herstellte.

Und irgendwo dazwischen siedelt sich auch der ästhetische Charakter der Modekollektion von Nathini van der Meer an. Die 26jährige Modedesignerin hat an der UdK Modedesign studiert, beschäftigt sich aber auch und besonders mit anderen gestalterischen Aufgaben, z.B. Fotografie, Video und Plattencovergestaltung.
So unterliegt auch die vorgestellte Sommerkollektion für 2017 vorwiegend einer dem Dunklen zugewandten Ästhetik, die auch trotz weißer Strahler und Podeste und mit einigen hellen Kleidungsstücken keinen wirklichen Optimismus ausstrahlt. Schwarz, Petrol und Dunkelbraun bestimmen die Farbgebung wesentlich, klassische Schnitte und eher geometrische Formen sind erst einmal nicht locker angelegt. Frontal findet sich oft ein breiter, senkrechter Streifen über der Brust, auf unterschiedliche Weise und als wiederkehrender Akzent angelegt, und die Materialzusammensetzungen aus natürlichen und synthetischen Stoffen sind unaufdringlich aber zeitgemäß an diversen Stücken oder Kombinationen zu finden.
Kleine lockere Gestaltungsgesten hie und da, als Zusätze oder Arrangements oder Tragweisen mildern zwar die eher düstere Gesamtwirkung, mit den meisten Stücken geht der Protagonist jedoch eher warm und dunkel in den Sommer 2017.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die 28jährige Designerin Vanesa Krongold aus Argentinien ist neu in der europäischen Modelandschaft und führte eine sehr lebendige Kollektion für Männer und Frauen vor. Ihre Spezialität sind freie, wilde Muster, Schichtungen verschiedenster Schnitte und Farbmixe sowie großzügige Formen. Vieles sieht wie schnell und kräftig hingetuscht aus, Lebhaftigkeit und offensive Präsenz bilden quasi einen couragierten Kontrapunkt zum gewohnten Gestaltungsrahmen. Die Designerin greift recht frei und hemmungslos in die große Kiste bekannter Materialien und Gestaltungen um sie neu zu denken und zu definieren. Die Ergebnisse kommen dabei ziemlich unverkrampft und mutig daher.

Gleiches Prinzip für Männer und Frauen, denen stets ein sehr selbstbewusster Auftritt zugewiesen wird, wobei das für Männer auch etwas mehr Sexyness bedeuten kann.

Abwechslungsreich und emanzipiert von Konventionen und Geschichte hat diese Mode, zumindest in unseren Breitengraden, auch einen auffallend avantgardistischen Zug.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Gerhard Paproth (Schau & Location) / Andreas Hofrichter (Details)

Es überzeugte ja schon im vorangegangenen Sommer, jetzt hat sie es konsequent der aktuellen Schau auf den Weg gegeben: launiges Sommerfeeling! Berliner Designer/innen können sich dazu ja nicht leicht durchringen und hadern meist mit Frische und Farbe, Österreicherinnen haben damit keine Berührungsprobleme. Zugegeben, Marina Hoermanseder ist Wahlberlinerin, aber noch berlinert sie in keiner Hinsicht.

Die erneute Wahl einer Schau im Garten war passend, die Modelle mit der Kollektion inmitten des Publikums herumstreifen zu lassen erhöhte die künstlerische Präsentation nicht künstlich und wie üblich, sondern will als Teil des Menschen-Kontextes in natürlicher Umgebung gesehen werden. Vielleicht nicht ganz neu, aber ein äußerst sympathischer Gedanke und wir haben auch versucht, dem mit unseren Abbildungen ein wenig Rechnung zu tragen.

Geprägt war die Kollektion, wie angedeutet, von sommerlich frischer, pastellener Farbpalette mit dominierendem Orange, Himmelblau, Pink/Rosa und Weiß/Beige. Das ist soweit schon ein durchgehendes, stimmiges Konzept, farbige Punkte, Blümchen, Schmetterlinge in allen möglichen Applikationsvarianten sorgen an vielen Stücken außerdem für Lebhaftigkeit. Schnitte, Formen und Materialien, geriemt, gehäkelt, satiniert und geledert erprobte die Designerin variantenreich und vergaß dabei den sommerlichen Aspekt nie. Der Gedanke und das Konzept setzten sich bei Schmuck, Taschen und Schuhen stimmig und geschmackvoll fort.

Anderswo erwähnter Tiefgang bezogen auf eher bedrückende Weltreflexionen im Gestaltungskonzept vermittelte sich uns nicht – wir waren vielleicht auch zu glücklich, dass hier alles sich ganz wunderbar fügte: Sonne, Wärme, Garten, prickelnde Getränke, entspannte, gut gelaunte Menschen, harmonische, verspielte Architektur, leichte Musik, zwanglose Eleganz und schöne, erfrischende Mode.

Was kann man mehr von einer Sommermodenschau erhoffen?

Marina Hoermanseder – Details:

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Basteln und spielen

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Veranstaltungen von Modestudenten sind meist attraktiv, weil sie Kreativität, thematische Gedanken und formale Innovationen hemmungsloser vorführen können als Profischauen. Dieser Prämisse sind auch die Studenten der HDK Bremen gefolgt und haben außerdem mit dem wunderbaren Schauplatz Aquarium Berlin ein Ambiente gewählt, das einen vielversprechenden Rahmen für sinnliche und konzeptuelle Kreationen anbietet.

Kein Zauber

Doch leider wurde der Zuschauer enttäuscht, weil es den vielen vorgeführten Arbeiten an wichtigen Kompetenzen fehlte: zu sehen war Improvisation statt handwerklicher Ambition, gedanklich unklares Patchwork statt thematisch überzeugender Visualisierung, Nutzung von irgendwas statt sinnlichem Gefühl für Materialität und letztlich Zufriedenheit mit einem anekdotischen Gag statt einem Gespür für überzeugende Ästhetik. Heraus kam unfertiges Basteln in der frühsten Experimentierphase. Die Präsentation selbst gab sich spielerisch, als choreografisches Gesamtkonzept durchaus passend, erschien in der Umsetzung aber eher ungelenk als versöhnlich. Und der Bezug zum Zauber des Ortes war eher lose.

All das kann ausbildungsintern freilich konstituierendes Teil des Entwicklungsprozesses sein, vorzeigbar in der Öffentlichkeit ist das aber keineswegs und an so ambitioniert schönem Ort wie dem Berliner Aquarium bricht sich das Niveau des Ganzen dann umso unangenehmer. Hinzu tritt der Umstand, dass die Veranstaltung keinem gestalterischen Thema oder Motto folgte und darum ein zusammengewürfeltes Panoptikum präsentierte. Hie und da sah man aber auch Ausnahmen, die kreativ oder handwerklich stimmten, manchmal Einzelnes, selten als Ganzes.

Ein Lehrstück, dass man sich überlegen sollte, was man in der Öffentlichkeit zeigt und wie man ein Gesamtkonzept dafür auf die Beine stellt – gerade wenn die Rahmenkonditionen (z. B. Umgebung) verführerisch gut sind.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Ein Bericht über die Doppelmesse und die auf dem Laufsteg präsentierte Mode.

Seit einigen Jahren etabliert sich Berlin als einer der wichtigsten Handelsplätze für ökologische Mode. Mit der Doppelmesse Green Showroom und Ethical Fashion Show im Postbahnhof bietet sich für eine Vielzahl von Marken, unter der Regie der Messe Frankfurt, die Möglichkeit die neuen Kollektion zu zeigen und dabei einen direkten Kontakt zu Einkäufern und der Presse zu finden. Die ethical fashion show geht mittlerweile in die zehnte Saison. Währenddessen finden sich im Green Showroom neben vielen vertrauten Marken auch die beiden ökologischen Vorzeigemarken Xess+Baba und Somyso. Über beide Labels haben wir schon in der Vergangenheit mehrfach berichtet und deren Mode auch in Editorials präsentiert.

Begleitet wird die Doppelmesse von einem umfangreichen Rahmenprogramm mit Diskussionsrunden und Vorträgen zum fachlichen Austausch und der zukünftigen Entwicklung und Ausrichtung von ökologischer Mode.

Salonshows im Postbahnhof

Ergänzt wird dies dabei durch zwei Salon Schauen, welche konzeptionell eine Reihe von Marken bündelt. Im Rahmen der ersten Schau lag der Schwerpunkt auf der Präsentation der neuen Entwürfe des Labels Lanius welches mit Weleda, dem bekannten Hersteller für unter anderem Kosmetik kooperiert. Von einigen Marken wurden leider nur vereinzelt Looks gezeigt.

Die aktuelle Stärke von ökologischem Modedesign liegt eindeutig bei dem möglichen Rückgriff auf ansprechend interessante Stoffe, die vielfach sehr gut in Materialmixen verarbeitet werden. Insgesamt fällt auf, dass gerade die Oberflächenkonstruktionen eine der Stärken der in diesem Segment arbeitenden Designer ist. Hieraus resultiert sehr oft eine schnörkellose bis funktionale Gestaltung. Weite Bewegungsfreiheit, welche sehr alltagstauglich ist dominiert vielfach. Das Repertoire vieler Marken ist dabei immer noch sehr auf sogenannte Basics ausgelegt und richtet sich überwiegend an ein weibliches Publikum, auch wenn sehr langsam in Bereich ökologischer Mode auch Herrenbekleidung wichtiger wird. Der Ausbruch aus einer ideologisch auf eine Zielgruppe ausgerichteten Konzeption hat noch nicht wirklich stattgefunden und schafft es immer noch nicht, sich deutlich weitere Kreise zu erschließen und in das Bewusstsein breiterer Schichten vorzudringen. Mode- und designtheoretisch ist diese aber im aktuellen Diskurs über Wirkung, und Funktion von (Masse-)mode nachvollziehbar und konsequent als Alleinstellungsmerkmal. Wer ökologische Mode trägt setzt damit auch individuell ein Zeichen der Abgrenzung. Design muss auch nicht zwingend spektakulär sein. Gerade im hochwertigen Segment ist es angenehm erfreulich bei nachhaltiger Mode, dass ein ansprechenderer Bezug zum gesellschaftlichen Kontext besteht und nicht wie in der konventionellen High-Fashion Mechanismus wie Elitenbildung durch den Wahn um Size Zero vorherrscht, der gerade bei Damenmode mit einem übertriebenen Sexismus einhergeht, der weder etwas mit einem individuellen erotischem Eigenverständnis zu tun hat, noch damit, bewusst durch die Kleidung breite Schichten auszugrenzen und auf gesellschaftliche Trennung als Marktinstrument zu setzen. Unter dieser Prämisse ist nachhaltige Mode in der aktuellen Ausprägung sehr gut gesellschaftlich positioniert und hat langfristig auch das Potential zu einem generellen Durchbruch.

Lanius (xWeleda)

Seit 1999 ist Claudia Lanius mit ihrem Label am Markt und kann durch schöne Drucke und viel Bewegungsfreiheit bei den Silhouetten überzeugen.

Studio Elsien Gringhuis

Das Label Studio Elsien Gringhuis sieht sich im Highend Bereich angesiedelt und wartet mit urbanem Design auf.

Elementum by Daniela Pais

Inti Ferreira

Studio Jux

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