Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Berliner Label Ottolinger der beiden Schweizerinnen Christa Bösch und Cosima Gadient focussiert sich auf die innovative Prägung dessen, was als berlintypischer Style gilt und erweist sich damit als zunehmend erfolgreich. Nun erscheinen sie erstmals auf der Fashionweek im Intervention-Programm mit dem Anliegen, sich als Szene-Label größer zu etablieren.

Das Publikum war entsprechend szenemäßig, Insider und frühe Fans des eigenwilligen Labels, das ihnen für seine subversive Energie mit dekonstruierten Silhouetten und rohen Oberflächen bekannt ist.

Der Typus einer jungen Frau, der hier bedient wird, ist nicht die Heidi aus dem Schwarzwald, sondern etwa der einer etwas unzuverlässigen Person, die mit leicht selbstherrlichem Auftritt einen etwas exzentrischen Kleidungsgeschmack vorführt, das aber wohl überlegt und mit ungewöhnlichen Akzentuierungen. Dazu gehört zum Beispiel die überraschende Wahl von Stofflichkeiten, von Pants und schmalem, flachem Bandeau-Top oder verworrenes Schnittwerk, das das Ganze irgendwie zusammenhält. Nichts ist wirklich grell, weder die Farben, noch die Kontraste oder die Gesamtarchitektur, aber doch vieles ein wenig neben der erwarteten Spur. Daraus wurde ein Style entwickelt, der die Lust am leicht Verpeilten thematisiert und feiert und was viel Freiheit und Kreativität ermöglicht. Dazwischen erscheinen auch relativ konventionelle Kleider, ohne das als Kontrast spüren zu lassen. Es tauchen diverse „Schutzelemente“ auf, für’s Gesicht große Sonnenbrillen, für die Brust die erwähnten Bandeaustreifen oder als zusätzliche Gurte oben drüber, die auch sonst oft deplaziert angebracht werden. Etwas bewußt deplatziert ist einiges aber nie alles. Außerdem stets ein paar wild herumschwingende Strippen, die das frei Bewegte des Erscheinungsbilds verstärken. Gleichwohl bleibt das Dekonstruierte körpernah und sehr weiblich ausgelegt, meist, aber nicht immer. Das einzige Herrenoutfit findet auch eine geeignete männliche Note des Prinzips. Dabei sind die Grenzbereiche manchmal fluide. Das gilt für viele Aspekte des Konzeptes, scheinbarer Festlegung wird immer wieder mal deutlich entgegen gearbeitet.

Der Typus ist also die junge Frau, die einem oft im Leben begegnet, häufiger noch im Internet, trotz vieler charakteristischer Verpeiltheiten ist sie pragmatisch, straight und selbstbewußt, mit gelegentlicher Schlampigkeit, und auf dem Laufsteg wirkt manche auch launisch dazu. In Geschmacksfragen ist sie nicht gerade anspruchsvoll aber auf jeden Fall eigen und umgibt sich auch mit einigen gefundenen Trouvaillen der ausgefallenen Sorte. Wie wir schon bei Sia Arnika anmerkten, kommt die Erscheinung der noch etwas unsteten und „unfertigen“ Generation in Berlin hier ebenfalls zum Tragen, wenn auch gestalterisch prägnanter formuliert und als selbstbewußter beschrieben. Dieser Designerinnen-Mut wird immerhin von der Fanschaft mit großer Begeisterung gefeiert und Heidi ist konzeptuell als eine „berlintypische“ Kollektion zu verbuchen. Das Weitere besorgen die Influencerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach diversen Schauen in Paris betritt das Label ioannes nun auch die Fashionweek Berlin und bringt den Anspruch von Eleganz und Geschmackssicherheit in die letzte Schau des Berliner Reigens Frühling/Sommer 2026 zurück. Und das mit einiger Verve: „Dornen wachsen besser als dickere Haut“.

Das Konzept der Kollektion des Designers Johannes Boehl konzentriert sich auf das moderne Selbstverständnis der Frau, zwischen den Polen von akzentuierter Weiblichkeit und selbstbestimmter Kraft im Auftritt. Eigentlich führt die Schau die übliche französische Modeposition vor, denn sie vereint diese scheinbare Ambivalenz mit großer Selbstverständlichkeit, während man hier Emanzipation erst einmal diskursiv und theoretisch zu lösen versucht.

Der gestalterische Anspruch bei ioannes ist stets das komplette Erscheinungsbild von Kopf bis Fuß, also von der ausgewählten Sonnenbrille (MYKITA) über den Kleidungsentwurf und den prägnanten Schmuck bis zu stilgerechtem Schuhwerk, das gegebenenfalls auch einen eigenen Gestaltungsmodus erfährt. Alles erscheint sehr „bestimmt“ in der Anmutung, schlüssig und charismatisch. Zartheit wird Stärke und die Stärke erscheint subtil ausgespielt. Lässigkeit entsteht durch Selbstbewußtsein und geschmackliche Souveränität.

Das ist, so ungefähr, der französische Modemodus, den man in Paris auch als real gelebt in der Öffentlichkeit erfährt und mit Hilfe dessen man auch die philosophische Positionierung der Frau, ihr Selbstverständnis als emanzipiert im gesellschaftlichen Kontext, wahrnehmen soll. Dabei werden die gestalterischen Codes stets dem guten Geschmack unterstellt, denn der ist letztlich die eigentliche Kraft für überzeugende Wirksamkeit. Hierzulande ist es oft der ideologische Überbau – Nachhaltigkeit, Auflehnung gegen tradierte Erscheinungsbilder, Generationskonflikte und vieles mehr -, der den modischen Auftritt bestimmt, Geschmack und Eleganz sind eher eventuelle Optionen oder Extras; in Berlin sind sie nicht selten sogar ein No-Go.

Das Spiel des Modedesigns schöpft bei ioannes vielfach aus Kontrasten, die die Anschauung spannend machen, ohne widersprüchlich zu werden. Lockeres, zum Beispiel Bänder an der Tasche, wird mit geometrisch Strengem, zum Beispiel Blazer, verbunden, kraftvolle Schlangenprint-Boots werden zu kurvigem Schlauchkleid gefügt, gefährlich spitze Sandalen zu transparentem Kleid, extra lange Ärmel zu sehr kurzem Kleid, rosa Minikleidchen werden mit schwarzen, blickdichten Strümpfen getragen. Das aber ist kein festes Prinzip, denn Farbspiele, Transparenzen und Materialzusammenstellungen können auch als Nuancierungen den Look bestimmen. Hinzugefügte Elemente sichern stets klare Positionierung, besonders Sonnenbrillen (Distanzierung), kompakte und kräftige Ohrclips, strenge Frisuren, unverspieltes Make-Up. Jede Gestalt bekommt starkes Charisma, egal ob ein romantischer Touch oder schwarze Hochgeschlossenheit Ausgangspunkt des Typus ist.
Und: die moderne Pariser Frau wird ihre Sexyness damit niemals aufgeben sondern unterstreichen.

Mit geschmacklich souveränem Spiel wird so die emanzipierte Frau der Gegenwart definiert, zumindestens in dem Sinne, wie Paris das versteht, und als eleganter Einwurf (sogar als letztes Wort) auf der Berliner Fashionweek kann oder sollte das durchaus zu denken geben.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

„Berlin Curated“ ist ein neues Show-Format, das verschiedene junge Talente präsentieren will. Initiiert wurde es von Christiane Arp (Zitat:“Die Berlin Fashion Week ist die Bühne für aufstrebende Talente,“) und ausgeführt wird es von Sevil Uguz mit ihrer Agentur 0049x. Damit wird sinngemäß eine Brücke geschlagen, von Neo.Fashion, das gelungene Ausbildungsergebnisse zeigt zu den Programm- Schauen, eine Brücke, die den Einstand ins Professionelle ermöglichen will.

Mit Berlin Curated reagiert die Vorsitzende des German Fashion Council unter anderem auf die häufigen Vorwürfe, dass die wirkungsvolle Förderung von Talenten in Deutschland nicht effektiv angegangen würde, die Konzepte intransparent seien sowie auch auf eigene Erkenntnisse. Der Versuch, mit diesem Format nun eine relevantere Aussenwirkung zu erzielen, ist lobenswert, mit der großen Erfahrung von Frau Arp, auch im Kuratieren – siehe Berliner Salon -,  wird das sicher auch kompetent auf den Weg gebracht – wenn auch vielleicht von subjektiven Verfahren und Prägungen begleitet.

Die Probleme des Berufsstartes für Modedesigner sind hinlänglich bekannt, Sichtbarwerdung, professionelles Netzwerk, Medienrelevanz, Imageaufbau sind dazu einige Stichworte. Alles das ist schwierig, weil Deutschland keine solide Modeindustrie hat, wie sie in Frankreich oder Italien funktioniert und die Professionalisierung hier schwieriger zu richten ist. Aber Berlin Curated will für die zentralen Herausforderungen Mittel und Wege finden und bereit stellen, und vielleicht wird mit diesem Format auch transparent, wie es dann funktioniert.
Eine neue Webseite dazu gibt es jetzt auch (und natürlich Instagram).

Wir berichten seit vielen Jahren aus Hyères (Frankreich) und wissen, wie das erfolgreich aussehen kann: kompetente und jährlich mit großen Namen neu besetzte Jurys wählen aus und die Wettbewerbssieger zeigen ein Jahr später dort mit neuer Kollektionsschau, was aus der bereitgestellten Förderung geworden ist. Teil der Förderung ist eine große Schau zur FW Paris. Aber dort spielen die großen Modehäuser eine wesentliche Rolle in der Unterstützung, was hierzulande eben nicht verfügbar ist. Auch die Fashioncouncils anderer Länder beziehungsweise Städte haben im Laufe der Jahre wirksame Verfahren entwickelt (besonders interessant: London).

Mit dieser ersten Schau von 16 ausgewählten (studentischen) Talenten mit 42 Looks wird nun also ein neuer Anfang eingeläutet. In der Regel drei Looks durften die Designer präsentieren, manches erscheint noch studentisch experimentell, manches etwas theaterhaft, einiges fasst modische Trends zusammen oder stellt liebevolles Schneiderhandwerk heraus und manches mutet schon recht geschmackssicher an. Additionen, Dekonstruktionen und große Volumina sieht man häufig, ökologisches Bewusstsein muss als selbstverständlich gelten und ist auch nicht selten gestalterische Innovationskraft.

Wir wünschen dem Format und dem Konzept viel Erfolg!

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(Foto Netzfund)

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Ästhetische Vorschläge, wie Streetwear im europäischen Sinne neu aufgestellt werden könnte, gibt es ja nicht wenige, in der Überzeugungskraft und vor allem in der Durchschlagskraft führen die erdachten Vorstellungen aber nur bruchstückhaft und sehr langsam zu innovativen Standards. Ein einheitliches Bild führt das Label sample030 von Designer Ruben Jai vor.

Die geschickte Zusammenführung von Streetwear-Ästhetik mit Anti-US-Mainstream und Upcycling findet hier zu einem eigenen Stil, der vormacht, welche Gestaltungsmodi ein wirkungsvolles Bild prägen können. Ganz frei von eher unattraktiven und gewohnten Elementen wie Flecktarn, Kaputtmachen und ungewöhnlichen Längen schlecht sitzender Hosen sind viele Looks zwar nicht, die muss man wohl als „Basics“ verbuchen, aber ihre Aufbereitung und der innovative Reichtum in einem geschmacklich schlüssigen Gesamtkonzept ist wirklich bemerkenswert.

Grundlegende Herausforderung für Streetwear – als Anti-Konzept – ist es ja, Häßlichkeiten attraktiv zu machen, ihnen die spannende Reize abzugewinnen, die meist erst auf den zweiten Blick erkennbar werden. Und die weitere ist es, in der Zusammenstellung der verschiedenen (neuen oder übernommenen) Codes eine ästhetische Einheit zu kreieren. Beides gelingt sample030 sehr überzeugend, umso mehr als auch spezifische Berliner Trends dabei zum Tragen kommen. Denn besonders diese sind es, die den Anti-Mainstream bewußt prägen.

Nicht von ungefähr fand darum die Schau auch in einer rauen Lagerhalle mitten in Neukölln statt, im The Cank Berlin, im wohl roughsten urbanen Umfeld, das Berlin aufweist. Die gezeigte Kollektion war dann auch bruchlos die entsprechende Veredlung dieses Ambientes und machte ihrem Namen Ghetto Express alle Ehre. Dabei verzichtet der Designer weitgehend auf den Rückzug auf „Berliner Schwarz“ oder auf billige Schlagwortprints, im Gegenteil, die Farbigkeit zwischen Unbuntem und verschatteten Farben – zum Beispiel oliv oder verblichenes Jeans-Graublau, Beige und Erdfarben – erzielt oft unerwartete Akzente, ohne laut zu werden. Auch die Schnitte und Architekturen und die Printakzente verzichten weitgehend auf auffällige Übertreibungen oder Stilbeharrlichkeiten und behalten trotzdem den Touch des Ungewöhnlichen. Dasselbe gilt ähnlich für die anderen Gestaltungsaspekte wie die Materialmixe, den Umgang mit Upcycling, das dekorativ Undekorative, die Stilbrüche – alles ist da aber nichts ist aufdringlich oder „gewollt“.

Im Endeffekt gelingt Ruben Jai etwas sehr Ungewöhnliches, nämlich annähernd so etwas wie eine Eleganz der Anti-Ästhetik. Die, traurigerweise, findet allerdings doch noch einen Bruch: Das durchgehend entsetzliche Schuhwerk. Diese geschmackliche Bösartigkeit ist zu radikal, die läßt sich wohl nie und nirgends ästhetisch aufwerten sondern gehört verboten.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Selbstreflexion der Modemacher zum Stand der Dinge in der globalen Branche hat zu einem eigenen Darstellungsmodus ihrer Labels geführt, der nun selbst Mode geworden ist. Mit Buzigahill ist in diesen Kontext jetzt ein weiteres Label hinzu getreten, das, wie auch schon Palmwine Icecream, Probleme des afrikanischen Kontinents besonders akzentuiert herausstellt. Denn dort lädt die westliche Welt ihren gebrauchten Fast-Fashion-Schrott en masse ab und zeigt gerade damit die verwerfliche Marktpolitik ihrer Produzenten am penetrantesten.

Dass dieser Reflex afrikanischer Modemacher nun auf der Fashionweek in Berlin eine besondere Bühne bekommt, verweist auf das relevante Bewußtsein und die große Bedeutung, die dem ökologischen Aspekt der Mode hier zugewiesen wird und unterstreicht das politische Anliegen der jungen Modewelt auf das sinnfälligste.

Buzigahill ist das Label für eine kollektive Produktion in Uganda (und darüber hinaus reichend) mit der Absicht, Textilkolonialismus, Ownership und Rückgewinnung in seinem Herstellungsprozess als gesellschaftspolitisches Statement vorzuführen. Nachweise zu (und an) jedem Kleidungsstück zu seiner Herkunft, Beschaffenheit und  seinem Produktionszeitraum werden wie ein Pass mit einer Identitätsnummer dokumentiert und in einem kleinen Infoheft detailliert aufgelistet. So bringt das Vorgehen den Modeschrott aus Europa, Nordamerika oder Asien klug und innovativ aufbereitet wieder zurück in sein altes, westliches Umfeld (Return to Sender), versehen mit Hinweisen, die der erneuten Nutzung auch ein erneutes, erweitertes Bewußtsein hinzufügt.

Die gesellschafts- und systemkritische Grundlage dieser Modeschöpfung wird bei Buzigahills Schau von Anfang an durch einbettende Inszenierung ins Bewußtsein gerückt, mit beginnender Stille, eingelesenen Passagen aus der UN Menschenrechtserklärung in 17 Sprachen, endend mit dem Satz „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“, mit Infomaterial und nicht zuletzt einem gewählten Publikum.

Die Produktionen der Looks sind sehr vielfältig und komplex angelegt – handgefertigte Patchworks, traditionelle Stickkunst eines Kollektivs aus 46 süd-sudanesischen Frauen im Bidi Bidi-Flüchtlingscamp und viele weitere überraschende Kombinations- und Upcycleverfahren in Material und Aufbereitung geben den Outfits einen Background, der sich als entscheidender Aspekt dieser Mode versteht. Und der auch vorführt, dass nicht ein Lieferkettengesetz, ein wenig Upcycling oder neue Ökomaterialien schon alles ist, was hier neu gedacht werden muss. In dieser Hinsicht ist diese Schau auf der Berliner Fashionweek einer der wichtigsten und überzeugendsten Beiträge.

In anderer Hinsicht, nämlich der ästhetischen Prägung – für sich und auch fürs Ganze –  genommen, bleibt vieles noch offen, denn deutlich gemachte gesellschaftspolitische Positionierung ist noch kein ausreichender ästhetischer Modus. Zudem sieht man den Sachen ja auch nur gelegentlich an, was dahinter steckt. Das Erscheinungsbild der ursprünglichen Teile, meistens ja Streetwear, ihre modischen Codes und die materialgeprägte Sportlichkeit erscheinen oft ungebrochen beziehungsweise repetiert wieder, sei es in den seitlich offenen, geknöpften, dünnen Hosen oder in den aufgeduckten Sprachfetzen (BIG, Try Jesus, Easy Love) und Signets (Addidas-Steifen, Nike-Haken, Labelnamen). Auch mit den üblichen Schichtungen, Dekonstruktionen und Mixturen entsteht letztlich noch kein eigener visueller Style, der eine Unverwechselbarkeit des Labels herausarbeitet und auch eine dazu gehörende formale Neupositionierung anstrebt. Es gibt zwar schon einige Besonderheiten, wie zum Beispiel den Denim Faltenrock und ein paar andere Pfiffigkeiten, aber viel eher findet man wieder, was man schon anderswo gesehen hat und vor allem viele Hässlichkeiten der amerikanischen Streetwear, inklusive baumelnder Shorts, tief hängender Hosenbünde (nun mit Unterhosenabschnitt fertig vernäht), fetter Prints und batikgefleckter Jeansjacken, bleiben Teil (manchmal auch Grundlage) der Gesamtästhetik. Hier sind die zutiefst negativen, proll-ästhetischen Standards der Fast-Fashion-Modewelt nicht analog zu den negativen Prozessen ihres Produktionssystems reflektiert. Dabei sind sie auch Teil dessen. Und diese Erscheinungsbilder wollen wir doch eigentlich ebenfalls nicht mehr. Nun, das ist vielleicht der zweite Schritt, auf den man noch warten muss.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mario Keine erschien mit MARKE schon SS 2024 im Reigen der Berliner Fashionweek und hat seitdem seinen Gestaltungsstil fester umrissen, besonders der maritime Bezug im atmosphärischen Sinne prägt das sommerliche Grundgefühl seiner Kollektionen. Damit sichert sich das Label auch so etwas wie Grundsympathie schon im Vorhinein.

Prägnant sind die klaren und geometrischen Formen, die akzentuierend zu einander kontrastieren, wobei der Rückgriff auf den klassischen Blazer besonders häufig thematisiert ist. Der sitzt weit und großzügig, ist mit Reihen großer, stoffbezogener Knöpfe, die nur manchmal der eigentlichen Funktion folgen, symmetrisch ergänzt und er wird vornehmlich offen getragen. In der Öffnung leuchtet dann bei den schwarzen Modellen strahlendes Weiß hervor  – überhaupt ist das gerdezu blendende Weiß recht prägnant für die Kollektion, auch wenn hie und da helles Grau an seine Stelle tritt.

Die zugehörige Beinbekleidung der Herrenkollektion wechselt von scheinbar nicht vorhanden über klassische Shorts (auch in Pluderhosenform) hin zu weiten, langen Varianten, an der Seite geknöpft und am Knöchel mit Bündchen geschlossen. Hier glaubt man das Dilemma vieler Designer herauszulesen, eine zeitgenössische Version einer männlichen Hose zu finden und dabei den modernen Forderungen (zum Beispiel kurze Shorts, pflegeleicht, locker etc.) gerecht zu werden, wobei meistens der gute Geschmack und eine gewisse männliche Eleganz auf der Strecke bleiben müssen. Mit dem Ausgangsmodell Blazer sind dagegen solche Experimente für Oberbekleidung leichter. Die Herausforderung verkompliziert sich, wenn man moderne Queerness und Genderideologien da auch noch unterbringen will, wie das bei MARKE explizit so sein soll. Damit nicht genug, Bezüge zu Literatur (Maurice von dem Edwardianischen E.M. Forster, Swimming in the Dark, 90er Jahre, von dem Polen Tomasz Jedrowski, and Young Mungo von Working Class Verfechter Douglas Stuart) sollen quasi kämpferisch auch noch in die Gestaltungsinspiration einfließen – ganz schön komplex das alles und damit auch philosophisch überfrachtet. Immerhin, das ist aber das Entscheidende, sieht man das der Kollektion nicht wirklich an, die klare Strenge der formalen Konstruktionen und der Kontraste spricht eine eigene Gestaltungssprache. Hinzu tritt nun die erwähnte Hosengestaltung, hier kommen weiche Baumwollstoffe zum Einsatz, denen reiches, lockeres Faltenspiel erlaubt ist, das der geometrischen Oberteilgestaltung einen sehr deutlichen Kontrast entgegen setzt. Auch der Pluderhosen-Knöchelabschluss setzt einen unerwarteten Effekt. Die Knopfreihen und das Weiß sind die verbindenden Elemente.

„Kunst und Trash konkurrieren nicht, sondern korrelieren.“ ist ein verbales Statement von Mario Keine und die aufgezeigte Widersprüchlichkeit im Erscheinungsbild kann als Analogie dazu verstanden werden. Dinnerjacket plus Jeans haben sich ja längst vom gesellschaftskritischen Statement zum beliebigen Mixturspiel etabliert, mit der Erweiterung um genderrelevante Positionierung und manchmal auch ästhetische Dekonstruktionen setzt sich der Versuch fort, neue Gestaltungsmodi als gesellschaftspolitische Anschauung in der Mode zu finden. Abgeschlossen ist dieser Prozess also noch lange nicht, wie dieser Beitrag von MARKE zeigt. Immerhin, und das ist ein großer Verdienst, ist der ästhetische Grundanspruch an Mode hier noch nicht aufgegeben, wie das bei den unzähligen Streetfashion-Labels längst geschehen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Manchmal legt sich ein zarter Schleier wie eine poetische Verbrämung über das Kleidungsstück, manchmal wird Schwarz in seinen Schattierungsmöglichkeiten ausgespielt, akzentuierende Farben gibt es jedenfalls bei dieser Kollektion von Milk of Lime nicht (mehr) – die unbunte Farbigkeit nimmt sich selbst zurück. Bei den Formgestaltungen werden die Auflösungen des Ursprünglichen noch deutlicher: Dekonstruktivismus und Konstruktivismus sind für das Designerduo Julia Ballardt und Nico Verhaegen weiterhin entscheidendes Gestaltungsverfahren, unter anderem weil die Verbindung vom Klassischen (zum Beispiel Blazer) zum individuell Neuen (Blazer zerschnitten und neu zusammengesetzt) für sie so etwas wie unaffektierte Gegenwart repräsentiert. Sie haben neben dem Dekonstruktivismus viele Gestaltungsaspekte der vergangenen Dekaden beibehalten, die offenen Nähte, die herumschwingenden Bänder, das architektonische Schichten, starke Verschiebungen, Integration von Upcycling und vieles mehr und die damit verbundenen Möglichkeiten und Experimente faszinieren sie ganz offensichtlich. Stilistisch ergibt sich daraus oft ein Spiel zwischen Rauheit und Zartheit, strenger Eleganz und lockerer Freiheit und nicht selten auch die Verkehrung des Eigentlichen.

Insofern ist nichts von alledem neu, manches ist wie ein Gang durch die jüngste Modegeschichte und das Designerduo setzt darum auf das Besondere und Innovationen im persönlichen Experiment. Mit den körpernah geschnittenen Jacken bleibt jedoch die Verbindung zur Trägerin beziehungsweise zum Träger erhalten und die Experimente verselbständigen sich nicht. Das trägt ganz wesentlich zu dem eigenen Charme der Kollektion bei.

Charmant war auch die Inszenierung: die Gäste wurden auf ihren Stühlen durch die Verteilung eines Frühstückstischs auf dem Land begrüßt: Shownotizen, die als Zeitung, als mehrere kleine Markenkarten oder als ein Beutel Zucker getarnt waren. Dazu sanft schwingende Musik (Chime). Den pastoralen Touch, die Erforschung der ländlichen Ästhetik und natürlicher Materie, besonders aber Lyrik (siehe letztes Outfit) und Poesie, das Zarte und das Feine, vielleicht auch etwas Melancholie empfindet man in der Schau als die Essenz des eingangs erwähnten zarten Schleiers. „Wir brauchen Poesie in der Mode, weil die in letzter Zeit vergessen wurde.“ sagt Nico Verhaegen.

Die beiden Designer lernten sich bei ihrer Ausbildung in Belgien kennen. Wie wir schon an anderer Stelle einmal ausführten, ist die nicht trendorientiert oder popularitätsheischend, sondern darauf ausgerichtet, im Zeitgeist zu eigenem Verfahren und einer prägnanten Gestaltungsphilosophie zu finden, die dann den individuellen Style hervorbringen. Genau so machen es Milk of Lime, und weil das neben dem guten Handwerk (und ökologischem Bewußtsein) ein solides Konzept ist, kann man davon ausgehen, dass dieses Label nicht schon morgen wieder verschwunden sein wird.

Und zugegeben auch: ein wenig romantischer Esprit tut unserer Zeit sehr gut und es ist beruhigend, eine solche Position in überzeugender Weise auf der aktuellen Fashionweek zu finden.

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