Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon ist bekanntlich immer hervorragend kuratiert, seine Berg- und Talfahrten ergeben sich stets aus den Orten, wo er zu Gast war. Diese Saison findet er im Bode-Museum statt und der besondere Vorteil liegt, abgesehen von der Location mit klassischer Kulturprägung, darin, dass er ein paar Tage für öffentliches Publikum geöffnet bleibt (bis 7.7.).

Mit dieser Kooperation stellt sich einerseits die Modeveranstaltung der Fashionweek in einen kulturhistorischen Kontext und andererseits bietet sich dem Museum Gelegenheit, seine für manchen jungen Menschen eher trockene, lebensferne Kunstgeschichtsausstellung aus frischer Perspektive wahrzunehmen. Das Museum ist ohnehin stets aktiv bemüht, mit ungewöhnlichen, vorübergehenden, thematisch geprägten Ergänzungen zu seiner ständigen Sammlung neue Aufmerksamkeit und geistige Bewegung zu initiieren, neben den vielen Programmen (Konzerte, Talks etc.), die es sonst noch bietet, und zeigt sich dabei nicht selten mutig und risikobereit. Insofern sind die Kuratorinnen des Museums geübt in solcher Art interaktiver Korrespondenz und sie waren sicher sehr wichtige Partnerinnen der Modepräsentation inmitten mittelalterlicher, gotischer und byzantinischer Kunstwerke von erlesener Qualität. Dabei spielte der Schwerpunkt des Museums, nämlich die Skulptur, nicht einmal die entscheidende Rolle. Fast eine ganze Etage seiner Räumlichkeiten standen dem Experiment zur Verfügung und die Eröffnung war entsprechend feierlich angelegt.

Inwieweit das Experiment allerdings inhaltlich als ein Erfolg zu verbuchen ist, bleibt dahin gestellt. Angefangen mit der etwas enttäuschten Erwartung, dass sinnstiftende Korrespondenzen zwischen den historischen und den aktuellen Exponaten vor Augen treten und der Vermutung, dass die angewandte Kunst des Modedesigns im Kontext eine Veredelung erfahren könnte. Man hat aber fast den Eindruck, dass Kunstgeschichte und Mode höchstens auf ihrer Oberfläche zusammen kommen können, und dass mehr vielleicht auch nicht wirklich gewollt ist. Mit kritischem Tiefgang wird es an diversen Stellen eher brisant.

Vielleicht ist das Klagen auf hohem Niveau, fairer ist es wohl, die Kraftentfaltung der zeitgenössischen Kreationen zu würdigen, die im Kontrast ihren eigenen Zeitgeist herausstellen müssen. Und dank der kenntnisreichen und qualitätsbewußten Kuratierung ist das auch vorwiegend überzeugend gelungen. Doch auch dabei ist der konzeptuelle Ansatz schon ein anderer als zuvor. Von den bekannten Berliner Modemachern bestimmen nur noch einige das modische Panorama, viele unbekannte Namen sind vertreten, darunter auch besonders talentierte und perfektionistische Modestudenten. Damit geht der Berliner Salon noch einen Schritt nach vorn, sowohl die Nachwuchsförderung als auch die Erkundung des avantgardistischen Zeitgeistes betreffend.

Die Designer zeigten sich zumeist geehrt und oftmals auch besser verstanden mit ihrer künstlerischen Ambition der Arbeit. Manche, wie zum Beispiel Karen Jessen, agieren ohnehin grenzgängerisch zur Bildenden Kunst, sind auf der Positions vertreten oder noch gar nicht auf einen kommerziellen Geist des Tuns  gerichtet. Das ist vorteilhaft für optisch-ästhetische Ansprüche, die sich gerade in Berlin über das Selbstverständnis der Nachhaltigkeit erheben müssen, was manchen Designern noch immer schwer fällt. Auch in dieser Hinsicht ist der Ausstellungskontext „Kunstmuseum“ eine gute und richtige Herausforderung.

Es soll nicht verschwiegen werden, dass das Museum auf dem Gebiet schon einiges zu bieten hat. „Originale Kleidungsstücke, Schuhwerk und Accessoires sowie kunstvolle Buntwirkereien von höchster handwerklicher Qualität befinden sich etwa im Bestand des Museums für Byzantinische Kunst, das mit etwa 2.000 Stücken die größte Sammlung originaler Textilien aus dem nachpharaonischen Ägypten in Deutschland besitzt. Passend zur Fashion Week wird die Textilvitrine in Raum 113 mit repräsentativen Beispielen spätantiker Kleidung neu bestückt.“ (Eigenwerbung auf der Webseite.) Und natürlich spielen auch bei Gemälden und Skulpturen Kleidung und Modeerscheinungen schon immer eine wichtige Rolle. Allerdings erschließen sich solche nahegelegten Verbindungslinien nur sehr selten von selbst und wenn, dann eher oberflächlich oder nur mit großer Aufmerksamkeit und Mühe erkennbar.

Unterm Strich bleibt der Eindruck, dass zwar zusammengebracht ist, was einer tradierten Kulturidee folgt und vor allem, dass der Berliner Salon wieder einen stilvollen Ort für sich gefunden hat. Der Gedanke, dass das Eine mit dem Anderen dann doch nicht mithalten kann, bleibt aber auch – selbst wenn der stille Blick auf unsere Bilder noch den einen oder anderen Aha-Effekt hervorruft, der einem in der Ausstellung selbst erst einmal entgangen ist.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Eine Installation ist für Esther Perbandt ein gutes Format, um ihre künstlerischen Ambitionen mit den Modeentwürfen zusammenzuführen, und dabei hat sie stets faszinierende und ausgefallene Ideen. Sehr gelungen ist ihr das auch mit der aktuellen Kollektion “Concrete Jungle” in Zusammenarbeit mit dem Veranstaltungsort Acht Berlin.

Sie nutzt den Ort brutalistischer Architektur, in den ein großes Oval, quasi ein begrünter ein Hof mit Glaswand, ein Lichthof, eingelassen ist. Darin die Präsentations-Installation, die dann vom eigentlichen Nutzraum her betrachtet werden kann – wie ein Terrarium, in dem die Exoten sich am Schaufenster, still oder mit leicht skurillen Bewegungen, selbst vorführen. Das Draußen wird zum Drinnen oder umgekehrt. Das Innenlicht reflektiert auf den Scheiben ebenso wie das Außenlicht. Auf dem Boden des Lichthofs Naturrasen, in der Luft große scharze Luftballons, darüber der sommerliche Himmel, in der Mitte sitzt eine Cellospielerin und an den Glasfenstern stehen die Modelle mit der Kollektion.

Exotisch ist die Mode von Esther Perbandt meistens, sie ist schon lange aus der Gothic-Szene herausgewachsen, auch wenn man die Wurzeln deutlich erkennt beziehungsweise erkennen soll, aber die Designerin hat sich entwickelt, hin zu mehr Eleganz und zu zeitgemäßem Erscheinungsverständnis. Dabei bleiben alle ihre Entwicklungsperioden sichtbar enthalten und das macht die Kollektionen erfahren im Geschmack und differenziert in der Anschauung, ohne dass sie sich nun ganz auf trendy Ausdrucksformen stützt. Das Differenzierte zeigt sich nicht nur in der Unterschiedlichkeit der Looks sondern auch innerhalb eines solchen.

Zeitgemäß, wie auch bei vielen anderen Designer(inne)n, sind die vielen Transparenzen, ausgespielt in allen möglichen Varianten für alle Geschlechter, dazu noch immer Bänder, Strippen und Schichtungen, ausgefranste Konturen, Risse in den Flächen und stark modifizierte klassische Standards. Schwarze Kordeln und Gold als Kontrast sah man allerdings nicht mehr. Bemerkenswert ist, dass die Designerin nun die Strenge und die geometrische Selbstverpflichtung weitgehend aufgegeben hat und stattdessen viele lockere, formale Verspieltheiten zuläßt. Und dass sie nun die hermetische Verschlossenheit als Leitprinzip oft aufgebrochen hat und den Menschen (beziehungsweise den Körper) als Teil der modischen Inszenierung zulässt, ja, sogar feiert. Das ist, selbst wenn man es als Prozess beobachtet, schon ein radikaler Wandel, den sich Perbandt auch deswegen leisten kann, weil sie längst bei einer souveränen Stilistik angekommen ist, die sich von formalen Selbstverpflichtungen weitgehend emanzipiert hat. Und trotzdem bei sich bleibt. Die Looks von Esther Perbandt erkennt man unschwer immer als solche auch jenseits des Standards „Schwarz“.

Referenzen zum Klassischen (Anzug, Kostüm etc.) sind – im Vergleich zur dekonstruktivistischen und konstruktivistischen Phase – modisch zwar minimiert, aber als eher unbewegte Installation mit Cellobegleitung noch atmosphärisch relevant. Der Touch von Mystik und Ernsthafigkeit ist noch erhalten und die zugelassene Erotik erscheint, trotz aller Transparenz, zurückhaltend und distanziert. Im Vergleich zu früheren Saisons ist der Schritt ins Gegenwärtige mutiger und entschiedener geworden und es zeigt sich, dass das mitnichten den Perbandt-Style beeinträchtigt, sondern als Gewinn zu verbuchen ist.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Zur Vorstellung ihrer neuen „collection №13″ für den Sommer und das Frühjahr 2019 hat Ewa Herzog in den Showroom ihres Ateliers eingeladen. Bei wundervollem Wetter in Berlin-Wilmersdorf stellte sich eine ruhige und familiär freundliche Atmosphäre ein, die Charme vermittelte und einen offenen Austausch ermöglichte. Diese Stimmung machte den Besuch der Präsentation sehr angenehm und ermöglichte eine intensivere Auseinandersetzung mit den neuen Entwürfen, als es eine klassische Modenschau geboten hätte.

Wer wie wir bereits die Kollektionen der letzten Saisons schätzt, wird auch diese Kollektion sehr ansprechend finden. Die grundsolide Umsetzung, das Handwerk und die dezente und stilvolle Weiblichkeit und Eleganz kann nach wie vor überzeugen. Den klassischen Farben bleibt Ewa Herzog treu – Weiß, Schwarz und weiche, oft leicht pastell wirkende Töne und ein kräftiges Blau bei einem Kleid bieten hinreichend Abwechslung.

Prägend sind wieder fein verarbeitete Spitzen und Volants. Bei einigen Kleidern wurde unter die Spitze hautfarbene Transparenz eingebracht, was die elegante Wirkung keineswegs beeinträchtigt.  Auch abseits des roten Teppichs kommen die Kleider stilvoll zur Geltung. Bei Abendanlässen oder „Events“ genauso wie bei persönlichen Anlässen bereiten sie sicher Freude. Speziell die Kleider in Hellblau, Ocker, Rosé und die Kombinationen von Weiß mit blauen Applikationen und Ornamentik laden dazu ein, bei Sommerfesten, beim Flanieren in der Stadt, und sogar an der Arbeit getragen zu werden. Denn auch bei den Längen und Volumen bietet diese Kollektion zahlreiche Variationen. Sogar eine kecke Short fügt sich stilistisch gut in ein Gestaltungskonzept ein, das Extravaganz mit Alltag verknüpfen will.

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