Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

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Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist vielleicht müßig, hier prinzipiell über die Nähe oder Verschiedenheit von Fashiondesign zu Bildender Kunst zu diskutieren, weil man die Einbindung von Modedesignern aus Berlin in die jährliche, dieses Jahr bereits verschobene Kunstmesse POSITIONS im Prinzip als einen solidarischen Akt verstehen kann, denn auch die wesentlichen Fashionveranstaltungen in Berlin sind alle ersatzlos ausgefallen und das hat eine schmerzliche Lücke offenbart. Das Experiment ist insofern gelungen, als sein Konzept klug angelegt ist. In den Messehallen besetzen 20 ausgesuchte Modedesigner Expositionsplätze im hinteren, abschließenden Hallenabschnitt, die alle versuchen, mit der Präsentation ihres jeweiligen Modekonzeptes eine erkennbare Verbindung zum freien künstlerischen Arbeitsprozess sichtbar zu machen und damit die Anbindung schlüssig erscheinen zu lassen.

Dies geschieht mit recht unterschiedlicher Pointierung, Michael Sontag zum Beispiel stellt nur Bildwerke aus, Litichevskaya dagegen reproduziert die schablonierten Prints der Kleidung noch einmal auf den Stellwandhintergrund als dekoratives Pseudobild.

Michael Sontag:

Litichevskaya:

Doch der Zusammenschluss ist so selbstredend nicht. Das Designerteam Starstyling hat da offenbar Zweifel und provoziert schon mit eigenen T-Shirt-Beschriftungen „KUNST MODE SCHEISSE“ gegenüber dem Anliegen des Ganzen und weiter mit denkwürdigen Fragen und Bildkombis auf großem Videoschirm. Sie sind aber die einzigen, die sich selbst mit der Hinterfragung der Herausforderung präsentieren.
Grundsätzlich stehen die gezeigten Modeentwürfe nie für sich selbst, denn der Entwurfsprozess ist immer Thema. Damit sind die Modedesigner letztlich transparenter als die meisten Bildenden Künstler, die davon ausgehen, dass ihre Arbeiten das Anliegen von selbst erschließen. Aber auch die Modedesigner müssen oft zusätzlich noch erklären, sonst bleiben ihre Exponate rätselhaft. Von Tra My Nguyen erfährt man zum Beispiel, dass die Kleidung aus einer ursprünglichen Motorradabdeckung entstanden ist. Die hat sie zerschnitten und die Teile als Kleidungsstücke hergerichtet. Die ursprünglichen, vorgefundenen Stoffmuster hat sie in den Computer geladen, vermischt, manipuliert und zu einem neuen, eigenen Muster transferiert. Mit einem speziellen Printverfahren hat sie Stoffe neu gestaltet und dann Kleider daraus genäht. Die Ergebnisse wirken für sich zunächst zwar etwas fade, aber mit der Kenntnis der kreativen Transformprozesse lädt die Rezeption sich neu auf – und bei der Anschauung auf den gezeigten Videobildern mit der Kleidung am menschlichen Körper bekommen die Stücke eine eigene Klasse.

Starstyling:

Tra My Nguyen:

Etwas unkomplizierter wird die Verbindung von Modedesign zu Bildender Kunst da, wo der Designer gleichzeitig selbst geschaffene Bilder und Kleidung präsentiert, das eine quasi das andere reflektiert und mit anderem Medium fortsetzt. Das haben viele so gemacht. Ein weiteres gelungenes Beispiel findet sich bei Fiona Bennett, die ihre Hüte gleichsam optisch in eine luftige und originelle zeichnerische Anmutung integriert.

Fiona Bennett:

Brachmann hat zusammen mit einer Fotografin ein Projekt vorgestellt, mit Franziska Stünkel. Deren Fotos zeigen Transparenzen und Spiegelungen als geschichtete Verbindung bzw. Überlagerung mehrerer Realitätsausschnitte in einer identischen Erscheinung. Parallel hat Brachman ihre Bekleidung als Schichtung mehrerer Flächengestaltungen angelegt und versucht damit, Kleidung als Synthese differenter Elemente in die Wahrnehmung zu bringen.

Brachmann und Franziska Stünkel: 

Manchmal wirken die Inspirationen der Gestaltung etwas einfacher, das legt jedenfalls die symbolbefrachtete Präsentation nahe. So der klassische Naturbezug bei dem Schmuckatelier Elle Pé oder bei Annitian.

Atelier Elle Pé: 

Annitian:

Konkret Bezug auf die gegenwärtige politische und gesellschaftliche Situation nimmt Cruba. Fragen aus Gesprächen, die als solche stehen bleiben, werden als Text belassen (z.B. „I do not understand“) oder die Ratlosigkeit in Zeichen transferiert und der Wust der Verwirrung als großes grafisches Bild oder Muster auf Kleidung geprintet.

Cruba:

Damur ist jetzt auf die Frage des Überflusses und die Idee des Kleiderrecyclings gestoßen. „Wieviele Hosen hast du?“ fragt er die Besucher und an einer Pinwand sollen sie ihre Zahl zu den vielen anderen hinzufügen. Mit dem Recycling von Kleidungsstücken thematisiert er für sein Konzept nun das Unikat, ein ganz neuer Aspekt. In Sachen Reflex auf zeitgenössische Haltungen ist er stets dicht an den ideologischen bzw. soziologischen Trends, die er mit seinen völlig darauf ausgerichteten Konzepten nicht nur zu spiegeln sondern auch zu verstärken sucht.

Damur:

Esther Perbandt im Gegensatz dazu verfolgt weiter experimentell ihre gestalterische Leitidee, die fast ausschließlich in Schwarz navigiert und dem Monochromen stets neue Reize und Gestaltungsverfahren abzugewinnen sucht. Mit einem Plotterverfahren entwickelt sie gerade Oberflächenapplikationen, die sowohl auf Papier und vergleichbaren Gründen ihr Eigenleben entfalten, als auch auf Kleidungsstücken. Insgesamt ist ihre Kollektion wesentlich eleganter im klassischen Sinne geworden, die Schnitte und Formen sind nicht mehr so crazy. Bei Schmuck leben schlicht und skulptural nebeneinander.

Esther Perbandt:

Lou de Bétoly ist ein Klassiker des Berliner experimentellen Fashiondesigns (angefangen und berühmt geworden mit Augustin Téboul), ihre konzeptuellen Handarbeiten zeigt sie als eigenständigen, handgemachten Textilentwurf wie ein Bild und als manuellen Eingriff und Brechung in ein asymmetrisches Kleid bzw. mit definierenden Applikationen.

Lou de Bétoly: 

Auch die Designerin von Pugnat hat zu konzeptueller Handarbeit gewechselt. Sie kommt von der industriellen Strickfertigung und versteht diese rückblickend als ein flächiges Gestaltungsprinzip. Mit dem Stricken von Hand geht sie nun dazu über, skulpturale Formen zu erproben und damit dieser Handwerkstradition eine spezifische Option abzugewinnen. Damit wird dem menschlichen Körper ein neuer, selbst wirkender Körper hinzugefügt.

Pugnat:

Trippen ist ein Designertrio, das auf Schuhdesign spezialisiert ist. Besondere Gestalt bekommen die Sohlen, die sich erst richtig sichtbar als Spuren hinter dem Besitzer manifestieren. Wie Stempel, die bei der täglichen Bewegung des Trägers Bilder hinterlassen, wenn auch ephemer.

Trippen:

Wanda Wasabi sind zwei asiatische Designerinnen, die sich ebenfalls auf Kleiderrecycling focussieren, allerdings ästhetischer und kulturspezifischer geprägt. Second Hand Kleidung ist in Japan eher eine verachtete Domäne, und das betrifft besonders Kimonos und andere klassische Kleidung. Die wird nur von einem Besitzer getragen und findet keinen Nachfolger. Bei den oft sehr aufwändig hergestellten Stücken ist das eine Schande. Wanda Wasabi schlagen nun mit ausgemusterten Kimonos eine Brücke in die Moderne, indem sie diese zu aktuellerer Kleidungsgestalt komplett umarbeiten und damit das Edle vergangener Kleidung und deren tradierte Muster in die Gegenwart einbinden.

Wanda Wasabi:

Einen kombinierten Abschnitt mit sechs Nachwuchsdesignern belegt „Fashion Positions Academy by Berliner Sparkasse“. Es handelt sich um prämierte Abschlusskollektionen von Studenten, die jeweils einer thematischen beziehungsweise experimentellen Leitidee folgen:

Dennis von Eichmann (Vast & Arid) bezieht die Gestaltungsästhetik seiner queeren Kollektion auf Wüstenlandschft und ihre atmosphärischen (besonders farblichen) Besonderheiten. Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider) behandeln jeweils das Thema der mysteriösen Nacktheit des Mannes und der“toxischen Maskulinität“. Bei Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic) werden plastische Ausformungen erprobt, die Integration von Mustern und die Manipulation des vorgefundenen Textils mit dem Anspruch, die Möglichkeiten so weit zu treiben wie es geht. Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen) sucht eine politische Haltung über Modegestaltung zu suggerieren, das Aufbegehren mit demonstrativer Power in Bezug auf sexuellen Missbrauch. Helena Stölting (Femoid) geht es um die Zwischenzone weiblicher Attraktivität und dem Ekel im verdrängten körperlichen Frausein (Menstruation etc.), deren natürliche Daseinsberechtigung sie offen legen will.

Dennis von Eichmann (Vast & Arid):

Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider):

Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic):

Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen):

Helena Stölting (Femoid):

Insgesamt ist die Einbindung des Fashionsegmentes in die POSITION Kunstmesse ein sehr gelungenes Experiment, denn es wird deutlich gemacht, dass Modedesign in Berlin in der Prozesshaftigkeit seiner Konzeptionen durchaus einen Anspruch hat, der über klischierte Modeflachheit weit hinaus geht. Und die Abschlussarbeiten der (Ex)Studentinnen belegen darüber hinaus, dass das Modestudium gesellschaftliche Reflexion fordert, um die Gestaltung substantiell zu machen. Dies einem kunstaffinen Publikum nahe zu bringen, ist durchaus ein Verdienst, wie überhaupt die gesamte Messe sich auch konzeptuell über die bloße Standvermietung hinaus engagiert. Angesichts der Problematik, dies auch in Zeiten der akuten Pandemie überzeugend zu realisieren, ist es erwähnenswert, dass die Vorsichts- und Achtsamkeitsmassnahmen auf strengste und vorbildlich berücksichtigt sind und auch kontrolliert werden.

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