Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Schau fand statt, obwohl es regnete und windig war. Am Abend des 13. Juli zeigten Studierende und Absolventen des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der UdK Berlin Arbeiten aus verschiedenen Kursen, Projekten und ihren Abschlüssen. Eine Catwalk-Choreografie auf einem Seitenarm der großen Berliner Strassenachse, vor dem Haus der Universität. Zugegen war vorwiegend studentisches Publikum, aber auch andere Interessierte und ein wenig Presse. Die Choreografie des Ablaufes und die Arbeiten waren vom Experiment geprägt – konzeptuell in den Überlegungen und der Gestaltung und natürlich visionär in der Anschauung.

Abgesehen davon, dass dergestalt spielerisch-ernste Entwürfe grundsätzlich mehr visuelle Abenteuer bereit halten als kommerziell angelegte Kollektionen, wird an solchen Beispielen ansatzweise deutlich, wo zeitgenössische Interessen liegen und wie diese neben technischen Errungenschaften und ästhetischen Haltungen zu möglichen Neupositionierungen der Mode führen können. Das ist das eigentlich Reizvolle an Veranstaltungen wie dieser.

Natürlich konzentrieren sich die verantwortlichen Professoren und Dozenten neben dem Handwerk wesentlich auf Kreativität, zivilisatorische Problemstellungen besonders der Gegenwartsdiskussion und auf geschichtliche Phänomene. Wenn man sich vorstellt, was dabei herauskommt, findet man eine – manchmal bizarre – Mischung von alledem in den gezeigten Ergebnissen, in unterschiedlichen Ausprägungen der Reife. Der Spagat besteht zwischen Anspruch und Offenheit.

Eines aber war mit dieser Schau allgemein offenkundig: Gender ist ein fast durchgehend relevantes Thema. Die Kleidung orientiert sich nicht mehr an der Spezifik eines Geschlechtes, alle können alles tragen und die herkömmlichen Zuordnungen für Kleider, Anzüge, Accessoires (Männer mit süßen Handtäschchen etc.) bis hin zum Makeup werden bewusst und konsequent über den Haufen geworfen.

Zweitens: Gestaltungen unterwerfen sich nicht mehr einer ästhetischen Grundforderung. Sie werden vielmehr bestimmt durch konzeptuelle Überlegungen aus dem gesellschaftlichen Umfeld, das kann in diesem Kontext manchmal auch praktische Nützlichkeit sein. Ästhetische Liebhabereien dürfen schon noch erscheinen, aber sie kommen nahezu beliebig aus dem großen Fundus des Vorfindlichen und sind frei im Einsatz und Kombinationen. Der persönliche Geschmack ist maßgeblich, kein mühsam ausgebildeter. Und der spielerische Anteil erlaubt sehr viel. Und nicht zuletzt: Scheußlichkeiten beherbergen immerhin provokative Kräfte und haben deswegen ein Recht auf Programmatik.

Drittens: Materialien sind zu entdecken und (sachfremd) erprobend anzueignen und zu verwenden. Teppiche, Gardinen, Folien, Kunststoffe – alles Denkbare kann für Bekleidung dienlich sein. Das ist Recycling im besten Sinne. Kleidungsunikate mit handwerklichem Aufwand werden in diesem Sinne zwingend und sind auch gewünschtes Prinzip: Das Originelle ist ein relevantes Qualitätsmerkmal, hieran muss sich Individualität des Trägers festmachen.

Alles in allem versteht Mode sich so als konzeptuelles gesellschaftliches Statement ungezwungener Vielgestaltigkeit. Das Individuum soll sich mit originärem Auftritt hervortun und setzt selbst die Grundlagen dafür. Vorbei sind die Zeiten, wo das ästhetische Erscheinungsbild visuell so etwas wie Zeitgeist pointierte, jetzt bzw. hier sind visionäre Positionen zur gesellschaftlichen Selbstverortung anvisiert, bei denen Schönheit, Chic oder subtiler Geschmack keine Rolle mehr spielen.

Auch wenn die gezeigten Arbeiten jeweils aus thematischen Projekten erwachsen sind, wird es problematisch, sie als Außenstehender kommentieren zu wollen. Manchmal ist es schon schwierig, überhaupt zu verstehen. Das dürfte aber auch gar nicht gefordert sein, denn die meisten Sachen behaupten und begründen sich in ihrem So-Sein. Und so zieht das große Défilé aus hunderten von Arbeiten wie ein offenes Panoptikum an einem vorbei, in Gruppen, Duos, Solos und performativen Konstellationen. Varianten, Solitäre, Versuche. Und das demonstriert natürlich den Ausbildungsunterschied zwischen einer Schneiderwerkstatt und einer Universität, die der gesellschaftlichen Forschung verpflichtet ist und damit einen anderen Bildungsmaßstab setzt. Und die im Ergebnis ein wunderbares Panorama des gestalterischen Denkens vorführen kann (möglichst kulturrelevant), wie wir es hier gesehen haben.

Vielleicht – und da werden wir sehr spekulativ – kann eine solche Schau sogar darüber hinaus etwas repräsentieren, was in der Konsequenz seiner Abseitigkeit Berliner Kultur-Geist ausmacht.

Entsprechend der vielfältigen Ansätze präsentieren wir eine zufällige Bildauswahl ohne Wertungsmassstäbe, namentliche Zuordnungen sind soweit nicht möglich:

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Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg

Inna Stein und Caroline Rohner gründeten ihr Label 2013 und lernten sich während dem Studium an der Kunsthochschule Berlin Weissensee kennen. Gerade eben konnten die beiden Designerinnen den „Young Designers‘ Award Germany 2015“ gewinnen und zeigten auf dem Lavera Showfloor im Januar in Berlin Auszüge aus ihrer neuen Kollektion.

Ihre Edition „Lava“ ist von den kraftvollen und schöpferischen Urgewalten zweier Vulkaninseln inspiriert – Stromboli und Vulcano. Die Farbpalette und auch die Musterungen spiegeln dies eindrücklich wieder. Bei den Oberflächen sind dementsprechend nicht nur die Drucke prägend, vielmehr wird mit feingliedrigen Strukturen die Oberfläche oft in den Raum hinein erweitert. Grosszügig und bequem sind die Silhouetten und offerieren den Trägerinnen der Kreationen viel Bewegungsspieltraum und eine gewisse Urbanität. Diese wird zudem durch leichte Details aufgelockert. Es entsteht ein gewisser Rhythmus in den Kleidern und Kombinationen. Auffällig sind die Hosen, die viel Volumen geben und sich somit auch in gewisser Weise gegen den langjährigen Trend stellen, in den Silhouetten das weibliche Bein in den Vordergrund zu stellen. Die klare Linie in den Konstruktionen geht dabei nicht verloren. Das Design von Steinrohner ist es auf jeden Fall wert, im Auge behaltet zu werden. Bereits am kommenden Montag werden die beiden Designerinnen wieder in Zürich, im Rahmen der „modesuisse“ präsentieren, vielleicht dann auch andere Entwürfe, die dem Publikum in Berlin nicht gezeigt wurden.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Patrik Gerber & Boris Marberg

Am 24. Junia 2012 zeigten die Absolventinnen der Mode Design Schule Zürich im Rahmen einer Diplommodenschau ihre Abschlussarbeiten. Im Rahmen einer zweijährigen Berufsausbildung führt die privat organisierte Mode Design Schule Zürich ihre Lernenden an den Beruf des Modedesigners heran.

Der Papiersaal in Zürich, welcher in den letzten Monaten immer wieder  für Modeschauen, zB. die modesuisse, genutzt wurde war ein sehr überschaubarer, klarer Ort für die Präsentation der Abschlussarbeiten (jeweils fünf bis sechs Looks) im Rahmen einer Modenschau und kleinen Installationen der jeweiligen Designerinnen. Dort lagen auch Präsentationsbücher aus, die verdeutlichten, wie die jeweiligen Entwicklungsprozesse verliefen, die zu den endgültigen Looks führten.

Trotz schwülwarmer Hitze war bereits die Stimmung bei den Vorbereitungen im Backstage-Bereich sehr  locker und routiniert, abgesehen vom normalen Nervenflattern vor der erstmaligen Präsentation vor einem fachkundigen Publikum.

Die 18 Designerinnen und ihre Kreationen haben wir hierumfassend zusammengestellt, allerdings wegen der Vielzahl der Kreationen in zwei Teile gesplittet (Teil 2). Die ersten 9 Designerinnen zeigen wir Euch am Ende dieses Teils.

Aus der ersten Gruppe sind uns insbesondere  Sandra Carolina Stoppany mit einer sehr klaren und reduziert femininen Linie und Cathrina Mühlberg-Burkhart mit einem ausgesprochen casual wirkenden Konzept aufgefallen.

Desigerinnen  der Lauffolge nach:

Sabrina Peter

Barbara Grolimund

Sandra Carolina Stoppany

Giulia Nina Pfenning

Carina Stiefel

Jennifer Bosshard

Iris Lemm

Cathrina Mühlberg-Burkhart

Susan Gull

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