Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Dschungel ist ein Ort unserer Sehnsucht und zu Orten der Sehnsucht hat Isabel Vollrath auch gerne ein inspirerendes Verhältnis. So wie sie mit ihrer Venedig-Kollektion 2019 schon einen klassischen Sehnsuchtsort zum Bekleidungsthema gemacht hat, so tut sie es mit ihrer aktuellen  Kollektion Tiger & Venus ebenso. „Verlorenes Paradies“ nennt sie diesen Ort Dschungel, der damit eher fiktiv ist als real, eine Utopie, wie sie selbst schreibt, und die ist natürlich romantisch.

Sie kam auf dieses Thema, solche Geschichten sind ja immer reizvoll, durch einen zugelaufenen Kater („Diego“) im Winter, der ihr ständiger Gast im Atelier wurde und mit dem sie eine leicht exotische Freundschaft entwickelte und andererseits inspiriert durch Tiermotive ihrer Freundin und häufigen Arbeitspartnerin Almut Warttinger, Textildesignerin, mit der sie den thematischen Plan entwickelte: „Ich wollte ein Universum schaffen – für Diego, die Tierwelt, die Natur, die Freundschaft – die Liebe. Ich griff zum Hörer und die Reise begann. Mit zarten Pinselstrichen und digitalem „Fine-Tuning“ entwickelte Almut meinen exklusiven, erträumt- utopischen Tropenwald, den ich anschließend in komplexen Druckrapporten auf ausschließlich nachhaltige Materialien drucken ließ… Im Rausch der Farben und Tiermotive versank ich monatelang in eine andere Welt, schuf einen Look nach dem anderen und ließ den Dschungel weiter, weiter, immer weiter wachsen. …“

Isabel Vollrath liebt das Spiel mit Volumenexperimenten und damit ist eine  Liaison zwischen Gestaltung auf der Fläche und in der plastischen Form ein kongeniales Unterfangen, wenn die beiden Arbeitspartner dieselbe Leitidee verfolgen, zumindestens im Modedesign. Das experimentelle Spiel verfolgt sie auch bei dieser Kollektion, wir sehen „verspielte Ärmelpartien, raffinierte Fältelungen, bodenlange Couture, aber auch Mäntel, kurze Jacken und Hosen für’s Büro“, viel Grün natürlich mit ergänzenden und kontrastierenden Farben (Schwarz, Rot), Tiermotive, Blattwerk und gegengesetzten einfarbigen Teilen. Und immer wieder Schleifen und Bänder in verschiedenen Varianten, fast ein Markenzeichen, verblieben aus romantischen Perioden, mit denen man stets noch zusätzliche Akzente setzen kann. Auch jeweils als Signum über dem Fußknöchel.

Im zweiten Abschnitt der Schau kommen dann noch zwei schwarzweiße Versionen der grafischen Gestaltung hinzu, sehr dicht und ebenfalls üppig, die ist vielleicht der Entstehungszeit im Winter geschuldet und trotzdem eine schöne Variante.

So weit, so prächtig.

In der Rückschau hat Isabel Vollrath nun ihre Fähigkeiten der skulpturalen Schnitte und kurvigen Silhouetten zu souveräner Anwendung geführt und sich trotzdem eine spielerische Facette erhalten, die stets noch pfiffige Variationen hinzufügt. In der Verarbeitung ist sie stets ziemlich perfektionistisch, schon die Rapportsetzung der komplexen Prints ist eine ziemliche Herausforderung, die hier perfekt ausgeführt ist.
Als Designerin auf den Berliner Fashionweeks hat sie sich damit  nicht nur selbst gut etabliert, sondern sie stützt auch das Catwalkprogramm wirksam, dass es in dieser Saison der vielen Ausfälle schon wie ein Rettungsanker erscheint. Ein wirklich schöner, immerhin.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit einer sehr kultivierten Schau demonstriert die Künstlerin bzw. Designerin auch diese Saison wieder eine komplexe und subtile Auseinandersetzung mit einem schillernden Thema, nämlich „Venedig und sein Gesicht“. Das Kultivierte ihrer Transformation in Mode liegt eben darin, dass nicht, wie so oft, die alten Fassaden und Motive einfach als Anschauungs- und (touristische) Sehnsuchtsträger in Form von Printelementen appliziert werden, sondern im Versuch, die atmosphärische Besonderheit und ästhetische Feinheit zu fassen und mit gestalterischen Mitteln zu reflektieren.

Schon das Thema ist schnell sehr komplex, wenn man sich damit beschäftigt, Geschichte, Ästhetik, geografische Besonderheit, spezifische Kultur, Pracht und Glanz, das optische Oszillieren im mediterranen Licht, der morbide Zerfall und nicht zuletzt der architektonische Stil sind Teile eines großen Puzzles der Individualität dieser Stadt, die zu begreifen sind, wenn man das Ganze angemessen erleben und aufbereiten will.

Das „Gefühl von freierem Leben, höherer Existenz, Leichtigkeit und Grazie“ (Goethe), das Venedig vermittelt, soll also die Kollektion heraufbeschwören, und das ist Isabel Vollrath auf faszinierende Weise und sehr poetisch gelungen.

Dabei bedient sie sich nicht nur gestalterischer Zitate sondern nutzt ein großes Gestaltungspotential, stets ohne zu dick aufzutragen. Zarte und lichte Farbigkeit, ausgehend von Weiß und Transparenz, immer nuanciert und zurückhaltend eingesetzt, lokal beobachtet und transzendiert (auch Gold, Kupfer, Orange und Erdtöne), bestimmt die atmosphärische Leichtigkeit der Stücke, kräftigere Farbgebungen sind den lokalen Erscheinungen entlehnt. Das gotische Maßwerk der Architektur, an sich schon sehr feingliedriger ästhetischer Ausdruck, ist übertragen in minimalisierte, computerisierte feine Linienmuster (reduziert auf Säulen, Spitzbögen, Vierpässe und schmale Gitter), die mal vorsichtig den Gewebeglanz strukturieren, mal etwas pointierter die Oberfläche besetzen. Schlicht aufscheinend oder mehrfach übereinander gedruckt suggerieren diese Muster die repräsentative Oberflächenprägung der Stadt auf der Kleidung.

Die Stoffe, oft zart, schimmernd und edel (z.B. Wildseide, Seidenorganza, Gaze) sind meist dünn und fein in ihrer haptischen Wirkung und eher dann etwas fester, wenn der Oberflächenpracht gehuldigt oder durch komplizierte Fältelungen Kraftvolles wieder differenziert wird. Isabel Vollrath liebt raffinierte Fältelungen, auch dabei hat sie sich manchmal der Vorbilder aus Spätgotik und Renaissance bedient, also eher klar strukturierend und die Oberfläche öffnend (Fältelungen, Biesen, Plissées) oder als Kontrapunkt zu den geradlinigen Korsagen. Mit großen Faltenbewegungen erzielt Isabel Vollrath aber auch üppige Formgebung, die von Körpernähe bis zu körperunabhängigen Ausbuchtungen Inspirationen und Ideen durchspielt und dabei gelegentlich andere modehistorische Zitate nutzt, die sich locker von der eher strengen Renaissance entfernen (zum Beispiel die Krinoline). Dabei folgt sie ihrer grundlegenden Lust am skulpturalen Spiel mit neu organisierenden Volumen bzw. Plastizitäten.

Hinzu fügt die Designerin elegante, der Historie entlehnte  Modeelemente, Puffärmel oder lange, schmale Manschetten, Korsagen, Stehkrägen und zitiert Proportionen bzw. Gestaltideale (Taille, Rücken-Hals etc.), wie sie en vogue waren. Sogar ein sakral anmutendes Kleid ist dabei. Von Schleifen hat sich Isabel Vollrath noch nicht ganz verabschiedet, sie sind nach wie vor ihre Option auf gestalterische Akzente.

All das fügt sie mutig und subtil zu stimmigen und durchaus „modernen“ Erscheinungsbildern zusammen, mehr bestimmt von der sich ergebenden grazilen Ausstrahlung als vom Zitat, das darin aufgeht und vom präzisen Handwerk, das selbstredend Teil der ästhetischen Vorstellung ist.

Sie schaut genau hin, was die historischen Qualitäten und Eigenheiten angeht, lässt sich tragen von den atmosphärischen Reizen und überträgt sie in eine moderne, freie Gestaltung, die das vermittelt, ohne plakativ-historisierend daherzukommen. Dass diesem Empfinden eine klassische Zeitlosigkeit zugehört, hat Isabel Vollrath mit ihrer Kollektion nicht nur bewiesen, sondern sie verpasst damit unseren eher groben optischen Realitäten eine subtile Infusion verfeinerten Geschmacks, und das auf ganz zeitgemäße und letztlich eher künstlerische Weise.

Anmerkung: Isabel Vollrath hat einen von Projekt Zukunft geförderten Fashionshow-Slot auf der MBFW gewonnen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Eine Kollektion von Isabel Vollrath entsteht konsequenter als bei vielen anderen Designern aus einem thematischen Leitgedanken, den sie im wesentlichen künstlerisch aber auch sozialrelevant zu einem Produktkomplex entwickelt. Ihre Gestaltung vollzieht sich in einer skulpturalen Herangehensweise, eine kleidungspragmatische oder botschaftsorientierte Auffassung tritt dagegen zurück. Das Erscheinungsbild entwickelt sich also eher künstlerisch-kreativ anstatt geschmäcklerisch oder aufklärerisch. Dieses Prinzip der Ausgestaltung einer Leitidee (mit Anspruch) ist vielleicht auch der Ausbildung an der Berliner Kunsthochschule Weißensee geschuldet, die künstlerisch akzentuierter arbeitet als viele andere Mode-Ausbildungsstätten.

Damit einher geht der Anspruch der sorgfältigen handwerklichen Ausführung, ohne dabei die Konfektion bereits im Hinterkopf zu haben. Soweit sind alle Kollektionsteile auch Unikate, die wie Einzelbilder (bzw. -skulpturen) zu verstehen sind. Bisher präsentierte Isabel Vollrath ihre Kollektion auch eher ausstellungsmäßig (also in Showrooms), auf Einladung des Berliner Salons machte sie daraus nun ein Défilé, womit der Anspruch der Tragbarkeit stärker herausgestellt wird.

„Water for Elephants“ war das Thema dieser Kollektion, geboren aus sympathisierender Zuneigung, sowohl sozial und tierschutzmäßig engagiert als auch optisch verstanden mit Oberflächenanmutungen, Bild-Prints (ihrer schwedischen Freundin und Textilkünstlerin Sofia Olander) und assoziativen Elementen. Die Kleidungsstücke kommen manchmal komplex und detailreich daher, weil die Designerin aber formal vom menschlichen Körper ausgeht, verselbständigen sie sich nicht ganz. Sie beschäftigt sich mit ungewöhnlichen Lösungen in Details bzw. Abschnitten, reichert an oder öffnet, experimentiert mit den Volumen und spielt (gedeckte) Farbnuancen oder Kontraste aus; Raffungen und Fältelungen sind ihre Spezialität und Bänder – vor allem solche als Schleifen – fungieren dabei als wichtige Gestaltgeber.

Mit diesem Prinzip stattet Isabel Vollrath die Trägerin (momentan nur Frauenkollektion) nicht nur mit Lust an der Form und handwerklicher Pfiffigkeit aus, sondern eben auch mit sozial-idealistischen Zuordnungen. Letztere verbleiben aber unaufdringlich, denn über die Gestaltung verlieren sich die konkreten Ansätze in abstrakten Motiven, wie beispielsweise die recht frei eingesetzten Elefantenprints, so dass die Teile zunächst wie formal-skulpturale Spielereien erscheinen und erst bei etwas ausführlicher Betrachtung sich der thematische Leitgedanke zeigt.

Diese geschickte Verknüpfung von ernsthafter inhaltlicher Leitidee, gestalterischer Experimentierfreude und handwerklich anspruchsvoller Ausführung, mit der Isabel Vollrath ihre Kollektionen kreiert, gibt ihren Arbeiten eine eigenwillige und faszinierende Besonderheit, die gut mit dem künstlerischen Unikatcharakter korrespondiert. Und sichert ihr einen verdienten, individuellen Platz im Reigen erfolgsversprechender Newcomer aus Berlin.

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Text: Gerhard Paproth & Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter, Boris Marberg, Marcello Rubini

Ruhiger, entspannter und manchmal geradezu beschaulich empfanden wir die Fashionweek Winter 2014. Zum Einstieg in die vertiefte Auseinandersetzung zeigen wir schon einmal ein paar Beispiele aus den besuchten Schauen und versuchen, einige Gedanken dazu festzuhalten.

Mehr bringen wir – wie gewohnt – die kommenden Wochen.

Achtland

Die zweite Schau der beiden Designer Oliver Lühr und Thomas Bentz, die wir gesehen haben, fand konsequent „off side“ statt und hatte auch ein anderes Publikum als im Zelt. Die Kollektion ist feminin ausgestaltet mit reduzierten Details und figurbetonten Silhouetten.

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Alena Akhmadullina

Zum ersten Mal konnten wir eine Schau von Alena Akhmadullina besuchen. Mit wilden, bunten Prints und Farbspielereien setzt die Designerin ihre Inspirationen um – sensiblen Schichtungen und der Kontrast zu einer Hand voll schwerer Mäntel bringt Leichtigkeit.

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Anne Gorke

Poppig und peppig, mit Assoziationen zur Hip-Hop Kultur versucht Anne Gorke mit Rosé zu gewinnen. Die rund 25 Looks wirken ruhig und konsistent.

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Antithesis – Lavera Showfloor

Viele interessante Ansatzpunkte bot das britische Label kurzfristig auf dem Lavera showfloor. Einfache und klare Konzepte wurden mit geschickten Akzentuierungen attraktiv und variabel vorgeführt.

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Augustin Teboul

Die beiden Designerinnen sind mit der neuen Kollektion reifer und etwas marktfähiger geworden. Augenfällig ist,  dass das Team sich jetzt nicht nur auf Schwarz beschränkt.

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Barre Noire

Timm Süssbrich zeigte Herren- und Damenmode. Markant sind Drucke auf Hosen und auf Teilflächen von Tops. Daneben finden sich großzügige, geometrisch ausgelegte Flächenkonstruktionen in den Silhouetten.

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Blacky Dress

Für den kommenden Herbst und Winter basiert die Kollektion des Labels auf zwei Säulen: Hosenkombinationen und fast ausschließlich knielange, leichte Röcke. Prints stellen sich neben monotone Flächen. Daneben sticht leuchtendes Blau heraus.

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 EP_Anoui by Eva Poleschinski

Ausgelesene Materialien und ein prägnanter Schwarz-Weiß-Kontrast in den Looks prägen das Bild der neuen Kollektion von EP_Anoui. Total abgefahren waren die Schuhe.

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MAVI

Der türkische Jeanshersteller ergänzte mit seiner Schau die Veranstaltung STYLIGHT. FASHION BLOGGER AWARDS.

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Blutgeschwister

Das Label präsentierte Kollektionen in drei getrennten und kommentierten Blöcken – die üblichen Anleihen bei Folklore und 60s fanden ihr getreues Fanpublikum.

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Brachmann

Das recht junge Label steht für klassische Herrenmode in anderer Interpretation. Eine Installation mit etwa 10 Outfits.

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Buttress & Snatch – Lavera Showfloor

Mitten im Winter sahen wir ökologische Bademode im Retro-Look aus England.

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Christian Lagerwaard

Das Label zeigte neben einer Reihe anderer Modemacher unter dem Titel “Dutch eco design“  eine recht kreative Palette ökologischer Mode aus Holland.

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Dawid Tomaszewski

Ein künstlerisches und gestalterisches Highlight der Berliner Fashionweek kommt wie gewohnt mit der eleganten Haute Couture von dem polnischen Designer.

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dyn

Auch Frida Homann widmet sich mit ihrem jungen Label neuer Herrenmode in einer verspielteren Art und Ausgestaltung.

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ESMOD

Abschlußarbeiten der International bekannten Modeschule ESMOD konnte man in einer Ausstellung in der Kunstbibliothek sehen.

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Ewa Herzog

Die Designerin präsentierte ihre neue Kollektion im Rahmen einer Schau auf der kleinen Bühne. Neben Transparenz und Spitzen sind Kombinationen in A-Form und sportlichere Eleganz die wesentlichen Merkmale der Kollektion.

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GLAW

Noch immer kann man Jesko Wilke und Maria Poweleit als Newcomer bezeichnen, die mit Witz, Geschick und Mut begeistern können. Weiß, Schwarz und Rot bilden die farbliche Basis neben vereinzelten Looks in Grün. Pfiffige Eleganz und durchdachte Konstruktionen sind hier Programm. Passend auch die gelungenen Frisuren des Teams von Bela Fahrenwald (Art Director mod’s hair Berlin).

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Göttin des Glücks

Die Kollektion des Labels setzt den Schwerpunkt auf schlicht konstruierte Looks, die eher flächenbetont sind.

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Hien Le

Hien Le macht Mode für Damen und Herren. Beide Kollektionsblöcke stehen in engem Zusammenhang und bilden ein einheitliches Gefüge aus schlichten und klaren Gestaltungen.

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Holy Ghost

Das Designteam bleibt sich treu in der Ausrichtung: Kommerzielle und gute Kombinationsmöglichkeiten der Teile. Manchmal sind die Entwürfe recht bunt geraten.

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Irene Luft

Feinste Zeichnungen auf der Haut und anspruchsvolles Handwerk bietet die in München ansässige Designerin. Die fast ausschließlich herausragenden Kreationen sind ausgesprochen sensibel, sinnlich und sehr weiblich.

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Isabel Vollrath

Die Künstlerin zeigte ihre komplexen Kreationen im Rahmen einer trashig inspirierten Installation mit Modellen.

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Ivanman

Auch Ivanman ist ein Label, welches auf der Bühne Herrenmode zeigte. Mit der avantgardistischen Ausrichtung zielt das Design auf ein junges Publikum ab, welches klassische Konzepte neu interpretieren will.

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Julia Starp

Bei Julia Starp prägten verschiedene Gestaltungsansätze die neue, sehr künstlerisch und fast theaterhaft  anmutende Kollektion. Neben Spitze fielen uns insbesondere die feinteiligen Oberflächen auf.

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Juliaandben

Julia Heuse und Benjamin Klunker arbeiten sehr konzeptionell. Die kleine Kollektion umfasst manchmal etwas düster wirkende Männer- wie auch Damenmode.

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Kilian Kerner

Kilian Kerner hat sich über die Jahre mit der Berliner Fashion Week eine treue Fangemeinde aufgebaut und schickt sich nun an, den Sprung in internationale Gefilde zu unternehmen. Die neuen Kollektionen zielen dabei mittlerweile auf gehobenere Ansprüche.

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Guido Maria Kretschmer

Eloquenz und souveräne Eleganz bestimmen seit Jahren die Kollektionen des deutschen Designers. Die Schau nimmt nun auch eine Feinjustage des Frauenbildes der Marke vor und zielt dabei auf neue Märkte.

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Lala Berlin

Das Label trägt bewußt den Namen seiner Herkunft und entwickelt sich kontinuierlich in diesem Sinne. Wie in der vergangenen Saison wurde die Kollektion gezielt „off side“ präsentiert, was der Präsentation gut tat und den Stellenwert des Labels für die Stadt unterstreicht.

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Laurèl

Die Marke mit etablierter, internationaler Ausrichtung blieb auch diese Saison Berlin und seiner Modewoche treu. Ihre vorgestellte Kollektion umfasst sehr viele zurückhaltende Abendmode und Mäntel. Hosenkombinationen für den eleganteren Alltag suchte man dieses Mal leider fast vergebens. Im Großen und Ganzen dominierte der sportlich jugendliche Charakter.

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Lena Hoschek

Ohne Lena Hoschek wäre die Fashion Week in Berlin nicht nur farblos, sondern auch ohne Humor und Lebenslust. Mit jeder Saison kann sich der Besucher sicher sein, dass die Österreicherin wieder Abwechslungsreichtum und viele feine Details mit Raffinesse bietet, die oft erst auf den zweiten Blick ins Auge stechen.

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Marc Cain

Karin Veit steht mit ihrem Team für das Design einer Marke mit internationaler Ausrichtung. Entsprechend stark ausgeprägt ist bei der Kollektion die Trag- und Kombinierbarkeit.

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Marc Stone

Der Schweizer Designer findet immer mehr Anhänger. Interessant fanden wir in seiner blau und fast düster konzipierten Schau vor allem die Anoraks.

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Marina Hoermanseder

Die junge und sympathische Designerin ist mit ihrer ersten großen und recht exzentrischen Schau eine unserer begeisternden Entdeckungen auf der Fashion Week in Berlin. Mit der Kombination kreativer Gestaltung und handwerklich anspruchsvoller Ausführung brachte sie nicht nur eine  ungewöhnliche Mode-Konzeption auf den Laufsteg, sondern interpretierte den Zeitgeist noch einmal überraschend anders.

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Minx by Eva Lutz

Wie gewohnt zeigte das Label diese Saison bodenständige Qualität und verzichtete dabei weitestgehend auf farbliche Akzente.

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Miranda Konstantinidou

Das Label steht für markanten Schmuck und eine starke grafische Ausrichtung der Kollektion bei spielerischen Kreationen, die oft sehr viel sommerliche Leichtigkeit vermitteln.

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Prophetik – Lavera Showfloor

Das US Label zeigte interessante Damen- und Herrenkleidung, die aus alten Kleidern konzipiert und umgesetzt wurde und daraus ihren ganz eigenen, nostalgischen Charme entwickelt. Very american.

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Rebekka Ruétz

Die Designerin arbeitet sehr konzeptionell. Dabei nehmen spirituelle Aspekte stets eine tragende Rolle ein. Dass hierunter die Tragbarkeit nicht leiden muss, zeigt sich immer wieder.

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Satu Maaranen

Diese Saison war die Designerin mit einer Installation in der Galeries Lafayette Berlin vertreten.

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Schumacher

Dorothee Schumacher hat sich diese Saison wohl endgültig von der Sichtbeton-Ästhetik der vielen vergangenen Präsentationen gelöst. Nachdem sie schon letzten Sommer darauf verzichtete und stattdessen irritierende Einflüsse von Jugendlichkeit einbrachte, nimmt die neue Kollektion zum Glück wieder mehr Distanz zur demonstrativen Adoleszenz.

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Silke Handley

Dieses Mal fanden gleich zwei Schauen zu ökologischer Mode Unter den Linden statt. Repräsentativ für die Salonschau war Silke Handley aus der Schweiz.

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Umasan

Anja und Sandra Umann blieben sich im Vergleich zur vorangegangenen Kollektion stilistisch treu und präsentierten üppigen, dunklen Over-Size.

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Vladimir Karaleev

Bei Vladimir Karaleev dominierten wieder geradlinige Silhouetten, sowohl für die Damen, als auch die Herren, verbunden mit klassischen Flächenkonstruktionen.

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Vonschwanenflügelpupke

Prints im Sixties-Haushaltsdesign prägen die vorgeführten Kreationen von Schwanenflügelpupke. Ansprechend dabei sind die unkompliziert anzulegenden Tücher.

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