Défilés für Prix L’Atelier des Matières und Igor Dieryck

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Für den Prix L’Atelier des Matières entwerfen die zehn Kandidaten des Modewettbewerbes ein zusätzliches Outfit zu ihrer Kollektion. Der Preis zeichnet einen davon aus für seine Kreation aus „ruhenden“ (bei Produktionen übrig gebliebenen) und recycelten Materialien mit einer Auswahl an entsprechendem Material für nachfolgende Arbeit im Wert von 10.000 Euro. Die Ergebnisse werden in einer eigenen Schau vorgestellt und zeigen nicht selten so etwas wie jeweils eine Quintessenz des Gestaltungs- und Herstellungsprinzips.

Der Gewinner des Preises ist Romain Bichot (auch Prix le19M des Métiers D’Art), ebenfalls Belgier wie Igor Dieryck, der letztes Jahr gleich drei Preise gewann. Das überrascht etwas, denn Belgien ist eigentlich kein Land, in dem Mode eine herausragende Rolle im internationalen und auch nicht im nationalen Kontext spielt. Andererseits kennen wir durchaus renommierte Namen aus Belgien: Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Kris Van Assche, Glenn Martens, Raf Simons, Julien Dossena und Martin Margiela, der auch auf dem Festival anwesend war.
Mit einer abschließenden Schau von Igor Dieryck wird seine seit letztem Jahr erarbeitete Kollektion gezeigt.

Die beiden jungen Designer versuchen, das belgische Modeverständnis im Vergleich zu anderen Modegetrieben zu erklären. Es fängt damit an, dass die Modeschöpfung sich nicht als Teil der trendigen alljährlichen Veränderungen sieht, die international vorgeführt werden. Vielmehr suchen die Schulen und die Designer aus dem Zeitgeist ihres Umfelds Kreationen und Konzepte zu entwickeln, wobei besonderen Wert auf Grundverständnis von Kleidung und ihre Herstellung gelegt wird.

Romain Bichot: „Wir lernen drei Berufe in einem. In der Schule La Cambre werden wir auf eine etwas extreme Art und Weise ausgebildet, aber vor allem sind wir sehr gut in der Technik und in der Herstellung eines Kleidungsstücks geschult. Wir entwickeln ein ausgeprägtes Gespür für Kleidungsregeln. Ich glaube, das ist es, was uns stark macht, denn wir wissen, wie man an einem echten Kleidungsstück und gleichzeitig an einem echten Konzept arbeitet. Wir machen ein Bekleidungskonzept, es sieht nie nur wie ein Konzept oder nur wie ein Kleidungsstück aus.“*)

Igor Dieryck: „Belgische Schulen funktionieren ganz anders als die meisten anderen Schulen. In Antwerpen besteht das Ziel darin, dass der Schöpfer sich selbst entdeckt und die Botschaft versteht, die er vermitteln möchte. Der Arbeitsaufwand ist unglaublich, aber meiner Meinung nach notwendig, um sich in diesem intensiven Umfeld weiterzuentwickeln. Dank seiner Isolation von den Modewochen stellt Belgien eine Blase dar, in der wir uns selbst entdecken, unsere persönliche Identität finden und gleichzeitig die Kleidung respektieren können“.*) Seine neue, hier gezeigte Kollektion „Ad Fundum“ widmet er dem belgischen Ritual der Studententaufe (Bier griffbereit). Betont bodenständig.

PRIX DE L’ATELIER DES MATIÈRES

Romain Bichot, Belgien
*Prix L’atelier des matières:

Dolev Elron, Israel:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn:

Logan Monroe Goff, USA:

Tal Maslavi, Israel:

Lilian Navarro, Frankreich:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich:

Kenshiro Suzuki, Japan:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich:

July Mouly-Pommerol, Frankreich:

*

SHOW PREISTRÄGER GRAND PRIX, HYÈRES 38, 2023

Igor Dieryck:

*) Zitat aus Harpers Bazaar, Sahrah Renard: https://www.harpersbazaar.fr/mode/nicolas-di-felice-anthony-vaccarello-romain-bichot-belges-et-hyeres-histoire-d-art-et-d-amour_3761, 15.10.24

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz, Prix le19M des métiers d’art

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Im Gegensatz zum Showroom, wo man die Designerexperimente näher betrachtet, manchmal unter dem Gesichtspunkt der Herstellung und des innovativen Anliegens, also eher leicht konzeptbefangen, ist die Modenschau auf dem Laufsteg etwas befreit davon und der ästhetische Blick aufs Ganze dominiert die Wahrnehmung im Scheinwerferlicht. Das heißt, die gestalterische Entwurfskompetenz wird letztlich vorgeführt und neben dem gelegentlichen Wow-Effekt schleicht sich manchmal auch der Gedanke ein, wie man sich die Kleidungs-Gestalten im Alltag vorstellen könnte – und sei es auch nur für einen in der nahen Zukunft liegenden Moment.

Dies ist sicher nicht die umfassende Sicht der Juryteilnehmer, die heutzutage gerade Nachhaltigkeit und einfallsreichen Umgang damit zuvorderst erkennen und prämieren müssen, zu recht. Doch der Außenstehende läßt sich erst einmal von der Originalität des Erscheinungsbildes verführen, Produktionsvorteile und ethische Ausgangshaltungen geraten in den Hintergrund. Die Folge ist, dass der Publikumspreis oft ganz anders begründet ist, als die professionell beschlossenen. Das fällt erst dann zusammen, wenn das Gesamtkonzept einen hohen Grad an Souveränität in allem erreicht.

Die Schauen auf dem Festival sind in ästhetischer Experimentierfreude ähnlich dem, was man bei Modeschulabschluß-Präsentationen sieht, nämlich mehr exotisch als exquisit, mehr mit avantgardistischem Geist behaftet als man bei den großen Schauen in Paris oder anderswo findet.  Darin liegt für uns jedenfalls der ganz besondere Reiz. Hier werden erstmalig neue Mixe erprobt, neue Architekturen und neue Farbkombinationen erfunden, textile Verrücktheiten herausgestellt, Klassisches wird neu gesehen oder gebrochen und Umformungen bekannter Alltagserfahrung vorgeführt. In dieser Hinsicht kann die aktuelle Ausgabe der zehn Preisanwärter  auch wieder gut bestehen, das Panoptikum mutiger Konzepte, die schon hinsichtlich professioneller Verarbeitung und stimmiger Gestaltungskompetenz vorausgewählt sind, ist reich und hält viele Überraschungen bereit.

Was dabei zunehmend auf der Strecke bleibt, ist der Haut-Gout und nicht selten auch Eleganz, wovon wir immerhin dank der Modeschauen großer Häuser noch etwas verwöhnt sind, obwohl auch da in Grenzgängen Eigentümlichkeiten mutige Geschmackserweiterungen etablieren wollen. Mit hinzutretender Hinwendung zu Streetwear, wie zum Beispiel bei dem Wettbewerbssieger Dolev Elron, wird diese Schwelle von vornherein niedriger angelegt, und wenn man dann noch die amerikanische Alltagsgeschmackskultur der Streetwear als leitende Perspektive nimmt, ist die Abwendung von einer herkömmlich gepflegten, eleganten Kleidungsästhetik sinnfällig einprogrammiert. Das wird auch bei diesem Défilé sichtbar und letztlich ist das ja auch schon in den Ausbildungen der Modeschulen so angelegt. Dann sind solche Kollektionen wie die von Romain Bichot, Fabian Kis-Juhasz oder gerade July Mouly-Pommerol, die eher in Zwischenbereichen oszillieren, von besonderer Faszination.

Das Publikum vor Ort feiert beide Aspekte, denn es ist anders zusammengesetzt als die exclusive Klientel bei Schauen großer Häuser. Sehr kritisch ist es trotzdem – sei es aus Erfahrung oder sei es dank Schulung. Auch das ist eine Besonderheit, die das Festival in Hyères den übrigen großen Modeereignissen und -wochen voraus hat.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost
Prix le19M des métiers d’art:

Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence
Grand prix du Jury Première Vision:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing:

Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush:

Mention speciale du jury:

Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour:

Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits
Prix du public de la ville d’Hyères:

July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Vielleicht trügt der erste Eindruck, aber in den Kollektionen der Wettbewerber steckt dieses Jahr weniger Exentrik als sonst. Viele gedeckte Farben und häufige Anlehnung an alltägliche Kleidungserscheinungen, die nun neu aufbereitet werden, zeigen Perspektiven neuer Gestaltungsoptionen. Dass dabei die Verpflichtung, sich mit neuen Materialien oder mit Upcycling auseinandersetzen zu müssen, eine nicht unwesentliche Rolle spielt, ist einerseits selbstverständlich geworden.
Trotzdem muss man diese Herausforderung aber immer mitdenken, denn besondere Material- und Oberflächenwirkungen bieten völlig neue Ansätze. Beispielhaft arbeitet damit der Amerikaner Logan Monroe Goff: technische Elemente und stoffliche Innovationen transformiert er hin und her auch innerhalb einzelner Kleidungsstücke, klebt sie sogar auf den Körper, bis ein verrückter Anschauungsmix dabei herauskommt – dies alles zusätzlich inspiriert von der Ästhetik der Motorradkleidung. Er gewann damit den Nachhaltigkeitspreis von Mercedes-Benz.

Ähnlich verhält es sich mit dem Entwurfsprozess, der sehr oft via Computer erfolgt, was besonders bei dem Hauptgewinner des Wettbewerbes, Dolev Elron, zum gestalterischen Thema und Experiment geworden ist („Casual turbulence“). Die formale Verzerrung aus klassischen Bildverarbeitungsprorammen, hier „ein gutes altes Photoshop-Programm“, hat er genutzt, um Formen und Linien neu zu konzipieren und das dann auch mit klassischem Denim in ein überzeugendes Resultat umgesetzt. Aber auch Gurte zum Beispiel geraten damit spielerisch in eigene Bewegungen. Inwieweit dieser Ansatz nur für sich ein originelles Ergebnis hervorbringt oder ob damit grundlegende Gestaltungsbasics neu angelegt oder verstanden werden, bleibt soweit dahingestellt. Bisher hat die versuchte Verzerrung und Dekonstruktion bekannter Grundgestalten der Mode nur von der Irritation profitiert aber noch keinen neuen Kanon geschaffen – immerhin aber eine neue Freiheit. Elron gewann den Hauptpreis der Jury der Première Vision.

Der Belgier Romain Bichot gewann zwei Preise (der „Prix 19M des Métiers d‘Art“ und „Prix L‘Atelier des Matières“) mit seiner Kollektion Call me if you get lost, dank seiner Fähigkeit, ungewöhnliche Alltagsbeobachtungen, beziehungsweise Elemente daraus, zum Gestaltungsthema zu machen und damit optisch zu experimentieren, bis eine tragbare Kleidungsversion daraus wird oder ein Accessoire. Das betrifft auch das gewählte Material, das gezeigte Abendkleid besteht aus einer Autoabdeckungsfolie, viele Schlüsselanhänger werden zu einer Halskette oder die Idee einer Reifenhülle mutiert zu einer Tasche. Oder eine alte, pinkfarbene Matratze mit Federn besetzt, wird, um den Körper gewickelt, zum kleinen Cocktailkleid. Als fantasievolles und assoziatives Vorgehen ist das vielleicht nicht ganz neu, hier gelingt es aber, das Endprodukt daraus sehr stimmig und schlüssig zu vollenden, also ohne den gewohnten Basteleffekt, der sich normalerweise dann einstellt oder zumindestens mitschwingt. Seine Auskunft „am meisten mag ich den Aufbau und die technischen Aspekte“ verweist eben genau darauf, dass die Ernsthaftigkeit der Realisierung den entscheidenden Anteil für die Umsetzung einer schrägen Idee hat.

Die exentrisch leicht schillernden, mit detaillierter Handarbeit und sexy Gestalt daherkommenden Kollektionen, wie die von Fabian Kis-Juhasz oder July Mouly-Pommerol gingen dieses Mal leer aus. Das ist eigentlich schade, denn sie vertreten deutlich akzentuierter eine ästhetische Sicht, die sich aus der Haute Couture ableitet und damit so etwas wie den „guten Geschmack“ als Leitlinie repräsentiert. Der aber, so die allgemeine Wahrnehmung, mußte wohl dieses Jahr hinter die kreative Innovation zurücktreten, die sich eher aus dem Alltag speist und damit näher an Streetwear rückt als an High Class Mode. Für eine französische Veranstaltung ist das schon leicht ungewöhnlich.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost (Collection Unisexe)
Prix L’atelier des matières und Prix le19M des métiers d’art:

*

Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence (Collection Homme)
Grand prix du Jury Première Vision:

*

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing (Collection Femme):

*

Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy (Collection Homme)
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

*

Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush (Collection Homme):

Mention speciale du jury:

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Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte (Collection Femme):

*

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour (Collection Homme):

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Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt (Collection Unisexe):

*

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits (Collection Homme)
Prix du public de la ville d’Hyères:

*

July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose (Collection Femme)

*

Zusatzpräsentation,

Igor Dieryck, Preisträger des Vorjahres:

*

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Während die Kleidermode der 10 Wettbewerbsfinalisten sich wohl eher auf tragbare Streetwarekonzepte mit etwas Pfiff focussiert hat, erweisen sich die Wettbewerber für Accessoires oft mutiger zu Grenzüberschreitungen und interessanten Experimenten jenseits der Mainstreammanufakturen, abgesehen vielleicht von den „klassischeren“ Arbeiten für den Hermès-Wettbewerb, die dann aber auch diese Differenz deutlich machen.

Offenkundig verstärkt sich der Trend, besonders bei Taschen, den klassischen Formkanon radikal zu verlassen und entweder in skulpturalen, eigenständigen Gestalten zu experimentieren oder, fast noch radikaler, die Aufbewahrung an den Körper anzulegen und das in sehr offener und fantasievoller Weise. Das macht viel Spass anzuschauen und zu rätseln, wie das Objekt denn nun in der Praxis vorzustellen ist und wenn die Designerin oder ein Interessierter das dann vorführend anprobiert (siehe Beispiel Louna Clozel), sieht man, wie faszinierend der Gestaltungsgedanke wirklich ist. Entgegen der ersten Vermutung sind die „Taschen“ nämlich oft auch sehr praktisch gedacht und nicht nur gestalterische Verrücktheiten. Und immer wieder findet man Arbeiten von selbstbewußten Designerinnen, die sich darüber hinaus der erotischen Anspielung widmen, wie zum Beispiel Eunji Oh mit ihrer Kollektion Overweight.

Randbemerkung: Im Vorfeld des Festivals wird ein Modefotograf beauftragt, die Accessoires jeweils mit Model zu fotografieren, dieses Jahr half das für die praxisnahe Anschauung aber nicht besonders, weil die „künstlerisch“-bildnerische Leitidee des Fotografen stärker dominierte als das Thema Accessoire.

Auch beim Schmuck erweisen sich ungewöhnliche Einfälle und Witz in Kombination mit erstklassiger Verarbeitung als attraktives Faszinosum. Camille Cireddus Kollektion Is janas zum Beispiel mit den Fingern und roten Fingernägeln als vergnügter Verweis auf Greifen und die Erotik des roten Nagellacks oder, ganz anders, Maria Nava, die in ihrer vielseitigen Kollektion Spectral Objects zum Beispiel eine Jacke (und eine Kopfbedeckung) vorführt, mit abstehenden Chromstäben darauf, an deren Spitze blütenartige Blättchen angebracht sind, die sich sporadisch und mechanisch-elektrisch schließen und wieder öffnen. Das ist eine hinreißende Idee, wenn der bizarre Schmuck plötzlich auch noch ein Eigenleben demonstriert. Natürlich verfolgen nicht alle Schmuck- und Accessoires-Designer derart funktionsemanzipierende Ambitionen, gleichwohl tun sich damit schon neue Betrachtungsweisen auf, wie man Schmuck auch jenseits des Repräsentativen oder der verarbeitungstechnischen Raffinesse auffassen kann.

Erwähnenswert sind zudem noch die Brillen. Auch hier geht die Formgestaltung weg von klassischen Gestalten, die immer schon diversen Modeströmungen folgen, hin zu exentrischen Ausprägungen wie bei Chiyang Duan (The distorted Objects) und Maria Nava (Spectral Objects). Der Kollektionstitel Blooming of a face von Clara Besnard gibt das Konzept der Brillengestaltung allerdings schon wörtlich vor. Hier ist der Auftrag, besseres Sehen zu ermöglichen, auch schon weitgehend verlassen, die Brille als Gesichtsschmuck wird um ihrer eigenen Gestalt willen getragen und erlaubt sich exzessives Fantasiespiel, zum Teil ohne weitere Funktion. Besnards Halsschmuck, eine Mischung aus Halsband und Kravatte (eine Art Plastron), für den Prix Hermès zeigt daneben auch anderweitige, gezügeltere Fantasie und hat damit, überraschenderweise aber verdient, den 1. Preis gewonnen.

Und wie immer sind auch Designer vertreten, die aus rein praktischen Überlegungen innovative Gegenstände entwickeln und formschön umsetzen, wie die Kollektion für Wanderer und Camper von Lucien Vantey. Oder solche, die interessante Verarbeitungstechniken entwickelt haben, wie Julianne Cortois (Éclats) mit ihren hakeligen Verbindungen bei Schmuck.

Erstaunlicherweise – beziehungsweise zufälligerweise – sind dieses Jahr mehr als die Hälfte der zehn Laureats aus Frankreich. Manchmal waren in den letzten Jahren kaum oder gar keine Franzosen vertreten, sehr zum Leid darüber klagender, patriotischer Modefans; diese Lücke wurde dieses Jahr mehr als befriedigend geschlossen. Dem internationalen Publikum ist das allerdings völlig egal.

Frankreich

Les yeux plus grand que le ventre:

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Is janas:

für Prix Hermès:

*

Mention speciale du jury:

Schweiz

Bivouac:

für Prix Hermès:

*

Grand Prix du Jury Accessoires:

China

The distorted Objects:

für Prix Hermès:

*

Prix Hermès des Accessoires de Mode:

Frankreich

Blooming of a face:

für Prix Hermès:

*

Belgien

Overweight

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Éclats

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Mes yeux pensent toujours mal:

für Prix Hermès:

*

Frankreich-Schweiz

La Vallée:

für Prix Hermès:

*

Prix public de la ville d’Hyères:

Mexiko

Spectral Objects:

für Prix Hermès:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival an der Côte d’Azur ist die Pilgerstätte des Nachwuchdesigns für Mode, hier treffen die Profis, Designschüler,  Absolventen und neugieriges Publikum aufeinander, schließen Kontakte, fachsimpeln und genießen das gemeinsame Interesse in lockeren oder konstruktiven Gesprächen. Hier werden die aktuellen Trends sichtbar und Weichen gestellt.

Das Prinzip des Festivals ist wie jedes Jahr und wie schon oft hier beschrieben, aber es wird zunehmend komplexer: Mehr Sponsoren, 50 dieses Jahr, mehr ausgelobte Preise, dabei allerdings nicht mehr Publikum. In den nächsten Jahren soll das Renomme noch weiter gesteigert werden, obwohl die Veranstaltung ohnehin schon zu den besten gehört, die im Jahr an der Côte d’Azur stattfinden. Es wird nach wie vor von seinem charismatischen Gründer Jean-Pierre Blanc geleitet und ist seit langem die Quelle des Nachwuchses der französischen Modehäuser, deren großzügiges Sponsoring (besonders Chanel und le19M) sich damit bezahlt machen dürfte. Das gilt ebenso für die ausgelobten Preise von Hermès zum Beispiel oder von L’Atelier des Matières und natürlich ist auch La Fédération de la Haute Couture et de la Mode dabei, die dafür sorgt, dass der Gewinner des Hauptpreises eine kostenlose Schau auf der Pariser Fashionweek bekommt. Mit allen ausgeschriebenen Preisen (besonders deren Support-Anteil, siehe unten) haben die Gewinner die allerbesten Startchancen im Business, die man sich denken kann und selbst wer ohne Preis nach Hause fährt, hat wichtige Geschäftskontakte in der Tasche. Die Teilnahme und ein Platz unter den 10 Laureats allein ist schon die erste Stufe auf der sicheren Karriereleiter – wenn man was daraus macht.

Das Festival bietet neben den Mode- (und Foto-) Wettbewerben ein reiches Kulturprogramm mit Ausstellungen, Performances, künstlerische Installationen, Showrooms, Workshops, Lesungen, Konzerten und vielem mehr. In der integrierten Boutique kann man nebst Büchern viele originelle Designobjekte kaufen und auch Kollektionsteile vergangener Wettbewerber.

Zeit und Ort der Veranstaltung sind nach wie vor ideal, im sonnig-warmen Spätsommer und außerhalb der Modewochen gelegen, in der großzügigen Villa Noailles in Hyères les Palmiers, einem sehr gepflegten und grünen, großenteils herrschaftlichem Ort. Die vielen Touristen befinden sich angenehmerweise eher im südlichen, etwas abgetrennten Teil der Stadt, also an der Küste, aber jetzt im Oktober sind das ohnehin nicht mehr so viele und das mediterrane Ambiente entfaltet sich vorwiegend mit seinen Bewohnern im Zentrum auf das angehmste. Der „Einbruch“ des Modepublikums in diesen drei Tagen wirkt mitnichten dominant sondern eher ästhetisch bereichernd und verjüngend.

Impressionen Hyères Oktober 2024

Villa Noailles

Aus der Boutique:

Ateliers, Workshops (hier: Murmuration von le19M, Aristide x Lesage):

Lesung, Debatte (vor und im separaten Zelt):

Mit zunehmender Zahl Sponsoren werden auch mehr spezifische Preise, Kooperationsprojekte oder Materialstiftungen ausgelobt, das sind in diesem Jahr nicht wenige:

Für Mode
1. GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION
– ein Gründungsstipendium in Höhe von 20.000 Euro von Première Vision,
– ein Zuschuss von 20.000 Euro von CHANEL, für ein Gemeinschaftsprojekt mit einem oder mehreren ansässigen Kunsthäusern von 19M, die während der 40. Ausgabe des Festivals im Jahr 2025 ausgestellt werden,
– engagierte Unterstützung durch die L’Alliance du Lin et du Chanvre Européens mit insbesondere einer Materialzuteilung in europäischem Leinen für eine oder mehrere Silhouetten,
– ICICLE lädt den Gewinner zur Schaffung einer Capsule Kollektion ein,
– Madame Figaro, Medienpartnerin, wird für Sichtbarkeit und ein Editorial sorgen.
– Sterling International wird dem Gewinner Mentoring von einem Jahr anbieten, um ihn bei seinem beruflichen Projekt zu unterstützen.
2: PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART
ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro für die Realisierung eines neuen Projekts, das nächstes Jahr gezeigt wird. Beteiligt sind elf Kunsthäuser und die Galerie des 19M mit der Förderung der künstlerischen Berufe Mode und Dekoration.
3: PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
Materialzuwendung (matières endormies und recycled) im Wert von 10 000 Euros.
4: PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ
Stipendium in unbekannter Höhe
5: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
– Supima Design Lab Paris, offizieller Partner des Hyères Festivals, unterstützt die Finalisten des Modewettbewerbs mit SUPIMA-Gewebe. Finalisten, die Supima-Gewebe verwenden, schaut sich das Supima Design Lab in Paris an.
– Puntoseta bietet den Gewinnern die Herstellung eines Stoffes an.
– Premiere Classe als Gastgeber während der Paris Fashion Week, bietet dort einen Ort für eine Ausstellung im März, außerdem eine Marketingfläche im Oktober und  spezifisches Mentoring für Geschäftsentwicklung.
– Die Werkstatt Aymeric Le Deun, Knopfspezialist und für mit Stoff und Leder bezogene Modeaccessoires, unterstützt mit Herstellung von Knöpfen für ihre Kollektionen.
– CatwalkPictures.com bietet kostenlos Fotos anläßlich ihrer ersten Modenschau in Paris.
– Sterling International bietet Coaching vor dem Festival mit personalisierter Nachbereitung in den Monaten danach.

Für Accessoires
1: GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES
eine Projekts in Zusammenarbeit mit den Métiers d’art, im Rahmen von 20.000 Euro. Die neue Kollektion wird anlässlich des 40. Hyères Festivals im Jahr 2025in der Villa Noailles ausgestellt.
2: PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE
In diesem Jahr wird ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro vergeben für die Kreation eines Accessoires aus Leder, Schmuck oder ein Gürtel (matières dormantes).
3: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“. Camper lädt den Gewinner auf seinen Hauptsitz auf Mallorca ein.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
ADC – Au-Delà du Cuir: Jeder Kandidat wird die Möglichkeit haben sein Projekt während einer Coaching-Sitzung mit dem Inkubator und einigen Preisträgern/ADCs zu thematisieren. Alle nehmen am Laureate/ADC-Programm teil und haben die Möglichkeit, ihre Kreationen im ADC Showroom auszustellen.

Abgesehen von Ruhm und Ehre und eventuell Geld sind alle Preise auf Hilfestellung für den Start in eine professionelle Karriere ausgerichtet, dabei gelten besonders die Capsule-Projekte für die großen Häuser als begehrenswert sowie die Teilnahme an der folgenden Fashionweek Paris. Viele ehemalige Preisträger beurteilen die Preisrealisierungen zwar recht unterschiedlich aber nicht wenige von ihnen haben damit den erfolgreichen Einstieg in die große Modemaschinerie Frankreich geschafft. Umgekehrt sichert sich die französische Modeindustrie professionell und zugleich inovativ gestaltende Jungdesigner als konkreten Nachwuchs aus aller Welt – auf dem Festival quasi à la carte.

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