Naomi Tarazi, Krobos, Panos Gotsis, Inlé Studio

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Am vierten Tag der Fashionweek und auch des RAUM.Berlin zeichnen sich Trends zur nächsten Sommersaison ab: Transparenz ist angesagt und auch eine reduzierte Farbpalette – viel Schwarz und Weiß, zumindestens monochrome Ausführungen. Zur Transparenz gehören dann auch diverse Varianten von Spitze, oft eher grob als fein, was gelegentlich, zum Beispiel bei Strickwear, etwas hölzern daher kommen kann. Manchmal denkt man auch, der Ibiza-Style käme zurück. Die geschmackvolle und gleichzeitig sinnliche Lösung, was Frau darunter tragen sollte oder nicht, lassen die Vorführungen entsprechender Outfits meistens offen, manchmal wird mit mehreren Lagen ein opaker Bereich geschaffen, bei den Präsentationen in RAUM.Berlin sind eher mutige Versionen zu sehen, was aber nicht zwangsläufig die Praxis bestimmen wird. Erfahrungsgemäß kann da nämlich mit zurücknehmenden Entscheidungen die gemeinte Sinnlichkeit ins Gegenteil umschlagen.

Die Installationen beziehungsweise Performances waren am letzten Tag sehr ruhig gehalten, annähernd statisch und zum Teil auch nur eine arrangierte Exponatansammlung, mit lebenden Modellen und nüchternen Figuren. Die Idee, situativ ein Dinner zu arrangieren, vielleicht auch nur zu dritt, immer aber nur unter Damen, wiederholte sich nun mehrfach und scheint für eine Live-Installation wohl nahe zu liegen. Am Tisch die hedonistisch Lebenden, darum herum die Kleidung vorführenden Puppen. Nun ja, das ist ja immer auch schön, besonders wenn elegante und zugleich verführerische Kleidung das Ambiente bestimmt. Und manchmal ist dabei die Assoziation des Betrachters mit dem letzten Abendmahl in der dekadenten Moderne nahe liegend – eher noch als die vielleicht gemeinte Hochzeitstafel. Bei Naomi Tarazi geht das einem jedenfalls so.

In ihrem Berliner Atelier fertigt sie vorwiegend skulpturale und zugleich sehr sinnliche Kleidungsstücke für Damen, mit viel Transparenz, subtiler Farbigkeit und stets mit dekorativenen Schwüngen an den Abschlüssen. Damit sind die Silhouetten als leicht, schwungvoll und auch mit zarter Auflösung gezeichnet. Mit diesen leicht beschwingten Outfits sucht die Designerin eine Position zwischen Nachtleben und elegantem Tagesauftritt zu umreißen, die dafür eine wunderbare und prägnante Sinnlichkeit propagiert. Wenn es dann auch so getragen wird.

Naomi Tarazi:

Ursprünglich hat Lukas Krob wohl mit der Konzeption von Kleidung angefangen, die er selbst gerne dauerhaft tragen würde, so verrät seine Webseite, und da er als ausgebildeter Modedesigner selbst näht, entstanden praktische und sehr haltbare Kleidungsstücke. Hier bei RAUM.Berlin stellt er nun eine Damenkollektion vor, die von geometrischer Ästhetik mit dynamischen Formen geprägt ist, vorwiegend schlicht und schwarz, was in dem hellen Whiteroom und dem Gegenlicht gelungen scharfe Akzente setzt und die Flächigkeit der Silhouetten herausstellt. Die dynamischen Schrägen und leichte Rundungen verhindern die plumpe Kompaktheit von geometrischen Architekturen, besonders von Rechtecken, im Gegenteil, mit einfachen Mitteln erzielt das Design eine schlichte und bestimmte Formeleganz, die gelegentlich auch mit Transparenzen luftig daherkommt. Dazu öfter die hohen, offenen Kragen, die die Silhouette nach oben wirkungsvoll ergänzen.
Explizit nennt Lukas Krob die gleichzeitig klaren, strengen und dennoch sinnlichen Architekturideale von Peter Zumthor als vorbildlich und das findet man hier gut wieder. Auch der Start der Entwürfe vollzieht sich, trotz flächiger Geometrien, mit subtilen Handzeichnungen und nicht am Computer, das verhindert eine völlige Versachlichung der Wahrnehmungsempfindung, auch beim Layering.

Das Arrangement im hellen Gegenlicht ist hier ein wirkungsvolles Mittel, das Wesentliche dieses Kollektions-Designs herauszustellen.

Krobos:

Die Schau von Panos Gotsis stellt eine aktuelle Kollektion zusammen, die vorwiegend in Zweiergrüppchen mit Figuren gleichmäßig im Raum verteilt sind, zwischen denen auch lebendige Modelle sich aufhalten. Als Präsentationsformat ist das eher etwas uninspiriert, so soll die Gestaltung jeweils auf sich selbst verweisen. Die sucht, wie stets bei seinen Kreationen, eine Synthese zwischen Fashion und Folklore auf eine eher schlichte und prägnante Weise, die aber doch verschiedene handwerkliche und auch grundsätzliche Erscheinungsbilder vorführt. Hell und sommerlich locker ist das vorwiegend gehalten, mit gleichzeitig eher konventionellen Schnitten und Silhouetten. Allgemeine Trends wie kurze Hosen, verkürzte Hosenlängen überhaupt, locker fallende Blusen und Jacken ohne schnitttechnische Eigenheiten, Verwendung von Spitze als ganzes Kleidungsstück oder appliziert, werden berücksichtigt und stellen so die Outfits in die Gegenwart. Mit der hochwertigen handwerklichen Verarbeitung und unter der Fahne der Nachhaltigkeit rückt sich das Label in das gehobene Segment der Luxusfashion, ohne eine bemerkenswerte oder gar exentrische Idee zu riskieren. Insgesamt entsteht damit der Eindruck einer eher konservativen Positionierung, die dank des leichten Touches von Lässigkeit und zeitgenössischer Üblichkeiten eine aktuelle und gleichzeitig konservative Perspektive auf aufgefrischte Modefolklore besetzt.

Panos Gotsis:

Die Berliner Modedesignerin und Spitzenklöpplerin Melanie Parzenczewski hat das Inlé-Studio gegründet, mit dem Anliegen klassisches beziehungsweise historisches Mode-Kunsthandwerk in eine moderne Gegenwartsästhetik zu überführen, in der sich auch historische Schnitte und Silhouetten angedeutet wiederfinden. Dabei findet man verschiedene Varianten von Retro (19.Jh., 1920er Jahre) bis zu moderner Abstraktion mit angesagten Lose-Bänder-Outfits, wobei Transparenzen (Spitze) stets eine entscheidende Rolle spielen. Auf den Ausstellungsfiguren teilt sich aber die Sexyness des Konzeptes nur wenig mit, insofern wird die Ergänzung der statischen Installation mit drei attraktiven, lebenden Modellen schon überzeugender. Die sitzen, wie ganz oben schon berichtet, wieder an einem gedeckten Tisch, in eher lässigen Posen und führen vor, wie das Modekonzept im Leben vorstellbar ist. Diese Miniperformance, quasi ein werbender Lifestylevorschlag, ist eine geschickte Brücke zwischen Laufsteg und starrer Installation.

Inlé Studio:

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Tati, Anne Bernecker, Palmwine Icecream, Sofia Hermens Fernandez

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein wenig Nostalgie, etwas Mädchenleben und Ruhe versus Action prägten die Präsentationen am dritten Tag von RAUM.Berlin. Neu auf der Bildfläche waren gleich drei der vier Design-Labels und, wie bereits hier gewohnt, die Bespielung des jeweils reservierten Raumes war sehr unterschiedlich geprägt. Und je nach scheinbarer Abgrenzung und Performance-Intention mischen sich die Besucher in die Installationen, oder hielten sich eher respektvoll an den Rändern des Raumes auf. Ersteres fand man bei Tatjana Haupts Label Tati vor, letzteres bei Kusi Kubis Palmwine Icecream und irgendwie hatte das auch mit der Qualtität der Exponate zu tun.

Das Menschengewusel bei der Tati-Installation mit diversen Aktivitäten und Handyshootern, Tänzerinnen und Demofiguren mittendrin, einem DJ-Desk mit Djane und Sängerin, versuchte etwas von Mädchen-Lifestyle zu erzeugen oder aufleben zu lassen – untereinander und mit Publikum kommunizierend im Sinne eines Communitygedankens. Diverse geliebte Beschäftigungen von Teenagerinnen tauchen auf und natürlich sieht man Herzchen und All You Need Is Love Embleme, die das Ambiente emotional aufladen. Entsprechend war auch der Focus der präsentierten Kleidung auf Teeniegeschmack gerichtet und die war als Strickwear gefertigt und mit diversen modischen Apercus ausgestattet. Zwangsläufig liegt dahinter als Leitidee die hingebungsvolle handwerkliche Beschäftigung, die hier quasi lifestylemäßig demonstriert wird.
Eine Stunde Mädchen-gute-Laune mit fast allem, was dazu gehört – in einer Installation, die dabei mutig in die Vollen ging.

Tati:

Ganz im Gegensatz dazu erschien die Präsentation von Palmwine Icecream. Mit der etwas uninspirierten Präsentation gelang die intensive Dichte der afrikanischen Atmosphäre eher nicht, die herumstehenden Gestalten im großen Raum konnten die wunderbare Wärme, die dem Design innewohnt und wie sie auf den Schauen der letzten beiden Saisons erlebbar wurde, hier nicht erzeugen. Natürlich war auch hier die Kleidung von edlem Geschmack und hochwertiger Verarbeitung gekennzeichnet, aber schon die spärliche Auswahl war nicht wirklich spannend. Mit ein paar zusätzlich verstreuten Objekten, Äste, Steine, Sträuße, wurde das Arrangement auch nicht dichter, das Gesamtbild blieb trotzdem etwas verloren. Selbst die gelegentliche Bewegung einer Figur im Raum oder ein Lächeln eines Models löste die fast nüchterne Stille kaum.

Palmwine Icecream:

Ebenfalls auf eine eher ruhige Präsentation mit Figuren und Models gemischt setzte Anne Bernecker. Ihr Atelier verfolgt eine Kombination aus Wiederverwertung, Handarbeit und ästhetischer Nostalgie. Diese Kombination fand man auf der Fashionweek auch bei anderen Labels (z.B. Buzigahill) und man kann das, nach einer langen Periode experimenteller Individualisierung und schräger Konzepte, als Hoffnungsschimmer ansehen. Gleichwohl sind die Outfits in Sachen souveräner Geschmack noch ausbaufähig und die Idee, dass handwerklich hübsch und liebevoll gefertigte Elemente nur appliziert werden brauchen oder stilistische Kontrastierungen angenehm verlebendigen, ist für ein elegantes Gesamterscheinungsbild noch nicht ganz überzeugend. Auch hier führt die Lust am handwerklichen Tun noch nicht zwangsläufig zu einem edlen Erscheinungsbild. Aber der ideelle Ansatz hat wohltuende Wirkung und die Art der Vorführung entspricht dem.

Anne Bernecker:

Sofia Hermens Fernandez hat ihre Kollektion wie ein Tableau auf dem Boden ausgelegt, auf einer langen Bahn, wo auch ein Model sich „bekleidend“ dazulegt. Am Ende ein Spiegel und daneben ein Stuhl mit flüchtig übergeworfenem Kleid. Wir kennen die junge Designerin als Finalistin des 40. Festivals in Hyères mit ihrer Kollektion Semiotics of Girlhood, wo sie Eleganz mit romantischer Verspieltheit verbindet. Sie hat in Antwerpen Fine Arts studiert und kandidiert am Institut Francais de la Mode an der Sorbonne als Doctor of Philosophy. Auch sie beschäftigt sich mit der Ästhetik von Mädchen-Bildern, entwickelt aber diese Ansätze weiterführend auf recht hohem Niveau. Und auch in ihrer Installation geht es um Mädchengefühle, allerdings nicht als Teil einer Community oder eines Lifestyles, sondern in der eher introvertierten Beschäftigung mit sich selbst, bei der Kleidung einen Ausdruck der Selbstsuche und -findung repräsentiert. Nunmehr aus Sicht einer erwachsenen Designerin in subtiler Reflexion.

Sofia Hermens Fernandez:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Für ihre Kollektion Outer Space war die Location namentlich schon ein passender Ort und die zugleich nostalgische und futuristische Themenidee eine vorzügliche Gestaltungsvorlage, die von Körperpanzer, über Kitsch und Disco bis zu mondkratermäßigen Oberflächen alles erlaubt – was man dann auch sah.

Einen konzeptionellen Themenansatz gibt es bei Marina Hoermanseder immer, aber schon ihr grundsätzliches Konzept für eine Schau ist stets bemerkenswert. Ihre Fantasie reicht weit über reines Modemachen hinaus und so ist die Laufstegschau stets eingebettet in große Raumdeko und Bühnennischen, was die Einstimmung auf die Kollektion verstärkt und schon eine Demonstration ist, wie visionär und gedanklich verspielt sie mit ihren eigenen Themen umgeht, inclusive origineller Showeröffnung. Aber dabei geht es nicht nur um Gestaltungsliebe. Sie sorgt für dekorativ ausgestaltete Räume vor dem Eventraum, damit sich „ihr“ Publikum dort schon vor der Veranstaltung versammeln kann, Eis essen, Limonade oder Sekt trinken, kleine Extras vernaschen und vor allem kommunizieren kann. Üblicherweise erscheint das Publikum auch sehr illuster, exentisch gekleidet und geschminkt und bildet eine Gemeinschaft von Voyeuren und Exhibitionisten, wo man sich gerne aufhält, weil Sehspass und kreative Gestaltung Teil des Miteinanders sind. Dass die Designerin sich über Jahre ein solches Publikum in großem Stil aufgebaut hat, liegt nicht nur an dem Willen, sich pfiffig über Instagram etc. zu vermarkten, sondern korrespondiert mit dem Verständnis, mit dem sie ihre Mode schafft. Damit einher geht allerdings auch eine Strategie des Exklusiven, wie sie großen Labels auch zu eigen ist.

Hoermanseder ist eine sehr fleißige Designerin, die gerade das große Mainstream-Club-Publikum zu erreichen sucht. Entsprechend sind die geschmacklichen Aspekte ausgerichtet, wesentlich glamourös, blinky, kitschfarbig, auffällig. Sie gibt quasi den gehobenen Discogeschmack vor. Kennzeichnend dafür ist ihr eigenes Outfit am Schluß. Gleichzeitig bedient sie durchgehend auch ihr Ur-Image, also das charakteristische geformte Leder, die Gurte mit rechteckigen Schnallen überall und in jeder Ausprägung und die Panzer, die sie ursprünglich einmal aus ortopädischem Arsenal abgeleitet hatte. Die unzähligen Varianten sichern den Wiedererkennungswert, den auch ihre Fans stets suchen und goutieren, auch wenn diese Outfits Bewegungsprobleme mit sich bringen.

In dieser Kollektion geht es also um um interplanetare Reisen, Anschauungen zu Wüstenplaneten und auch um die nostalgisch marginalisierende, klassische Verkitschung von Weltraumfahrt, wie sie schon in den 1960er Jahren, besonders in USA, gang und gäbe war. Passend zur Schau ist natürlich auch ein Soundtrack, der der diese, schon durch viele Filme geprägte, Vorstellungswelt begleitet und akzentuiert: eine energiegeladenen Mischung aus Pop und Eurodance und Anleihen aus der Star-Wars-Filmmusik. Überhaupt waren die Vorlagen der Science-Fiction-Filmindustrie massgeblich an der Ideenfindung beteiligt, deutlicher als die modernen Sci-Fi-Videospiele, die ja auch entsprechende Kleidung, Monturen und Körperpanzer erfinden.

Handwerklich ist Marina Hoermanseder dem hochwertigen Ethos ebenfalls treu geblieben, was auch das ganze Bling-Bling aufwertet. Sie ist damit eine der wenigen Designerinnen, denen der Spagat zwischen Club-Pop und Couture überzeugend gelingt.

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