Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

80 Absolventen von 12 renommierten Hochschulen in Modedesign präsentierten ihre Arbeiten auf der Neo.Fashion, die dieses neunte Mal umständlich als „Neo.Fashion. presented by Potsdamer Platz“ im Atrium Tower am Potsdamer Platz im Verlaufe von zwei Tagen mit verschiedenen Programmpunkten stattfand. Zum Abschluß gab es eine Prämierung der besten, gegliedert in verschiedenen Kategorien und auch von verschiedenen Jurys bewertet.

Das Format Neo.Fashion war schon am Start eine gute Idee des repräsentativen Zusammenschlusses von Modeakademien und sie hat sich über die Jahre konzeptuell stets weiter ausgebaut. Inwieweit das ambitionierte Projekt als relevante Talentschmiede taugt, läßt sich von außen schwer einschätzen, als Termin mitten in der Fashionweek ist die Groß-Schau für Profis und Medien noch immer eine konkurrierende Veranstaltung, vielleicht finden sich terminlich einmal klügere Positionierungen. Und mit der Berlin Curated Schau im offiziellen Programm ist nun noch ein weiteres Format eingebracht, das man als Konkurrenz zu Neo.Fashion betrachten könnte, besser aber als Brücke zum offiziellen Fashionweekprogramm geeignet ist. Mit seinem eigenständigen und geschlossenen Konzept wäre, unserer Einschätzung nach, Neo.Fashion eine ideale Einleitung zur Fashionweek.

Denn auch die gezeigte Mode ist ein innovatives Momentum „auf dem Weg“. Vorwiegend experimentell und gleichzeitig modernen Anforderungen genügend, umfassen die Looks sehr verschiedene Perspektiven und Schwerpunkte, was die Vergleichbarkeit erschwert und weswegen auch die Preise in vier verschiedene Kategorien gesplittet wurden: In diesen gingen die Preise an:

• Best Digital Fashion Design: Flora Schwöppe, AMD Akademie Mode & Design Hamburg
• Best Craftsmanship: Melanie Parzenczewski, HTW Berlin
• Best Design: Wiebke Lendewig, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle
• Best Sustainability Concept: Azura Barber, Hochschule Macromedia
• Best Global Concept: Jon Liesenfeld, AMD Akademie Mode & Design
• Zusätzlich wurden zwei Sonderpreise verliehen:
  Potsdamer Platz Award: Laurin Schuler (KH Weißensee)
  Brisbane Showcase: Lennart Bohle (HS Pforzheim)

Nicht nur aus der großen Diversität gezeigter Looks sondern auch aus dem Beurteilungssplitting kann man ableiten, dass diese Modekonzepte noch am Anfang oder vor dem Anfang stehen und eine runde Komplexität eher noch aussteht. Fachhochschulspezifische Schwerpunkte lassen sich für Aussenstehende nicht herauslesen. Insofern, als die Kommerzialisierung als zwingendes Kriterium hier noch keine nennenswerte Rolle spielt und das Experiment noch freie Hand haben dürfte, sind die Neo.Fashion-Schauen allemal spannend, auch die große Diversität. Manchmal merkt man, dass die individuelle Gestaltforschung noch sehr studentisch geprägt ist, machmal bemerkt man die aktuell zunehmende Politisierung des Gestaltungsstrebens innerhalb der Hochschulen – irgendwie anregend und interessant entwickelt sind die gezeigten Ergebnisse dann soweit doch meistens. Der schnelle Wechsel der gestalterischen Ansätze läßt manchen Zuschauer leicht irritiert zurück, ein orientierender Trend ist höchstens im Nachhinein beim Betrachten der Bilddokumentation zu verspüren.

Wir fotografierten die letzte Award-Schau des zweitägigen Neo.Fashion Programms.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Hinter dem Label Orange Couture steht der aus Nigeria stammende Designer Adebayo Oke-Lawal. Das Label wurde von ihm bereits 2011 gegründet. Ursprünglich trat Adebayo Oke-Lawal an, in der Finanzwelt beruflich Fuß zu fassen. Dass es dann Mode wurde, ist ein Glück, denn mit der neuen Kollektion für den Sommer 2026 hat das in Lagos geborene Talent die Berliner Modewoche mehr als bereichert, vielmehr die Internationalität unterstrichen, die Berlin modisch bieten kann. Kurz vorweggenommen: eine der spannendsten und ansprechendsten Kollektionen, die gezeigt wurden.

Das kommt aber nicht wie aus dem heiteren Himmel, sondern ist der aktuelle Höhepunkt einer langen Reise und Entwicklung. Das Label konnte schon in Paris, London und New York präsentieren und hat über die Jahre nicht nur eine Fangemeinde, sondern vielmehr eine Bewegung um sich herum von treuen, aber auch immer wieder neu begeisterten Menschen scharen können. Gezeigt wurden im „Fürst“ am Kudamm Herren- wie auch Damenkreationen, die vielfach stilistisch als emotional, androgyn und kulturell durchdrungen beschrieben werden können. Die Kollektion spricht mit sehr warm gestalteten, freundlichen und reflektiert positiven Impulsen Seele und Gefühl an. Die Silhouetten sind sowohl bei den Damen als auch bei den Herren verspielt, vermitteln durch die Konstruktionen Bewegungsfreiheit und sind sehr abwechslungsreich gehalten. Dabei geht die Bandbreite von klassischen und formellen Grundideen hin bis zu sportlich lockeren Freizeitassoziationen. Das ist nicht beliebig, sondern stets fein aufeinander abgestimmt und stilgetreu. Der Humor schwingt bei den Konstruktionen stets mit, wenn zum Beispiel ein Damenrock direkten Bezug zu einem Blazer nimmt und der Bund auch die Überreste von einem Revers sein könnten.

Schön kombiniert werden solche flächigen Konstrukte mit Transparenz, die eng anliegend den Körper betont, ohne aufdringlich zu sein. Da zeigt sich, dass mit der Materialwahl schöne Kombinationen aus Regenesis-Stoffen aus recyceltem Plastikmüll, handgewebtem Aso-Oke aus dem Südwesten Nigerias, Baumwolle und Wolle realisierbar sind. Nachhaltigkeitsaspekte und Regionalität sind hier selbstverständlich. Besonders stolz kann man auf die Textildrucke sein, die extra für die Kollektion entwickelt wurden und sich gut integrieren. Die Modelle tragen Blumensträuße oder die Looks abrundende Taschen. Das Herz, großflächig appliziert auf mehreren Oberteilen, setzt bewusst einen Bezug zur Emotionalität: Man lebt und fühlt, ist nicht von der Umgebung und Umwelt isoliert.

Adebayo Oke-Lawal hat in der Vergangenheit immer wieder durch solche Symbole zu vermitteln versucht, dass es ihm um mehr als nur um Bekleidung geht, sondern auch um ein gesellschaftliches Statement auf der emotionalen Ebene.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Oft wurde schon in das modische Wirken von Andrej Gronau hineininterpretiert, er würde seine Kollektionen auf einem Material- und Mustermix , wilden Farbkombinationen und Details aufbauen – er würde mit Augenzwinkern nostalgisch mit Begriffen wie Heimat und dem Ländlichen spielen.

Oberflächlich betrachtet kann man zu dem Schluss kommen, wenn man Bauernkaros – auch bekannt unter Vichy-Karo – als Sternstunde der Textilgestaltung ansieht, das würde schon irgendwie passen. Das muss man aber nicht verstehen.

Sicherlich finden sich neben diesen Karos – auch nicht immer in Weiß-Rot daherkommend – diverse verspielt-naive Details wie Sternchen, Schleifen und Bänder in der neuen, in Berlin vorgestellten kleinen Kollektion, die passend in einer (ehemaligen) Industriebrauerei stattfand. Damen und Herren tragen einen wilden Mix aus verschiedensten konzeptionellen Ansätzen. Da steht eine Strickkombination für eine junge Dame, angelehnt an die Formgebung der 1960er , neben übergroßen Boxershorts-Unterhosen – in Karo! –, mit denen sich der urbane Mann neuerdings in der Öffentlichkeit zur Schau stellen soll. Das braucht Mut, mag witzig sein, kann aber nicht wirklich überzeugen. Hochgeschnittene Hosen stehen hier neben rustikalen Pullovern. Der Cowboy-Stiefel kommt öfter zum Einsatz. Warmherzig ist hingegen die Farbpalette, und die Flächenkombinationen laden dazu ein, einzelne Looks auseinanderzunehmen und die Einzelstücke isoliert zu betrachten. Dann werden viele Aspekte in der Einzelbetrachtung wieder stimmig. Da ist zum Beispiel ein „Purple“-Herrenpullover, der mit feiner Silhouette und farblicher Lautstärke punkten kann. Auch andere Strickoberbekleidung ist ansprechend kombinierbar, lebt indes aber vor allem durch Haptik, Silhouette und die bereits angesprochene warme Farbpalette. Ob dies alles in eine neue Interpretation der zeitgenössischen Jugendkultur verallgemeinernd passt, erscheint fraglich. Dafür ist die zeitgenössische Jugendkultur – auch mit einer Sehnsucht nach Tradition und Verbundenheit – zu heterogen.

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Bilder und Text: Boris Marberg

Am Kurfürstendamm wurde die fast nostalgische Sommerkollektion des jungen Labels COLRS dem interessierten Publikum präsentiert. Als Inspiration hat dem Designer, Zec Elie-Meiré, das idealisierte und emotional aufgeladene Strandleben in Brasilien gedient – maskulin und verspielt, körperbewusst und bereit für den Spaßfaktor, auch mal Grenzen auszutesten.

Für die Umsetzung sehr passend ist, dass man weiterhin auf Upcycling und Vintage-Stücke – neugestaltet und umkonstruiert – setzt. Plakativ und jugendlich kommen auf dem Laufsteg die Modelle mit T-Shirts entgegen, welche Schlagwörter und prägende Sprüche tragen: „Boys“, titelgebend, über den Zaun springen – „JUMPING FENCES“ – und des Swimmingpools wegen irgendwo nächtlich einbrechen, um sich von der Sommerhitze abzukühlen. Das Erwachsenwerden wird hier thematisch aufgearbeitet und idealisiert. Ja, solche Bilder und Stimmungsmotive erscheinen heutzutage in einer Jugend, die durch soziale Medien geprägt ist, schon nostalgisch – die guten alten Zeiten. Wenige Kontrapunkte in der Kollektion stehen dem frischen und jugendlichen Look entgegen. Alles, was gezeigt worden ist, ist technisch sehr gut umgesetzt und generiert ein einheitliches Erscheinungsbild, welches auf den ersten Blick an „Selbst an die Nähmaschine gesetzt“ erinnert, aber stringent, unkompliziert durchdacht wirkt. Das kommt sehr frisch daher.

In Bezug auf die verwendeten Materialien basiert die Kollektion auf Patchwork-Denim, leichter Baumwolle und Mesh. Zudem vermitteln transparente Stoffe und geknotete Bänder Dynamik und Sportlichkeit, ein Schwerpunkt auch der vorangegangenen Kollektion, der weiterentwickelt wird. Weiß und Denim sahen wir viel auf dieser Fashionweek, so auch hier. Ganz klar findet bei der noch jungen Marke eine Ausrichtung auf Streetwear und Freizeitmode für junge Männer statt. Auch das passt zum urbanen, jugendlich geprägten Berlin, dessen Seen mit den Ufern natürlich nicht mit der Copacabana in Rio de Janeiro konkurrieren können. Ein einziger, lockerer Herrenanzug in klassischer Anlehnung erweitert die Linie um formellere Aspekte – auch das passt und rundet die Kollektion ab.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Schau zur neuen Kollektion für den Sommer 2026 von Haderlump Atelier Berlin fand im Haus der Visionäre, einer Veranstaltungshalle mit industriellem Charme, Bauhaus-Architektur und historischem Backsteinbau statt. Die vergilbten Wände werfen ein warmes Licht auf die Kleidung und vermitteln Vergänglichkeit. Auf künstliches, hartes Licht wurde verzichtet. Damit ist der Raum auch ein greifbarer Ort geworden, der sehr gut zum thematischen Überbau der Kollektion passt, einer Auseinandersetzung mit vergehenden Kulturgütern und der Fragestellung, was für Folgen und Auswirkungen das digitale Zeitalter haben könnte.

In der Halle wurden mehrere Kuben platziert, die gespickt waren von mit Text bedruckten Bücherseiten und die einen räumlichen Rahmen für die ansonsten klassische Modenschau boten. Das passt alles sehr gut zu dem einrahmenden Themenfeld Autorschaft, Identität und Vergänglichkeit. Symbolhaft werden die Ex Libris, die individuellen Kleinode in Büchern, als Aufhänger genommen – in der Modegestaltung selbst ist der Bezug allerdings nur selten und schwer zu erkennen. Musikalisch hat man technisch innovativ mit sich rhythmisch an die Bewegung der Modelle anpassender Musik experimentiert.

Die Kollektion richtet sich an eine weibliche sowie männliche Kundschaft, der es wichtig ist, greifbar im Raum die eigene Identität zu bewahren und sich dezent abzugrenzen. Neben dem Haptischen des Materials – Leder, Leinen, Baumwolle – wird sehr spannend mit Konstruktionen gespielt, die sowohl klassische Silhouetten bieten als auch provokante Brüche in den Konstruktionen zeigen. Die verwendeten Materialien stehen oft in lautem Kontrast zueinander, was farblich abgemildert wird. Die Palette basiert auf Weiß, Beige, Schwarz und Grau – ab und zu Anlehnungen an Brauntöne – alles eine Frage der Interpretation und zurückhaltender Gestaltung.

Diese Zurückhaltung zeigt sich in der entstandenen Bandbreite von weichen Looks bis hin zu harten, skulpturalen Entwürfen, ohne zu „erschlagen“. Hier treffen breite Schultern, Korsettblusen und drapierte Röcke auf wuchtige Schichtungen, massive, in den Raum greifende A-Silhouetten, voluminös schwingende Mäntel. Kombiniert wird viel mit adoleszenten „Schildmützen“ und Taschen, die aus einer Kooperation mit „Liebeskind Berlin“ stammen. Funktional ausgelegter Streetstyle steht hier bei Haderlump ganz selbstverständlich neben wilder, aber auch edler Abendgarderobe für Damen, die mit Leichtigkeit auch repräsentativ genutzt werden kann. Bei mehreren Looks sind in Jacken integrierte Kapuzen spannend gelöst und vermitteln ein interessantes, sehr bedrängtes Stimmungsbild. Da duckt sich jemand im Großstädtischen weg und schützt sich vor den Eindrücken. Das rundet die insgesamt urbanen Looks ab und knüpft gekonnt an die letzten Kollektionen an. Johann Ehrhardt ist damit wieder eine sehr ansprechende Kollektion mit seinem erst 2021 gegründeten Label gelungen, die mit vermehrt eigenen Akzenten aktuelle Trends zusammenfasst. Damit stellt der Lette-Verein-Absolvent erneut unter Beweis, dass er zu den vielversprechendsten zeitgenössischen Berliner Designern gehört.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Berliner Label Ottolinger der beiden Schweizerinnen Christa Bösch und Cosima Gadient focussiert sich auf die innovative Prägung dessen, was als berlintypischer Style gilt und erweist sich damit als zunehmend erfolgreich. Nun erscheinen sie erstmals auf der Fashionweek im Intervention-Programm mit dem Anliegen, sich als Szene-Label größer zu etablieren.

Das Publikum war entsprechend szenemäßig, Insider und frühe Fans des eigenwilligen Labels, das ihnen für seine subversive Energie mit dekonstruierten Silhouetten und rohen Oberflächen bekannt ist.

Der Typus einer jungen Frau, der hier bedient wird, ist nicht die Heidi aus dem Schwarzwald, sondern etwa der einer etwas unzuverlässigen Person, die mit leicht selbstherrlichem Auftritt einen etwas exzentrischen Kleidungsgeschmack vorführt, das aber wohl überlegt und mit ungewöhnlichen Akzentuierungen. Dazu gehört zum Beispiel die überraschende Wahl von Stofflichkeiten, von Pants und schmalem, flachem Bandeau-Top oder verworrenes Schnittwerk, das das Ganze irgendwie zusammenhält. Nichts ist wirklich grell, weder die Farben, noch die Kontraste oder die Gesamtarchitektur, aber doch vieles ein wenig neben der erwarteten Spur. Daraus wurde ein Style entwickelt, der die Lust am leicht Verpeilten thematisiert und feiert und was viel Freiheit und Kreativität ermöglicht. Dazwischen erscheinen auch relativ konventionelle Kleider, ohne das als Kontrast spüren zu lassen. Es tauchen diverse „Schutzelemente“ auf, für’s Gesicht große Sonnenbrillen, für die Brust die erwähnten Bandeaustreifen oder als zusätzliche Gurte oben drüber, die auch sonst oft deplaziert angebracht werden. Etwas bewußt deplatziert ist einiges aber nie alles. Außerdem stets ein paar wild herumschwingende Strippen, die das frei Bewegte des Erscheinungsbilds verstärken. Gleichwohl bleibt das Dekonstruierte körpernah und sehr weiblich ausgelegt, meist, aber nicht immer. Das einzige Herrenoutfit findet auch eine geeignete männliche Note des Prinzips. Dabei sind die Grenzbereiche manchmal fluide. Das gilt für viele Aspekte des Konzeptes, scheinbarer Festlegung wird immer wieder mal deutlich entgegen gearbeitet.

Der Typus ist also die junge Frau, die einem oft im Leben begegnet, häufiger noch im Internet, trotz vieler charakteristischer Verpeiltheiten ist sie pragmatisch, straight und selbstbewußt, mit gelegentlicher Schlampigkeit, und auf dem Laufsteg wirkt manche auch launisch dazu. In Geschmacksfragen ist sie nicht gerade anspruchsvoll aber auf jeden Fall eigen und umgibt sich auch mit einigen gefundenen Trouvaillen der ausgefallenen Sorte. Wie wir schon bei Sia Arnika anmerkten, kommt die Erscheinung der noch etwas unsteten und „unfertigen“ Generation in Berlin hier ebenfalls zum Tragen, wenn auch gestalterisch prägnanter formuliert und als selbstbewußter beschrieben. Dieser Designerinnen-Mut wird immerhin von der Fanschaft mit großer Begeisterung gefeiert und Heidi ist konzeptuell als eine „berlintypische“ Kollektion zu verbuchen. Das Weitere besorgen die Influencerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach diversen Schauen in Paris betritt das Label ioannes nun auch die Fashionweek Berlin und bringt den Anspruch von Eleganz und Geschmackssicherheit in die letzte Schau des Berliner Reigens Frühling/Sommer 2026 zurück. Und das mit einiger Verve: „Dornen wachsen besser als dickere Haut“.

Das Konzept der Kollektion des Designers Johannes Boehl konzentriert sich auf das moderne Selbstverständnis der Frau, zwischen den Polen von akzentuierter Weiblichkeit und selbstbestimmter Kraft im Auftritt. Eigentlich führt die Schau die übliche französische Modeposition vor, denn sie vereint diese scheinbare Ambivalenz mit großer Selbstverständlichkeit, während man hier Emanzipation erst einmal diskursiv und theoretisch zu lösen versucht.

Der gestalterische Anspruch bei ioannes ist stets das komplette Erscheinungsbild von Kopf bis Fuß, also von der ausgewählten Sonnenbrille (MYKITA) über den Kleidungsentwurf und den prägnanten Schmuck bis zu stilgerechtem Schuhwerk, das gegebenenfalls auch einen eigenen Gestaltungsmodus erfährt. Alles erscheint sehr „bestimmt“ in der Anmutung, schlüssig und charismatisch. Zartheit wird Stärke und die Stärke erscheint subtil ausgespielt. Lässigkeit entsteht durch Selbstbewußtsein und geschmackliche Souveränität.

Das ist, so ungefähr, der französische Modemodus, den man in Paris auch als real gelebt in der Öffentlichkeit erfährt und mit Hilfe dessen man auch die philosophische Positionierung der Frau, ihr Selbstverständnis als emanzipiert im gesellschaftlichen Kontext, wahrnehmen soll. Dabei werden die gestalterischen Codes stets dem guten Geschmack unterstellt, denn der ist letztlich die eigentliche Kraft für überzeugende Wirksamkeit. Hierzulande ist es oft der ideologische Überbau – Nachhaltigkeit, Auflehnung gegen tradierte Erscheinungsbilder, Generationskonflikte und vieles mehr -, der den modischen Auftritt bestimmt, Geschmack und Eleganz sind eher eventuelle Optionen oder Extras; in Berlin sind sie nicht selten sogar ein No-Go.

Das Spiel des Modedesigns schöpft bei ioannes vielfach aus Kontrasten, die die Anschauung spannend machen, ohne widersprüchlich zu werden. Lockeres, zum Beispiel Bänder an der Tasche, wird mit geometrisch Strengem, zum Beispiel Blazer, verbunden, kraftvolle Schlangenprint-Boots werden zu kurvigem Schlauchkleid gefügt, gefährlich spitze Sandalen zu transparentem Kleid, extra lange Ärmel zu sehr kurzem Kleid, rosa Minikleidchen werden mit schwarzen, blickdichten Strümpfen getragen. Das aber ist kein festes Prinzip, denn Farbspiele, Transparenzen und Materialzusammenstellungen können auch als Nuancierungen den Look bestimmen. Hinzugefügte Elemente sichern stets klare Positionierung, besonders Sonnenbrillen (Distanzierung), kompakte und kräftige Ohrclips, strenge Frisuren, unverspieltes Make-Up. Jede Gestalt bekommt starkes Charisma, egal ob ein romantischer Touch oder schwarze Hochgeschlossenheit Ausgangspunkt des Typus ist.
Und: die moderne Pariser Frau wird ihre Sexyness damit niemals aufgeben sondern unterstreichen.

Mit geschmacklich souveränem Spiel wird so die emanzipierte Frau der Gegenwart definiert, zumindestens in dem Sinne, wie Paris das versteht, und als eleganter Einwurf (sogar als letztes Wort) auf der Berliner Fashionweek kann oder sollte das durchaus zu denken geben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Eine funktionale Halle, weit im Berliner Osten, dunkel gehalten mit schwarzem Molton, mit ein paar von der Decke herabhängenden Neonröhren und einer US-amerikanische Stretch-Limousine waren die Kulisse für die neu vorgestellte Kollektion der in Berlin ansässigen dänischen Designerin Sia Arnika. Immer wieder hat die Designerin in der Vergangenheit als ihre Inspirationsquelle nordische Künstler und deren Werk angegeben. Diesmal wird auf Karl Ove Knausgård verwiesen, ein preisgekrönter norwegischer, zeitgenössischer Autor, der vielfach einem essayistischen und introspektiven Stil zugeordnet wird und stark autofiktional schreibt. Es geht Sia Arnika beim Modemachen also offenbar um grundlegende Befindlichkeiten, bezogen auch auf ihr gewähltes Leben in Berlin. Und um Autofiktion.

Wenn man solchen Betrachtungen Raum geben will, passt das Mittel der Autofiktion modisch durchaus zu Berlin. Die Stadt war schon oft ein Tiegel, in welchem Realität, Projektion und Fiktion künstlerisch ineinander übergegangen sind, und auch heute ist die Stadt wieder eine Plattform für die Verarbeitung der persönlichen Historie und Emotionalität, viele Protagonisten sehen sich geradezu herausgefordert, sich künstlerisch selbst zu inszenieren und in eine Fiktion des Selbst zu gleiten. Manche siedeln sich gerade deshalb in dieser Stadt an. So verschmelzen autobiografische Elemente mit fiktionalen Erzählformen, und diese werden hier als Mode oder als „Content“ in sozialen Medien kommuniziert: jeder steht im Mittelpunkt seiner eigenen Realitätsblase mit dem Wunsch nach sozialer und künstlerischer Wahrnehmung. (Die digitalen Medien unterstreichen ohnehin, dass eine Trennung von Fiktion und Realität keine echte Bedeutung mehr hat – „Das Medium ist die Botschaft“, schrieb schon 1964 der kanadische Medientheoretiker Marshall McLuhan.)

Soweit wäre ein philosophischer Überbau denkbar, demnach wirft Sia Arnika die Frage nach der Bedeutung der eigenen Mode im Kontext „Berlin“ auf, nach der Positionierung einer recht jungen Altersgruppe. Es geht darüber hinaus um Orientierung in der Adoleszenz, das Suchen nach einem Weg von der Kindheit zum erwachsenen Sein, aber auch darum, wie das Erwachsensein mit fortschreitendem Alter an Kindheit und Jugend festzuhalten versucht. Ihr Spiel wird irgendwie ernst, es wird mit der eigenen sexuellen Attraktivität kokettiert. Das Design spielt dabei gestalterisch mit Überhöhungen und Assoziativem und nutzt alle möglichen künstlerischen Freiheiten. Die sexuelle Selbstentdeckung wird zum Beispiel mit  knappen, bunten Damenlooks, Blicken ins Dekolleté, Transparenz und anderen klassischen Codes thematisiert. Kurze Röckchen bei den Damen stehen neben sportlich reduzierten Looks für junge männliche Protagonisten. Materialien werden wild gemischt, und Zusammenhänge werden immer wieder aufgebrochen. Die optische Wahrnehmung zieht oft etwas nach unten. Gleichzeitig erinnern weich geschwungene Abschlüsse und Silhouetten partiell an klassische Formgebungen der 1960er und 1970er Jahre bei Damenkleidchen.
Die Herren verharren „casual“, wenig zuordbar, die Oberbekleidung mal flächig „en bloc“ oder mit Drucken auf den Textilien. Der junge Mann bei Sia Arnika darf kommenden Sommer ruhig mal in Unterhose und -hemd auf die Straßen gelassen werden und trägt trotzig ein Halbarmhemd offen. Einerseits kann man auch das als visionär verstehen, realistisch gesehen folgt es andernfalls, ganz nebenbei, der Berliner Unbekümmertheit in Sachen Erscheinungsbild in der Öffentlichkeit.
Ein sehr eigener Kosmos wird hier thematisiert, wohl darum wirkt die Kollektion auf den ersten Blick gestalterisch zusammenhangslos und auch irritierend.

Immerhin wird das Ganze in der Schau durch die Stimmung und Abfolge der jeweiligen Looks dann doch zu einem einigermassen konsistenten modischen System, wenn auch sehr schräg. Es verharrt als Anmutung in einem Hauch von traumhaft, verstörend und tiefgründig surreal – ja, eine Traurigkeit im Sommer, Trauer über den Wandel und das Eingeständnis, dem Wandel der Zeit zu unterliegen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

„Berlin Curated“ ist ein neues Show-Format, das verschiedene junge Talente präsentieren will. Initiiert wurde es von Christiane Arp (Zitat:“Die Berlin Fashion Week ist die Bühne für aufstrebende Talente,“) und ausgeführt wird es von Sevil Uguz mit ihrer Agentur 0049x. Damit wird sinngemäß eine Brücke geschlagen, von Neo.Fashion, das gelungene Ausbildungsergebnisse zeigt zu den Programm- Schauen, eine Brücke, die den Einstand ins Professionelle ermöglichen will.

Mit Berlin Curated reagiert die Vorsitzende des German Fashion Council unter anderem auf die häufigen Vorwürfe, dass die wirkungsvolle Förderung von Talenten in Deutschland nicht effektiv angegangen würde, die Konzepte intransparent seien sowie auch auf eigene Erkenntnisse. Der Versuch, mit diesem Format nun eine relevantere Aussenwirkung zu erzielen, ist lobenswert, mit der großen Erfahrung von Frau Arp, auch im Kuratieren – siehe Berliner Salon -,  wird das sicher auch kompetent auf den Weg gebracht – wenn auch vielleicht von subjektiven Verfahren und Prägungen begleitet.

Die Probleme des Berufsstartes für Modedesigner sind hinlänglich bekannt, Sichtbarwerdung, professionelles Netzwerk, Medienrelevanz, Imageaufbau sind dazu einige Stichworte. Alles das ist schwierig, weil Deutschland keine solide Modeindustrie hat, wie sie in Frankreich oder Italien funktioniert und die Professionalisierung hier schwieriger zu richten ist. Aber Berlin Curated will für die zentralen Herausforderungen Mittel und Wege finden und bereit stellen, und vielleicht wird mit diesem Format auch transparent, wie es dann funktioniert.
Eine neue Webseite dazu gibt es jetzt auch (und natürlich Instagram).

Wir berichten seit vielen Jahren aus Hyères (Frankreich) und wissen, wie das erfolgreich aussehen kann: kompetente und jährlich mit großen Namen neu besetzte Jurys wählen aus und die Wettbewerbssieger zeigen ein Jahr später dort mit neuer Kollektionsschau, was aus der bereitgestellten Förderung geworden ist. Teil der Förderung ist eine große Schau zur FW Paris. Aber dort spielen die großen Modehäuser eine wesentliche Rolle in der Unterstützung, was hierzulande eben nicht verfügbar ist. Auch die Fashioncouncils anderer Länder beziehungsweise Städte haben im Laufe der Jahre wirksame Verfahren entwickelt (besonders interessant: London).

Mit dieser ersten Schau von 16 ausgewählten (studentischen) Talenten mit 42 Looks wird nun also ein neuer Anfang eingeläutet. In der Regel drei Looks durften die Designer präsentieren, manches erscheint noch studentisch experimentell, manches etwas theaterhaft, einiges fasst modische Trends zusammen oder stellt liebevolles Schneiderhandwerk heraus und manches mutet schon recht geschmackssicher an. Additionen, Dekonstruktionen und große Volumina sieht man häufig, ökologisches Bewusstsein muss als selbstverständlich gelten und ist auch nicht selten gestalterische Innovationskraft.

Wir wünschen dem Format und dem Konzept viel Erfolg!

*

(Foto Netzfund)

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Ästhetische Vorschläge, wie Streetwear im europäischen Sinne neu aufgestellt werden könnte, gibt es ja nicht wenige, in der Überzeugungskraft und vor allem in der Durchschlagskraft führen die erdachten Vorstellungen aber nur bruchstückhaft und sehr langsam zu innovativen Standards. Ein einheitliches Bild führt das Label sample030 von Designer Ruben Jai vor.

Die geschickte Zusammenführung von Streetwear-Ästhetik mit Anti-US-Mainstream und Upcycling findet hier zu einem eigenen Stil, der vormacht, welche Gestaltungsmodi ein wirkungsvolles Bild prägen können. Ganz frei von eher unattraktiven und gewohnten Elementen wie Flecktarn, Kaputtmachen und ungewöhnlichen Längen schlecht sitzender Hosen sind viele Looks zwar nicht, die muss man wohl als „Basics“ verbuchen, aber ihre Aufbereitung und der innovative Reichtum in einem geschmacklich schlüssigen Gesamtkonzept ist wirklich bemerkenswert.

Grundlegende Herausforderung für Streetwear – als Anti-Konzept – ist es ja, Häßlichkeiten attraktiv zu machen, ihnen die spannende Reize abzugewinnen, die meist erst auf den zweiten Blick erkennbar werden. Und die weitere ist es, in der Zusammenstellung der verschiedenen (neuen oder übernommenen) Codes eine ästhetische Einheit zu kreieren. Beides gelingt sample030 sehr überzeugend, umso mehr als auch spezifische Berliner Trends dabei zum Tragen kommen. Denn besonders diese sind es, die den Anti-Mainstream bewußt prägen.

Nicht von ungefähr fand darum die Schau auch in einer rauen Lagerhalle mitten in Neukölln statt, im The Cank Berlin, im wohl roughsten urbanen Umfeld, das Berlin aufweist. Die gezeigte Kollektion war dann auch bruchlos die entsprechende Veredlung dieses Ambientes und machte ihrem Namen Ghetto Express alle Ehre. Dabei verzichtet der Designer weitgehend auf den Rückzug auf „Berliner Schwarz“ oder auf billige Schlagwortprints, im Gegenteil, die Farbigkeit zwischen Unbuntem und verschatteten Farben – zum Beispiel oliv oder verblichenes Jeans-Graublau, Beige und Erdfarben – erzielt oft unerwartete Akzente, ohne laut zu werden. Auch die Schnitte und Architekturen und die Printakzente verzichten weitgehend auf auffällige Übertreibungen oder Stilbeharrlichkeiten und behalten trotzdem den Touch des Ungewöhnlichen. Dasselbe gilt ähnlich für die anderen Gestaltungsaspekte wie die Materialmixe, den Umgang mit Upcycling, das dekorativ Undekorative, die Stilbrüche – alles ist da aber nichts ist aufdringlich oder „gewollt“.

Im Endeffekt gelingt Ruben Jai etwas sehr Ungewöhnliches, nämlich annähernd so etwas wie eine Eleganz der Anti-Ästhetik. Die, traurigerweise, findet allerdings doch noch einen Bruch: Das durchgehend entsetzliche Schuhwerk. Diese geschmackliche Bösartigkeit ist zu radikal, die läßt sich wohl nie und nirgends ästhetisch aufwerten sondern gehört verboten.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Selbstreflexion der Modemacher zum Stand der Dinge in der globalen Branche hat zu einem eigenen Darstellungsmodus ihrer Labels geführt, der nun selbst Mode geworden ist. Mit Buzigahill ist in diesen Kontext jetzt ein weiteres Label hinzu getreten, das, wie auch schon Palmwine Icecream, Probleme des afrikanischen Kontinents besonders akzentuiert herausstellt. Denn dort lädt die westliche Welt ihren gebrauchten Fast-Fashion-Schrott en masse ab und zeigt gerade damit die verwerfliche Marktpolitik ihrer Produzenten am penetrantesten.

Dass dieser Reflex afrikanischer Modemacher nun auf der Fashionweek in Berlin eine besondere Bühne bekommt, verweist auf das relevante Bewußtsein und die große Bedeutung, die dem ökologischen Aspekt der Mode hier zugewiesen wird und unterstreicht das politische Anliegen der jungen Modewelt auf das sinnfälligste.

Buzigahill ist das Label für eine kollektive Produktion in Uganda (und darüber hinaus reichend) mit der Absicht, Textilkolonialismus, Ownership und Rückgewinnung in seinem Herstellungsprozess als gesellschaftspolitisches Statement vorzuführen. Nachweise zu (und an) jedem Kleidungsstück zu seiner Herkunft, Beschaffenheit und  seinem Produktionszeitraum werden wie ein Pass mit einer Identitätsnummer dokumentiert und in einem kleinen Infoheft detailliert aufgelistet. So bringt das Vorgehen den Modeschrott aus Europa, Nordamerika oder Asien klug und innovativ aufbereitet wieder zurück in sein altes, westliches Umfeld (Return to Sender), versehen mit Hinweisen, die der erneuten Nutzung auch ein erneutes, erweitertes Bewußtsein hinzufügt.

Die gesellschafts- und systemkritische Grundlage dieser Modeschöpfung wird bei Buzigahills Schau von Anfang an durch einbettende Inszenierung ins Bewußtsein gerückt, mit beginnender Stille, eingelesenen Passagen aus der UN Menschenrechtserklärung in 17 Sprachen, endend mit dem Satz „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“, mit Infomaterial und nicht zuletzt einem gewählten Publikum.

Die Produktionen der Looks sind sehr vielfältig und komplex angelegt – handgefertigte Patchworks, traditionelle Stickkunst eines Kollektivs aus 46 süd-sudanesischen Frauen im Bidi Bidi-Flüchtlingscamp und viele weitere überraschende Kombinations- und Upcycleverfahren in Material und Aufbereitung geben den Outfits einen Background, der sich als entscheidender Aspekt dieser Mode versteht. Und der auch vorführt, dass nicht ein Lieferkettengesetz, ein wenig Upcycling oder neue Ökomaterialien schon alles ist, was hier neu gedacht werden muss. In dieser Hinsicht ist diese Schau auf der Berliner Fashionweek einer der wichtigsten und überzeugendsten Beiträge.

In anderer Hinsicht, nämlich der ästhetischen Prägung – für sich und auch fürs Ganze –  genommen, bleibt vieles noch offen, denn deutlich gemachte gesellschaftspolitische Positionierung ist noch kein ausreichender ästhetischer Modus. Zudem sieht man den Sachen ja auch nur gelegentlich an, was dahinter steckt. Das Erscheinungsbild der ursprünglichen Teile, meistens ja Streetwear, ihre modischen Codes und die materialgeprägte Sportlichkeit erscheinen oft ungebrochen beziehungsweise repetiert wieder, sei es in den seitlich offenen, geknöpften, dünnen Hosen oder in den aufgeduckten Sprachfetzen (BIG, Try Jesus, Easy Love) und Signets (Addidas-Steifen, Nike-Haken, Labelnamen). Auch mit den üblichen Schichtungen, Dekonstruktionen und Mixturen entsteht letztlich noch kein eigener visueller Style, der eine Unverwechselbarkeit des Labels herausarbeitet und auch eine dazu gehörende formale Neupositionierung anstrebt. Es gibt zwar schon einige Besonderheiten, wie zum Beispiel den Denim Faltenrock und ein paar andere Pfiffigkeiten, aber viel eher findet man wieder, was man schon anderswo gesehen hat und vor allem viele Hässlichkeiten der amerikanischen Streetwear, inklusive baumelnder Shorts, tief hängender Hosenbünde (nun mit Unterhosenabschnitt fertig vernäht), fetter Prints und batikgefleckter Jeansjacken, bleiben Teil (manchmal auch Grundlage) der Gesamtästhetik. Hier sind die zutiefst negativen, proll-ästhetischen Standards der Fast-Fashion-Modewelt nicht analog zu den negativen Prozessen ihres Produktionssystems reflektiert. Dabei sind sie auch Teil dessen. Und diese Erscheinungsbilder wollen wir doch eigentlich ebenfalls nicht mehr. Nun, das ist vielleicht der zweite Schritt, auf den man noch warten muss.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Erneut bringt der Designer Kusi Kubi in Berlin im Rahmen der Modewoche seine Kollektion Frühling-Sommer 2026 auf den Laufsteg, die sich dieses Mal mehrheitlich Damen-Looks zuwendet, geradezu eine Ode an die Frauen. Sie knüpft stilistisch und gestalterisch an den starken Auftritt vom Januar 2025 an und bleibt, sowohl, was die Farbpalette, als auch was die Materialwahl betrifft, der bisherigen Konzeption treu.

Für die Präsentation wurde der Hinterhof eines Clubs gewählt, im sogenannten Ölgarten auf der Lohmühleninsel in Berlin-Kreuzberg. Dies war atmosphärisch eine viel besser geeignete Location als das Berghain letztes Jahr. Die hochsommerlichen Temperaturen brachten das Publikum bei der Schau zum Schwitzen, während die Modelle leicht abgeschattet unter einem lichten Blätterdach recht lebendig die neuen Kreationen vorführten.

Kusi Kubis Mode greift auf den reichen kulturellen Fundus der mehr als 100 verschiedenen Ethnien und zahlreichen indigenen Sprachen des Landes zurück und verarbeitet zeitgenössische Strömungen von Street- und Clubstyle. Es finden sich bei den Entwürfen Anlehnungen an Kente-Stoffe und Adinkra-Symbole, die vor allem bei den Applikationen und den schmucken Accessoires der Damenlooks zu finden sind. Diese Kollektion präsentiert, wie erwähnt, eine fokussiertere Interpretation der Damenmode, mit sinnlichen, verspielten und feierlichen Silhouetten, vielen hautengen, taillierten Schnitten, die die Wärme und Energie der Saison widerspiegeln und deren durchgängig sehr warme und kraftvolle, erdig gehaltene Farbpalette – Braun, Dunkelrot, Orange und Grüntöne – Westafrika assoziiert.

Die Kollektion entstand in Zusammenarbeit mit traditionellem, lokalem Handwerk in Ghana. Dabei war Upcycling dem Designer nach wie vor besonders wichtig – vor allem bei der Verwendung von Leder. Dafür wurde auch auf Restbestände von Baumwollstoffen (sog. Deadstock) zurückgegriffen und dekorativ leichter und transparenter Organza in Kombination mit Mesh verwendet. Letzterer ist insbesondere bei Sport- und Streetwear sehr beliebt. Durch Mesh und vor allem Organza sind viele Looks von luftiger Struktur entstanden, die mit Flächen- und Materialkontrasten spielen. Die Flächenkontraste sind deutlich ausgeprägt bei Herrenwesten und Jacken, während Organza vor allem die kurzen Damenlooks verfeinert. Hier finden sich bei den Damen freche Shorts, knappe Röckchen – teilweise aus Leder mit Fransen – oder ein kurzes, körperbetontes Schlauchkleid in geschecktem Goldgelb und passenden Opernhandschuhen. Als Gegenstück finden sich bei den Herrenlooks lederne Shorts, die lässig daherkommen.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine positive Einstellung zur Körperlichkeit, sie ist dekorativ und repräsentativ, ohne sich dem Formellen anzulehnen und findet einen sehr eigenen, atmosphärischen und menschlich warmen Charakter. Alles das in der konkreten Umsetzung gekonnt, stilsicher, mit elegantem Geschmack – und unaufgeregt von ökologisch hohem Anspruch.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mario Keine erschien mit MARKE schon SS 2024 im Reigen der Berliner Fashionweek und hat seitdem seinen Gestaltungsstil fester umrissen, besonders der maritime Bezug im atmosphärischen Sinne prägt das sommerliche Grundgefühl seiner Kollektionen. Damit sichert sich das Label auch so etwas wie Grundsympathie schon im Vorhinein.

Prägnant sind die klaren und geometrischen Formen, die akzentuierend zu einander kontrastieren, wobei der Rückgriff auf den klassischen Blazer besonders häufig thematisiert ist. Der sitzt weit und großzügig, ist mit Reihen großer, stoffbezogener Knöpfe, die nur manchmal der eigentlichen Funktion folgen, symmetrisch ergänzt und er wird vornehmlich offen getragen. In der Öffnung leuchtet dann bei den schwarzen Modellen strahlendes Weiß hervor  – überhaupt ist das gerdezu blendende Weiß recht prägnant für die Kollektion, auch wenn hie und da helles Grau an seine Stelle tritt.

Die zugehörige Beinbekleidung der Herrenkollektion wechselt von scheinbar nicht vorhanden über klassische Shorts (auch in Pluderhosenform) hin zu weiten, langen Varianten, an der Seite geknöpft und am Knöchel mit Bündchen geschlossen. Hier glaubt man das Dilemma vieler Designer herauszulesen, eine zeitgenössische Version einer männlichen Hose zu finden und dabei den modernen Forderungen (zum Beispiel kurze Shorts, pflegeleicht, locker etc.) gerecht zu werden, wobei meistens der gute Geschmack und eine gewisse männliche Eleganz auf der Strecke bleiben müssen. Mit dem Ausgangsmodell Blazer sind dagegen solche Experimente für Oberbekleidung leichter. Die Herausforderung verkompliziert sich, wenn man moderne Queerness und Genderideologien da auch noch unterbringen will, wie das bei MARKE explizit so sein soll. Damit nicht genug, Bezüge zu Literatur (Maurice von dem Edwardianischen E.M. Forster, Swimming in the Dark, 90er Jahre, von dem Polen Tomasz Jedrowski, and Young Mungo von Working Class Verfechter Douglas Stuart) sollen quasi kämpferisch auch noch in die Gestaltungsinspiration einfließen – ganz schön komplex das alles und damit auch philosophisch überfrachtet. Immerhin, das ist aber das Entscheidende, sieht man das der Kollektion nicht wirklich an, die klare Strenge der formalen Konstruktionen und der Kontraste spricht eine eigene Gestaltungssprache. Hinzu tritt nun die erwähnte Hosengestaltung, hier kommen weiche Baumwollstoffe zum Einsatz, denen reiches, lockeres Faltenspiel erlaubt ist, das der geometrischen Oberteilgestaltung einen sehr deutlichen Kontrast entgegen setzt. Auch der Pluderhosen-Knöchelabschluss setzt einen unerwarteten Effekt. Die Knopfreihen und das Weiß sind die verbindenden Elemente.

„Kunst und Trash konkurrieren nicht, sondern korrelieren.“ ist ein verbales Statement von Mario Keine und die aufgezeigte Widersprüchlichkeit im Erscheinungsbild kann als Analogie dazu verstanden werden. Dinnerjacket plus Jeans haben sich ja längst vom gesellschaftskritischen Statement zum beliebigen Mixturspiel etabliert, mit der Erweiterung um genderrelevante Positionierung und manchmal auch ästhetische Dekonstruktionen setzt sich der Versuch fort, neue Gestaltungsmodi als gesellschaftspolitische Anschauung in der Mode zu finden. Abgeschlossen ist dieser Prozess also noch lange nicht, wie dieser Beitrag von MARKE zeigt. Immerhin, und das ist ein großer Verdienst, ist der ästhetische Grundanspruch an Mode hier noch nicht aufgegeben, wie das bei den unzähligen Streetfashion-Labels längst geschehen ist.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Seit 1997 ist der ukrainische Designer Viktor Anisimov mit seinem gleichnamigen Label tätig und hat sich kontinuierlich auf Herrenmode spezialisiert, was ihn nicht davon abhält, auch immer wieder Damen-Looks in die Kollektion aufzunehmen. In Berlin präsentierte er seine neue Kollektion für den Sommer 2026 in der Galerie Feuerle Collection, einem massiven Telekommunikationsbunker des Zweiten Weltkriegs. Das passt – dazu aber später.
Wenn man sich mit den letzten Kollektionen von Anisimov auseinandersetzt, wird eine klare und konsequente Linie und Thematik seines Schaffens deutlich: Funktionalität und Adaptierbarkeit. Seine Kollektionen tragen mal Titel mit aktuellem Bezug zur Lebensrealität des Designers, oft aber nur die konkrete Zuordnung zu einer allgemeinen Modesaison. Die 36 Looks umfassende Sommerkollektion für 2026 sei demnach von der Arbeit des Designers zu einem minimalistischen Garderobenkonzept für Präsident Volodymyr Zelenskyy abgeleitet.

Da schwingt die Provokation gegenüber Zelenskyy und Herabsetzung „Why don’t you wear a suit“ im Oval Office von Brian Glenn, einem US-amerikanischen, rechtskonservativen Journalisten, mit – Ehemann der ebenfalls rechtskonservativen US-Abgeordneten Marjorie Taylor Greene. Eine Inszenierung, die aber in Bezug auf Mode aus der Ukraine im zeitgenössischen Kontext fehlgeht und schlussendlich nur ein Anknüpfungspunkt ist, sich mit dieser aktuellen Mode aus der Ukraine und dem politischen Kontext auseinanderzusetzen.
Weder ist der ukrainische Präsident Volodymyr Zelenskyy ein Modemuffel, noch ist Viktor Anisimovs Mode reine funktionale Streetwear. Dies alles muss im entsprechenden Kontext gesehen werden und ist ein klares gesellschaftliches und auch politisches Statement.

Die Inszenierung im Bunker deutet den täglichen Beschuss der Heimat an – den russischen Terror gegen die Zivilgesellschaft – und das sich-dem-Entgegenstellen, Hoffnung schöpfen und weiter wehrhaft zu sein, um zu leben. Aber auch funktional angepasst sein an die täglichen Herausforderungen.

Die jeweiligen Looks sind nicht zwingend als feste Einheiten zu interpretieren. Die Einzelstücke können aus den kreierten Looks herausgelöst werden und frei mit anderer Bekleidung kombiniert werden. Es wird geschichtet, gewickelt und dekonstruiert in dieser Kollektion. Die Volumen spielen bei der Gestaltung nicht wirklich eine zentrale Rolle, ebenso wenig die meist vertikal orientierten Silhouetten.

Das meiste der Kleidung fällt locker und bietet Bewegungsfreiheit, und man sieht die Leichtigkeit der Materialien ebenso wie deren haptische Robustheit. Einundzwanzig der präsentierten Looks werden von weiblich gelesenen Modellen präsentiert – viel für ein sich auf Männermode ausgerichtetes Label.
Im urbanen Kontext gesehen könnten aber auch viele der Looks als Unisex bezeichnet werden, und es wäre spannend, wie dann die Wirkung ist oder ob die Looks dann deplatziert sind.
Das durchgehende Schwarz der Kollektion steht ohnehin für sich und eine Distanzierung der tragenden Person von ihrer Umwelt. Das mag mal neutral interpretiert sein, einem Formalismus folgend, ist aber auch nicht zwingend. Vielmehr ist das konventionell in der zeitgenössischen Mode und nicht designerspezifisch zu werten. In der Vergangenheit hat Viktor Anisimov auch schon kräftigere Farben genutzt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Manchmal legt sich ein zarter Schleier wie eine poetische Verbrämung über das Kleidungsstück, manchmal wird Schwarz in seinen Schattierungsmöglichkeiten ausgespielt, akzentuierende Farben gibt es jedenfalls bei dieser Kollektion von Milk of Lime nicht (mehr) – die unbunte Farbigkeit nimmt sich selbst zurück. Bei den Formgestaltungen werden die Auflösungen des Ursprünglichen noch deutlicher: Dekonstruktivismus und Konstruktivismus sind für das Designerduo Julia Ballardt und Nico Verhaegen weiterhin entscheidendes Gestaltungsverfahren, unter anderem weil die Verbindung vom Klassischen (zum Beispiel Blazer) zum individuell Neuen (Blazer zerschnitten und neu zusammengesetzt) für sie so etwas wie unaffektierte Gegenwart repräsentiert. Sie haben neben dem Dekonstruktivismus viele Gestaltungsaspekte der vergangenen Dekaden beibehalten, die offenen Nähte, die herumschwingenden Bänder, das architektonische Schichten, starke Verschiebungen, Integration von Upcycling und vieles mehr und die damit verbundenen Möglichkeiten und Experimente faszinieren sie ganz offensichtlich. Stilistisch ergibt sich daraus oft ein Spiel zwischen Rauheit und Zartheit, strenger Eleganz und lockerer Freiheit und nicht selten auch die Verkehrung des Eigentlichen.

Insofern ist nichts von alledem neu, manches ist wie ein Gang durch die jüngste Modegeschichte und das Designerduo setzt darum auf das Besondere und Innovationen im persönlichen Experiment. Mit den körpernah geschnittenen Jacken bleibt jedoch die Verbindung zur Trägerin beziehungsweise zum Träger erhalten und die Experimente verselbständigen sich nicht. Das trägt ganz wesentlich zu dem eigenen Charme der Kollektion bei.

Charmant war auch die Inszenierung: die Gäste wurden auf ihren Stühlen durch die Verteilung eines Frühstückstischs auf dem Land begrüßt: Shownotizen, die als Zeitung, als mehrere kleine Markenkarten oder als ein Beutel Zucker getarnt waren. Dazu sanft schwingende Musik (Chime). Den pastoralen Touch, die Erforschung der ländlichen Ästhetik und natürlicher Materie, besonders aber Lyrik (siehe letztes Outfit) und Poesie, das Zarte und das Feine, vielleicht auch etwas Melancholie empfindet man in der Schau als die Essenz des eingangs erwähnten zarten Schleiers. „Wir brauchen Poesie in der Mode, weil die in letzter Zeit vergessen wurde.“ sagt Nico Verhaegen.

Die beiden Designer lernten sich bei ihrer Ausbildung in Belgien kennen. Wie wir schon an anderer Stelle einmal ausführten, ist die nicht trendorientiert oder popularitätsheischend, sondern darauf ausgerichtet, im Zeitgeist zu eigenem Verfahren und einer prägnanten Gestaltungsphilosophie zu finden, die dann den individuellen Style hervorbringen. Genau so machen es Milk of Lime, und weil das neben dem guten Handwerk (und ökologischem Bewußtsein) ein solides Konzept ist, kann man davon ausgehen, dass dieses Label nicht schon morgen wieder verschwunden sein wird.

Und zugegeben auch: ein wenig romantischer Esprit tut unserer Zeit sehr gut und es ist beruhigend, eine solche Position in überzeugender Weise auf der aktuellen Fashionweek zu finden.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Abarna Kugathasan etabliert sich kontinuierlich mit ihrem Label Kitschy Couture und hat erneut auf der Berliner Modewoche ihre neue Kollektion präsentiert. Der Begriff „Heimweh“ als Titel dafür kann aus verschiedenen Perspektiven betrachtet werden: der Schmerz, den man empfindet, wenn man fern der Heimat ist und die Sehnsucht nach dem Gewohnten, Tradierten sich zeigt – oder wenn in der neuen Heimat schmerzhafte Erfahrungen wie Ausgrenzung und Diskriminierung wirken.

Die junge Designerin erklärt, dieses Spannungsfeld sei eines der Motive ihres künstlerischen Wirkens, das sie in der Kollektion zum Ausdruck bringen möchte. Erstmalig habe man auf der Basis von Vintage-Saris aus den 1990er- und 2000er-Jahren die Kreationen aufgebaut, und daraus entsteht eine traditionelle Lesart von Mode und Bekleidung, die nun aus einer Sichtweise der Jugendkultur heraus interpretiert werden kann. Getragen ist dieser Ansatz von einer Dekonstruktion der traditionellen Ausgangsmaterialien und dem Hintergrund eines Bedürfnisses nach Sichtbarkeit, Integration und Zugehörigkeit.

Das wird in der Schau gleich mit dem ersten Herrenlook deutlich: ein Tanktop, appliziert mit „Schmuck“ als Harnisch und ganz groß den Behördenstempel auf die Brust gesetzt – in Rot: „Immigrant“. Das sitzt als Statement. Applikationen, Spitze und luftige Stoffe prägen die Looks, sie fallen leicht und bewegungsfreundlich. Farblich findet sich viel Rot, Weiß und gelegentlich Schwarz, dazu eingestreut in die Kollektion pastellfarbenes Smaragd. Sneakers, vorwiegend als Stiefel konzipiert und hochgeschnürt, runden die meisten Looks ab. Der letzte Herrenlook besteht lediglich aus einem weißen Slip und einem Harnisch aus silbernen Ketten sowie Pendeloques und Strasssteinen – in der Hand trägt das Modell dann passend den kleinen Kronleuchter in Gold.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Ihre neue Kollektion präsentierte Clara Colette Miramon im Rahmen der Berliner Modewoche unter freiem Himmel in der Rosa-Luxemburg-Straße vor der Volksbühne. Ein heißer, urbaner Tag, die Sonne brennt, und die Wetterprognose sagt, dass das Thermometer noch steigen wird. Mit PLATTE.Berlin ist diese Schau zustande gekommen. Der Verein fördert junges, eher subkulturelles Modedesign und realisiert mit frei angebundenen Modeschöper/innen seit Jahren eigenwillige, manchmal auch provozierende Konzepte für Präsentationen. Bei Clara Colette Miramon steht diese Saison das Thema „Care-Arbeit“ thematisch an. Eine – feministisch interpretierte – Auseinandersetzung mit der Arbeit von vorwiegend Frauen, die nicht angemessen wertgeschätzt wird, obwohl sie immer wieder problematisiert und diskutiert wird.

„Tatü Tata“, der Krankenwagen steht am Anfang des Laufstegs, drei Pflegebetten reihen sich vor dem Publikum auf, Modelle steigen aus dem Rettungswagen. Pflegesituationen werden inszeniert. Es wird umgebettet, untersucht, nach dem Befinden der „Patientinnen“ geschaut. Zwischen den Pflegebetten: „Pilates Reformer“. Die jungen Frauen machen sich stark mit Fitnessübungen und zeigen in kraftvoller Pose: Man arbeite an sich, ganz dem zeitgenössischen, selbstoptimierenden Leitbild entsprechend – neudeutsch „Gymgirl“ – um Idealvorstellungen zu entsprechen. Frauen schaffen das: jung, schön, schlank, stark und sie schmeißen Haushalt, Kinderbetreuung und Pflege. Oder nicht? Ermüdung, Verletzlichkeit und überzogene Erwartungen stehen stets im Raum – mehr arbeiten, um den Wohlstand in Deutschland zu erhalten, wird politisiert – ohne eine Antwort darauf zu geben, wessen Wohlstand gemeint ist und was darunter zu verstehen sei.

Die so zu interpretierende Präsentation ist zugleich ein soziales und auch feministisches Statement. Modisch und gestalterisch wird dies aufgegriffen und umgesetzt – zum Beispiel durch in A-Silhouetten gehaltene weiße Kleidchen, kurz, prägnant, an die 1960er- und 1970er-Jahre erinnernd und angelehnt an die Pflegeuniformen von Krankenschwestern jener Zeit. Dazu werden Korsagen in die Looks eingebunden, sie unterstreichen nochmals eine selbstbewusste Auseinandersetzung mit der Körperlichkeit und der geschlechtlichen Identifikation.

Sehr viele der Looks sind mit Drapierungen, Asymmetrien und Flächenkontrasten gestaltet und meist körperbetont gehalten. Es wird viel Bein gezeigt, und Schnürungen in Anlehnung an Korsagen sind prägend für die Damenoberbekleidung. Vereinzelt wird eine flächige, helle Korsage mit einer Gürtelkonstruktion und Schnalle in Form gebracht und zusammengehalten. Auch ein weißes, durchgängig geschnürtes Schlauchkleid fällt positiv auf – Body Positivity als Leitgedanke. Und Sexyness als kritisch-feministischer, widerspruchsfreier Betrachtungsmodus. Die selbstbewußte Kollektion macht insofern Laune.

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Bilder: Andreas Hofrichter, Courtesy Helmut Newton Foundation

Text: Gerhard Paproth

Wie schon unsere letzten Ausstellungsberichte deutlich machten, ist es ein auffallender Trend, Mode in anderen Ausstellungskontexten zu präsentieren und der Berliner Salon betreibt das seit geraumer Zeit sehr entschieden so und durchaus erfolgreich.

Im Falle dieser Saison werden die Modeexponate in Ausstellungen des Fotografiemuseums eingefügt, mit dem besonderen Vorteil, dass diese Ausstellungen selbst auf Mode bezogen sind. Um zwei Sonderausstellungen geht es dabei, die Ausstellung „Polaroids“ zeigt konzeptuelle Skizzen von Helmut Newton. Die Ausstellung „Rico Puhlmann. Fashion Photography 50s–90s“ gibt einen Überblick über das Schaffen des Modefotografen und Illustrators.

Der Berliner Salon versammelt, unter der Kuratorenschaft von Christiane Arp und Marcus Kurz, jede Saison herausragende Modeschöpfer aus dem deutschsprachigen Raum, darunter viele interessante Newcomer. Das ist für jede Berliner Fashionweek eine wichtige Sammlungsschau mit Focus auf die vielfältigen und innovativen Gestaltungsansätze der Gegenwart. Diese Anschauung wird mit dem Museumskonzept jetzt aber mindestens relativiert, denn abgesehen von der Auswahl der betreffenden Designer verschiebt sich, mit der Einbindung in einen anderen, eigenständigen Ausstellungsgedanken, die Wahrnehmung vom konzentriert innovativen, reinen Modeaspekt auf die ästhetischen Kriterien, die vom vorgegebenen Ausstellungskontext (der auf Fotografie und auf Mode Ende des letzten Jahrhunders bezogen ist) ausgehen. Die offiziellen Begriffe Zusammenschau oder Dialog verschleiern dies leider. Das Museum schreibt dazu: „Design und Fotografie kreisen gleichermaßen um Aspekte wie Repräsentation, Selbstdarstellung, Körperbilder und gesellschaftliche Repräsentation. Damit verdeutlicht die Gruppenausstellung des Berliner Salons im Museum für Fotografie die engen Verbindungen zwischen den künstlerischen Medien Fotografie und Mode.“ Die Konzentration auf Modegestaltung im Jetzt und Heute wird verwässert.

Jenseits dieser Gedanken ist die Schau des Berliner Salons aber wie immer großartig und kenntnisreich zusammen gestellt und hat auch wieder einen atmosphärisch würdigen Ort gefunden. Die große Mischung der gestalterischen Leitgedanken ist faszinierend, von exzentrischen Statements über grob-schlichte Prägungen, folklorenahem Strick und manchmal auch gutem, eleganten Geschmack ist alles vertreten. Die vorgesehenen Korrespondenzen zu den Bildern an der Wand sind eher assoziativ und gefällig gemeint. Eventuelle Entscheidungen, was vielleicht früher besser war, drängen sich zwar manchmal auf, auch Überlegungen, wohin es nun geschmacklich wirklich geht, aber das bleibt dem Betrachter überlassen. Mit dem Aufzeigen des großen Spektrums haben die Kuratoren vermutlich faire und angemessene Vorarbeit geleistet.

Die Ausstellung wird unterstützt von Museum&Location.

Eine Sonderausstellung des Berliner Salons in Zusammenarbeit mit der Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin und der Helmut Newton Foundation.

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