Text & Bilder: Boris Marberg

Mit dem kleinen Veranstaltungsformat Satisfashion nahm das Polnische Institut in Berlin bereits zum dritten Mal an der Modewoche teil und bot vier polnischen Designern die Möglichkeit, Teile ihrer Kollektionen einem interessierten Publikum zu präsentieren.

Für die Zukunft plane man weitere Modeveranstaltungen und erhofft sich, die Marken in Deutschland einem breiteren Publikum bekannt zu machen und Impulse für eine kommerzielle Etablierung am Markt zu setzen zu können. Die Veranstaltung war vom Charme der Präsentation und dem lockeren, fast familiären Zugang geprägt. Hier, im räumlich begrenzten Polinischen Institut, passte es auch sehr gut, dass man sich gegen eine klassische Modenschau mit Bestuhlung entscheiden hat und stattdessen eine kleine Performance bevorzugte. Das hat sichtlich Spaß gemacht, den Modellen, aber auch dem Publikum und setzte sich erfrischend gegenüber anderen Veranstaltungen vom Standard ab. Im schlichten Empfangsfoyer des Gebäudes an der Museumsinsel in Berlin wurde eine Sitzgruppe mit Sofa und Plüschsesseln platziert. Abgerundet wurde diese Installation durch aufgehängte Gemälde und einem kleinen Tischchen mit einem Schachspiel.

Eröffnet wurde die Präsentation mit Werken von Natalia Śliżowska.

Die Designerin hat sich in zwei Kollektionen mit der Wissenschaftlerin und zweifachen Nobelpreisträgerin Maria Skłodowska-Curie und der stilistischen Ausgestaltung der Epoche der ausgehenden 19. Jahrhunderts auseinandergesetzt. Hierbei greift sie die Endphase der viktorianischen Epoche auf. Insbesondere in den 1890er Jahren, gab es einige interessante Entwicklungen in der Damenmode, die auch mit dem Streben nach Frauenrechten zusammenhingen. Frauen forderten mehr Komfort und praktische Kleidung, die ihre Bewegungsfreiheit nicht einschränkte. Maria Skłodowska-Curie passt hier idealtypisch als Frau dieser Epoche, die sich wider den gesellschaftlichen Konventionen im wissenschaftlichen Bereich etablierte und bis heute als herausragende Forscherin geachtet ist. Die damaligen Looks sind im Vergleich zu unserer zeitgenössischen Mode natürlich noch weit von dem Komfort entfernt, den wir heute schätzen. Aus dieser Sicht ist die Inspiration zunächst etwas überraschend.

Die Kleider des ausgehenden 19. Jahrhunderts zeichnen sich durch das Aufkommen der Tournüre aus, der hintere Teil des Rockes ist dabei durch Raffungen und große Stoffmengen betont. Die Taille ist relativ unauffällig, während die Röcke bis zu den Knien körpernah ausgestaltet sind und erst darunter breiter werden. Die großen Ballonärmel sind modisch und variierten in ihrer Form. Diese von Natalia Śliżowska präsentierten Werke sind spielerisch, etwas theatralisch und verkörpern zugleich einen Hauch von Biedermeier. Die Kleider sind ein wenig Kostümbildnerei, figurbetont, aber „anstandswahrend“, reduziert in der Formgebung und trumpfen besonders mit opulenten Schulterpartien bei Blusen und Jacken auf. Hierzu gesellen sich groß angelegte Krägen und dominante Flächenkompositionen. Bei den Materialien wurde durchgängig auf wiederverwendete Kunstfasertextilien zurückgegriffen. Dabei wirken die Looks griffig und schwer, Volumen schaffend und eine prägnante Distanz haltend.

Die Präsentation dieser fünf thematisch orientierten Kreationen wurde durch fünf weitere, thematisch und stilistisch komplett anders ausgerichtete Stücke aus anderen, früheren Projekten der Designerin ergänzt. Die sind von kostümbildnerischen Leitideen mit freier, fantasiereicher Ausstattung beherrscht und dokumentieren die Gestaltungslust modischer beziehungsweise deutlich theatralischer Traumwelten – wie aus Opern und Operetten. Und abgeleitet aus dem Theaterkosmos erklärt sich nun auch die Inspiration der spätbürgerlichen Vorstellungswelt im ersten Teil.

Natalia Śliżowska:

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Alicja Gorczyńska ist eine polnische Modedesignerin, die 2020 die Marke ALOSZA gründete. Gorczyńska begann ihre Karriere als Stylistin und entwickelte später ihre eigenen Projekte. Ihre Mode zeichnet sich durch Weiblichkeit, Eleganz und Liebe zum Detail aus. Sie verwendet hochwertige Stoffe und kreiert maßgeschneiderte Designs aus ihrer Kollektion Vacanze. Sommerliche Kleider aus leichten Stoffen, die lockere Volumen generieren. Viele Looks sind in Oversize gehalten und greifen stilistisch auf die fast nostalgischen Blazer der 1980er zurück. Die meisten Looks haben üppige Drucke mit gemäldeartigen Impressionen mediterraner Landschaften oder floralen Motiven. Das vermittelt stark Urlaubsgefühle, lässig-sexy präsentiert oder sogar mit einem Touch Folklore. Als Kontrast dazu sieht man enganliegende, Schlauchkleider in Strickware, luftig gehalten und teilweise mit Kapuze. Und ein klassisches Outfit in sommerlich gelockertem Styling mit Blazer und weit geschnittener Hose. Alles in allem eher bürgerlich tragbarer Style, dem die Strenge genommen und eine erfrischende Note Urlaub hinzugefügt wurde.

ALOSZA Alicja Gorczyńska:

Im vergleichbaren Sinne gestaltet auch Odzieżowe Pole ihre vorgestellte Kollektion EkoEgo (beziehungsweise Teile daraus), gerade was zum Beispiel die gelockerten Blazer in Kombination mit  weiter Hose betrifft. Odzieżowe Pole ist eine polnische Modemarke, die sich auf elegante und umweltfreundliche Kleidung spezialisiert hat. Die Marke ist bekannt für ihre hochwertigen Materialien und zeitlose Designs, die sowohl klassisch als auch modern auftreten.
Das Label Odzieżowe Pole beschreibt seine Mode als “brave Kleider für Anarchistinnen”, was die Kombination aus klassischer Eleganz und einem Hauch von Rebellion widerspiegeln soll. Es ist eher eine unkomplizierte Tragbarkeit konventioneller Tradition als moderne Fortschreibung, risikofrei und trotzdem lässig. Lockere Volumen bei den Leinehosen und den Tops stehen im Vordergrund, angereichert mit vorsichtigen Eigenheiten im Schnitt oder ein paar losen Bändern. Die Farbpalette bleibt dezent und zurückhaltend.

Odzieżowe Pole:

Besonders Barbara Cały versteht sich als nachhaltige Künstlerin und kreiert Ihre Kleidung aus wiederverwerteten Gebrauchsgegenständen, die mit traditionellem Handwerk eingearbeitet werden. Da finden sich Metallverschlüsse von Getränkedosen, Holzstücke, oder Plastikteile aus der Medizintechnik. Es wird zwar viel gehäkelt und drapiert, allerdings zeigt sich in den Anwendungen eine große handwerkliche Vielfalt und Einfallsreichtum. Dabei entstehen einzigartig strukturierte, offene Oberflächen mit Brüchen und Einblicken. Die Kleider haben einen gewissen Schick, sind betont feminin und interpretieren auf kecke Art und Weise Klassiker wie das „kleine Schwarze“ oder tradierte Cocktailkleider, unbunt aber nicht zwingend in Schwarz gehalten. Alles das und die geeigneten Schnitte dazu geben den Kleidern auch eine gute Portion Sexyness auf den Weg. Zudem sind die Applikationen und die Ornamentik an den Kleidern ansprechende Blickfänge.

Barbara Cały:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Kooperation mit dem bekannten Label ED HARDY hat Namilia einen guten und wohl wichtigen Inspirationsschub gegeben, jedenfalls war die Schau der neuen Kollektion für Sommer 2025 wieder ein einfallsreiches Panoptikum mit vielen Überraschungen. Ein thematischer Leitgedanke trug außerdem die nach wie vor provokanten Konfrontationen inhaltlicher Prägung.

Doch eins nach dem anderen, denn beides hat eigentlich nicht viel miteinander zu tun. In den Nuller bis 2010er Jahren war Ed Hardy ein berühmtes Mode Label, das sein Image vorwiegend mit Tattoomotiven im weitesten Sinne aus den 50er Jahren bezog: Donald Edward Talbott “Don Ed” Hardy war in den 70ern der wohl berühmteste Tattookünstler der USA, 2002 gründete er das Modelabel und indem es diese ganz spezifische Bild-Ästhetik zu Pop erklärte, entwickelte die Marke daraus einen eigenen Kosmos der Mode. Die kitschigen Motive bedienen positive Klischees von Liebe, Treue, Hingabe, Sex, Herzeleid und Verliebtsein, aber auch Drachen, Tod und Gewalt, nicht selten einträchtig kombiniert. Die gleichzeitige Verspieltheit und Romantisierung treffen ziemlich punktgenau die Definition von Camp und die Schlichtheit der direkten Symbolik schreibt beste Pop-Geschichte fort. Aber wie so vieles in der Mode kam dieses Label auch langsam out of time und spielte seit den letzten 15 Jahren nur noch eine unerhebliche Rolle in den folgenden Generationswechseln.

Wie auch immer es gekommen sein mag, entdeckte das Designerduo Nan Li und Emilia Pfohl von Namilia die eigene Ästhetik des Ed-Hardy-Kosmos‘ neu und für sich, nicht zuletzt wohl auch wegen seiner erotischen Emotionalität und Direktheit. Zu einem guten Zeitpunkt, denn die Kollektion der letzten Saison war schon sehr von bereits bekannten Motiven und Ideen vorangegangener Kollektionen geprägt und ein innovativer Kick des einfallsreichen Designerpaares mehr oder weniger ausgeblieben. Sie machten aus der Kooperation nun eine wirklich einfallsreiche und gestalterisch experimentelle Symbiose, die alle Register zieht, wie man Motivwelten pfiffig und attraktiv in neue Formen und Erscheinungsbilder fassen kann. Auch die geschichtlichen Verknüpfungen der Ed-Hardy-Welt (Blue Jeans, Caps, Originaltattoos, Logo) werden neu definiert. Die ureigene Idee Namilias von der sexuell geprägten Basis wird dabei natürlich nicht verlassen, sie geht eher über von der Provokation in ein Selbstverständnis und macht damit einen großen Entwicklungsschritt. Zugleich kommt die Gestaltung zurück auf Vorstellungen von ästhetischem Raffinement und auf optische Komplexität, auf originelle Herangehensweisen und Durchspielen verschiedenster Erscheinungsbilder. Mit den Ed-Hardy-Motiven setzt das Label jeweils Ausgangspunkte für so viele Gestaltungsexperimente. Das ist wohl der entscheidende Punkt für diese erneut innovative Kollektion.

Ein anderer ist das Thema „Good Girl Gone Bad“. Das Label erklärt sein Interesse – und seine Faszination –  an dem Phänomen des Startums, der besonders in diesem Jahrhundert die westliche Kultur entscheidend prägt, sofern sein Lifestyle- und Pop-Charakter im Zentrum gesehen wird. Die minutiöse Beobachtung des Lebens der Stars als Miterlebenskultur hat sich gesteigert und, genauso spannend wie der begleitende Glanz, auch das Phänomen des Absturzes, der mit gleichem Gelüste verfolgt wird. Auch das große Scheitern wird als kulturelle Sensation empfunden, begleitet und gefördert von Paparazzis, sensationsgeilen Medien und sozialen Netzwerken. Doch das Prinzip hat sich demokratisiert:  Waren früher die Optionen auf Startum vorgegeben, kann jeder sie heute umkehren und sich selbst zum Star aufschwingen. Die Besessenheit, mit der die popkulturelle Gesellschaft diese Phänomene auslebt, die Spektakel, die aus Stars Opfer machen und aus Blitzerfolg Blitzscheitern, ist Anlass für Namilia, daraus ein modisches Thema zu machen, reflexiv und partizipativ und alternativ zugleich. Aber dies stellt Namilia eben auch klar: Die Bewunderung kann man nicht in seinem eigenen Leben ins Praktische umsetzen, man scheitert an den großen Stereotypen mit folgender Enttäuschung. Als Konsequenz kann man nur in der eigenen Individualität die Selbstbestimmung definieren. Darin liegt die zentrale Botschaft des Labels und damit sieht es sich schon in der darauf folgenden Generation.

Mit ihrer intellektuellen Positionierung sind Namilia gegenwärtig sehr prägnante Avantgarde und es gibt kaum Labels, die so entschieden und konsequent die zeitgeistige Haltung der Jugend aufgreifen und als Mode auf den weiter denkenden, radikalen Punkt bringen. Zugleich schrecken sie nicht davor zurück, das provokant zu formulieren, im Gegenteil, sie haben gerade daran Spass. Sie machen damit auch deutlich, dass es eben nicht so ist, dass alle Möglichkeiten des Tabubruchs, Schocks und Provokation abgenutzt sind, sondern dann, wenn sie sich reflektiert aus der beobachteten Gegenwartssituation speisen, sehr wohl innovativ sein können und wirksam funktionieren. Beeindruckend dabei ist, dass Namilia die Lust am Spielerischen nicht zurückstellt, den Spass an Pop, simplen Parolen und klischierten Zeichen pflegt, ohne den klugen Anspruch zu unterlaufen. Das, so kann man es sehen, ist Kunst. Und dieses Niveau des Modeschaffens setzt die Berliner Fashionweek von den gepflegten Standards anderer Standorte ab und nimmt Einfluss, auch wenn sie sonst leicht kleingeredet wird. Namilia ist ein gutes Beispiel dafür, was man unter dem Begriff zeitgemäßer Avantgarde verstehen kann und die Kulturgeschichte lehrt immer wieder, dass Avantgarde stets im Unbeachteten stattfand beziehungsweise stattfindet und nicht auf großer international gefeierter Bühne. Aber relevanten Einfluss nimmt.

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Bilder: Boris Marberg for BFW

Text: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der junge Designer Marlon Ferry präsentierte erstmals in einer eigenen Modenschau seine Kreationen und feiert mit der Veranstaltung auch den Start des eigenen Ateliers in Berlin. Spannenderweise repräsentiert seine Arbeit die Schnittstelle zwischen herkömmlichen und modernen Verfahren.

Im Weiß gehaltenen, nüchternen Veranstaltungsraum Nest3 in der Leibnizstrasse wurde das Publikum mit Technosound empfangen, alles tauchte in Kunstnebel ein. Ferry zeigte dem Publikum elf Looks, welche auf 3D-Druck Technologie basieren und mit Hilfe von künstlicher Intelligenz erschaffen sind. Das Avantgardistische der Kreation besteht hier also nicht allein in einer Art fantasybasierter Gestaltung, sondern auch in der Anwendung von Technologien wie 3D-Druck, virtuelle Mode und KI. Durch die Kombination dieser Spitzentechnologien mit traditioneller Handwerkskunst und klassischen Couture-Techniken sucht Ferry eine fortschrittliche Designsprache, die Mode und skulpturale Kunst vereinen soll.

Die Herkunft der Anschauungswelten setzt sich aus vielem zusammen, wie erwähnt aus Fantasy-Spielen und -Filmen aber auch seiner Mitarbeitszeit bei Iris van Herpen, und das wurde schon in seiner Masterarbeit sichtbar, die in diese Kollektion wohl mit eingeflossen ist. Gestalterisch setzt der Designer damit auf ein sehr breites und etabliertes Spektrum an futuristischer Erfindung von Kleidung, was bisher in der Modewelt nur wenig Resonanz findet, trotz aller innovativer Fantasie und kreativer Faszination des virtuell möglichen. Eigentlich ist der Schritt zur Übertragung utopischer Kleidungsideen aus diesen Scheinwelten in die Realität nicht wirklich groß. Ferry versucht ihn behutsam zu gehen, mit gleichzeitiger Anbindung und Anspruch an traditionell hohe Schneiderkunst. Durch die subtile Integration von KI in das Fundament der Kollektion soll dennoch, laut Auskunft des Labels, die Frage provoziert werden, ob diese Technologie ein Segen oder ein dämonischer Fluch für die Menschheit ist. Der düstere Soundtrack spiegelt dies spürbar, der Dunst soll es wohl auch, erweist sich aber eher kontraproduktiv, weil man nicht mehr viel sieht und die vielen optischen Reize und handwerklichen Qualitäten damit ihre Brillianz einbüßen.

In den Fantasy-Spielen ist Kleidung auch typgerecht an Gut und Böse oder an Bedrohlich und Freundlich-Sexy angepasst und mit unendlich vielen applizierten Accessoires aufgemotzt. Das sind verführerische Vorlagen. Ferry nimmt allerdings das Stereotype weitgehend heraus und übertreibt es nicht mit den Ergänzungen, behält aber die ästhetische Orientierung bei. Geschickt schlagen seine Outfits Brücken zwischen dem Ersponnenen und traditioneller Bekleidung.

Moderner Entwurfstechnik und neuer Herstellungsverfahren bedarf es dieser Ästhetik eigentlich nicht, aber Ferrys Atelier bedient sich ihrer auch, das komplettiert gewissermaßen die futuristische Orientierung. (Über konzeptionelle Ansätze, Mode umfänglich mit Hilfe von künstlicher Intelligenz zu generieren – bis hin zur automatisierten Verarbeitung – haben wir schon berichtet.) Strenggenommen entwickelt er damit aber eher  die Accessoires, beziehungsweise die Ergänzung zur Kleidung im Sinne tragbarer, skulpturale Kunstwerke. Seien es helmartige Hauben, oder Exoskelette, die direkt aus künstlichen, brachialen Welten der Computerspiele stammen könnten. Alltagstauglichkeit kann man nicht attestieren, dies Modekonzept ist soweit eine Nische, welche sich schon weit von Konventionen entfernt.

Den klassischen Ansatz und die tradierte Ausbildung in Sachen Mode beziehungsweise Couture negiert die Kollektion allerdings keineswegs. Wenn man die Struktur-Accessoires von der eigentlichen Kleidung trennt, kommen andere Motive hervor, die wesentlich zugänglicher erscheinen. Hier finden sich Adaptionen von klassischen, bodenlangen Maxi-Kleidern, die figurbetont sind und sogar Anlehnung an Kleider des frühen Mittelalters verarbeiten. Dies trifft auch auf einen langen und voluminösen schwarzen Herrenmantel zu oder die ansprechende Kombination aus Lackbomberjacke mit Kapuzenshirt und einer Hose aus Kunstfell.

Marlon Ferry positioniert sich also in den Übergang von Klassischem und Futuristischem, soweit beides uns nahe ist. Dies geschieht nicht unkritisch: Hinter der Modeschöpfung beschäftigten ihn die soziologischen und konzeptionellen Aspekte der Mensch-Maschine-Beziehung, die gegenwärtig neu im Raum steht. Infolgedessen stellt er traditionelle Couture-Techniken, zum Beispiel das aufwändige Plissieren von hochwertigen Stoffen, wieder mehr in den Mittelpunkt als früher. Auch die 3D-Skulpturen wurden nicht mehr wie zuvor nur lackiert, sondern mit anderen Materialien kombiniert, um dem Handwerk wieder mehr Bedeutung zu schenken und die Arbeit der Maschine zu übertreffen. Diese vorgeführte Kollektion kombiniert beide Vorgehensweisen im handwerklichen Prozess. Andererseits bleibt für Ferry die Überlegung, was menschliche Kreativität ausmacht, wenn kreiierende Technologie mit KI solche Fähigkeiten imitiert und eigenständig konzipiert. Künstlerischer Wert entsteht erst in der vom Menschen gestaltenden Weiterverarbeitung, dessen ist er sich bewußt. Insofern ist die Kollektion durchaus auch eine Schnittstelle im kritischen Umgang.

Die Ansätze sind spannend, phantasievoll und verdeutlichen eine vertiefte konzeptionelle Auseinandersetzung mit Themen der skulpturalen Gestaltung, den ambivalenten Strömungen (Sozialkonstruktivismus) und den gängigen, eskapistischen Fantasywelten in der postmodernen, virtuell geprägten Gesellschaft.

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Text & Bilder: Boris Marberg for BFW

Das Label von Alan Balletshofer präsentierte im Rahmen der Modewoche in Berlin die neue Kollektion. Die Marke gehörte diese Saison zu den Gewinnern der sogenannten „Berlin Contemporary“. Der württembergische Designer benennt seine Kollektionen jeweils minimalistisch nach Jahrgang und laufender Nummer. Wir sind mit seiner zweiten Präsentation in Berlin damit bei 2024 – 006 angekommen.

Mit den bisherigen Kollektionen konnte Balletshofer einen klassischen, nüchtern minimalistischen Stil etablieren, der sich überwiegend an Herren richtet, die eine Kombination aus funktionalistischem Understatement im Geschäftsleben und einer alltagstauglichen Note suchen, um dezent aufzutreten. Dabei spielt der Gedanke eine zentrale Rolle, eine hohe handwerkliche Qualität abzuliefern, die nachhaltig und zeitlos ist. Seinen hohen Stellenwert von Handarbeit verwirklicht das Label stilistisch sehr reduziert, gradlinig und fast monochrom. Die Konstruktionen lehnen sich an Klassiker der Herrenmode an und versuchen, mit einem Touch sportlicher Streetwear die Perspektive neu zu verschieben – opulente Experimente sollte man dabei nicht erwarten.

Zu den eher kastigen, sehr unpersönlichen Schnittarchitekturen fügt der Designer Krägen, die die hermetische Wirkung und Strenge zum Kopf hin etwas aufbrechen und damit eine Verbindung zum Menschen schaffen. Letztlich aber entfalten die eher männlichen Silhouetten eine statisch-kraftvolle, aufgetragene Wirkung, die erst durch die Bewegung ihres Trägers eine leichte Lebendigkeit bekommt. Darin ist wohl der Anspruch zu einer sportlichen Note zu erkennen.

Auf den ersten Blick erinnert auch diese Kollektion an eine Mischung aus Elementen der Antwerp-Six (Konzeptionalismus), der Periode von Hedi Slimane bei Dior Homme und Hugo Boss. Ob dies die Vorbilder von Alan Balletshofer sind, wird sich im Laufe der Zeit noch zeigen.

Repräsentativ wurde in den Neorenaissance Martin-Gropius-Bau in Kreuzberg eingeladen. Neben dem Kunstausstellungsbetrieb betreiben seit 2001 die Berliner Festspiele das Gebäude auch als Veranstaltungsraum für verschiedenste Formate mit angelehntem Kunst- und Kulturbezug. Die großzügig gehaltene Galerie der oberen Etage um den zentralen Lichthof bildete für diese Modenschau den Laufsteg und bot parallel dazu die bestuhlten Ränge für das Publikum. Da weitestgehend auf eine künstliche Beleuchtung im Gebäude verzichtet wurde, liefen die Modelle in der erhabenen Galerie mit den nahezu durchgängig schwarzen und grauen Looks sehr unaufgeregt und infolge der zurückgenommenen Gestaltung fast unscheinbar mit dem Ambiente verschmelzend: wer diese Looks trägt, drängt sich nicht in den Vordergrund, hat aber die Gewissheit, etwas Besonders zu tragen, mit eigenwilligem Stil und einer Eleganz der Reduktion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Kinky Runway and Aftershowparty. Just the pics.

Teilnehmende Designerinnen mit ihren Club-Wear-Kollections:

Kristin Katzer

Atelier Amoreze

Bodychains Berlin (Ariana Truisi)

I’m a Fan!

IVY Berlin

Josefina Studio

Monstera Jewelry (Klara Monstera)

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Probe:

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Im Rahmen der Berliner Modewoche präsentierte die Belgrader Designerin Maria Chany eine wilde und futuristische Kollektion im Manifesto am Potsdamer Platz.

Unbefangen die Schau betrachtend und sich mit den bisherigen Kollektionen auseinandersetzend springt einem gleich eine stilistische Anlehnung an die 1930er Comicstrips von Alex Raymond „Flash Gordon“ mit seinen Protagonisten und deren Kostümen ins Auge, welche über die Jahrzehnte einen typischen Stil bis weit in die 1980er Jahre herausgebildet haben und in diversen Fernsehserien und Filmen fast bizarr-humoristisch den Kampf zwischen Gut und Böse um die individuelle Freiheit thematisierten. Die Designerin greift durchgängig bei ihren Kollektionen auf eine fantastische, futuristisch utopische Auseinandersetzung mit dem Weltraum zurück, um sich in ihrem kreativen Raum auszudrücken. Dabei unterstreicht sie, dass sie sich von irdischen Zwängen und Konventionen löst und mit ihren Kreationen den Kunden ein Ausdrucksmittel in die Hand geben will, sich selbst unbefangen, spielerisch und individuell zu zeigen. Jede ihrer bisherigen Kollektion bettet dabei ein Thema ein, welches sich mit einer aktuellen globalen Herausforderung auseinandersetzt. Sei es in einer vorangegangenen Kollektion mit dem Kampf um die Existenz in einer apokalyptischen Welt, geformt durch den Klimawandel, oder mit dieser Kollektion mit dem titelgebenden Thema „Terraforming“, der menschgemachten Umgestaltung der Welt an sich. Menschen, die ihre Kleidung tragen, versteht Maria Chany als Astronauten, moderne Ritter im Kampf um die gute Sache mit einem spezifischen Ehrenkodex – den Weltraum besiedelnd, aus dem Paradies vertrieben, sich ein neues, synthetisches Paradies aufbauen wollend. Sie wirft die Frage auf: „Warum investieren wir in die Schaffung synthetischer Paradiese an anderen Orten, anstatt uns darum zu bemühen, unsere Erde zu einem bewohnbaren Ort zu machen?“.  Auch hier kann man die Parallele zu dem in Alex Raymonds Comics kreierten Protagonisten sehen, welche in fernen Welten wirken, aber stets mit irdischen Problemen konfrontiert sind.

Stattgefunden hat die Modenschau im Manifesto, welches sich als eine innovative Markthalle der nächsten Generation für den Bereich Lebensmittel und Kulinarik versteht. Eingebettet in die Kaufhaus- und Gastronomieatmosphäre performten die Modelle über mehrere Ebenen des Gebäudes. Der Laufsteg führte von der ersten Etage über eine Treppe mit dem Charakter eines Amphitheaters zum Eingangsbereich und wieder zurück in die erste Etage, in welcher Stuhlreihen positioniert wurden. Das Publikum hatte von fast allen Positionen einen Blick auf zwei Podien, die mit meliertem Stoff einen fleckig grauen Hintergrund bildeten und an eine Mondlandschaft erinnern. Dort posierten jeweils die präsentierenden Modelle in wilden Verrenkungen, um dann weiterzugehen. Das wirkt abwehrend und raumgreifend, trotzig und frech. Hinter dem Podium im Eingangsbereich war oberhalb dieses Podiums eine Leinwand angebracht, auf welcher Mondlandeszenen per Video abgespielt wurden – die spacige Stimmung herausstreichend.

Geprägt ist diese Kollektion durch wilde Mischungen an Material von grobem Web bis hin zu glänzend metallischem Lack. Viele Looks sind mit Schichtungen konzipiert, die aufgebrochen werden und von enganliegenden unteren Kleidungsschichten mit übergroßen Tops und Jacken durch deren weite Ärmel kontrastiert werden. Immer wieder finden sich Schulterpartien mit sehr ausladenden, spitz in den Raum greifenden Volumen. Stilelemente, die an Heckflossen von US-Strassenkreuzern der 1950er und 1960er Jahre erinnern. Man fühlt sich zudem unweigerlich in die Szenen dieser utopischen TV-Episoden von Flash-Gordon versetzt, mit den wilden Kostümen, die der Bösewicht Kaiser Ming getragen hatte, der ursprünglich von Charles Middleton und zuletzt im 1980er Remake von Max von Sydow gespielt wurde. Die Protagonisten tragen aufgerissene Schlaghosen, oder löchrige Leggins. Immer ist klar, das Figurbetonte soll auch bei weiten Silhouetten nicht verloren gehen.

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Fotos: Boris Marberg für BFW

Text: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Seit nun mehr als 10 Jahren werden die beiden Designer Jale Richert und Michele Beil mit ihrem Label in Berlin als Protagonisten einer Strömung typisch Berliner Stils wahrgenommenen. Als geförderte Gewinner des „Berlin Contemporary“ sind die Erwartungen des Publikums hoch, zu sehen, was als subversiver Beitrag zur modischen Entwicklung dargeboten wird.

Bei Bademoden und Berlin denken vielleicht viele Zeitgenossen an den Schlager „Pack die Badehose ein“ von Conny Froboess – das idealisierte Bild von Frohsinn – oder sie denken an die immer wieder aktuellen Randale in den Freibädern in Berlin, die mittlerweile zu Ausweispflicht und Millionen-Investitionen in die Sicherheit geführt haben. Ambivalenz ist bei dem Thema Badespass in der Öffentlichkeit vorprogrammiert. Nichts von dem spielt hier aber eine Rolle und das ist auch nicht zu erwarten.

Immerhin macht das Label Badekultur zum Thema, es gibt in der kargen Location ein Strandambiente der Bühnenbildnerin Stefanie Grau: mit Reihen weißer Plastikstühle und etwas, das wie ein Strandclub aussieht, ein Getränkestand beziehungsweise ein Fischbrötchenstand. Das überrascht in Kenntnis des Label-Stils schon – schließlich denkt man bei Gothic oder SM nicht im Entferntesten an Bademode in Badeanstalten oder an der Côte d’Azur. Ehrlicherweise ist das, was Richert Beil vorführt nun auch keine strandtaugliche Badekollektion, sondern Ergebnis eines ziemlich humorvollen, fast grotesken Gedankens, einen thematischen Focus zu kreieren, um den herum die beiden Designer ihre eigenen modischen Ansätze und Themen ausloten. Schon damit schwingt schmunzelnde Subversivität mit. Die Alltagstauglichkeit der Kreationen beschränkt sich, sofern sie überhaupt eine Rolle spielt, nach wie vor auf den ästhetischen Kontext des sozio-gesellschaftlichen Milieus, in welchem sich die beiden verorten. Dazu gehören entscheidend die Berliner Clubkultur und die SM- beziehungsweise die Post-Goth-Szene. Das sind die Modegene von Richert Beil, die im Wesentlichen unverändert bleiben. Und das ist die Kundschaft, die hier interessante Geschmacksprägungen und kreative Ideen findet.

Fritze und Lieschen Müller bleiben besser zu Hause.

Latex, Kunststofffolien, Neopren und viel Denim als häufig ausgespielter Textil-Kontrast dazu: das sind die Materialien, welche für die Umsetzung von klaren Linien und geradlinigen Schnitten verwendet werden. Glatter Glanz trifft oft auf strukturiertes Gewebe. Aber auch Transparenz darf sein, Kunststoff macht das leicht. Die Farbpalette ist szenebedingt reduziert, eigentlich gar nicht vorhanden, Schwarz plus Jeans-Blue. Bei den Silhouetten bleibt die Gestaltung eher kastig gradlinig. „Normale“ Hemden oder T-Shirts finden sich auch in den Outfits, ob als Kontrast oder als Brücke zu gewöhnlicher Alltagskleidung bleibt unklar. Eine an PVC erinnernde kurze Regenjacke mit Kapuze fällt ins Auge, ebenso der schwere, schwarze fast bodenlange (Bade-)Mantel aus Neopren mit glänzender Oberfläche, Matrix läßt grüßen und ist immer noch up-to-date.

Das Richert-Beil-Programm steht für Abgrenzung und ostentative Individualität, für subversive Mode-Statements. Das „Gewöhnliche“ wird hinter sich gelassen, die Gestaltung verortet sich im kreativen Szene-Underground. Das Label bleibt sich damit treu und bedient konsequent sein angestammtes Publikum.

Erstaunlicherweise geht das sogar mit Bademode.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Tray erscheint neu auf der Berliner Fashionweek und präsentiert ein recht eigenes Verständnis zeitgenössischer Modeästhetik. Einerseits und recht zentral verfolgt es ein Upcycling-Konzept und andererseits recherchiert es in der Ästhetik der Modegeschichte.

Trey ist eine renommiertes Modehaus für Luxusunterwäsche der kambodschanischen Designerin Simmy Chhun, auch bekannt als Chhun Li Esim. Eröffnet wurde die Modenschau mit einem Tanz von zwei Mitgliedern des Royal Ballet of Cambodia. Damit verwies die Designerin auf kulturelle kambodschanische Traditionen, die man mit ihrem Design in Verbindung bringen kann. Das wird dann auch durchaus an den grazilen Erscheinungen ersichtlich.

Im Zentrum des modegeschichtlichen Exkurses steht allerdings  die Renaissancemode, die sich in bestimmten Aspekten auch länger gehalten hat, nämlich mit den engen Bustiers, die in ihrer reichen Bestickung und ornamentalem Gepräge das modische weibliche Erscheinungsbild lange prägte. Die Gestalt des Bustiers unterstreicht einerseits den weiblichen Oberkörper, andererseits drückt sie die Brust platt und macht den Oberkörper mager und erotisch eher unattraktiv. Im 18. Jahrhundert suchten die Frauen diese Wirkung zu unterlaufen, indem sie den Ausschnitt ein wenig tiefer anfertigen ließen und sich einen Schönheitsflecken auf die Brust setzten, der den Blick des Gesprächspartners ablenken und irritieren sollte. Für die Epoche der Renaissance wäre so etwas natürlich ein undenkbares Manöver gewesen, Züchtigkeit, Zurückhaltung und stille Anmut prägten die Vorstellung der attraktiven und schönen Frau.

Auf diesen Epochengedanken scheint die Ready-To-Wear-Kollektion von Trey entstanden zu sein, denn trotz aller Faszination der schönen, handbestickten, mit aufwendigen Verzierungen und Kristallen verzierten Teile und der viel übrig lassenden Haut erteilt das Gestaltungskonzept dem heutigen sexuellen Selbstverständnis eher eine Absage als eine Ermutigung zur Kraft des Frauseins.  Damit erscheint die Präsentation wie ein fader Abgesang auf den erotischen Aspekt von Fashion. Magere Models mit melancholischen Gesichtern führen langsam schreitend verdünnte Corsagen und reduzierte Kleidungsschnitte in vorwiegend fahlen Farben (Nude und Weiß) vor. Das modische Gesamtkonzept sieht die Bustiers wenig im Körperbezug, sie sind eher aufgesetzt. Es gibt sogar demonstrativ hohle Schalen oder trennende Kleidung darunter. Mit den eher geradlinigen, schmalen Silhouetten wird zusätzlich ein Gedanke an Androgynität bedient, eine bewußte Zurücknahme weiblicher Eleganz oder Kraft. Und die schönen Bestickungen erscheinen eher als luxuriöses Art pour Art.

Aufgelockert werden die beherrschten Silhouetten gelegentlich dann doch durch wehende Röcke aus feinen Stoffen beziehungsweise weite Hosen und die Einfarbigkeit auch mal durch Pastellfarben. Insgesamt jedoch ergibt sich aus der formalen Nüchternheit eher eine betonte, edle Zurückhaltung, die die Kollektion bestimmen soll – wenn man das Rekurrieren auf Renaissance auch mal positiv ausgelegt verstehen will. Es entsteht eher eine körperunabhängige, eigenwillige Eleganz der Teile für sich.

Unterwäsche als Oberbekleidung ist seit den 80er Jahren nichts Neues mehr, dazu zählen auch aufgesetzte Bustiers. Allerdings ging es dabei stets um eine Erotisierung des Outfits. Dieses Anliegen wurde in der Kollektion von Trey jedenfalls negiert. Als modisches Statement zur Gegenwart überrascht das etwas.

Upcycling, so zeigen die letzten Berliner Fashionweeks, kann ein wunderbares Verfahren sein, vergangene Ideen und gebrauchte Materialien zu neuen Aspekten und zu neuem Glanz zu bringen, auch ganz ohne nostalgisch zu agieren. Aber auch das Wiederbeleben modehistorischer Erscheinungen kann Gegenwartsmode durchaus erfrischen und aufwerten, nicht jedes Revival ist billiger Aufguss. Und was luxuriöse Handarbeit betrifft, wie in diesem Fall, ist jedes Wegwerfen ein Frevel. Insoweit liegt das Modehaus durchaus richtig und überzeugend. Inwieweit jedoch ein Rückgriff auf die Renaissance unserem Zeitgeist einen neuen Kick zu geben vermag, ist zumindestens fragwürdig, sogar für eine eher konservative Haltung eines Unterwäscheherstellers.
Ein Hinweis auf ästhetische Kultur, die man erhalten sollte, ist immer gut und kulturhistorisches Verständnis auch. Das Hochhalten luxuriöser Handarbeit ist wertvoll. Leise Eleganz sollte auch nicht hinter dem lauten Modetreiben verschwinden müssen. Aus dieser Perspektive gewinnt die Kollektion von Trey jedenfalls den ihr eigenen Reiz.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Die experimentelle Lust an neuen, schönen und nachhaltigen Materialien führt bei Majère zu faszinierenden Erscheinungen. Das macht viel Freude, mal ganz abgesehen von der thematischen Orientierung der gezeigten Kollektion.

Diese beruft sich auf die niederländische Malerei, respektive Hieronymus Boschs „Garten der Lüste“ mit dem Bedeutungsspektrum von Sünde und zwangsläufig folgender Verdammnis, greift also traditionelle religiöse und gesellschaftliche Paradigmen auf, die längst keine allgemeine Gültigkeit mehr haben. Inwieweit mit den gestalterisch ausgespieleten Aspekten dieses Backgrounds nun wirklich so ein memento mori zu Nachdenklichkeit führt oder führen kann, muss dahingestellt bleiben, von selbst teilt sich das Anliegen ja auch gar nicht mit. Es ist wohl auch eher locker zu verstehen.

Andererseits führt diese Bezugnahme zur Bildenden Kunst der Kulturhistorie schon zum Nachdenken, denn es ist nicht die einzige Veranstaltung der Fashionweek, die damit auftritt. Diese Referenzen sind meistens oberflächlich, höchstens geeignet als ästhetische und thematisch lockere Inspirationen. Angesichts einer Gegenwart, die eher negativen Input bereitstellt, kann man das verstehen – man kann aber auch vermuten, dass irgendjemand zufällig auf solche Bildthemen gestoßen ist und die oberflächliche Faszination ausreicht, sich mit einer solchen Inspiration kulturell zu schmücken. Darüber hinaus gibt es Waldelemente als Raumdeko,  freundliche Verweise auf Natur.
Wenn es einer schönen und reizvollen Kollektion dient, ist das alles ja auch positiv zu nehmen.

Die ist zweifellos gelungen. Genremäßig finden sich alle Bezüge, die die Mode momentan gerne nimmt, etwas SM, etwas queer, etwas Natur etc. Wirklich beeindruckend sind aber die Spielereien mit den schimmernden Oberflächen, ihrer Haptik und den Formgestalten, sie sind immer liebe- und geschmackvoll angelegt und sogar spürbar ausgekostet. Die Pastellfarben sind delikat ausgesucht und abgestimmt. Linien-, Typo-, Spitzen- und Ausstanzgeflechte werden ebenso geschickt auf die Haut gebracht wie formal akzentuierende Besätze angefügt. Dem Schuhwerk wird angemessene Beachtung geschenkt und es passt gestalterisch durchgehend gut. All das mit Abwechslungsreichtum und vielen Ideen. Die kleinen Zusätze (Geweihe, Blüten, Fellstücke, Ketten) sind, manchmal rätselhafte, Extras, derer es eigentlich nicht bedurft hätte, um den verspielten Charakter zu unterstreichen. Vielleicht dienten sie als Symbole für die beschriebene thematische Inspiration, die sich aber, wie gesagt, auch nicht als wirklich wichtig darstellt.

In jedem Fall ein gelungener Einstand für die Designer Alawi Harris, Anaïs Fabricius und Luis Steigleder. Erwähnenswert ist vielleicht noch die Zusammenarbeit mit dem avantgardistisch-queer-feministischen Produktionslabel Vproud, das sich gerne provokativ gebärdet. Aber provokativ kam die Schau gar nicht daher und angesichts der schönen Arbeiten mit edlem Touch ist das auch so ganz überzeugend.

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Bilder & Text: Boris Marberg

SF1OG präsentierte im Rahmen der Berlin Fashion Week seine lebendige SS25-Kollektion. Gerne werden für die Schauen des Berliner Modelabels Szenerien geschaffen, die einen Rahmen um die Kollektion bilden sollen. Im Umspannwerk in Reinikendorf wurde eine Straßenszene nachgebildet, die an das Treiben auf einem Floh- oder Wochenmarkt erinnert.

Die Gäste saßen an Holzständen und konnten SF1OGs farbenfrohe Kollektion begutachten, welche von den Modellen um diese Szene außen herumgehend vorgeführt wurde. Die Außenwände des Umspannwerkes sind knapp durchbrochen von Lichtscharten und in Verbindung mit dem vielen Beton erinnert dies an den architektonischen Brutalismus. Live spielte die Rockband Golden Hours auf. Dies war aber wegen der räumlichen Trennung innerhalb des alten Umspannwerkes nur von einem Teil des Publikums als integraler Bestandteil der Schau wahrnehmbar und auch ein gewisser musikalischer Kontrast zu der hohen Akzeptanz, welche SF1OG insbesondere in der deutschsprachigen Hip-Hop-Szene genießt. Rosa Marga Dahl und ihr Team haben bereits deutsche Rapper wie RIN, Loredana und Cro mit ihren Looks ausgestattet. Diese Schau erweitert das Spektrum.
 
Heute ist es geradezu Standard auf der Berliner Modewoche, dass die präsentierenden Labels sich als nachhaltige Modelabels verstehen. So auch SF1OG (Seitenflügel Erstes Obergeschoß) mit Sitz in Berlin. In den kommenden Saisons wird sich dies nach den Machern der „Berlin Fashion Week“ und dem Fashion Council Germany noch weiter verfestigen, denn man hat eine weitgehende Kooperation mit der Modewoche in Kopenhagen geknüpft und übernimmt sukzessive deren etablierte Standards und deren Regelwerk in Bezug auf nachhaltige Produktion und Materialien. So wird zum Beispiel Pelz komplett vom Laufsteg verbannt werden. Bei SF1OG setzt das Team um Rosa Marga Dahl für diese Schau außerdem auf eine Kooperation mit Eastpak (wer sehr lange dabei ist wird sich noch daran erinnern, dass Eastpak vor vielen Jahren schon selbst als Marke auf der Modewoche in Berlin präsentiert hatte) für Einkaufstaschen, die aus recyceltem Material hergestellt werden.

Die Looks sind durchgängig funktional ausgerichtet, ohne aber auf Individualität verzichten zu wollen. Hinzu tritt oft ein hintergründiger Witz in den vielen Mixturen. Es wird ein Panoptikum unterschiedlichster, wilder Kombinationen aus Leggins, Hosenröcken, Blousons, Westen, Tanktops und Langarmshirts vorgeführt. Es findet sich fast alles in dieser Palette – und manches darüber hinaus -, was man von einem „Streetstyle“ Label erwartet. Vom Material her wurde sichtlich viel Leinen verarbeitet, ein sehr angenehmes Material für schwüle, warme Sommer in unseren Breiten. Die Silhouetten sind nicht einheitlich, sondern sehr individuell ausgeprägt und vermitteln eine lockere Lässigkeit, wenn die Looks urban getragen werden. Es wirkt sehr glaubwürdig, wenn der Protagonist in knallroter Hose mit Häkelhandschuhen seinen Hund im Kietz grimmig Gassi führt. Sowas passt, stereotypisch betrachtet, hervorragend zum Selbstverständnis der urbanen, exzentrischen Antikultur der Hauptstadt.

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Bilder: Boris Marberg für FC

Text: Gerhard Paproth

Mit ihrer ersten Schau auf der Berliner Fashionweek Anfang des Jahres überraschte die aus Sri Lanka nach Deutschland eingewanderte Designerin Abarna Kugathasan mit einer frappierenden Inszenierung im Rahmen der Contemporary Veranstaltungen. Die jetzige Schau mit Bade- und Strandmode setzte den Ansatz mit einem Arrangement fort, das das Label in einem klassischen Stadtbad ausgerichtet hat.

Das Stadtbad Neukölln ist eine aufwändig renovierte Perle von 1914 der Berliner Bäderlandschaft.  Für ihre Schau hat die Designerin den säulenumstandenen Pool originell ausstaffiert, nämlich als künstlich-tropisches Paradies, und damit das Ambiente für träumerische Bademode optimal ausgedacht. Als Rahmengeschichte wurde eingangs eine Braut vorgestellt, die, frisch mit sich selbst verheiratet, in die Flitterwochen fährt – also in dieses Paradies. Der folgende Clash der Kulturen bildet das stilistische Merkmal dieser Mode, natürlich positiv verstanden und angelegt. Gezeigt wurden Varianten aus sexy dekonstruierten Badeanzügen und Bikinis, oft ergänzt mit luftigen Strandkleidern oder -umhängen, transferiert aus dem Bereich der Lingerie, und fantasievollen Urlaubs-Cocktail-Kleidern. Viel Auflösung und notdürftige Bedeckung, verspielt, verträumt, erotisch. Außerdem sah man leuchtende Haremshosen(-röcke) aus leichten Materialien, vorwiegend für Männer. Dazu Strass, thematische Deko, Blumen in Applikationen und eine delfinförmige Handtasche.

Die Mischung von solider Designerarbeit und unernstem, zugleich nostalgischem Blick auf die eigene Einwandererkultur verleiht dem Design seine charmante und sympathische Note. Vielleicht ist es weniger die innovative Gestaltung der jeweiligen Outfits als der evozierte, stets mitschwingende Kontext, der den Stil des Labels wesentlich bestimmt. Hinzu kommt der vergnügte und kreative Umgang mit Kitsch, dank weniger Berührungsängste der Bollywood-Kultur, der auch hierzulande mit einer gewissen Sehnsucht und Erleichterung geschätzt wird und der, mit einer angemessenen Raffinesse ausgelebt, gerne mit Augenzwinkern hier gefeiert wird. Wie schon letztes Mal ist auch die Diaspora im Publikum anwesend, was die Wahrnehmung des Ganzen auch weniger befremdlich erscheinen läßt.

Ein wenig exotisches Bollywood in Berlin ist doch ganz schön.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Odeeh-Mode folgt vorwiegend eigenen Entwicklungen und nur wenig den angesagten Strömungen. Gleichwohl gelingt es ihr, lässig auf der Höhe der Zeit mitzuspielen und vor allem tragbare und attraktive Looks für einen modernen Alltag zu entwickeln.

Auch wenn sich die Kollektion nicht darauf beschränkt, steht die Frau im Mittelpunkt der Gestaltungsideen. Und die sind sehr vielfältig und in der Schau auch sehr abwechslungsreich. Das Designerduo Jörg Ehrlich und Otto Drögsler (auch dieses Jahr Preisträger bei Contemporary) profitiert in der entwickelnden Arbeit oft von unterschiedlichen Ideenansätzen, die zu guten Kompromisslösungen geführt werden und damit in eine allgemeine Linie der kreativen Innovationen eingebunden werden. So gelingt neben großer Qualität und Vielfalt ein Ganzheitliches und ein Individuelles als Einheit, grundiert mit einer geschmacklichen Grundsolidität und einer Vorstellung von Eleganz im Alltag.

Es gelingt dem Label jede Saison, die aufgeschlossene Frau der Gegenwart mit sanften Vorschlägen zu neuen Anschauungen zu führen, ohne den Weg übers Extrem für innovative Ideen zu nehmen. Darüber hinaus hält es die Frage der Gelegenheit meistens offen, die Stücke passen ins Büro, den anspruchsvollen privaten Alltag oder die Cocktailparty.

Enthalten sind stets die Trends der letzten 10 Jahre, auch in der Hinsicht nie übertrieben betont sondern eher wie selbstverständlich integriert. Damit und angereichert mit den neuen Ideen fühlt sich „die moderne Frau“ immer up to date. Angesichts der Vielfalt gibt es für diese Kollektion auch kein umrissenes Thema beziehungsweise keinen Titel, was als Teil des freiheitlichen Vorgehens verstanden werden kann. Der Leitgedanke von dem Alltag einer modernen, selbstdefinierten Frau soll reichen und das exquisite Erscheinungsbild, durchaus passend zum Säulengang in der Schinkelarchitektur des Alten Museums, als Anspruchsgedanke tragen.

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Text & Bilder: Boris Marberg for BFW

Avenir, gegründet von Sophie Claussen, setzt auf einen nachhaltigen Produktionsansatz, grundsolides Handwerk und Mode, die tragbar und zeitlos ist. Die Kollektion „Commute“ richtet sich dabei an ein Publikum, das sich im städtischen Umfeld bewegt, Alltag und Arbeitswelt zusammenbringt und den erfrischenden Auftritt schätzt.

Präsentiert wurde die Kollektion mitten in der Innenstadt, auf der Varian Fry Straße, nahe dem Potsdamer Platz. Das passt, denn die Kleidung soll ja auch auf der Straße getragen werden, zum Beispiel beim Pendeln. Sommerliches Wetter hatte sich zur Schau leider nicht eingestellt, dafür herrschten dann gleich realistische Bedingungen für die Modelle, welche die Kleidung präsentierten.

Farblich hingegen kommt die Kollektion angenehm warm und pastellig daher: Lavendel, Mint, Grün und Cremetöne prägen die Looks. Die lockeren Oberflächen und Volumen vermitteln eine gute Tragbarkeit und sind auch ideal für unterschiedliche Konfektionsgrößen umsetzbar, so dass ein weites Publikum erreicht werden kann, auch generationenübergreifend. Sehr ansprechend sind Kleider und Kombinationen mit kleinen ausgestanzt wirkenden Oberflächenstrukturen, die gewoben wirken aber handgestrickt sind – umgesetzt bei Damenkleidung. Für Herren werden einige fein transparente und körperorientierte Kreationen gezeigt. Männer dürfen sich mit Avenir auch in der kommenden Saison sehr luftig zeigen, was bisher eher Frauen vorbehalten war. Für diese stehen ein paar sehr raffiniert umgesetzte Schlauchkleider bereit, die insbesondere feine, eingedrehte Drapierungen an der Taille und an den Halsbündchen aufweisen, die sehr feminine Silhouetten bilden.

Daneben stehen Denim-Konstruktionen, Patchwork, reliefartige, nach außen tretende Nähte um schachbrettartige Oberflächen bei Rock, Hose und Blazer. Das wirkt auf den ersten Blick reptilienartig und erinnert an Krokodilleder, wenn auch in Denim-Look. Eine gestalterisch besonders innovative Linie läßt sich nicht ausmachen, eher verhaltene Experimente mit den nachhaltigen Materialien. Die letzten beiden präsentierten Looks bilden einen Kontrast dazu: Zwei Mäntel, kurz und lang gehalten, wirken wie aus wild geschichteten, groben große Papierfetzen zusammengesetzt, ausgefranst und geschichtet. Eine spannende Konstruktion, die sehr hell und licht gehalten ist und damit zum Eye-Catcher avanciert.

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Die Präsentation von Irina Dzhus‘ neuer Kollektion regt dazu an, sich mit grundsätzlichen Fragen auseinanderzusetzen, die sich mit dem Werk, dem zu vermittelnden Inhalt, der Künstlerin selbst und dem gesellschaftlichen Umfeld, in welchem diese Kunst stattfindet, aufkommen.

In Bezug auf das modische Werk folgt die Kollektion technisch, wie auch in Bezug auf die reine Präsentation, dem Muster der vorangegangenen Kollektionen. Das Grundkonzept der Wandelbarkeit und Veränderung der Looks während der Präsentation ist das modische Wesensmerkmal. Mit dem Krieg gegen die Ukraine ist Irina Dzhus in Berlin angekommen. Die Heimat verlassen zu müssen hat selbstverständlich einen großen emotionalen Einfluss auf das Wirken der Künstlerin. Ihrer Linie ist sie gestalterisch und technisch indes treu geblieben, eine Zäsur zu ihrer Mode vor 2022 ist nicht sichtbar.

Betrachtet man den gesamten Kontext – also Künstlerin, Werk und Rahmenbedingungen – wird klar, dass das Werk von Irina Dzhus weiter als die eigentliche Modeschöpfung gehen soll und die Kleider im Zusammenspiel mit der Performance als Gesamtwerk zu betrachten sind. Dies wird insbesondre deutlich, wenn man berücksichtigt, dass das gesprochene Worte während der Performance, wie auch alle anderen Texte die zur Verfügung gestellt werden, mit zu berücksichtigen sind (Pressemitteilungen, Blogeinträge auf der Homepage, Beschreibungen von Kooperationen, Interviews u.a.). Was Irina Dzhus während der Performance gesprochen hat, stand nur in der Muttersprache zur Verfügung und ist damit an das entsprechend sprachkundige Publikum gerichtet.

Inhaltlich soll die Kollektion und die Performance eine Auseinandersetzung mit Utopie-Gedanken sein und sich mit kollektiven, spirituellen und emotionalen Quellen für utopische Sehnsüchte, wie zum Beispiel Heimat auseinandersetzen. Zurückgegriffen wird auf jüdische Mystik und Zahlenmystik, die als „Kabbala“ allgemein aus einer esoterischen, theosophisch motivierten Bewegung stammt.
Neben dem Tierschutz als Grundthema, der sich in Dzhus Werk immer wieder als Anliegen findet, kann man das Thema „Heimat“ sehr wohl auch als eine Reflektion der individuellen Situation der Designerin sehen, die ihr künstlerisches Wirken nun außerhalb der Ukraine praktiziert. Sie steht, nach eigener Auskunft, in einem Prozess der Bewältigung persönlicher Traumata. Betitelt wurde die Kollektion mit dem Begriff „Anticon“, der überwiegend für „anti-conventional“, beziehungsweise „anti-conformity“ im Amerikanischen verwendet wird. Der Titel kann entsprechend als widersprüchlich zu der der Kollektion zugrundeliegenden Idee einer kollektiven Utopie gesehen werden. Sich und sein Wirken so zu verstehen, dass man eine Position gegen Konventionen und Konformität bezieht, ist heutzutage in unserer pluralistisch bis hin zur von Beliebigkeit geprägten Gesellschaft nichts Besonderes mehr. In der vielfach als wertkonservativer wahrgenommenen Ukraine mag der sozio-kulturelle Kontext anders interpretierbar sein.

Hinsichtlich der gebotenen Performance erscheinen die vielen symbolischen und textgeprägten Elemente, die Aktion und die Zeichen, für hiesiges Publikum in vielem unverständlich. Der zur Verfügung gestellte Pressetext (nur für die Presse) dazu holt in viele Richtungen erklärend aus, um trotzdem wesentliche Aspekte der Performance am gewählten Ort verständlich zu machen. Das betrifft über die oben beschriebene Konstellation hinaus auch religiöse Verweise und den Bezug zur Kabbala – was wir hier nicht alles wiederholen wollen.

Unsere Gesellschaft hat sich dazu entschieden, Künstlerinnen und Künstlern aus der Ukraine Möglichkeiten zu bieten, ihr Wirken und Werk weiterzuführen und aufrecht zu erhalten. Dabei spielt der Gedanke eine Rolle, dass die kulturelle Identität der ukrainischen Gesellschaft gesichert werden soll, dass Räume für die Weiterentwicklung entstehen, um in Zukunft in der Ukraine Anknüpfungspunkte zu ermöglichen, so dass Protagonisten dort wieder fortgesetzt tätig sein können. Dies wird unter anderem finanziell vom Senat Berlin gefördert und Irina Dzhus ist eine der geförderten Künstlerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon ist bekanntlich immer hervorragend kuratiert, seine Berg- und Talfahrten ergeben sich stets aus den Orten, wo er zu Gast war. Diese Saison findet er im Bode-Museum statt und der besondere Vorteil liegt, abgesehen von der Location mit klassischer Kulturprägung, darin, dass er ein paar Tage für öffentliches Publikum geöffnet bleibt (bis 7.7.).

Mit dieser Kooperation stellt sich einerseits die Modeveranstaltung der Fashionweek in einen kulturhistorischen Kontext und andererseits bietet sich dem Museum Gelegenheit, seine für manchen jungen Menschen eher trockene, lebensferne Kunstgeschichtsausstellung aus frischer Perspektive wahrzunehmen. Das Museum ist ohnehin stets aktiv bemüht, mit ungewöhnlichen, vorübergehenden, thematisch geprägten Ergänzungen zu seiner ständigen Sammlung neue Aufmerksamkeit und geistige Bewegung zu initiieren, neben den vielen Programmen (Konzerte, Talks etc.), die es sonst noch bietet, und zeigt sich dabei nicht selten mutig und risikobereit. Insofern sind die Kuratorinnen des Museums geübt in solcher Art interaktiver Korrespondenz und sie waren sicher sehr wichtige Partnerinnen der Modepräsentation inmitten mittelalterlicher, gotischer und byzantinischer Kunstwerke von erlesener Qualität. Dabei spielte der Schwerpunkt des Museums, nämlich die Skulptur, nicht einmal die entscheidende Rolle. Fast eine ganze Etage seiner Räumlichkeiten standen dem Experiment zur Verfügung und die Eröffnung war entsprechend feierlich angelegt.

Inwieweit das Experiment allerdings inhaltlich als ein Erfolg zu verbuchen ist, bleibt dahin gestellt. Angefangen mit der etwas enttäuschten Erwartung, dass sinnstiftende Korrespondenzen zwischen den historischen und den aktuellen Exponaten vor Augen treten und der Vermutung, dass die angewandte Kunst des Modedesigns im Kontext eine Veredelung erfahren könnte. Man hat aber fast den Eindruck, dass Kunstgeschichte und Mode höchstens auf ihrer Oberfläche zusammen kommen können, und dass mehr vielleicht auch nicht wirklich gewollt ist. Mit kritischem Tiefgang wird es an diversen Stellen eher brisant.

Vielleicht ist das Klagen auf hohem Niveau, fairer ist es wohl, die Kraftentfaltung der zeitgenössischen Kreationen zu würdigen, die im Kontrast ihren eigenen Zeitgeist herausstellen müssen. Und dank der kenntnisreichen und qualitätsbewußten Kuratierung ist das auch vorwiegend überzeugend gelungen. Doch auch dabei ist der konzeptuelle Ansatz schon ein anderer als zuvor. Von den bekannten Berliner Modemachern bestimmen nur noch einige das modische Panorama, viele unbekannte Namen sind vertreten, darunter auch besonders talentierte und perfektionistische Modestudenten. Damit geht der Berliner Salon noch einen Schritt nach vorn, sowohl die Nachwuchsförderung als auch die Erkundung des avantgardistischen Zeitgeistes betreffend.

Die Designer zeigten sich zumeist geehrt und oftmals auch besser verstanden mit ihrer künstlerischen Ambition der Arbeit. Manche, wie zum Beispiel Karen Jessen, agieren ohnehin grenzgängerisch zur Bildenden Kunst, sind auf der Positions vertreten oder noch gar nicht auf einen kommerziellen Geist des Tuns  gerichtet. Das ist vorteilhaft für optisch-ästhetische Ansprüche, die sich gerade in Berlin über das Selbstverständnis der Nachhaltigkeit erheben müssen, was manchen Designern noch immer schwer fällt. Auch in dieser Hinsicht ist der Ausstellungskontext „Kunstmuseum“ eine gute und richtige Herausforderung.

Es soll nicht verschwiegen werden, dass das Museum auf dem Gebiet schon einiges zu bieten hat. „Originale Kleidungsstücke, Schuhwerk und Accessoires sowie kunstvolle Buntwirkereien von höchster handwerklicher Qualität befinden sich etwa im Bestand des Museums für Byzantinische Kunst, das mit etwa 2.000 Stücken die größte Sammlung originaler Textilien aus dem nachpharaonischen Ägypten in Deutschland besitzt. Passend zur Fashion Week wird die Textilvitrine in Raum 113 mit repräsentativen Beispielen spätantiker Kleidung neu bestückt.“ (Eigenwerbung auf der Webseite.) Und natürlich spielen auch bei Gemälden und Skulpturen Kleidung und Modeerscheinungen schon immer eine wichtige Rolle. Allerdings erschließen sich solche nahegelegten Verbindungslinien nur sehr selten von selbst und wenn, dann eher oberflächlich oder nur mit großer Aufmerksamkeit und Mühe erkennbar.

Unterm Strich bleibt der Eindruck, dass zwar zusammengebracht ist, was einer tradierten Kulturidee folgt und vor allem, dass der Berliner Salon wieder einen stilvollen Ort für sich gefunden hat. Der Gedanke, dass das Eine mit dem Anderen dann doch nicht mithalten kann, bleibt aber auch – selbst wenn der stille Blick auf unsere Bilder noch den einen oder anderen Aha-Effekt hervorruft, der einem in der Ausstellung selbst erst einmal entgangen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Zum zweiten Mal zeigte der Modedesigner Shayne Oliver im Rahmen des „Intervention Showcase“ in Berlin. Die Schau war angelegt als eine Bühnenperformance  mit tief donnernden Sounds und künstlichem Dschungelgezwitscher, vielen tief und in Kreisen hängenden Strahlern und dazwischen herumgeisternden Modellen.

Gezeigt wurden dekonstruierte Sportswear, Trikot-inspirierte Designs, extra-weite Layering-Silhouetten und kurze, Oberkörper verhüllende und eiförmige Looks mit Kapuzen – dazu Ballerinas oder Boots. Dominant dabei dichte Vermummungen: Viele dicke Stoffe in Verwicklungen und Verdrehungen ließen gerade noch Gesichter – gegebenenfalls mit großen Sonnenbrillen – und Extremitäten hervorlugen und auch einfache Capes, Jacken und Mäntel waren sehr volumig angelegt. Beziehungsweise deutlich Nummern zu groß. Wie auch schon bei Lueder stand alles stets im Kontext eines großen Mummenschanz‘, so dick aufgetragen wie möglich und mit Pseudo- und echtem Schutz vor dem Klima und der heftigen Welt überhaupt.

Abgesehen von den geschickten Verwicklungen sieht man auch breite Streifenmuster in Rot-Schwarz/Weiß mit Verläufen, farblich waren allerdings Schwarz oder Weiß dominant, gelegentlich auch intensives Blau oder gedecktes Oliv. Wenn nicht durch riesige Hosen eingehüllt sieht man viel Bein, bei allen Geschlechtern, und die Shorts erhalten gestalterisch neue Definitionen.
Im Detail der offenbar guten Verarbeitung taucht, immerhin, sogar manchmal ein Hauch von Eleganz auf: gestickte Schrift, symmetrische Prints oder austarierte Graustufen, schöne Oberflächen. Von ausschließlich grob kann also nicht die Rede sein.

Symbolisch erschienen alle Zutaten der Vorführung wie eine kollektive Schau der Macht, Macht der Sounds, der Lichter und der voluminösen Kleidung. Das extrem hohe Zelt des Tempodrom in tiefer Dunkelheit unterstreicht die Konstellation. Wie schon oft erlebt, ist die Wucht der geradezu atemberaubenden Inszenierung schon selbst ein schlagender Effekt, hier setzt sich das durchaus in der Kleidung fort.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label GmbH der beiden Designer Benjamin Alexander Huseby und Serhat Isik feierte sein Debüt auf der Berliner Fashionweek als Teil der sogenannten Conteporary-Reihe. Die Leitidee ihrer Gestaltung liegt in einem zeitkritischen Ansatz, hier die Selbstverteidigung gegen faschistische Strömungen in der Gesellschaft.

Die Gesamtschau führt das allerdings nicht wirklich offensichtlich vor. Auffällig dagegen sind diverse gestalterische und innovative Neuformulierungen, die vorhandene Modetrends veredeln. So zum Beispiel die Shorts für Männer beziehungsweise Hosenröcke für Frauen, die eine völlig neue Silhouette erhalten haben und durch Applikationen auch einen verspielteren Charakter. Das ist eine wirklich innovative Erfindung. Im Gegensatz zu den üblichen Erscheinungsbildern dieses Kleidungsstückes sind sie wieder deutlich sexy geprägt – gleichermaßen wenn sie von Frauen oder anderen Geschlechtszuschreibungen getragen werden. Die häufige Anlehnung an kurze Röcke und schimmernde Materialien spielen dabei eine wesentliche Rolle. Überhaupt ist die modische Sprache des Genderfluiden bei diesem Label mit besonderer Eleganz und Überzeugungskraft formuliert.
Hinzu tritt die Linienführung des Sportlichen, die viele Stücke prägt, sowohl im Schnitt als auch in der formalen Zeichnung. Auch dies eine souveräne Referenz an den aktuellen Zeitgeist.

Viele Teile sind aus dem Grenzbereich von Ober- und Unterbekleidung abgeleitet, schon daraus ergibt sich eine gewisse Sexiness der Anschauung. Das Genderfluide ist stets elegant gelöst, sogar Bandeau-Tops werden für alle mit gleichem Gestaltungsprinzip verallgemeinert. Für Frauen gilt das dann allerdings nur bei entsprechender Flachbrüstigkeit, da hat das Androgyne wenig Spielraum.

Originell sind die Crossgestaltungen bei den Anzügen, die übernehmen nun auch die Kapuzenmode der Streetwear, sehr pfiffig und elegant verschmolzen und mitnichten aufgesetzt. Auch dies ein wirklich innovativer Gedanke.

Das Schuhwerk im weitesten Sinne findet ebenfalls eine neue Gestaltungsidee. Aufgesetzt werden große und weite Gamaschen oder Stulpen, die bis an die Knie reichen können und in verschiedenen Materialien erprobt werden. Sie verleihen den Outfits eine sehr feste Komponente und dem „Auftritt“ starken Charakter, sogar bei den etwas verspielteren Versionen. An dieser Stelle kommt der eingangs zitierte Anspruch am deutlichsten zum Tragen.

Auch eine Anspielung zur Multikulturalität wird in die Schau gebracht. Visuell zum Beispiel mit den verspielten, orientalisch assoziierten Fransenapplikationen und musikalisch mit Übergängen zu orientalischen Klängen der Liveband. Man kann das als gesellschaftspolitischen Wink verstehen, muss es aber nicht. Wesentlich bleiben die einfallsreichen, zusammenführenden Lösungen zu sonst auseinanderstrebenden Phänomenen – stets auf ästhetisch kluge Weise und mit einem leicht erscheinenden Selbstverständnis.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Im Zuge der Post-Goth-Bewegungen hat Marie Lüder eine recht verschattete Kollektion vorgestellt, die letztlich das Gegenteil von dem repräsentierte, was sonst als exhibitionistische Tendenz in der aktuellen Modekultur ausgemacht werden kann. Weite, zum Teil ausladende Kleidung verbirgt den enthaltenen Körper und neutralisiert ihn geradezu.

Der Präsentationsort, eine intim erscheinende, runde Kleinarena, ist dunkel gehalten und mit düsteren Klängen atmosphärisch aufgefüllt. In der Manege bewegen sich die Modelle eher schleichend auch im Schummrigen und huschen nur für wenige knappe Sekunden in den einzigen Strahler, dass man das Gesamte Erscheinungsbild kurz komplett erfassen kann.

Diese Art des Auftrittes entspricht kongenial der modischen Ambition, die sich selbst sehr verschattet geriert. Natürlich stehen die hochgezogenen Kapuzen schon offensichtlich für die Hülle des Verschwindens des Menschen darin, aber die gedeckte Farbgebung, das zumeist weite Volumen und das etwas Grobe in Stoff, Oberfläche, Schnitt und Verarbeitung kreiieren die eigentliche Anmutung. Gleichwohl mangelt es nicht unbedingt an Dekorativem: es gibt Muster, geometrische Strukturierungen, Applikationen, Typospielereien und architektonische Experimente, die die Schlichtheit des Ganzen eher von innen heraus beleben und den Outfits eine individuelle Charakteristik verleihen. Das bedient den leicht adoleszenten Charakter des Versteckens, sich Schützens, Individualisierens und Hereinwachsens auf eine ästhetisch sehr überzeugende Weise und findet trotzdem zu einer starken Souveränität.

Andererseits gibt es, wie gesagt, auch die Gothic-Seite der Inspiration: Mönche, Ritter und mystischen Wesen, mittelalterliche und spätgotische Anmutungen, oberflächlich aus der Kostümgeschichte abgeleitet, bestimmen die Leitideen und setzen die Leidenschaft aus der Kindheit und Jugend der Designerin für jene tausendjährige, meist düster und schlicht vorgestellte Epoche fort. Assoziative Stichworte wie „Zauberkreis“ und „Alchemie“ spielen in diese Mittelalterklischees mit hinein und werten den ideellen Kosmos auf. Brüche mit der Moderne sind keine, beziehungsweise sollen keine sein: Selbst gewöhnliche T-Shirts, extrem weite Jeans, eine Basecap und kurze Männerhosen(-röcke) folgen diesem mythologisierenden Subtext genauso wie Fantasyprints, ja sogar Pumaschuhe werden eingebunden.

Insofern bedient und ästhetisiert die Kollektion nicht nur eine bestimmte Jugendszene sondern auch eine ihr eigene gesellschaftliche Befindlichkeit verschatteter Erscheinung und geheimnisvoller Evokation.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Trauer und Schmerz haben den Entstehungsprozess der neuen Kollektion des Ukrainers Mitya Hontarenko geprägt. Die Stadt Berlin wurde dem Designer mittlerweile zu einem vertrauten Zuhause, auch wenn die Gedanken oft vom Krieg in der Heimat geprägt sind. Es ist das zweite Mal, dass das 2021 gegründete Label seine Arbeit im Rahmen der Modewoche in Berlin präsentierte.

Stilistisch kommt die Kollektion zunächst sportlich, erfrischend peppig und urban daher. Die Looks wirken frech und kokettieren gut mit dem Credo Upcycling, einem der Fundamente der Marke. So bunt wie zuletzt ist die Farbpalette nicht mehr, sie ist ernster, gedeckter und reifer, spiegelt eine Bedrücktheit wider, die authentisch nachvollziehbar ist aber auch trotzige Töne hat.

Es gibt viele gedankliche Bezüge zum Krieg. Kompressionsanzüge lehnen sich an funktionelle militärische Kleidung an. Oberflächen werden aufgebrochen und mit reliefartigen Strukturen versehen. Fransen setzen Akzente und lockern die Silhouetten auf. Fast bockig wird neben Lebendigkeit auch die Wehrhaftigkeit gestellt, die aber auch offen ist für Verletzungen, die sichtlich gezeigt werden. Zwei der präsentierenden Protagonisten gehen mit Beinprothesen über den Laufsteg. Banner werden präsentiert. Das Statement ist klar: Russland ist ein Terrorstaat. Für Außenstehende sind solche ästhetischen Formulierungen in der Mode bedrückend und erscheinen in der hippen Stadt, die sich gerne feiert, befremdend, wenn auch nicht mehr so sehr wie zu Beginn 2022. Der 1. Juli ist Tag 859 des Krieges, der Zerstörung und des Leides. Kunst, Kreativität und Mode stellen sich dem hier entgegen.

Das Reha-Zentrum „Unbroken“ in Lwiw wird in den Nachrichten immer mal wieder thematisiert. Versehrung wird zusehend diese Gesellschaft prägen. Dies wird in dieser Kollektion auf verschiedene Weise angesprochen. Man erinnert sich an Kunst der 1920er Jahre in Deutschland, wo diese Thematik vielfach aufgegriffen wurde – zum Beispiel im Dadaismus.

In welche Richtung sich Mitya Hontarenko stilistisch entwickeln wird, wird sich noch zeigen. Die Herausforderungen sind gesellschaftlich groß und werden Ausdauer abverlangen. Man lebt!

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