Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Die wohl luftigste Kollektion für den nächsten Sommer hat Lana Mueller kreiert. Schon die Präsentation war an sehr luftigem Ort, einer Hochhaus-Dachterrasse am Alexanderplatz.  Dies ist ohnehin eine exclusive Club-Location mit relativ begrenztem Platzangebot, wenn man sie für ein Défilé nutzen will. Entsprechend privilegiert war das Publikum und eher spärlich auch Presse.

Offene Schnitte aus vorwiegend dünnen Stoffen mit wehenden Teilen charakterisieren die Kollektion, helle Farben mit viel Beige, Weiß, Lindgrün, Rosé und Himmelblau, sowie verschiedentlich ebenso leichte, spielerische Muster. Nicht unbedingt ungewöhnlich die vielen verschiedenen Schnitte, aber alles in der Konzeption sehr feminin und leicht, stets assoziierte man besonnten Strand, Riviera, unbeschwertes, luxuriös-geschmackvolles Leben, lebendig und genießerisch und dabei selbstverständlich praktisch. Auch die Strandtaschen und das Schuhwerk waren unprätentiös aber doch mit einem kleinen Touch des Besonderen beigefügt.

Im Vergleich zu den Schauen Lana Muellers der vergangenen Saisons war diese luftig-leichte Kollektion eine ganz andersartige Überraschung, aber in ihrer inneren Stimmigkeit und der atmosphärischen Wirkung ebenso geschmacksvollendet und letztendlich – dank schlichter, lässiger Eleganz – unaufdringlich erhaben.

Hoch über dem urbanen Berlin erlebten wir eine angemessen entrückte Sommerveranstaltung, Sonne, Wind, exotisches Grün und Cocktails suggerierten eine Realität, der die Lana-Mueller-Kollektion den wesentlichen, geschmackvollen Apercu verlieh. Besser kann man sich die vorüberwehenden Frauengestalten am Strand oder auf der Sommerparty eigentlich nicht vorstellen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

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Steinrohner präsentierte auf der Berlin Fashion Week die neue Spring/Summer 2018 Kollektion Édition FLORA.

Bilder: Andreas Hofrichter

https://www.instagram.com/p/BYEEvwlFlQT/?taken-by=modacycle.de

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Bilder: Andreas Hofrichter

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Bilder: Andreas Hofrichter

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Bilder: Andreas Hofrichter und Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon hat es sich bekanntlich auf die Fahnen geschrieben, junge Designer mit förderungswürdigen Qualitäten dem Publikum vorzustellen und zeitgenössische Mode ganz allgemein ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken. Er will dabei neben den klassischen Print- und Onlinemedien die authentische Präsentation und den erlebbaren Dialog nutzen. Dank der ambitionierten Vorbereitung des Hauptorganisators „Vogue Deutschland“ gelingt dies auf drei Säulen der Gesamtveranstaltung: Défilés, Gruppenausstellung und Live-Konferenzen. Neben der Mercedes-Benz-Fashionweek, die sich als Hauptaktivist der von ihr ins Leben gerufene Berliner Fashionweek verstand, hat sich der Berliner Salon inzwischen so stark und kompetent etabliert, dass sich mittlerweile die Gewichte zu seinem Gunsten verschoben haben. Nicht zuletzt, weil die Leitideen der Ausrichtung auch verschieden waren/sind und der Berliner Salon das bessere Fingerspitzengefühl fürs Allgemeine und für die Details mitbringt.

Gruppenausstellung

Auch wenn die Schauen des Berliner Salons zumeist ein wunderbares Event darstellen, besonders, weil die Locations stets erlesen sind (und sei es auch nur auf der Terrasse des Kronprinzenpalais), ist in meinen Augen die Gruppenausstellung das Highlight der Präsentationen. Nicht zuletzt deswegen, weil die Auswahl der beteiligten Designer ein größeres Spektrum abdeckt und dabei auch unbekanntere Labels die Chance erhalten, ihre Arbeit zu zeigen (unsere Bilder sind lediglich eine Auswahl). Besonders aber auch, weil man die präsentierten Kollektionsteile beliebig lange und näher betrachten kann. Man kann die anwesenden Designer ansprechen und viele weitere Kontakte knüpfen, die sich im üblichen Betrieb nicht so leicht erschließen.

Die Hoffnung, einen allgemeinen Trend auszumachen (was mir aber nie gelingt) ist für den modeaffinen Sucher in diesem recht weit gespannten Panoptikum wohl am ehesten einzulösen, das auch diese Saison sehr ambitioniert und geschmackvoll ausgewählt und -gestaltet ist. Dieses Kompliment an die Verantwortlichen kann man eigentlich immer nur wiederholen.

Allude:

Antonia Zander Cashmere:

Antonia Goy:

Boss Women’s Wear:

Brachmann:

Dorothee Schumacher:

Gabriele Frantzen:

Hien Le:

Iris von Arnim:

Lala Berlin:

 Lou de Bètoly:

Maiami:

Perret Schaad:

Rianna And Nina:

Roeckl:

Sminfinity:

Strenesse:

Vladimir Karaleev:

Michael Sontag:

Antolina:

William Fan:

Die Zeitmagazin-Konferenz

Wie stets gut vorbereitet und mit einem abwechslungsreichen Programm verlief die ambitionierte ZEITmagazin-Konferenz Mode & Stil, dieses Jahr zum Thema Mode und Politik und zu Mode und Kunst /Kultur). Im 20-Minutenwechsel folgten verschiedene Podiumsgespräche hauptsächlich mit Designern aufeinander und beleuchteten unterschiedlicher Perspektiven und Aspekte. Angenehm sind die Zwiegespräche (neudeutsch one-on-one), weil sich die persönlichen Perspektiven dabei besonders gut entfalten können. Besonders erhellend aus unserer Sicht war das Gespräch von Christiane Arp mit der Professorin Dr. Christiane Funken, die analytisch sehr klar und komplex die Gesamtproblematik ausführte, gedanklich, sprachlich und mit guten Beispielen stets überzeugend. Berührend persönlich bzw. unterhaltsam war’s mit Angela Missoni und mit Stella McCartney, im Gespräch waren u.a. auch Jason Wu, Alex Eagle, Rabih Kayrouz, Jeanne De Kroon und Marcel Ostertag.

Diese Konferenz ist ein wichtiger Programmteil des Berliner Salons, weil er begleitend zum großen Modebad der Fashionweek auch Reflexion und soziologische Positionierung bzw. Verantwortung reflektiert. Er rundet ab und erhebt das Anliegen Modewoche zu gesellschaftlicher Relevanz. Insofern ist das Zeit-Magazin dafür ein guter Partner, und die Vogue setzt sich auch in ein umfassenderes Licht.

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Text: Susanne Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Gehärtetes Lackleder, Gürtel, Schnallen und Blümchen als Dekor. Das kennt man von Marina Hoermanseder, der Designerin, die seit Jahren die Highlightstellung der Fashion Week Berlin im Berliner Modesalon für sich beanspruchen darf. Immer wieder erfindet sich die Österreicherin neu, überrascht mit neuen Ideen und Interpretationen ihrer verspielten Visionen, die sie in die Mode übersetzt. Es wird einfach nicht langweilig. Hoermanseder spielt nach wie vor mit puppenhaften Attributen, ließ in den letzten Kollektionen wenig Bewegungsfreiheit für die Trägerinnen ihrer Korsetts und gehärteten Lederröcke. Doch schaffte sie auch, das scheinbar Untragbare ins Gegenteil zu verwandeln, ohne sich von ihrer Zeichensprache verabschieden zu müssen. Ihre Kollektionen trugen immer einen Hauch von Eleganz und nie gesehener Extravaganz mit ihrer ganz besonderen Handschrift.

Marina Hoermanseder erkundet neue Ufer

Nachdem M. Hoermanseder Ende Juni eine typische Hoermanseder Trachtenkollektion für das Traditionshaus Angermaier vorgestellt hat, nähert sie sich in der Kolletion SS 2018 dem urbanen Leben. Denim, feines Lackleder, Sweatshirtstoffe und feine Baumwolle reihen sich neben die ansonsten feine Materialwahl aus Seiden, Crêpes des Chine, Chiffon und hochwertigem leichten Lackleder und Leder. Wie vielfältig Marina Hoermanseder denkt und entwirft, kennt man bereits von ihr. Sie ist die perfekte Handwerkerin, die vor nichts Angst zu haben scheint. Mit Volants und Glockenröcken, Jumpsuits und Blusenkleidern in Lackleder, fließenden Stoffen und eigenem Stoffdesign setzt sie ihre Visionen um. Hier ist jedes Detail bedacht und entspringt dieser kindlichen Phantasie, die sie gekonnt in eine Erwachsenenwelt transportiert. Sogar Sweatshirtstoffe finden Einzug in die sonst so spezielle Materialwahl der Österreicherin. Damit wird die Kollektion urban und Marina erweitert ihr Repertoire auch für den lässigeren Geschmack.

Der Gürtel ist noch nicht ausgereizt

Mit XXL-Gürtelschnallen bis zum reinen Dekorelement in Miniformat scheint Marina Hoermanseder das Thema Gürtel noch nicht vollends ausgereizt zu haben. Pastellfarbene Lederröcke aus um die Hüfte gewundenen Breitbandgürteln, die in einer diagonal angeordneten Riesenschnalle enden, hat die ehemalige Esmodschülerin außergewöhnliche Kollektionsstücke kreiert.
Dabei fehlt selten das Blumenmeer, das immer wieder als Stickerei oder Applikation auf Tops, Handbeuteln, Handtaschen, Stiefeln, Gürtelbändern oder Haardekor auftaucht. Das macht die Kollektion leicht, unbeschwert und jung. Und wenn dies ein Défilé gewesen ist, dann sind wir gespannt, welche Bilder in der kommenden Saison an uns vorüberziehen.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Seit 2016 ist das Label Antonia Goy auf dem Berliner Modesalon vertreten und diese Kollektion für Frühjahr/Sommer 2018 ist die zweite, die es während der Berliner Fashionweek vorstellt. Dabei ist das Modeschöpfer-Duo Antonia Goy und Björn Kubeja schon relativ lange im Geschäft und seit zwei Jahren auch gezielt international ausgerichtet. Gute, oft lockere Passform auch für Nicht-Modellmaße und ein deutlicher Touch von Eleganz im Alltag kennzeichnen die Entwürfe, die aber gerade nicht zwingend schlicht daherkommen, sondern sehr lebendig und pfiffig konstruiert sind.

Streifen sind ein wesentliches Element der Gestaltung in dieser Kollektion, sowohl farblich als auch in den Schnitten und Arrangements. Schmal und kontraststark die Streifenlinien in Grundfarben oder Schwarz gegen Weiß, mit Hauptrichtungen (meist vertikal) und brechenden, dynamisierenden Schrägen – das Spiel setzt sich auch mit Karos fort. Die Stoffflächen werden häufig lang aufgeschlitzt oder mit -streifen unterbrochen. All das aber nicht in strenger, in sich ruhender Geometrie sondern stets locker und mit Freude am Spiel mit den Richtungen. Andere Prints finden sich auch, hauptsächlich ebenfalls zweifarbig und stets abstrakt und ungewöhnlich. Gleichermaßen werden die geradlinigen Gesamtformen aufgebrochen, mit Kurz-und-Lang-Kombinationen, Einschnitten oder offenen Stellen im Gefüge, ohne dass die Eleganz dem Formenspiel weichen muss: Es ist vielmehr umgekehrt – die Richtungen und Formen machen die bewegte Eleganz aus.

Gelegentlich erinnert das Vergnügen mit geometrischen Balancen und Verschränkungen auch an japanische Formensprache oder an Art-Deco der 20er Jahre, aber nur manchmal sind Verweise deutlich. Alles in allem entsteht ein geradezu architektonisches Spiel der Muster, Formen, Richtungen und Stoffe am Körper, nicht bemüht wirkend oder auftragend, sondern lässig im Ensemble, lebendig und stets klar.

Mit dem Berliner Modesalon korrespondiert diese geschmackssichere, vitale Ästhetik ganz ausgezeichnet.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Modenschau von Danny Reinke war eine der schönen Überraschungen im Rahmen der Modewoche in Berlin. Mit einer leicht verspielten und romantisierten Kollektion konnte der junge Designer, der seinen Abschluss 2013 an der FahModa Akademie machte, an welcher er mittlerweile als Dozent tätig ist, überzeugen. Neben klassischen Schnitten fallen die Entwürfe insbesondere durch eine geschickte Verwendung von Tüll auf, welcher teilweise zu raumgreifenden Applikationen an den Kreationen angebracht wurden und einen leicht blumigen Charakter in die Kollektion einbringen. Die neue Kollektion spricht sicherlich urbane Frauen an, die einen modischen Ausflug mit Anspielungen auf vergangene Epochen mit Eleganz kombinieren wollen. Die Kleider sind leicht und verspielt, schön sommerlich und weich, während die Hosenanzüge mondän und griffig wirken. Hier kommen auch sehr gut die Muster in den Stoffen zur Geltung. Dabei fällt insbesondere der metallische, kupferfarben Glanz auf, der eine schöne Warme Nuance in den Soff einbringt, was bei den Röcken und einem Hosenanzug sehr ansprechend war. Zudem waren viele weiße Blusen und kurze Kleider zu sehen, die mit feinen Musterungen in Kombination mit Transparenz Blickfänge bieten. Auch Einzelstücke in Taubenblau, sei es als griffiger Stoff bei Hosen, oder als Strickware runden die Kollektion farblich ab.

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Berlin FWSS2018

Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Wir sahen die Arbeit der Schweizerin Vanessa Schindler bereits Ende April auf dem Mode-Festival in Hyères, wo sie schon zwei begehrte Preise gewann, den Première Vision Grand Prix und den Prix Publique der Stadt Hyères. Der Erstere sichert ihr neben 15.000 Euro Preisgeld die Zusammenarbeit mit einem Projekt von Chanels Métiers d’Art division zu, verbunden mit 10.000 Euro Erfolgsgarantie plus Einnahmen über die Rechte. Das ist schon großes Vertrauen in ihr Können und eine deutliche Adelung. Es ist auch ein Zeichen, wo man Zukunftstrends vermutet.

Um Gefrorenes Flüssiges geht es ihr nach eigener Auskunft bei den Ornamenten, Formen und Funktionalitäten. Das greift als Formel vielleicht etwas kurz, auch wenn sich in dieser Aussage schon der experimentelle Ansatz erahnen läßt. Ihre Entdeckung von Polyester-Urethan-Kautschuk als Kunststoff für Stoffbeschichtung animierte die Künstlerin zu recht ungewöhnlichen und aufwändigen Materialexperimenten, die in zwei Jahren schon zwei Kollektionen hervorbrachten.

Schindler fühlt sich inspiriert von flüssigen Designlinien, Industriedesign überhaupt, Architektur und auch dem Touch mystischer Erscheinungsformen. Moderne Technologie, Gestaltung und Sinnlichkeit, die sie in ihrer Mode zusammenführen will, beflügeln sie. Im Ergebnis sieht man Wirkungen, mit denen man Science-Fiction oder Unterwasserwelten assoziiert, sowohl infolge der exzentrischen Materialien als auch ungewöhnlicher Formgebung. Die menschliche Gestalt wird aufgelöst oder modifiziert mit neuen Dimensionierungen, angehefteten Zusätzen und eigenen, dominierenden Schwüngen in Linien und Formen.

Insofern, als Vanessa Schindler alle ihre lustvoll betriebenen Experimente auch mit funktionalen Ansprüchen verbindet, werden die entstandenen Teile weitgehend tragbar und sind sogar sexy und zugleich elegant. Darüber hinaus entsteht so auf vielschichtige Weise vielleicht auch ein Ansatz eines neuen Frauen-Bildes, auch wenn das gar nicht primär intendiert sein sollte.

In der Stimmigkeit des Ausdrucks dieser komplexen Anspruchsverbindung wird deutlich, worin das Zukunftspotential der Mode von Vanessa Schindler zu sehen ist und warum sie die große Aufmerksamkeit derjenigen erzielt hat, die kluge und überzeugende Innovation in der Bekleidung bei den Jungen suchen.

https://www.instagram.com/p/BYJRXwZFdIJ/?taken-by=modacycle.de

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Brachmann-Kollektionen sind stets geprägt von  einer Positionierung zwischen dem klassischen Modell männlicher Kleidung einerseits und streng kalkulierter Ästhetik der Moderne andererseits, wobei der Verzicht auf sportliche Pseudodynamik eine wirklich angenehme Haltung ist. Die Designerin schätzt die leicht distanzierte Eleganz des Anzugs, die sie modifiziert.  Die Betonung des Abschlusses oben – oft der geschlossene Kragen – akzentuiert die Vorstellung von Kleidung als einschließender Hülle, die ihrem Träger einen sicheren Auftritt verschafft. Strenge, Klarheit und Nüchternheit strahlen die Sachen aus, lieber wird das Detail genau kalkulierend geformt als dass verspielte oder zeitgeistige Extras beigegeben werden.

Dieser Standpunkt wird jetzt auch einer Frauenlinie zugrunde gelegt und das macht durchaus Sinn, auch wenn die Ergebnisse gelegentlich an uniforme Arbeitskleidung denken lassen (Krankenschwester, z. B.) und den Bezug zum Maskulinen mittransportieren. Doch im Zeitalter der geschlechtlichen Justierungen ist solch ein Entwurf für Damenmode eine wirklich interessante Positionierung, bei der Brachmann die feminine Gestalt durchaus nicht ignoriert. Der anfangs gezeigte Trenchcoat demonstriert die konzeptuelle Synthese aus unserer Sicht besonders überzeugend und ausgewogen.

Ein paar Eigenwilligkeiten leistet sich die Designerin aber immer, sie hebt damit ihre Gestaltung aus dem Vertrauten heraus und rückt sie ins Besondere.

Sogar zeitgeistige Phänomene finden Niederschlag: Die kurze Hose zum Jackett assoziiert aus klassischer Sicht den durchsetzungswilligen Halbwüchsigen, der auch den geschlossenen Halsabschluss verschmäht. Ein Angebot für den jungen Hipster, der auch im förmlichen Business seine eigentliche Haltung dokumentieren will.

Dennoch: Das Hemdsärmelige, das wir sehen, bleibt streng bzw. förmlich (auch im eigentlichen Wortsinn); und was kann das besser demonstrieren als die klassische Herrenweste ohne Jackett, die genau in dem Zwischenraum zwischen klassisch und unkonventionell auftaucht, in dem mehr oder weniger die ganze männliche Modelinie von Brachmann angesiedelt ist. Und für die Frauenlinie zeichnet sich das auch so ab.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Folklore war schon immer Teil der Hoschek-Kollektionen, in dieser Kollektion ist sie nun ganz Thema. Aus verschiedenen folkloristischen Perspektiven schneidert die Designerin mit ihrem reichen Fundus von Schnittversionen aufgepeppte Kleidung mit leichtem Sex-Appeal der 50s.

Zusätze wie Blumen, Applikationen, Zigeunerschmuck und Haarkränze bzw. -reifen kommen im Vergleich zu den letzten Schauen wieder stärker zum Tragen, einige typische Folkloreschnitte bereichern die Silhouetten. Rot-Weiß ist die sehr häufig anzutreffende, prägende Farbkombination und die folkloristischen Musterbücher fanden in großer Vielfalt Eingang in die Kollektion.

Lena Hoschek wäre nicht Lena Hoschek, wenn nicht hie und da ein paar kesse Sex-Elemente aufblitzten, geschickt, überzeugend und eher unaufdringlich – seltener allerdings als früher, der Trend zum Konventionellen ist dagegen deutlich stärker ausgeprägt. Immerhin hat die Designerin das Thema Folk etwas entstaubt und dabei auch mit sportiven, romantisierenden oder peppigen Ausprägungen experimentiert – so fanden beispielsweise Hotpants, Minirock und ein Bleistiftrock Eingang in das volkstümliche Vergnügen. Zum Défilé wählte sie entsprechend schmissige, elektronisch aufgepeppte Folkloremusik, die das Tradierte der Gegenwartswahrnehmung anpasste und den Gestaltungsansatz dieser Kollektion kongenial reflektierte.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Auch in dieser Saison ist die Berliner Designerin Ewa Herzog wieder auf der Mercedes-Benz Fashion Week in Berlin präsent und zeigte eine ansprechende Sommerkollektion für 2018. Dass sich die Designerin auf die Verarbeitung von Spitzenstoffen mit feinen Musterungen und Applikationen spezialisiert hat wird seit einigen Jahren von der Kundschaft und dem interessierten Publikum wohlwollend wahrgenommen. Gerade diese Kontinuität zeichnet die Marke aus und verspricht stets eine grundsolide Qualität und Beständigkeit. Den markantesten Unterschied zur letzten Sommerkollektion, also jenen schönen Kleidern, die von den Damen gerade jetzt getragen und angeschafft wurden, besteht in der leicht bekräftigten Farbpalette. So finden sich für den nächsten Sommer etwas gestärkte Töne und mehr Sättigung. Die Linie gewinnt dadurch an Akzentuierung, wirkt etwas präsenter und prägnanter, ohne dabei die gewohnte Feinfühligkeit und Verspieltheit zu verlieren. Bei den Silhouetten greift Ewa Herzog auf Klassiker zurück, vermeidet Experimente und sehr viele Kreationen weisen einen schönen, horizontalen Bruch in der Taille auf, variieren mit Längen und schwungvollem Volumen. Innerhalb der Kollektion bringt dies ein dynamisches und kräftig rotes Kleid sehr schön zum Ausdruck.

Kollektionen wie jene von Ewa Herzog vermitteln ein Lebensgefühl von leichter Verspieltheit in einem sicheren Umfeld. Damit erfüllen diese Kreationen, unabhängig ob zum offiziellen sommerlichen Anlass getragen oder einfach nur an der Strandpromenade beim Flanieren, das Bedürfnis nach Stabilität und Kontinuität im reinen, ungetrübten Sein.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist schon bizarr, der Blaumann wird zur Ikone einer Kollektion. Natürlich nicht wie er ist oder seinem Zweck entsprechend gestaltet, nein, er wird zum kreativen Bekleidungsobjekt erhoben und von seinem profanen Auftrag befreit. Stattdessen werden ihm Lifestyle-Elemente verpasst, dekorative, bunte Schnüre werden angehängt, im Rücken bekommt er eine Corsageschnürung (auf den Bildern leider nicht sichtbar), sein Blau wird intensiviert, seine Form ästhetisch modifiziert und er bekommt noch ein paar passende Geschwister in Form von Jacken, Mänteln, Westen und ein Unterhemd hinzugestellt, manchmal auch etwas Schwarz. Und außer den apart-glänzenden Schutzschuhen gibt es auch fesche Sandalen für die heißen Tage.

Jetzt ist der Blaumann Anführer einer ästhetisch aufgemotzten Künstlerfamilie und führt dort ein veredeltes Dasein. Halleluja!

Insgesamt, so finden wir, ein höchst amüsanter Gedanke, denn im übertragenen Sinne veredelt er das gute Handwerk im Denken eines Kreativen und das wäre dann auch eine soziologische Überlegung wert: Zum aktuellen Stand des Handwerks, zum aktuellen Stand der Weltsicht Kreativer und zum aktuellen Stand der Position der Mode. Aber das ersparen wir uns, denn eigentlicher Auslöser war nicht dieser schwierige Überlegungskomplex, sondern die berühmte Jacke von Joseph Beuys, die hier neu geadelt werden sollte. Letztlich hatte auch schon Beuys philosophische Gedanken zur schlüssigen Einheit von handwerklichen Arbeit und künstlerischem Schaffen dargelegt, die ihren äußerlich erkennbaren Ausdruck auch in seiner praktischen Jacke fanden. Allerdings hatte seine Philosophie nicht die Mode auf dem Schirm, damit hatte er, aus gutem Grund, nichts am Hut, obwohl die Philosophie schon recht komplex war.

Ivanman hat jetzt die Lücke erkannt und genutzt. In seinem Sinne und den modernen Zeiten angepasst, philosophische Konstrukte braucht’s heute ja eigentlich nicht mehr, und in der Mode ja ohnehin nur eher selten. Aber pfiffige Ideen sind für sich genommen stets eine willkommer Start für was Neues. Und so haben wir jetzt die wirklich originelle Ivanman-Kollektion, die uns gut gefallen hat, besonders, weil der deutliche Humor und die geschmackvolle Umsetzung doch ziemlich überzeugend waren.

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Text & Bilder Boris Marberg

Unter dem Titel „Get Real“ machte sich die Jury auf die Suche nach einzigartiger Mode, um die diesjährigen Preisträgerinnen und den Preisträger des European Fashion Award FASH zu finden und zu würdigen. In der ehrwürdigen, dem UNESCO Weltkulturerbe zugehörigen Basilika des Bode-Museums wurden die mit insgesamt 200´000 Euro dotierten Preise verliehen. Dieser Rahmen unterstrich, dass Mode ein essentieller Bestandteil der Kultur ist und Grenzen im Kreativen überwinden kann. Ein Schwerpunkt sollte die kritische Auseinandersetzung der Designer mit der Kommerzialisierung von sozialen Medien sein. Unter den Studierenden konnte Hannah Kliewer mit ihrer Strickkollektion überzeugen und gewann verdientermaßen vor Lea Schweinfurth, gefolgt von Andreas Stang.
Weitergehend wurden in der Kategorie Abschlussarbeiten Sonja Litichevskaya, Katja Skoppeks und Livia Honus honoriert. Hier hat uns besonders die Auseinandersetzung mit Flächenkompositionen und Farbklängen von Sonja Litichevskaya gefallen. Die Preise waren weltweit ausgeschrieben und konnten 205 junge Modeschaffende aus 29 Ländern motivieren, an dem diesjährigen Wettbewerb teilzunehmen.

Andreas Stang

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Sonja Litichevskaya

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Katja Skoppeks

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Livia Honus

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Lea Schweinfurth

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Hannah Kliewer

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