Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Die beiden Designerinnen Rianna Kounou und Nina Knaudt führen ihr Label aus dem Herzen Berlins hinaus in die Welt und bieten glamourösen Luxus, gepackt in Liebe für Vintage-Stoffe. Eine Persönlichkeit, die Glamour perfekt verkörperte, war die Opern-Sängerin Maria Callas, eine der bedeutendsten Sopranistinnen, die von 1923-1977 lebte und in den öffentlichen Wahrnehmungen eine der ersten Internationalen Superstars im Bereich der klassischen Musik wurde. Sie prägte den Begriff Diva.

Die Kollektion mit dem Titel OPERA ist eine Hommage an diese Ikone und spielt mit der Eleganz der Callas neben der Bühne und der Opulenz der Kostümbildnerei auf der Bühne. Präsentiert wurde kulturell passend im Bode-Museum – wenn auch kein Opernhaus, doch auf jeden Fall repräsentativ. Das Leben ist bunt, facettenreich und hat eine grundoptimistische Ausrichtung bei RIANNA + NINA. Die Verspieltheit und Kreativität zeichnen sich bei der Formgebung ebenso aus wie dem Rückgriff auf Textilien aus aller Welt, die liebevoll zusammengetragen werden. So werden Seidenorganzas, Obis und Kimonos aus Japan und Stoffe aus Mexiko wiederverarbeitet oder Federkielstickerei aus Osteuropa eingefügt.
 
Das alles darf und soll wieder umwerfend bunt und schillernd daherkommen. Überall glitzert es, Pailletten verfeinern die Oberflächen und Goldelemente finden sich auf zahlreichen Kreationen. Röcke und Kleider können dynamisch im Raum schwingen. Sie sind weich und üppig angelegt und gleichzeitig oft sehr luftig. Es finden sich sowohl Konstruktionen mit Symmetrien, als auch asymmetrische Schnitte, wertvolle Besätze oder Applikationen und großzügige, gelegentlich raumgreifende Ärmel sowie Volants an Blusen. Mit dem Titel im Hinterkopf fühlt man sich oft an die Kostüme von Opern und Operetten in südländischem Stil erinnert. Viele der Looks kommen in klassischen A-Silhouetten daher, wie diese auch in den 1960er und 1970er getragen wurden, und vermitteln Bewegungsfreiheit, Volumen und unterstreichen die Weiblichkeit.  Die Schuhe von „Converse“ – mit Kooperation – bilden Kontraste und sind handbemalte Unikate. Als Accessoires finden sich strassbesetze Schwimm- und Sonnenbrillen und handgefertigter Keramik-Schmuck rundet die prächtigen Erscheinungsbilder ab.

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Text: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg für BFW

Im Jahr 2020, als Sophie Claussen ihr AVENIR gründete, war der Anspruch einer konsequenten ökologischen Ausrichtung noch ein herauszuhebendes Merkmal für ein Kollektionskonzept, inzwischen aber steht man damit längst nicht mehr allein. Infolgedessen gerät ein zeitgemäß nachhaltiges Label in Zugzwang zur Konkurrenz, entweder mit spezifischer Verarbeitung oder mit distinguierter Gestaltung.

In dieser Hinsicht aber bietet Avenir eher nichts Atemberaubendes, vielmehr finden wir in der Herbst-/Winterkollektion 2024, Sweat, einen Querschnitt gestalterischer Trends und Moden der letzten paar Jahre – solide gemacht und eher konventionell-modern angelegt. Architektonische Schichtungen machen noch immer das Wesentliche der Entwürfe aus, dazu lose, lange Bänder, offene Nähte, verlängerte Ärmel und variierende Angebote zwischen Klassisch und Alltagstreetwear. Eine Orientierung an Jahreszeiten zeigt, auch bei der Funktionalität der Ausrichtung, eher keine nennenswerten Unterschiede. Gleichwohl möchte sich das Label mit der Kollektion Sweat mit den Auswirkungen der Erderwärmung auseinandersetzen und geht davon aus, dass sich hieraus modische Bedürfnisse ergeben. So ganz erkennbar wird das Anliegen über den Titel hinaus aber noch nicht.

Gestalterisch wird viel mit Schichtungen gearbeitet, so dass die jeweiligen Looks sich leicht an die sich geänderten Situationen und Wetterlagen über den Tag hinweg anpassen lassen. Dabei sollen sich auch in der Farbpalette die Temperaturschwankungen widerspiegeln. Diese ist in den klassischen Herbstfarben gehalten, welche auch aus ökologischen Aspekten heraus mit am nachhaltigsten umsetzbar sind. Umgesetzt wird dies mit Strickkleidung, Jeans und viel Patchwork bei Jacken. Die Konstruktionen sind großflächig angelegt mit lockeren und bewegungsfreundlichen Volumen. Viele Looks sind vertikal in die Länge gezogen und legen die Schichten dynamisch frei. Hierdurch entstehen Brüche, welche die Silhouetten und das Konstruktive betonen. Durchgängig wirkt die Kollektion tragbar, funktionell und sehr individuell, ohne abgehoben zu sein und Bodenhaftung zu verlieren. Sie ist damit zu verschiedensten Anlässen und sozialen Umfeldern passend.

Avenir bietet zwei Linien an, eine für maßgeschneiderte Kreationen und eine „konventionelle“ Kollektion.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Zeitgenössische Mode kann ohne Worte auskommen und ein treffendes Statement formulieren. Die dänische Designerin Sia Arnika lebt und wirkt in Berlin und zeigte nahe Potsdamer Platz ihre aktuelle Kollektion für Herbst und Winter 2024. Die Kollektion sei dabei von der dänischen Stummfilmdarstellerin Asta Nielsen inspiriert, welche auch sehr intensiv in Berlin künstlerisch tätig war.

Die Stummfilmära wurde in den 1910er bis 1930er Jahre stilistisch und gestalterisch durch zahlreiche Protagonisten in Berlin geprägt und zog gerade in den 1920er Jahren viele international ausgerichtete Künstler aus der ganzen Welt an, wie zum Beispiel Asta Nielsen. Die Epoche des Stummfilmes wird heute vielfach mit dem monumentalen Werk von Fritz Lang, Metropolis aus dem Jahr 1927, assoziiert, denn der war stilbildend. Auch wenn dieses prägend bis heute ist, so ist die visuelle Kraft des Films hier nur exemplarisch für diese Zeit zu sehen. Er war avantgardistischer Ausdruck eines Umbruches, der auf vielen gesellschaftlichen und kulturellen Ebenen stattfand.
Heutzutage ist das nicht anders, Berlin ist ein künstlerischer und kreativer Magnet und wieder hier schlägt sich der Umbruch des Denkens deutlich in der Kultur wieder.

Die Mode der Epoche des frühen 20sten Jahrhunderts spielte damit, zwischen weit auseinanderliegenden gestalterischen Polen und Positionierungen zu pendeln. Eine Zeit der Extrempositionierungen. Androgynität stand konträr zu gelebter Weiblichkeit als Polarität, aber auch Normierung und Individualismus standen sich damals gegenüber. Dabei wurden, besonders hinsichtlich der Rolle der Frau, fluide eigene Ansätze der Interpretation des Selbst und der Individualität herausmodelliert. Dies wird vielfach heute als ein Selbstfindungsprozess gesehen, der auch die zeitgenössische Gesellschaft in Konfrontation mit neuen Definitionsansätzen zu Rollen- und Geschlechterverständnissen bringt. Die Protagonistin der Inspiration für diese Kollektion, Asta Nielsen, pendelte beispielhaft stets zwischen solchen Polaritäten. Dies findet sich bei von ihr gespielten Rollen gesellschaftlich, als auch in der dargestellten Geschlechterzuordnung wieder. Von androgyn bis hin zur verführerischen Sexiness reichte seinerzeit die Palette der Charaktere, welche Asta Nielsen spielte.

Bei der Kollektion von Sia Arnika ist dieses Pendeln zwischen verschiedenen Interpretationsansätzen und Rollenverständnissen – wie auch in der Stummfilmepoche – deutlich sichtbar und die Inspiration ist nachvollziehbar stilistisch umgesetzt. Schichtungen bei Flächen, das Modellieren des Materials in den Raum hinein und Drapierungen werden genutzt, um einzigartige Looks zu kreieren, die zwischen Interpretationen von „Modest Fashion“ – also sehr bedeckend und distanzschaffend – als auch provokant verführerisch und Selbstverliebtheit pendeln. Die ganze Kollektion wirkt weitgehend nüchtern, klar abtrennend das Individuum herausarbeitend. Kapuzen finden sich ebenso wie Haubenkonstruktionen zahlreich und prägen das gesamte Erscheinungsbild. Durch die dynamische Präsentation bei der Schau wurde auch eine gewisse Note an „Härte“ kraftvoll unterstrichen. Glänzende, lackartige Materialien reflektieren Licht und verstärken den abtrennenden Charakter der Kleidung zum Umfeld. Farblich wird sehr reduziert gearbeitet und bis auf sehr wenige Kontrastpunkte – Kleider in kräftigem Rot – überwiegend mit sehr dunklen Tönen, tiefem Blau, dunklem Beige und Schwarz, respektive Weiß – auch dies wieder eine Anlehnung an die frühen Jahrzehnte des Films. Es entstehen harte, klare Kontraste. Dies sind stilistische Elemente der schwarzweiß geprägten Stummfilmära, um Aussagen pointiert und kraftvoll zu unterstreichen. Eine Schlichtheit, mit lautem Aufschlag beim Gegenüber, die für Gestik und Mimik Raum schafft, um modisch Emotionen zu postulieren. Einfach ist diese Kollektion nicht, sie ist komplex, vieles ist „zwischen den Zeilen“ lesbar.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Mit einer auf Tragbarkeit ausgelegten Herbst- und Winterkollektion, welche mehr als 30 dezidierte Looks umfasste, präsentierte die Ukrainerin Kristina Bobkova bereits zum dritten Mal auf der Berliner Modewoche ihre Interpretation von zeitgenössischer Damenmode.

Dabei spielen wieder mal Volumen und lässig fallende Stoffe die Hauptrolle. Weich fallend, gradlinig geschnitten mit zahlreichen horizontalen Brüchen und Schichtungen warten einige Kombinationen aus Blusen und Röcken oder Hosen auf. Vielfach ist das Innenfutter bunt und in herbstlichen Farben gehalten. Aber auch bei den Oberflächen findet sich oft eine herbstlich bunte Vielfalt an warmen Tönen. Hier sollen Assoziationen mit Herbstfrüchten sich wiederfinden und Fülle und Üppigkeit vermitteln. Es dominieren Beige, Off-White und Schwarz, in Kontrast gesetzt zu Wein-, Brombeer-, Pflaumen-, Bordeauxtönen.

Der gestalterische Fokus dieser Kollektion liegt auf den Oberflächen und Silhouetten. Im Ansatz wird oft gerafft und drapiert, an Schultern ausgeprägt, und Flächen werden durch das Absteppen getrennt und durchbrochen. Es werden Schleifen und Asymmetrien bei zahlreichen Kreationen eingebunden und machen diese zu Alleinstellungsmerkmalen. Vor allem bei dunklen Looks wird von der Textilstruktur in den Raum hineingegriffen und dadurch werden Reliefs herausgeprägt. Viele Silhouetten sind monolithisch und stehen neben A-Formen von kombinierbaren Röcken. Das kommt locker und verspielt daher ohne aber abgehoben und extrovertiert zu wirken.

Der Stil ist weiterhin selbstbewusst, feminin dominant und bleibt einer dezidiert weiblichen Identifikation treu. Für visuelle Narzissten ist die Kollektion nichts. Dafür ist sie alltragstauglich und auch für klassische Konventionen im Büro geeignet. Die Gesamtlinie bleibt weiter stringent und will einen zeitlosen und klassischen Stil bieten. Viel Material kommt aus dem Upcycle wird durch eine Basis aus natürlichen Textilgeweben von Seide, Baumwolle, Wolle bis hin zu Kaschmir untermauert.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Auf der Berliner Modewoche hat der Designer Dennis Chuene seine neue Kollektion im Pressecafé am Alexanderplatz vorgestellt. Damit zeigte Chuene seine Arbeit im Rahmen von „Berlin Contemporary“, einem Konzeptwettbewerb des Berliner Senates und des Vereins Fashion Council Germany e.V.  Gerade in diesem Format sollen neue, spannende und aufstrebende Talente gefördert werden.

In der Vergangenheit wurden die Kollektionen des aus Südafrika stammenden Designers oftmals als Unisex-Kollektionen beschrieben. Die aktuell vorgestellte Kollektion fällt nicht mehr in dieses Raster. Auch die wilden Schichtungen und Materialmixturen, welche man in früheren Kollektionen gefunden hat, finden sich in der aktuellen Kollektion nicht wieder. Ein gestalterischer Neubeginn ist diese Kollektion aber auch nicht. Vielmehr ist diese getragen von einer nüchternen Distanziertheit, überwiegend schwarzen Kreationen mit leicht fallenden, oft üppigen Volumen und einer kühlen Ausstrahlung. Vielfach fallen bei den einzelnen Looks lose Bänder auf, welche Ärmel und Abschlüsse verlängern und die Silhouetten auflockern.  Die Konstruktionen sind klar strukturiert und stringent in der Formgebung. Sichtbare, kontrastierende Nähte als Strukturierung der Flächen, Deko oder auch als unfertig offene Kanten assoziieren manchmal den handwerklichen Anteil, gelegentlich werden sie auch wie Applikationen hinzugefügt.

Der Gesamteindruck ist düster, distanziert, persönlich abgrenzend und mit einem Touch urbaner Verlorenheit. Wer diese Looks tragen möchte, bringt wahrscheinlich zum Ausdruck, in einem urbanen Milieu zu leben und sich darin mit seinem kulturellen Umfeld von anderen zu unterscheiden. Alles wirkt sehr individualistisch geprägt also, durch die Reduktion gleichzeitig verhalten, nicht wie bunte Paradiesvögel. Stilistisch passt dies eher gut zu einem kalten, windigen und nassen Berliner Winter. Und eine Anmutung von Streetwear und lässiger Kluft ist oft in die klassischen Referenzen eingebaut. Ansprechend und fast zeitlos ist ein unstrukturiert gepolsterter Damen- „Puffmantel“ mit schöner weiter Silhouette, eine schlichte Adaption eines Designklassikers. Daneben steht ein knielanger Herrenmantel in klassischer Wolloptik.
Viele Kombinationen werden sich auch im Berufsalltag in nicht streng formellen Milieus gut kombinieren lassen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Eine der letzten Schauen im offiziellen Programm war vom Label LD-13 (Lisa Deurer), angenehm, schön und unaufgeregt. Langsam zu  getragener live Cello-Musik gab sich der Catwalk gelassen, ruhig und konzentriert. Eine Schau, die sich Zeit nimmt und der Betrachtung eine Chance gibt.

Basics sind entschiedenes Schwarz und elegante Silhouetten mit schöner Linienführung, von denen aus die Designerin viele gestalterische Ausprägungen ableitet. Zum Schwarz tritt zunächst Rot, meist in Form von Outfitergänzungen in Strick, die dann aber gelegentlich, wie verselbständigt, mit Weiß kombiniert werden. Später wandelt sich das Schwarz auch mal zu Grau und die monochromen Oberflächen zu Schwarz-Weiß-Querstreifen. Mit den Schnitten und Silhouetten ist das Vorgehen ähnlich, jede Abweichung oder jedes Gegenkonzept wirkt sehr kontrolliert und berechnet. Ausserdem wagt die Designerin kleine Experimente und originelle Einlagen und auch dabei hat man den Eindruck, dass das sehr beherrscht bleibt und mit dem Launigen die Klarheit nicht aufgegeben wird. Immer gelingen ihr schöne Gestalten und ein stilles Vergnügen am Entwerfen wird spürbar. Für wirkungsvoll befunden hat sie die hochgezogenen Schultern, ähnlich wie Namilia die zuvor propagiert hatten, und der Effekt pointiert ganz wunderbar die Eleganz in der Gesamtlinie der Oberteile und des Mantels. In der Beherrschtheit geraten all die sicher eingebrachten Stilismen und Eigenheiten zu einer ruhigen Lebendigkeit, veredelt auch durch schöne Stoffe mit sanftem Glanz oder haptisch attraktivem Strick.

Mit dem Konstruktionsmodell für eine Tournure aus glänzendem Stoff und mit Bustiers und einem Rock aus Gips mit unregelmäßiger, zerbeulter Oberfläche treibt Lisa Deurer am Schluss noch ein paar Experimente weiter, fast wie ein vergnügter Selbsttest, der ihren eleganten Geschmack aber nicht wirklich infrage stellt, sondern eher einen Touch Humor hinzufügt. Die gediegene Ausgewogenheit zwischen Kontrolle und ungewöhnlichem Experiment kennzeichnet letztlich die gesamte Kollektion. Lediglich das Schuhwerk erschien nicht immer spezifisch ausgesucht dazu, aber das fiel nicht wirklich ins Gewicht.

LD-13 beherrscht die Kunst der verhaltenen und dennoch lebendigen Eleganz – kombiniert mit originellen und klug eingebundenen Experimenten. Das ist schon eine ungewöhnliche Kombination. Die Infos referieren zwar explizit auf seinen eigentlichen Standort New York, die Kollektion wirkt aber überhaupt nicht so.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg for BFW

In der Aufwärmhalle des Berliner Olympiastadions präsentierte der Designer William Fan seine neue Kollektion „Off Duty“ für Herbst/Winter 2024 und eröffnete damit „quasi kalendarisch“ die Berliner Modewoche. Eine Woche, die neben dem offiziellen Kalender eine Vielzahl von Nebenveranstaltungen geboten hat und oft von Professionellen als von eine vom gefühlten Zerfall des Einzelhandels getragene Institution gesehen wird.

Gerade der Einzelhandel in den Innenstädten leidet an einem massiven Umsatzschwund, rasant steigenden Mieten, exemplarischen Pleiten wie jene des KaDeWe in Berlin, was alles zusammen ein toxisches Umfeld für den Handel in den Zentren manifestiert. Kleine Labels setzen deshalb vermehrt auf eigenen Vertrieb. Und dennoch ist zeitgenössische Mode weiterhin urban ausgerichtet. Hier pulsiert die Kreativität, insbesondere modisch in Berlin, wie in keiner anderen deutschen Großstadt. Auch deshalb legitimiert dies weiterhin, dass Berlin mit seiner Modewoche für Deutschland und deutsche Mode tonangebend ist.

Die Aufwärmhalle des Stadions bot eine angemessene Mischung aus kühler Nüchternheit und sportlich-dynamisch warmem Ambiente. Die Tartanbahn wurde zum Laufsteg für die Modelle, mit denen William Fan zeigt, dass er Altersgrenzen mühelos überwindet und ein weites Publikum ansprechen kann. Seine neue Kollektion ist auf Freizeit und Distanz zum Arbeitsalltag ausgerichtet. Das ist nicht so selbstverständlich, denn dem Berliner Designer wird nachgesagt, ein Liebling derer zu sein, die einen Faible für hochwertige Eleganz hätten. Jedenfalls werden seine Kreationen leger getragen. Die Volumina sind weit und locker, wie auch die Silhouetten. Lange Hosen und Oberbekleidung lassen sich untereinander kombinieren und die Looks können mit Taschen unterschiedlichster Größe und Form aus dem selben Modehaus abgerundet werden. Diesen herbstlichen Kombinationen von Hosen, Blusen / Hemden, wie auch Jacken, Pullundern und Mänteln steht eine kleine Reihe von langen und weiten Kleidern für festlichere Auftritte zur Seite. Teilweise sehr dunkel gehalten mit griffiger in den Raum wirkender Struktur.

Die Kleidung wirkt tatsächlich edel, trotz oft gröberer Struktur im Gewebe, die Textilien sind griffig und angenehm auf der Haut. Farblich spielt der Designer wohltuend mit der Palette eines warmen Herbstes, eines Winters, der eher mediterran daherkommt. Warme Grüntöne, Beige, blasses Gelb, Abstufungen von Grau bis zu tiefem Schwarz finden sich bei den Looks und in zwei Varianten grobe Karos bei Mantel-Kleidern. Im Kontrast zur Tartanbahn stehen die zahlreichen fluffigen Pantoffeln, welche von vielen Modellen getragen wurden – für Freizeit im Winter sicher ein passendes Accessoire.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Erstmalig lud das in Sri Lanka verwurzelte aber in Deutschland ansässige Label Kitschy Couture zu einer Show-Feier bei der Berlin Fashionweek ein, inszeniert wie die Vorstellung einer west-östlichen Hochzeit im schönen Ballhaus Pankow aus dem 19. Jahrhundert. Mit liebevoll hergerichteten Kulissen und einer indischen Tanzeinlage – dabei spürt man das Flair von Heimweh.

Eine Hochzeit ist gerade in Indien die romantischste Vorstellung einer Feierlichkeit und entsprechend aufwändig sind die dazu gehörigen Garderoben. Wenn überhaupt darf und soll dafür ein künstliches Paradies ungebremsten Auftritt haben und darum ist diese Rundum-Inszenierung in und vor dem Ballsaal der geeignete Rahmen für die Garderobe des Labels. Die Diaspora im Publikum tritt dazu mit prächtigen Saris und üppigem Schmuck auf, wir hören indische Musik – die Idee vom Festlichen ist sehr gegenwärtig.

Und zuckersüß darf es auch sein, sowohl die aufgebauten Kulissen als auch die Kollektion verströmen verführerisches Aroma, inspiriert von den kitschigen Geburtstagstorten der Mutter der tamilischen Designerin Abarna Kugathasan. Neben dieser deutlichen Assoziation geht es aber auch um die Synthese von westlicher und indischer Kleidungsästhetik, um Erinnerungen aus der Kindheit und Anschauungen der Moderne sowie eine Liebe zur nostalgisch berührenden Festlichkeit mit ihrer eigenen Anmut und sogar ihrem Touch von erotischem Flair.

Die Kitschy Couture-Kollektion feiert romantische Sehsüchte von schöner Welt und kann sich dabei der Freude des Publikums in deprimierenden Zeiten sicher sein. Die Designerin demonstriert, dass man eine solche Kollektion trotz des begrifflichen Beigeschmacks mit gediegener Geschmackssicherheit kreiieren kann sowie mit handwerklicher Perfektion. Ausserdem mit unzähligen Einfällen zu Dekoration und ausgetüftelter, eleganter Gestalt. Dabei dominieren durchaus zeitgemäße Gestaltungstrends wie raffinierte Beinbekleidung, Korsagenkombinationen und formal kreative Oberteile, dazu Raffungen, Bänder, Schleifen und aufwändig gestickte Applikationen. Vieles ist inspiriert von Lingerie.

Jenseits des Kontexts der Inszenierung lebt die Kollektion eben nicht von folkloristischer Nostalgie oder fremder Exotik, das verleiht ihr nur einen besonderen Touch. Im Wesentlichen ist sie vielmehr geprägt von westlichen Modetrends und spannenden Gestaltungsexperimenten, also sehr modern. Das hat Kitschy Couture den Preis für „Berlin Contemporary“ (neben Marke und Lueder) als herausragende Teilnehmerin des Berlin Contemporary Wettbewerbs eingebracht: die Erwählten „verkörpern die Essenz des Engagements der Berlin Fashion Week für Offenheit, Diversität, Nachhaltigkeit und die Wertschätzung individueller Überzeugungen.“ (Fashion Council Germany)

Für sich genommen sind die Location und die Gesamtinszenierung eine deutliche Bereicherung für die Berliner Fashionweek, der der Reiz an beidem oft abhanden kommt. Abgesehen von Ausnahmen wie zum Beispiel Marina Hoermanseder und wenigen anderen genügt den Designern die nüchternste Version einer Präsentation auf einem Laufsteg. Und sie verzichten damit auf die Möglichkeiten emotionaler Vereinnahmung und Ausstrahlung. Das ist freilich nicht nur in Berlin so. Die Pressemitteilung schreibt: „Die verführerische Welt von Kitschy Couture wurde bereits in der Vogue India vorgestellt mit dem Ziel, die Kreativität und Individualität Südasiens in den Mittelpunkt zu rücken. Es folgten Veröffentlichungen im i-D Magazin in Frankreich und Großbritannien. Von London nach Chennai, Jamaika, Indore und zurück nach Berlin reist das Label durch die Welt und feiert ihre kitschige Fantasie international.“

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label PLNGNS (Palingenesy) des Designers Mitya Hontarenko aus Kiev hat sich zuvor ausschließlich mit Schuhen beschäftigt und lanciert nun seine erste Total-Look Kollektion. Die Erweiterung bleibt schlüssig, denn Ästhetik und die Wiederverwendung von entsprechenden Materialien sind gleich geblieben.

Der Ansatz, gebrauchte Kleidung analytisch in kleine Elemente zu zerlegen und diese anschließend zu einer neuen Gestalt aufzubauen – das heißt zusammenzunähen – ist ein pfiffiges, aber auch aufwendiges Gestaltungsprinzip und emanzipiert sich, wenn es strategisch zielgerichtet genutzt wird, entschieden von dem Patchwork der Hippie-Ära. Es ist eher eine geplante Collage. Denn der Zufall spielt eher eine sehr nachgeordnete Rolle, umso mehr, als eine eigene Ästhetik des Erscheinungsbildes zu einem unverwechselbaren Style führt. Es versteht sich von selbst, dass jedes Teil ein Unikat ist und das mit umso aufwändigerer Schneiderarbeit, je kleiner die Einzelteile sind und je exzentrischer ihre Form ist.  „Es ist Kunst, die man tragen kann“, sagt Mitya Hontarenko – zumindestens sind die Verfahren ihr entlehnt und der Aufwand tendiert zu Haute Couture.

Mit dem Verfahren entstehen aus alten Sneakern, Turnschuhen, Stiefeln und diversen gebrauchten Kleidungsstücken neue Schuhe, Jacken, Hosen und Caps – das ist das ökologische Prinzip und die gestalterische und handwerkliche Herausforderung, bei der schon mit Blick auf Details eine beeindruckende Faszination erzielt wird (siehe auch hier):

Entscheidender aber ist dann das Ganze, nämlich wie die Gesamterscheinung daher kommt, und die ist, wie gesagt, alles andere als beliebig. Grundlegend ist die allgemeine Ästhetik von (Turn-)schuhdesign, die sich im Laufe der letzten Jahre ausgeprägt und spezifiziert verselbständigt hat, bis hin zu Sammler- und Künstlerexemplaren. Unter modebewußten Konsumenten hat sie bekanntlich große Aufmerksamkeit und ein eigenes, sehr differenzierendes Stilverständnis etabliert. Mitya Hontarenko erweitert dieses bislang eher für sich agierende Genre auf einen Style für die Gesamtkleidung. Auch da, wo die Elemente ihre Herkunft nicht verraten, werden sie so zurechtgeschnitten und so ins Ganze eingefügt, dass die optische Referenz Schuh als Dekor sichtbar wird und sogar im Gesamtschnitt zumindestens eine Anlehnung daran erkennbar ist. Die Kollektion zeigt sehr verschieden gestaltete Erscheinungsbilder dieser Leitidee, abgesehen von den Sturmhauben, die vielleicht als Acessoire so etwas wie zusätzlichen Vollschutz symbolisieren.

Man kann diese Kollektion durchaus als ein Statement beziehungsweise Beitrag verstehen, wie das nachhaltige Upcycling-Verfahren zu ästhetisch anspruchsvoller und sehr zeitgemäßer Mode geführt werden kann. Hinzu kommt der Anspruch des Designers „Mir ist es wichtig, dass jedes Kleidungsstück anders und einzigartig ist.“ Inwieweit all das vom teuren, aufwändigen Unikat in industrielle Fertigung übertragen werden könnte, ist noch offen, der Auftrag an die Industrie, hier Lösungen zu finden, wird zunehmend dringlicher werden. Die Designer machen jedenfalls ihre Arbeit – und das inzwischen richtig gut.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg für BFW *

Am Schluß seiner Schau präsentiert sich der Designer von GLÜCK, Egor Bashtovenko, im Schlafanzug zu Vogelgezwitscher und unterstreicht damit ganz witzig den Traumcharakter seiner inszenierten Kollektion, die den Untertitel Glück’s Couture Journey hat. Mit dieser Leitidee ist es naheliegend, an klassisches Kostümbild zu denken. Und das wird dann auch so vorgeführt – zumindestens im äußeren, inszenierten Effekt. Es gibt eine kleine Bühneninstallation im Background, aus der sich der Märchenbaum dann lebendig als Kostümfigur löst und die auch den Hintergrundprospekt für die Schau ausmachen soll. Die vorführenden Modelle bewegen sich anmutig, tänzerisch und geisterhaft über den Laufsteg.  In diesem Sinne wird der erwachsene Zuschauer wieder in die Märchenwelt seiner Kindheit geführt, da erscheinen Waldgeister, Elfen, Feen und andere Fantasiegestalten aus Träumen und Geschichten und der Zauber surrealer Fantasien manifestiert sich in ihrer Garderobe.
Die Materialien der Outfits werden wesentlich aus Pilzen gewonnen, und das ist nicht nur ein ökologisch bewußter Ansatz sondern quasi schon die Brücke zu den halluzinierten Gestaltungen. Aber ganz so extrem kommen die nicht immer daher, manches oder Teile davon sind auch diesseitig tragbar. Insgesamt kommt diese Kollektion zum Beispiel auch einer Kundenklientel entgegen, deren versponnenen Leidenschaften wir schon bei den Platte-Labels begegnet sind: sehnsüchtiges Festhalten am Kindlichen und an abdrehenden Tagträumen im Übergang von Jugend zu Erwachsen. Entscheidend ist es, dazu stehen zu wollen.

Aber Egor Bashtovenko bleibt keineswegs dabei stehen. Er generiert daraus eine große Anmut, verbunden mit feiner Detail- und Oberflächenverliebtheit und nicht selten auch eine Hommage an Eleganz, die unverkennbar der Modegeschichte und der Haute Couture entlehnt ist und auch für einen luxuriösen Schliff sorgt. Damit treten die versponnenen Ideen des Designers überzeugend in eine erwachsene, anspruchsvolle Realität hinein, und zwar auf eine sehr positive, modephilosophische Position. Dies betrifft auch seinen experimentellen Umgang mit Materialbeschaffenheiten, starr und soft, matt und glänzend, fest und durchlässig sowie auch die hinzugefügten Konstruktionen: Bei dem Hochzeitskleid am Ende, zum Beispiel, ist eine sehr anschauliche Symbiose der ästhetischen Ausgangspunkte gelungen – der Transfer vom Vesponnenen ins reale Lebensglück hat eine reizvolle und geheimisumwitterte Formulierung gefunden.

Jenseits der Wahrnehmungen von Fantasy und Sehnsüchten verbleibt, wie erwähnt, deutlich der Anspruch einer besonderen Eleganz. Diese gegenwärtig zum Kriterium zu machen, ist mutig. Es legt nämlich gewisse (und oft unerfüllte) Bedürfnisse, die wir gegenüber der Modewelt hegen, offen und bietet neue Ansätze zum Vergnügen an gutem Geschmack an. Dass dies auf diese Weise gelungen ist, kann man wohl als kleinen Fortschritt oder sogar Gewinn verbuchen.
Das recht große Publikum schien das jedenfalls sehr zu goutieren.

* Foto Bühnenbild von Gerhard Paproth

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Und wieder bietet Namilia die lockerste und hedonistischste Schau der Welt und zieht in Berlin auch das wohl coolste Publikum an. Gleichzeitig, so hat man jedenfalls den Eindruck, zielt nicht mehr alles auf das queer gesonnene Club-Publikum der Hauptstadt, nicht mehr jedes Stück ist konsequent auf humorvolle und erotische Provokation angelegt.

Das dämpft die Radikalität des bekannten Entwurfskosmos‘ ein wenig. Trotzdem sind das eher keine Zugeständnisse, denn die Leitlinie des Designerduos wird nicht verlassen, alle Outfits sind noch der offensiven Wirkung verpflichtet, wenn auch nicht mehr ganz so detailverliebt und so innovativ wie zuvor. Während die Schauen der vorangegangenen Saisons noch geradezu verschwenderisch mit originellen Ideen daher kamen, finden sich jetzt viele Neuauflagen davon und auch die eine oder andere leicht variierte Wiederholung. Die Mittel werden noch mal verstärkt oder übertrieben. Der kreative Esprit bestimmt die Kollektion noch immer entschieden genug, um diversen Nachahmungen anderer Designer eine gehörige Länge voraus zu sein und genügend neue Experimente vorführen zu können. So zum Beispiel die weit ausufernden, bodenlangen Röcke für Männer und Frauenkleider, angelegt wie riesige Abendkleider, nicht selten mit Schleppe, helmartiger Kopfputz, neu gedachter „Tarnfleck“ oder „Naturmuster“, erotisch zugespitzter Barbie-Style oder knappe, aber originelle neue Abdeckungen bei Nacktheit. Hinsichtlich der Bequemlichkeit, die vielleicht mit dem Clubauftritt gefordert ist, erscheinen jetzt mit den ausufernden (Reif-)Röcken beziehungsweise Kleidern, den großen Mänteln und den eher unpraktischen Kopfbedeckungen auch gestalterisch sperrige Positionen, die aber wohl besonders zwingend die Blicke auf sich ziehen sollen und neben der sexy Sparsamkeit auch das überbordend Üppige feiern sollen. Die hedonistische Grundhaltung wird im Nebeneinander nicht aufgegeben.

Die Farbe Pink – meist kombiniert mit Schwarz – ist dominant vertreten und die frechen Schlampen-Sprüche werden oft mit Aufmerksamkeits-Gelüste ergänzt (FAME BITCH). Das steht für den wunderbaren, klugen und hintergründigen Humor der Selbstbespiegelung, der die hedonistische Haltung so attraktiv und überzeugend macht. Er entkräftet das Billige und stärkt das Sinnliche. Besonders reizvoll ist auch die Pointierung der sexuellen Kräfte, sowohl geschlechtsspezifiziert und dennoch nach dem Motto Alles für Alle. Darin liegt die besondere Kunst bei Namilia, die die Designer so souverän und zugleich spielerisch beherrschen wie kein anderes Label. Hinzu tritt die freche, unverschämte Übertreibung, die, ohne das zu betonen, mit einem gewissen Augenzwinkern formuliert ist. Hierin liegt der eigentliche Kern der kreativen Gestaltung, der zugleich ermutigt, sich auf die Gestaltungssprache einzulassen und der den eigentlichen Sympathiefaktor ausmacht.

Das Unaggressive der Offensiven, der heftigen Angriffe aufs Moralische ist ebenfalls eine entscheidende Grundlage der Haltung. Insofern ist Namilia vielleicht auch ein pädagogisches Programm, dessen Wirkung auch im Publikum ablesbar ist. Da sieht man die Hardcore-Fans in ihrem vollen Ornat queerer Erotik neben den sympatisierenden Durchschnittsjugendlichen, alle von der philosophischen Grundlinie des Namilia-Designs begeistert.

Das, was als sehr äußere Gestaltkennzeichnung den Namilia-Style am simpelsten ausmacht und mittlerweile häufig in Kollektionen anderer Designer aufgegriffen ist, nämlich die hochgezogenen Schultern auf Flügelforn, findet sich in dieser Kollektion kaum noch. Die Schultern sind jetzt noch breiter, aber nicht mehr hoch gezogen und der Thierry-Mugler-Effekt wird mit Übertreibung noch einmal neu ausgespielt. Jedenfalls haben die Designer dieses „Markenzeichen“ schon wieder aufgesteckt und setzen auf ihren Style allgemein. Das exzentrische Pulver ist sicher noch nicht verschossen.

Das Publikum sorgt schon für eine eigene Schau-Atmosphäre grundvergnügter Betrachtung und erotisierter Spannung. Die Models wirken wie aus dem Leben gegriffen und marschieren angenehmerweise auch recht individuell über den Laufsteg, das sorgt sehr passend für reduzierte Distanz und hat sympathisierenden Effekt. Dass die Veranstalter allerdings den Filmer zulassen, der auf dem Laufsteg vor, hinter und neben den Models filmend mitläuft, hat laut zu berechtigten Unmutsäußerungen aus dem Publikum geführt, in der Hinsicht sind lockere Präsentationsformen dann doch eher kontraproduktiv.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die aktuelle Kollektion von Haderlump kann man eigentlich als Zusammenfassungen der geläufigen gegenwärtigen Trends in den Gestaltungsideen und Gestaltungsmitteln sehen. Besonders auf Berlin bezogen. Sicherlich ist auch deswegen der Publikumsandrang und der Zuspruch so groß.

Demnach finden sich in der Kollektion beispielsweise die patchworkartigen Verschmelzungen verschiedener vorgefundener Elemente, die formalen Jackenauswüchse, die herumfliegenden Bänder, zauselige Stricktops, architektonische Schichtungen, Schärpen, Bustiers, Schnallen und abstrakt-poppige Muster. Natürlich ist auch alles nachhaltig angelegt.
Alles gut, alles schön.
Es ist fast ein Statement zum Stand der Dinge. Zugleich bedient diese Kollektion damit die klärende Positionierung der Berliner Modeszene im internationalen Getriebe. Das ist an sich nicht schlecht, denn es beantwortet die seit langem berechtigte Forderung danach: Die Kollektion dokumentiert so etwas wie „Mainstream der Berliner Avantgarde“.
Eigene Focussierungen auf bestimmte Leitgedanken (ausser der kreativen Nachhaltigkeit mit Upcycling) gibt es eher nicht und damit auch nicht, was den eigenen Haderlump-Style ausmachen könnte. „Charakteristische Schnitte und Formen“ (J. Ehrhardt, Kreativdirektor) fallen wenig ins Gewicht. Das wiederum ist schade, denn der Designer versteht sich ja eher als Teil der subkulturellen Kreativbewegung.

Unüblich dagegen ist es, konkrete Aufträge von Unternehmen bzw. Sponsoren zu Arbeitskleidung in die Kollektion zu integrieren, hier sind es sieben Outfits – dezidiert für DHL gemacht. Für die Kollektion „Circularis“ arbeitete Haderlump unter anderem mit ausgemusterter Arbeitskleidung des Logistikunternehmens, das Label-Signet groß und deutlich aufgebracht. Galt es über die letzten 40 Jahre eher als unsensibel (und auch kontraproduktiv), die Sponsoren im künstlerischen Kontext deutlich herauszustellen, unverhohlen wie Werbung, ist dieser Konsens der Diskretion, die gute Sitte damit wohl unterbrochen.
Andererseits versteht Haderlump den Akt vielleicht als Demonstration seines Arbeisprozesses und der gedanklichen Umsetzung modernen Upcyclings am Beispiel. Dies läßt sich jedenfalls aus der Erklärung von Johann Ehrhardt so ableiten, auch das mit dem Auftrag erzwungene Arrangement mit Farbe: „Der Name (Circularis) steht für unseren Repurposing-Ansatz und den schonenden Umgang mit Ressourcen. Bei der Arbeit an ‚Circularis‘ ging es aber auch darum, unsere Designsprache auf glaubwürdige und interessante Art und Weise mit der Identität von DHL zu verbinden. Haderlump arbeitet sonst hauptsächlich mit Schwarz, DHL hat uns also mit seiner ikonischen rot-gelben Workwear vor eine besonders spannende Herausforderung gestellt. Aus der Kombination der DHL-Farben und Materialien mit unseren charakteristischen Schnitten und Formen ist nun mit ‚Circularis‘ etwas ganz Neues entstanden. Uns geht es dabei primär um die zirkuläre Transformation, wie wir sie verstehen, als nachhaltiges Repurposing.” (Repurposing: eine neue Verwendung für eine Idee, ein Produkt oder ein Gebäude zu finden.)

Unproblematisch ist der herausgestellte kommerzielle Aspekt einer Fashionweek-Kollektion zugunsten eines Unternehmens jedenfalls nicht.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Zehn Outfits in knapp 30 Minuten – das war vielleicht die slowest Fashion Show ever. Eine recht deprimierende Veranstaltung mit sehr langsamen Bewegungen, gleichmäßig dahinplätscherndem Text als Begleitsound und durchweg ernsten Gesichtern. Das ursprünglich ukrainische Konzeptlabel (jetzt ansaässig in Berlin) der Designerin Irina Dzhus ist im wesentlichen ökologisch geprägt und versucht der nachhaltigen Garderobe größtmögliche Wandlungsfähigkeit auf den Weg zu geben.

Bisher war das bei allen Outfits so und das vollzog sich gleichzeitig in einer atemberaubenden, skulpturalen Kreativität, so dass der überraschende Effekt der Verwandlung auf der Bühne auch als künstlerischer Prozess verfolgt werden konnte, eine Option, die danach imaginär an den Besitzer übergeben wird. Dieses eher dynamische Konzept wird jetzt, besonders in seiner Wahrnehmung, abgelöst durch einen eher gegenteiligen Effekt. Die geradezu schleichende Performance verhindert bewusst jeden erfrischenden Aspekt und betont stattdessen eher das Unbewegliche, Dröge und geradezu Pessimistische. Die Langsamkeit wird nicht im Sinne von „zur Ruhe kommen“ erlebt, sondern als Negation des pulsierenden Lebens. Und der Verwandlungszauber ist damit sehr dämpfend herunter gefahren.

Die Designerin sitzt mit versteinerter Mine und geradezu unbewegt am Rand der Mitte des Laufstegs, steht gelegentlich auf und arrangiert langsam und konzentriert die meisten der Outfits neu, aber nicht mehr alle, wie früher, und auch nicht mehr so spektakulär im Erscheinungsbild. Währenddessen bewegen sich die Models langsam schreitend über den Laufsteg, ernst und verhalten. Der von einer Frauenstimme im Hintergrund tonlos eingesprochene Text erzählt persönliches Erleben und Befinden zu „Gott und die Welt“, von Hoffnungslosigkeit geprägt und mit depressiver Anmutung ohne Höhen und Tiefen.

Aber innovativ sind die vorgestellten Outfits noch immer. Tops aus Hüten, eine Hose mit vier Beinen und anderes mehr. Die Gestaltungsprinzipien folgen keinem einheitlichen Gestaltungsmotto, sind aber noch immer skulptural gedacht. Flächen werden aufgebrochen und als Teile sich wandelnder Architekturkonstruktion verstanden. Die Stoffe sind nicht mehr so eingeschränkt in der Auswahl, andere als grobes Leinen sind hinzugekommen, zum Beispiel Chintz (dennoch ausschließlich ethische Materialien). Die Kontraststärke von Schwarz und Weiß wird prägnant ausgespielt, Farbe gibt es noch immer eher nicht. Auffällig ist die Verwendung von Hüten in der Bekleidung, manchmal ganz, manchmal aufgeschnitten, manchmal nur noch aus formalen Elementen bestehend. Hier ist die Dekonstruktion für Verwandlung am ausgeprägtesten angelegt – inwieweit sich daraus eine weiterreichende Interpretation ablesen ließe, bleibt aber nicht wirklich erkennbar. Dem Unisex Konzept ist die Designerin im Großen und Ganzen treu geblieben, ein ästhetischer Bezug zum Körper und zu Sinnlichkeit bleibt ohnehin aus, fest, stark und dauerhaft wirkt die Garderobe nach wie vor.

Inwiefern die Position als ukrainische Designerin unter den besonderen Umständen des Krieges hier in der Kleidung eine Rolle spielt, kann man höchstens noch mutmaßen, zwingend erscheint das aber nicht. Der Pressetext erklärt: „Ein makaberes Rendezvous mit den heiligsten Ängsten, das in einer tiefen Trauer um eine körperlose Lebensprojektion mündete, zwang sie, den bereits vertrauten Überlebensmodus einzuschalten und die angesammelten kreativen Kräfte in vollem Umfang als dringenden Bewältigungsmechanismus zu nutzen.“ Deutlicher, so scheint es eher, als bei der Kleidung kriecht die hoffnungslose, starre Atmosphäre der Performance unter die Haut. Das deprimierende Erleben einer gleichförmig schleichenden Modenschau ist dann doch, wenn man es im Rahmen der Modewoche sehen will, ein Statement, das den großen Kontext infrage stellt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Auch nach dem fulminanten Start im Technoclub-Style und einer sommerlichen Gartenparty mit live Frauen-Punkmusik in der letzten Saison ist die Jungdesignerin und Quereinsteigerin noch auf der Suche nach einem adäquaten Style.

Der betont selbstbewußte und zumeist sexy geprägte Auftritt der Ballard-Frauen erlaubt sich verschiedene Experimente aus dem großen Fundus vieler Gedankenrichtungen und Strömungen und gelangt dabei gelegentlich zu originellen Ausprägungen. Auffällig sind zunächst die vielen Polsterungen an allen möglichen Stellen, vom banalen Kopfkissen vor der Brust gehalten bis zu skulpturalen Überraschungen des einleitenden Hochzeitskleids oder einer formalen Weiterführung der Bomberjacke, diese Richtung vorwiegend in Schneeweiß.

Dann diverse Experimente mit Schlauchkleidern, Modifizierungen der Beispiele aus der letzten Saison, weite Hosen mit verschiedenen bequemen Stoffen, ersatzweise auch mal grobe Slips aus denselben Materialien. Dazu kommen Erprobungen zum Thema Sexyness in verschiedenen Ansätzen. Neu und ungewöhnlich ist das Wiederaufleben von Schottenkaro, wie das Vivienne Westwood für sich und die Punker mal entdeckte. Einige recht grazile Gestaltungen finden sich besonders beim Schuhwerk, da ist man erfreut, dass die sonst angesagte Klobigkeit hier keine Rolle spielt.

Am extravagagantesten kommen immer noch die beiden Outfits mit den geknoteten Stoffen und das letzte mit dem aufgelösten daher – da kommt eine gewisse Raffinesse und Differenziertheit ins Spiel, die der Gestaltung gut tun.

Alles in Allem probiert Olivia Ballard sich noch in diversen Gestaltungsfeldern aus, was auch als ein Vorteil gesehen werden kann, da eine frühe Festlegung auf einen eindimensionalen Style auf die Dauer riskant ist. Und es ist auch erfrischend, dass sie auch in dieser Saison mit gelegentlich relativ freizügiger Sexyness keine Berührungsängste hat und damit Coolness demonstriert, auch wenn das darauf folgende Outfit eher konsequent verschlossen daher kommt.
Ein wenig konkrete Orientierung wäre allerdings nicht schlecht.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Handwerkskünste, die die Haute Couture massgeblich prägen, sind in der aktuellen Schau des Berliner Salons deutlich ins Zentrum gerückt. Das führt zwangsläufig zu aussergewöhnlicher Faszination der Details, die gestaltungsprägend neue Ideen bestimmen und sogar zu sehr ungewöhnlichen Wirkungen.

Dabei ist die handwerkliche Vorgehensweise gar nicht sehr von Traditionen bestimmt und von der Perfektionierung bekannter Verfahren, sondern von innovativem und experimentellem Vorgehen, dem eine große Sorgfalt und Detailverliebtheit gewidmet wird, die, nach all den langen Jahren der Lässigkeit beim Nachwuchsdesign, doch überrascht. Augustin Teboul beziehungsweise Lou de Bèrtoly (dieses Mal nicht vertreten) betreiben dieses Verfahren zwar schon lange (und wurden genau dafür geliebt), aber jetzt erst wird die fummlige, geduldige und kreative Handwerksarbeit zu einem sichtbaren Trend.

Der große Vorteil des Berliner Salons, neben der schönen Übersicht, ist, dass man näher herantreten kann, betrachten, verweilen und irgendwie sich auch hie und da ein wenig verlieben. Und es gibt natürlich ganz unterschiedliche Ausgangspunkte der Detailverliebtheit. Bei Namilia ist es sicherlich der Arbeitsprozess, bei dem die Kreativität nie ausgeblendet wird – beim Aufbringen der Stachelnieten kommt dann die Idee, einige durch kleine Penisse zu ersetzen und das macht man dann auch. So setzt sich die Philosophie des Ganzen fort bis ins Detail und gewinnt ausserdem noch einen zusätzlichen Touch Humor:

Bei Haram hingegegen löst die verrückte Idee, einen Turnschuh in eine Corsage zu verwandeln, die anschließende Notwendigkeit aus, die detaillierte Konstruktion des Turnschuhs mit den angrenzenden Teilen weiter zu führen:

Überhaupt ist die Detailverliebtheit beim Turnschuhdesign verführerisch, sie im Großen weiter zu führen, indem man eben die Details neu zusammensetzt wie bei PLNGNS:

Aber bei Chelsea Jean Lamm werden die Detailkonstruktionen um ihrer selbst betrieben und zeitigen dann als komplexer Zusammenhang total innovative Vorgehensweisen im geduldigen und präzisen Handwerk:

Kitschy Couture:

Bei Haderlump gibt es auch interessante Strukturen in der Oberfläche, hier mit Zufallsfaktor:

Der analytische Aspekt der Dekonstruktion für eine interessante Neukonstruktion wird am Kleid von Milk of Lime auch zur visuellen Demonstration veranschaulicht, indem der plane Stoff in Streifen aufgelöst wird, die dann zu einem neuen Gewebe verflochten werden:

Die Zusammensetzung von Stoffflächen beziehungsweise -formen findet sich vielfach auch im Großen, ohne dabei an „Patchwork“ zu erinnern. Was vorher oft durch Schichtungen erzielt wurde, ist jetzt zum homogenen Teil verbunden. Mit dem Stoffrecycling sind das alles sehr erfrischende und kreative Verarbeitungs- und Anschauungslösungen, die letztlich auch demonstrieren, dass „Ökomode“ durchaus coole und pfiffige Erscheinungsbilder hervorbringt. In dieser Saison entschiedener und überzeugender als je zuvor und mit circa 25 Teilnehmern aus Berlin (von ca. 40) kann davon ausgegangen werden, dass Berlin als Modestadt mit eigenen Perspektiven den Gesamtbetrieb jetzt wirklich beeinflusst. Der Berliner Salon will diesen Aspekt deutlich abbilden und das gelingt ihm wie immer auf sehr informative und unterhaltsame Weise.

INTERNATIONAL CITIZEN:

ELHO:

MARKE:

SUISUEE:

T/SEHNE:

LION BUSCH:

HADERLUMP:

TABITA KARAOGLAN:

NAMILIA:

LAURA GERTE:

PLNGNS:

UNVAIN STUDIOS:

GINA MELOSI:

UNCOMMON MATTERS:

THE OTHER GODS:

KAREN JESSEN:

CÉCILE – FEILCHENFELDT – KNITWEARSTUDIO PARIS:

LACUEOR:

ODASSEY:

CHELSEA JEAN LAMM:

AVENIR:

HAP CERAMICS:

CHOUCROUTE:

STUDIO VADIM BATZ:

SOCIÉTÉ ANGELIQUE:

FELINE SASSE:

LANUK STUDIOS:

LUISE ZÜCKER:

ASSEMBLED HALF:

ADRIANE LILA FECKE:

STUDIO MILENA KLING:

ANNE BERNECKER:

LEINZ CONTEMPORARY EYEWEAR BERLIN:

CHRISTIAN METZNER BRANDENBURG:

MILK OF LIME:

KITSCHY COUTURE:

ZAMT BERLIN:

RAER SCENTS:

MAIRA GATH + PAULA DISCHINGER:

JASMIN WOTTKE + NICLAS HASEMANN:

MICHELLE BOHNES:

CHANTAL WEHRAN:

SOFIA HERMENS FERNANDEZ + RONJA BECKMANN:

CHELSEA JEAN LAMM + NANYI LI:

TATJANA HAUPT:

NARI HAASE:

FASHION X CRAFT X TENCEL:

UGG CULTURE CHANGEMAKER PRIZE:

HARAM:

SIRI MAJAROEN:

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