Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Engagement von Botschaften in Berlin, Designern ihres Landes einen Ort der Präsentation zu geben, ist sicher eine lobenswerte Entscheidung, denn beide können von solch einer Kultur-Veranstaltung profitieren. Und für die Besucher kann sich darüber hinaus ein sehr angenehmes und ambitioniertes Ambiente – auch dank schöner Räumlichkeiten – auftun. Bei der Liaison zwischen Österreichischer Botschaft und der Designerin Rebekka Ruétz hatte man allerdings den Eindruck, dass es auch umgekehrt geht, die Gesamtgestaltung des Events war in vieler Hinsicht ambivalent angelegt und hinterließ gemischte Gefühle. Das fand seinen konkretesten Ausdruck darin, dass die Medien den ungünstigsten Ort des Defilés durch verschiedene Räume zugewiesen bekamen, den man sich für schöne Fashionpublikationen ausdenken kann.

Mit der Erprobung eines neuen Präsentationsortes ging auch eine neue Ausrichtung gestalterischer Ideen der Designerin einher, wie auch bei vielen anderen Designern (Hoermanseder, Tomaszewski, Luft u.a.) in dieser Saison. Hinwendung zur Streetwear beziehungsweise Streetstyle, Disco und Berliner Start-Up-Kultur prägen die Leitgedanken nicht unwesentlich und führen oft zu seltsamen Blüten. Klar ist, dass das Terrain von vielen Designern noch eher unsicher bespielt wird, aber auch Raum für Experimente aller Art öffnet.

Das kann man bei der aktuellen Kollektion von Rebekka Ruétz ganz gut verfolgen, die ästhetischen Codes werden neu gemischt und mutig aufbereitet. Dabei scheint ihre bekannte elegante Ästhetik nur noch manchmal durch – meist wird sie nun gebrochen. Disco-Glamour nimmt Einzug, schillernde aber sehr steife Kunststoffe kombinieren sich mit weichem Strick oder Pelz, knackige Outdoorjacken mit langen, romantischen Countrykleidern und engen Lederhosen, aggressive Schlagwortprints mit kuscheligen, femininen Pullovern. Ein paar schicke Sachen (im klassischen Sinne) tauchen dabei auch auf, bleiben aber bewusste Ausnahme oder fügen dem Spektrum eine andere Ausrichtung hinzu. Das wichtigste Gestaltungsmittel ist die unerwartete Materialkombination, manchmal so viele wie möglich an einem Outfit, aber auch die bekannten Genrestilmittel gilt es so radikal wie möglich aufzumischen. Mit diesen gezielten Experimenten liegt Rebekka Ruétz konsequent im saisonalen Spektrum und die vorgeführten Beispiele sorgen durchaus für viele Aha-Effekte. Inwieweit damit ein selbständige ästhetische Qualität erreicht wird, die einen überzeugenden Style trägt, fragt sich dabei aber auch – zumindestens wenn man eine geschmackssichere Handschrift erwartet.

In den Details mischen sich die Ansätze ebenfalls. Man merkt hier durchaus liebevollen Umgang mit Zitaten und Codes, modegeschichtlichen Apercus und handwerklichen Besonderheiten. Aber auch in dieser Hinsicht hat man den Eindruck, dass diese Qualitäten dem großen Überraschungsangriff untergeordnet sind und nur der geübte Blick diese angemessen mitrezipiert.

Mit Hard-Rock als Begleitmusik und festem Auftritt der Modelle suggeriert die Präsentation eine toughe Linie, die sich in den Formen nur sehr gemildert wiederfindet – sie spiegelt sich eher in der Radikalität der Kombinationen. Mondäne Kleiderschnitte schrumpfen dabei manchmal nur noch zum gestalterischen Zitat zusammen und werden dem neuen Kontext geopfert. Im Vergleich zu anderen Designern geht Rebekka Ruétz dabei sogar noch einen Schritt weiter: nicht nur, dass die Formgebung für alle Größen und Gestalten offen gehalten wird, sondern sogar für (fast) alle Generationen.

Inwieweit der lautstarke Ruf „Revolution“, den schon Marcel Ostertag zu verkünden suchte, tatsächlich die richtige Interpretation der jungen Start-Up-Generation ist, muss man erst einmal dahingestellt sein lassen, aber das Abenteuerliche der neuen Orientierung spiegelt die Rebekka-Ruétz-Kollektion zweifelsohne wider.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Eine Kollektion von Isabel Vollrath entsteht konsequenter als bei vielen anderen Designern aus einem thematischen Leitgedanken, den sie im wesentlichen künstlerisch aber auch sozialrelevant zu einem Produktkomplex entwickelt. Ihre Gestaltung vollzieht sich in einer skulpturalen Herangehensweise, eine kleidungspragmatische oder botschaftsorientierte Auffassung tritt dagegen zurück. Das Erscheinungsbild entwickelt sich also eher künstlerisch-kreativ anstatt geschmäcklerisch oder aufklärerisch. Dieses Prinzip der Ausgestaltung einer Leitidee (mit Anspruch) ist vielleicht auch der Ausbildung an der Berliner Kunsthochschule Weißensee geschuldet, die künstlerisch akzentuierter arbeitet als viele andere Mode-Ausbildungsstätten.

Damit einher geht der Anspruch der sorgfältigen handwerklichen Ausführung, ohne dabei die Konfektion bereits im Hinterkopf zu haben. Soweit sind alle Kollektionsteile auch Unikate, die wie Einzelbilder (bzw. -skulpturen) zu verstehen sind. Bisher präsentierte Isabel Vollrath ihre Kollektion auch eher ausstellungsmäßig (also in Showrooms), auf Einladung des Berliner Salons machte sie daraus nun ein Défilé, womit der Anspruch der Tragbarkeit stärker herausgestellt wird.

„Water for Elephants“ war das Thema dieser Kollektion, geboren aus sympathisierender Zuneigung, sowohl sozial und tierschutzmäßig engagiert als auch optisch verstanden mit Oberflächenanmutungen, Bild-Prints (ihrer schwedischen Freundin und Textilkünstlerin Sofia Olander) und assoziativen Elementen. Die Kleidungsstücke kommen manchmal komplex und detailreich daher, weil die Designerin aber formal vom menschlichen Körper ausgeht, verselbständigen sie sich nicht ganz. Sie beschäftigt sich mit ungewöhnlichen Lösungen in Details bzw. Abschnitten, reichert an oder öffnet, experimentiert mit den Volumen und spielt (gedeckte) Farbnuancen oder Kontraste aus; Raffungen und Fältelungen sind ihre Spezialität und Bänder – vor allem solche als Schleifen – fungieren dabei als wichtige Gestaltgeber.

Mit diesem Prinzip stattet Isabel Vollrath die Trägerin (momentan nur Frauenkollektion) nicht nur mit Lust an der Form und handwerklicher Pfiffigkeit aus, sondern eben auch mit sozial-idealistischen Zuordnungen. Letztere verbleiben aber unaufdringlich, denn über die Gestaltung verlieren sich die konkreten Ansätze in abstrakten Motiven, wie beispielsweise die recht frei eingesetzten Elefantenprints, so dass die Teile zunächst wie formal-skulpturale Spielereien erscheinen und erst bei etwas ausführlicher Betrachtung sich der thematische Leitgedanke zeigt.

Diese geschickte Verknüpfung von ernsthafter inhaltlicher Leitidee, gestalterischer Experimentierfreude und handwerklich anspruchsvoller Ausführung, mit der Isabel Vollrath ihre Kollektionen kreiert, gibt ihren Arbeiten eine eigenwillige und faszinierende Besonderheit, die gut mit dem künstlerischen Unikatcharakter korrespondiert. Und sichert ihr einen verdienten, individuellen Platz im Reigen erfolgsversprechender Newcomer aus Berlin.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit dem Nimbus des Berghain würden sich sicherlich viele Modelabels gerne schmücken, doch gottseidank entzieht sich diese Institution bisher konsequent und erfolgreich der Vereinnahmung ihres (Zeitgeist-)Ortes durch PR-orientierte Anbiedermanöver – und in ihrem Interesse kann man sich wünschen, dass das so bleiben wird.

Ein ähnliches Selbstverständnis strahlt der Modeschöpfer Damir Doma aus, bisher hatte er kein Interesse, sich in den Reigen der Berliner Modeszene der Fashionweek einzuklinken und scheint, von dieser Ausnahme abgesehen, das selbstbewusst auch fernerhin eher auszuschließen.

Die Ausnahme mit dieser Schau ist aber schlüssig von beiden Seiten aus betrachtet und darum völlig überzeugend. Die Einladung des „Fashion Council Germany (FCG) in Partnerschaft mit Mercedes-Benz“ zu einer sogenannten „Fashion Hab“, einer Schau, die Designtalenten und bilateralen Austauschprogrammen eine neue Bühne bietet, ist das erste öffentliche Signal, das die Institution vorführt. Und man muss die Veranstaltung darum wohl auch als ein Statement verstehen.

Als erstes fällt auf, dass (merkwürdigerweise) nicht nur das Potential aufstrebender Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum im Blickfeld steht, sondern die Organisation öffnet sich in Kooperation mit anderen Fashion-Councils auch inspirierten und relevanten Positionen auf nichtnationaler Ebene. Der Modeschöpfer Damir Doma repräsentiert eindeutig eine solche Designer-Position, weniger weil er als Kroate aus Bayern im Modeland Italien erfolgreich arbeitet, sondern vielmehr weil seine Mode besonders augenfällig mit der zeitgeistigen Techno-Szene, die sich als avantgardistisch begreift, verwachsen zu sein scheint. Und, insofern die Berghain-Szene diese Zeitgeist-Avantgarde am pointiertesten kultiviert, ist dieser Ort eine kongeniale Stätte, die gemeinsamen Vorstellungen statementartig auf den Punkt zu bringen, wie es dann auch wirklich geschah: Geradezu kongenial wurden bei dieser (ziemlich exklusiven) Veranstaltung Location, Publikum, Musik, dynamisches Lebensgefühl und Erscheinungsbilder zu einem Event zusammengefasst, der wie ein Konzentrat aufleuchtete.

Der erste Gedanke, der einem deswegen durch den Kopf schoss, war der Begriff „Berlin-Style“, den man auf den Berliner Fashion-Schauen stets ausfindig zu machen versucht, der erst hier aber geradezu auf den Punkt gebracht auftrat. Und zwar konsequent und kompromisslos vorgeführt in der rauen Härte, Kraft und Arroganz, in der Unterkühltheit, Emanzipiertheit und anti-ästhetischen Ästhetik der selbstgefälligen Szene. Es war zwar das optische Erscheinungsbild, das bei dieser Veranstaltung akzentuiert wurde, ansonsten war es ein rundum zeitgeistiger Event, der eine homogene Idee erleben ließ.

Diese optische Definition der Erscheinungen am Protagonisten (Mode) lässt sich nicht mit einer Aneinanderreihung gestalterischer Phänomene und Eigenarten erschließen, denn aus ihrer Addition ergibt sich längst nicht das ideelle Gesamtkonzept. Auffallende Beobachtungen wie Gleichzeitiges von Hoch- und Minderwertigem, flaches, festes Schuhwerk, heruntergezogene Regenmützen, dunkle Farbgebung, gewöhnlich-ungewöhnliche Kombinationen mit klassischen Jacken und Mänteln, schräge Schnitte, merkwürdige Architekturen, Hochwasserhosen und (veredelte) Streetwearteile ergeben soweit höchstens eine Reihe stereotypischer Klischees, die aber noch längst nicht das Gesamtfeeling evozieren. (Damir Doma: „Der Berliner Stil? Sieht manchmal nach Penner aus!“)

In der Zeit gesehen ist der optische Kodex über mehrere Jahre gewachsen, im subkulturellen Kontext, mit einem Selbstverständnis, das sich um Strömungen (die man an der Oberfläche der Medien und im modischen Mainstream sieht) nie besonders scherte und das versuchte, emanzipiert davon ein „eigenes Ding“ zu entwickeln. Der Technoszene war diese Attitüde von Anfang an zu eigen, das Berghain-Phänomen ist ja nur die Spitze des Eisberges geworden. Und die Kollektion, die Damir Doma (als modischen Ausdruck) hier zeigt, letztlich wohl auch. (Damir Doma: „Berlin und insbesondere die Halle am Berghain scheint das perfekte Setting für die Ästhetik zu sein, die ich in der vergangene Dekade entwickelt habe: feinfühlig und poetisch aber auch roh, grob und unfertig.“)

In der großen Stimmigkeit aller Zutaten ist dem Fashion Council Germany hier ein sehr überzeugender Einstand gelungen, was eine repräsentative Schau seines Anliegens betrifft, es war konzeptuell wohl der beste Event dieser Fashionweek überhaupt. Der große Wermutstropfen daran kann aber auch nicht übersehen werden, und das ist der Exklusivitäts-Nimbus dieser Veranstaltung (wenig, auserlesenes Publikum, keine PR etc.). Der steht dem Selbstanspruch des Fashion Council soweit eher entgegen und fügt darum dem Image dieser frisch gegründeten Institution zumindestens etwas Problematisches bei. Wir haben aber die Hoffnung, dass in Zukunft dieser Event als ein singuläres Konzept innerer Konsequenz in einer folgenden Reihe ganz anderer Produktionen stehen wird, die dann auch jeweils einem eigenen Prinzip folgen. Wenn das gelingt, wird die künftige Bedeutung des Deutschen Fashion Council – auch auf internationaler Ebene – eine sehr wichtige Bereicherung sein. Insofern legt diese sehr beeindruckende Veranstaltung die Latte schon mal hoch.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mittlerweile weiß man aus der Erfahrung, dass eine Hoermanseder-Schau stets mit starken Überraschungen aufwartet und dass die Designerin keineswegs beabsichtigt, sich auf Gestaltungserfolgen auszuruhen und nur neue Varianten anzubieten. Man kann das Label wie eine rasante Persönlichkeitsentwicklung betrachten, die neugierig, mutig, gegenwartsbezogen und lebendig (auch lebensfroh) sich allen Einflüssen öffnet und etwas Eigenes daraus hervorbringt. Die dabei aber auch bewusst das Risiko des Selbstverlustes im Auge behält und stets den Bezug zu Bewährtem mitlaufen lässt.

Mit der Öffnung der Möglichkeiten in alle Richtungen erzeugt die Modeschöpferin ein kreatives Feuerwerk, an dem man seinen Spaß hat: Ungewöhnliche Dessins und Kombinationen, Experimente mit Streetwear neben eleganten Luxuslinien, offensive Print-Text-Attacken neben verspielten Dekors, Zitate von Military-Camouflage nach Discoglanz und Mädchen-Weiß-Rosa, strenge, geometrische Formen und wilde Richtungsmixe, klare Materialwirkungen und ungewöhnliche Zusammenstellungen – all das in schneller Folge und unter ein gestalterisches Dach gebracht, das nötigt schon viel Respekt ab, weil es glaubwürdig zusammen gegossen ist und einen funkelnden Esprit vorführt.

All diese experimentellen Erkundungen, die im Einzelnen stets spannende Ergebnisse zeugen, sind dann aber auch durchsetzt mit den mittlerweile bekannten Hoermanseder-Codes: Die Gurte und Riemen (z. T. nur noch als Prints oder Steppnähte), das Logo, Schnallen, gekreuzt gelagerte und gestaffelte Streifen, schlichte Blusen und natürlich die festen Corsagen. Es gelingt der Designerin, diese Codes stets spielerisch neu und anders einzubringen und mit Teilen zu verbinden, wo und wie man es nicht erwartet hätte. Damit ist der Erkennungswert der Marke gesichert, diese spielerische Strategie beherrscht Marina Hoermanseder bravourös im Großen wie auch im Detail, sowohl bei Kleidung als auch bei Accessoires. Und sie erschließt sich damit gleichzeitig ein großes Spektrum der Ansätze.

Die sind vielleicht nicht immer gleichermaßen überzeugend, kraftvolle Fussballfanschals und fette Westernschriften zum Beispiel, seltsame Frisuren und Mokassins gehen gelegentlich über den ästhetischen Zitatcharakter hinaus und irritieren. Harte, offensive Kontraste und Statements sind hinzugetreten. Aber die Designerin ist jung und gute, mutige Experimente riskieren immer auch Grenzüberschreitungen. Deutlich lauter ist es bei Marina Hoermanseder geworden, aber das Raue wirkt soweit beherrscht.

Mit den thematischen und ästhetischen Öffnungen geht auch die strategisch-wirtschaftliche einher. Das Label hat kaum Berührungsängste mit unterschiedlichsten Unternehmen und Produkten als potentielle Werbeträger – die ihrerseits auch von dem fashionable Nimbus profitieren wollen –, das Panorama der vereinnehmenden Kontakte von Wolford bis Jägermeister vergrößert sich rasant und steht letztlich ebenfalls für ein aufgeschlossenes Selbstbewusstsein der Marke Hoermanseder.

Diese Entwicklung des Hoermanseder-Designs innerhalb von wenigen Jahren ist zweifellos faszinierend, weniger, weil die Designerin es in der frühen Phase eher langsam und solide angehen wollte, sondern mehr, weil es ihr mühelos gelingt, mit dem von außen an sie herangetragenen Hype Schritt zu halten und ihn sogar noch umgekehrt zum eigenen Vorteil forciert. Solches haben schon viele aufstrebende Stars in allen Branchen versucht, ob das gelingt erweist sich stets, inwieweit der/die Betreffende gut und beachtlich und schnell nachlegen kann. Genau das kann Marina Hoermanseder bislang souverän, wie auch diese Kollektion wieder überzeugend bewiesen hat.

Und dass sie sichtbar Lust und Spaß daran hat, überträgt sich deutlich auf ihr Publikum.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Bereits seit 2007 gibt es das österreichische Label Callisti der Modeschöpferin Martina Mueller-Callisti, leider erst jetzt stellt sie ihre Arbeit auf der Berliner Fashionweek vor. Österreichische Designerinnen setzen schon seit langem maßgebliche Akzente auf der Berliner Veranstaltung, mit Callisti haben die einladenden Förderer Mercedes Benz und Elle nun einen faszinierenden Aspekt hinzugefügt, der die qualitative Messlatte hoch legt.

Im Focus des Designs steht die selbstbewusste, urbane Frau, die sich in Zeit und Kultur den verschiedensten Einflüssen stellt, und zwar auf extravagante und zumeist raffinierte Weise. Die konsequente Betonung der Taille positioniert dabei nicht nur das Prinzip des Weiblichen, spannend ist es, wie die Designerin die körperbetonende Wirkung variierend konzipiert. Auffallend dabei sind die vielen Gurt- und Korsettelemente aus lederartigen Materialien, die fein und elegant mit den verschiedenen Stoffen und Schnitten kombiniert werden. Raue Krafteffekte werden damit überführt in spielerische, subtil-sinnliche Gestaltungsmittel, die alle BDSM-Assoziationen von der prinzipiellen Strenge in eine lockere, sexy erscheinende Konstellation transferieren und so weibliches, zeitgeistiges Selbstbewußtsein definieren.

Auch die Schnitte entsprechen diesem Erscheinungsprinzip, Militärisches und Japanisches wird gebrochen oder aufgelöst in weicher, körperbetonender Linienführung, ohne zu verschwinden. Die Farbgebungen sind meist zurückgenommen und die Kontraste dienen eben der bezeichneten Linienführung, die die Kollektion stets elegant bestimmt. Im Ganzen entstehen leicht futuristisch anmutende Erscheinungen, zart und stark in Konzepteinheit und stets mit sicherem Geschmack elegant.

Verschiedene Designerinnen und Designer haben sich in den letzten Jahren dem Gurt, Gürtel und anverwandten Corsageelementen gewidmet – damit sicher auch einem Code der Zeit –, die Interpretation bei Callisti ist wohl der eleganteste Ausdruck, der sich aus dem Thema ableiten lässt, ohne die Implikationen zu negieren und die Spannung zu verflachen. Es entsteht vielmehr eine sinnliche, avantgardistische Positionierung von Frauenmode, ein echtes Alternativkonzept zur raubeinigen Berliner Bodenständigkeit, das ebenfalls deutlich das Hier und Jetzt eines urbanen Frauenbildes repräsentiert.

Men’s Fashion macht Callisti seit fünf Jahren ebenfalls und es bleibt abzuwarten, wie das in Zukunft auf Schauen die faszinierende Perspektive ergänzt. In jedem Fall bleibt zu wünschen, dass Callisti auch weiterhin in Berlin ihre beeindruckenden Designkonzepte präsentieren wird. Mit der innovativen Raffinesse und Eleganz wäre sie im Berliner Salon jedenfalls eine überzeugende Bereicherung.

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Text & Interview: Gerhard Paproth

Fotos: Rafael Poschmann (Gastbeitrag)

In dieser Saison verzichtete Brachmann auf Teilnahme an der Fashionweek Berlin mit einer Schau und entschied sich stattdessen für eine einfache Präsentation in einem Showroom zusammen mit anderen Designern in Paris. Publizistisch interessieren wir uns ja weniger für modeindustrielle Konstellationen, aber diese Entscheidung bewog uns nun doch, ausnahmsweise einmal einen Blick auf die Strategie des Auftretens eines Labels zu richten und damit die Berliner Fashionweek aus wirtschaftlicher Perspektive der Designer in größerem Kontext zu beleuchten. Und die Frage zu stellen, welche Rolle Paris dabei (immer noch) spielt.

Brachmann stellt mit der Pariser Präsentation auch eine Hinwendung zum Ausbau einer eigenen Frauenkollektion vor. Das ist ästhetisch eher eine Überraschung insofern, als ihre Männerkollektionen eine männlich-strenge Gestaltkonzeption haben, die eine weibliche Ausstrahlung eher auszuschließen scheint. Wie sich da gestalterische Überlegungen und Verfahren als stilistische Übertragung definieren und wie so das leitende Prinzip ihrer saisonalen Kollektion entsteht, erklären uns Jennifer Brachmann und Olaf Kranz detaillierter im Interview.

modaCYCLE: Diese Saison konnte man die aktuelle Brachmann-Kollektion nicht in Berlin sehen, stattdessen wurde sie in Paris präsentiert. Gibt es Gründe dafür, die in eine neue Richtung weisen?

Brachmann: Leider konnten wir diese Saison unsere neue Kollektion nicht wieder in Berlin präsentieren, weil die zeitliche Überschneidung mit der Paris Fashion Week Men & Pre-collections Women einfach zu groß war. Die für uns relevanten Einkäufer, auch die deutschen, sind nicht in Berlin, sondern eben in Paris. Paris war, ist und bleibt in der Mode das Maß aller Dinge. Oder wie Werner Sombart, eine deutscher Nationalökonom am Anfang des 20. Jahrhunderts einmal sagte: Paris ist die „Centralsonne“ für die Modewelt.

modaCYCLE: Junge deutsche Modelabels versuchen gerne, im Pariser Modegetriebe einen Platz zu finden. Was macht dieses Streben so attraktiv? Mehr Anerkennung, besserer Markt oder der Sprung auf die internationale Bühne?

Brachmann: Die Berliner Korrespondentin der Womens Wear Daily, Melissa Drier, hat kürzlich in einem Artikel für den TIP-Berlin über die Modestadt Berlin gesagt, dass es in Berlin nicht an Talenten von internationalem Rang mangelt, dass aber das Problem der Berliner Designer ist, dass sowohl die deutschen Kunden als auch die deutschen Einkäufer sich nicht für deutsche Mode interessieren, wenn sie sich überhaupt für Mode interessieren. Das entspricht auch unserer Erfahrung, von Ausnahmen einmal abgesehen. Daher ist das klassische Wachstumsmodell für deutsche Mode-Label kaum begehbar, also erst einmal den Heimatmarkt aufrollen, bevor man Schritt für Schritt in ausländischen Märkten Fuß fasst. In der Mode muss man nach Paris gehen, um hier internationale Einkäufer von seinen Kollektionen zu überzeugen, um überhaupt in den Markt zu kommen. Erst wenn man im Ausland Erfolg hat, wird man auch von deutschen Einkäufern und Kunden wahrgenommen. Aber letztlich ist es auch für Labels anderer Länder fast unumgänglich, nach Paris zu kommen. Die Londoner Labels zeigen zwar in London, verkaufen aber in Paris. Die us-amerikanischen gehen zunehmend nach Paris, weil der amerikanische Heimatmarkt schwierig ist. Paris ist die Centralsonne der Mode für alle.

modaCYCLE: Die aktuelle Brachmann-Kollektion – folgt sie einer thematischen oder ästhetischen Leitidee? Was ist neu? Spielt Frauenbekleidung jetzt eine größere Rolle?

Brachmann: Nachdem wir in der Sommerkollektion mit großer Resonanz unsere erste Frauenkollektion vorgestellt haben, haben wir entschieden, mit der Frauenkollektion weiter zu machen. Dabei standen wir vor der Frage, wie wir unsere Label-Design-DNA für die Frauenkollektion übersetzen. Wir kommen ja von der Idee, Menswear-Klassiker durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail zu modernisieren.Das bleibt auch unser Ansatz für die Menswear. Für die Frauenkollektion gibt es aber zwei Möglichkeiten. Designen wir von unseren post-klassischen Menswearstücken inspirierte Womenswear oder modernisieren wir die Klassiker der Womenswear durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail? Unsere Antwort lautet: Sowohl als auch! Das bedeutet, dass wir uns nicht allein auf menwearinspired Womenswear beschränken, sondern auch weiblichere klassische Kleidungsstücke wie das Kleid, den Rock, die Bluse etc. dekonstruieren und dann wieder neu zusammensetzen.

Für jede Saison suchen wir uns einen Klassiker aus, der für unsere Kollektion neu ist und den wir dann in unserer Interpretation neu designen und in die Kollektion aufnehmen. In dieser Saison war es der Smoking, und zwar für Frauen und Männer. Durch Details wie skulpturale Ärmel, Falten und kunstvoll arrangierte Lagen wird die Silhouette des Smokings modernisiert und der Smoking dabei vom rein Formellen emanzipiert. Durch das Zusammenspiel von Dekonstruktion und Rekonstruktion entstehen im Prozess aber auch zugleich vom Smoking inspirierte Details und Formen, mit denen andere formale wie casuale Klassiker veredelt werden. Wie immer versuchen wir, durch die Schnittführung der Kollektion eine architekturale Anmutung zu geben und durch Layering, Nahtführung und getwistete Fadenverläufe zu betonen. Die Farbpalette ist herbstlich und reicht von sattem Bordeaux über Tintenblau bis hin zu Anthrazit, um der Kollektion Tiefe und Eleganz zu verleihen. Die mal fließenden, mal festen luxuriösen Stoffe aus Naturfasern (leichte Merinowollen, Baumwolle, Seidengemische, gestrickte Baumwolle, strukturierte Schurwolle) zusammen mit der makellosen handwerklichen Verarbeitung sorgen für einen hohen Tragekomfort. Mit urbanem Chic, Coolness und Minimalismus löst die Kollektion zwanglos die Grenzen zwischen formalem Dresscode und Casual auf und ermöglicht einen nahtlosen Übergang zwischen Tag und Nacht, Job und Party.

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