Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

An der Hochschule Hannover ist der Studiengang Modedesign Teil einer Gruppe von insgesamt 15 Masterstudiengängen (Medien, Information, Design) und stellt die Aspekte Nachhaltigkeit, Digitalisierung und Ethik als inhaltliche Schwerpunkte heraus. Im Rahmen dessen fordert sie die „Entfaltung individueller Handlungsspielräume und Entscheidungsfreiräume“ für selbstbestimmte Gestaltung.
Besonders erwähnt wird bei der Selbstbeschreibung eine Spezialisierungsoption auf nachaltige Designstrategien, auf Männermode und auf geschlechterübergreifende Enby-Mode (nonbinary). Damit wird formal schon eine ideologische Ausprägung angedeutet, die zwar kein Alleinstellungsmerkmal darstellt, aber doch den Geist des Modedesigns vorprägt und strukturell institutionalisiert. Die gezeigten Kollektionen und die Kataloghinweise bestätigen auch klar, dass die Basis des Modemachens wesentlich ideell (oder ideologisch) geprägt ist bzw. sein sollte und die Suche nach visuellen Konzepten und ästhetischen Qualitäten bestenfalls eine untergeordnete Rolle spielt. Nur wenige, sich behauptende Ausnahmen bestätigen die Regel.

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Patrick Rizzo „A Colour“.
Die Ton-in-Ton-Stickereien mit provokanten Inhalten sieht man aus der Entfernung nicht. Sie sind aber wichtiger Bestandteil einer umfassenden sozialen Philosophie, die sich mit Rassismus beschäftigt, mit Land- und Kulturraub, Genoziden, Vorurteilen, fragwürdiger Fortschrittlichkeit und vielem mehr. All das fasst sich in Patrick Rizzos Modedesign zusammen in gedeckter Ton-in-Ton-Farbe und schlichter Gestalt. Gleichwohl ist ein einheilicher Style nicht erkennbar und vielleicht auch angesichts der Problemvielfalt nicht angestrebt.

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Lars Lahrmann „x/10“
Eine Kollektion, die ästhetischen Ansprüchen und praktischem Nutzen folgt. Die vorbildlichen Kriterien sind Gestaltungsansprüche des bauhaus und deren Nachfolge mit Dieter Rams. Auch wenn das Ideal schon abgenutzt erscheint, entwickelte Max Lahrmann daraus eine Ready-to-Wear-Kollektion von 10 Basics der Männerkleidung mit Focus auf Funktion und Qualität in zeitgemäßer Ausprägung (z.B. mit kurzen Hosen, die damals für Männer aus Geschmacksgründen noch verpönt waren).

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Annika Jasmer „Brennum allt“.
Mit Faszination für Island im Hinterkopf entwirft die Designerin Mode für Umweltbewusste, mit Pflanzenfärbung, handgewebten Stoffen und hochwertigen Naturmaterialien, also ganz radikal und rudimentär ökologisch ausgerichtet. Die Kleidung soll zudem Herausforderungen der Naturgewalten trotzen, was man ihr zwar nicht unbedingt ansieht, aber als eine geistige Verortung gedacht ist.

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Claudia Bumb „Under Water Over Flow“.
Auch dieses ist eine gezielt ökologische Kollektion, thematisch begründet sie sich in der Verschmutzung der Meere mit Plastik. Die verwendeten Materialien (upgecycled aus Cellulose, Seide, Baumwolle und Meeresplastik) sind kreislauffähig ausgesucht. Die Gestaltung versucht die gedanklichen Verweise anzudeuten, ist ansonsten aber noch eher unentschieden formuliert.

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Christiane Gawlik „Reckless Abandon“.
Auch dies ist eine eher klassisch ausgerichtete Streetwear-Kollektion mit Anspruch an Belastbarkeit. Ideell ist sie aus einer allgemeinen Begeisterung für jugendkulturelle Freiheit und für die Stärke der Rebellion erwachsen, eine repräsentative Ästhetik dafür ist allerdings nicht wirklich erkennbar.

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Jingjing Qi „Boochen“.
Die Designerin hat ein Surfwear-Label gegründet und verfolgt entsprechend das Ziel, praktische und farbenfrohe Kleidung für dieses sportive Umfeld zu kreiieren. Ein ideologischer Anspruch an Ökologie drängt sich hier nicht unnötig auf, er ist in den nachhaltigen Materialien und der Funktionalität aber selbstverständlich.

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Svea Behrens „Razzzle Dazzle“.
Auch diese Unisex-Kollektion ist erfrischend farbenfroh – Mintgrün, Rosa, Hellgelb und -orange („Candy-Farbkarte“) evozieren Lebensgefühle der 50er und 80er Jahre, die Formen und Silhouetten sind allerdings aus der Gegenwart entnommen. Geometrische Flächen, vorwiegend Rechtecke, werden spielerisch und kontrastierend kombiniert. Auch wenn dieser Formenkanon oft etwas konträr und sperrig anmutet, ist doch die dominierende Farbgebung ein Signal der Lebensfreude und einer gewissen Leichtigkeit.

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André Rosenberg „&RE“
Die schwule Unterwäsche-Kollektion für Männer ist aus einem kämpferischen Geist der darstellenden Selbstbehauptung erwachsen. Wenn auch die Etablierung solchen kulturellen und sozialpolitischen Bewusstseins in der Mode durchaus ideologische Berechtigung hat, so bleiben die vorgeführten Teile doch eher selbstverständlich sinnlicher Natur, entwickeln eigene ästhetische Vorstellungen, erotische Signale und extrovertierte Sexualität. Der Kampfgeist schwingt eher in der Entschiedenheit mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die „Angewandte Kunst Schneeberg“ in Zwickau versteht sich als möglichst offene Hochschule mit vielen persönlichen und experimentellen Freiräumen einerseits und gleichzeitiger Focussierung auf praxisorientierte Professionalität andererseits. Damit ist sie thematisch offener aufgestellt als pointiert soziologisch reflektierende Hochschulen und in den Ergebnissen entsprechend breiter gefächert. Und die ästhetischen Ansätze erscheinen etwas prägnanter und professioneller gefordert (auch in ihrer geistigen Voraussetzung), als die Ergebnisse selbstdefinierender Suchen und revolutionierender Perspektiven. Soweit zumindestens der Eindruck, den die Schau und die Katalogbeiträge nahe legen.

Aus Beispielen der Schau wird aber auch eine spezifische Unterrichtsorientierung erkennbar, nämlich eine favorisierte Gestaltung mit geometrischen Entwicklungsprozessen, die allerdings sehr verschiedene Ansätze, Strategien und Prägungen hervorbringen.

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Aline Herzau “Future Fixes“.
Die Designerin sucht mit Materialexperimenten (Latex, Silikon, manipuliertes Textil) gefühlsgeprägte Kleidung zu machen und gleichzeitig Trendbewegungen aufzugreifen. Schon die Farbe Orange mit Weiß in Kombination, die Lässigkeit der Schnitte und aufscheinende Transparenzen suggerieren angenehme, unaufdringliche Emotionalität – es ist insofern eine inhaltliche Perspektive, als im Zeitgeist diese Sehnsucht mitschwingt.

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Jiri Spata „Antimonoton“.
Im Gegensatz dazu ist Jiri Spata eher von rationalem Vorgehen und Wirkungsinteressen geprägt. Er sucht flexible Anpassung von Kleidung an unterschiedliche Körpergestalten und geometrische Formulierungen, die das ermöglichen und zugleich einen avantgardistischen Zukunftsaspekt versinnbildlichen. Daraus entstehen unter anderem Unisex-Kleidungsstücke, die meist eher flächig und formal gedacht sind und von daher ihre Wirkung erzielen sollen.

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Madeleine Haber „Revamped 54“.
Das Gestaltungskonzept versucht einen Brückenschlag der disco-orientierten Mode der 70er Jahre (Studio 54) zu modernen Silhouetten zu schlagen. Auch sie bedient sich dabei geometrischer Gestaltungskombinationen, wie sie tonangebend in den 70s anfangs bei ABBA die Outfits und später z.B. die Thierry Mugler Kollektionen bis in die 80s prägten. Durch den Verzicht auf den Glamour-Anteil sowie bestimmter, spezifischer Schnittstandards der Epoche leitet die Designerin quasi eine zeitgenössische, gedämpfte Weiterentwicklung daraus ab.

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Sylvia Weber „Functionwear // Two Perspectives“.
Sehr pragmatisch entwickelt Sylvia Weber funktionale Kleidung im Spektrum von Arbeits-, Freizeit- und Businesskleidung. Sehr konventionell bedient sie sich dabei entsprechend praktischer, moderner Materialien und Verarbeitungstechniken und kooperiert mit tonangebenden Firmen auf dem Gebiet. Repräsentative Eigenschaften werden angedeutet, treten aber gegenüber Wetterschutz und Tragekomfort eher zurück.

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Linh Tran Thuy „Cultural Crossroads“.
Die Kollektion leitet sich aus speziellen folkloristischen Vorlagen ab (Hmong), bei denen ebenfalls geometrische Formulierungen die Schnitte und Muster bestimmen. Der Transfer der traditionellen Attribute in die Gegenwart führt zu neuen, eigenen Prägungen, aus denen sich zum Teil auch eine eigene Eleganz entwickelt.

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Ellen Judith Müller „Knit[ed]it“
Stricktechnik ist mittlerweile ein komplexes Verfahren geworden, das eigene Entwurfskonzepte verlangt und auch digitaler Programmierung bedarf. Die Entwicklung von der Fläche zur plastischen Form folgt anderen Wegen als bei klassischen Modedesignern und die Strukturierung und Oberflächengestalt des Materials ist wesentlicher Teil der Gestaltüberlegung, Muster im Gewebe eine besondere Raffinesse. Ellen Judith Müller zeigt besonders elaborierte Experimente, besonders mit einem Hosenanzug.

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Kristin Noack „Do/Cut“.
Lucio Fontanas Schnitt durch die Leinwandfläche läßt sich durchaus sinnvoll als Gestaltungskonzept auf Kleidung übertragen. besonders, wenn dahinter der reine Körper der Trägerin erscheint. Aber die Designerin versteht sich eher als Teil einer Avantgarde, den sogenannten Expeditiven. Versucht wird, den Konsumenten als Mitdesigner in die Gestaltung einzubeziehen, indem er interaktiv das Design weiter beeinflusst. Aus den hier gezeigten Kleidermodellen, die eher unspektakulär und klassisch daherkommen, wird das allerdings nicht erkennbar (soweit nicht ihr eigener Körper darin zur Wirkung kommt).

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Maria Salomé Buitrago Vasquez „Tropical Shades“ – Resort 20.
Der Zusammenführung zweier Kulturen, nämlich der von Lateinamerika (Strandmode) und der klassisch europäischen, widmet sich die Absolventin mit ihrer Kollektion. Die Verschmelzung der modetypischen Elemente spiegelt zwar auch den Prozess ihres eigenen Erlebens, zeigt aber letztendlich die positive gegenseitige Befruchtung, mit der die Trägerin sich identifiziert.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Es hat schon eine innere Logik, dass die Schauen der deutschen Hochschulen mit ihren „Best Graduates“ in Modedesign den Vorlauf der Fashionweek bestreiten und damit Erwartungen aufwerfen, wie die Studenten am Ende ihrer Studien ihren eigenen Zeitgeist reflektieren. Drei Schauen mit je drei Hochschulen sind ein ausgiebiges Programm, bei dem unzählige Gestaltungsstyles in schneller Folge letztendlich nicht nur Absolventinnen und Absolventen vorstellen, sondern auch Lehrkonzepte und letztlich sogar Eigenheiten der unterrichtenden Professoren bzw. Dozenten. Nicht selten nämlich werden noch Semesterkonzepte und -Themen erkennbar, von denen sich die Abschlussarbeiten nicht emanzipiert haben. Sowohl im technisch gestalterischen Sinne als auch im Blick auf intellektuelle Reflexion. In einer vorbildlichen Sammlung und Aufbereitung ist zu den Schauen ein Katalog erschienen („The Book“ 2020), der die vielen Positionen, Namen und Bildbeispiele zusammenträgt, um dem Erlebnisflash noch eine Aufbereitungsgrundlage zu bieten – leicht überdesigned aber gut strukturiert.

Teilnehmer waren die HAW Hamburg, Angewandte Kunst Schneeberg, HTW Berlin, FH Bielefeld, der Lette Verein Berlin, die Hochschulen Hannover, Bremen, Reutlingen und Halle. Das Format wurde bereits 2019 mit großem Erfolg erprobt und mausert sich schnell zu einer wichtigen Institution, die nicht nur die Suche nach jungen Talenten ermöglichen soll, sondern auch den Stand der Entwicklung der Mode im gesellschaftlichen und kulturellen Kontext vorzeigen will. Mit dem ausgegebenen Schlagwort „Fashion for Future“ tauchen schon diverse Implikationen und Anspielungen auf, die das innere Selbstverständnis des Modemachens in der Aktualität zu fassen versuchen. Dabei setzen die Hochschulen schon verschiedene Schwerpunkte hinsichtlich der branchenspezifischen Kontexte – Stichworte wären zum Beispiel Interdisziplinarität, sich verändernde Berufsfelder, kultureller und gesellschaftlicher Wandel, Künstlerpersönlichkeit, Marktstrategie, Material- und Verarbeitungstechnik, Geschichte, Präsentation und viele mehr. Nicht alles davon erscheint in einer Absolventenschau sichtbar, aber so manches wird spürbar über das jeweilige Exponat (und Parallelen in der Gruppe) hinaus. Im Katalog, der auch Statements und Leitideen zu den Looks aufführt, wird die ungefähre Orientierung schließlich manchmal deutlicher.

Mit drei Hochschul-Schauen stellen wir Beispiele vor (Hamburg, Zwickau, Hannover).
Die Hochschule für Angewandte Wissenschaften (HAW) Hamburg legt, laut Katalog, besonderen Wert auf klare Gestaltungsaussagen mit individuell geprägten Beiträgen. Genderüberlegungen und gesellschaftspolitische Statements und Auseinandersetzung sind offenbar wichtiges Thema im Studium. Das Frauen(selbst)bild spielt in der Schau eine wesentliche Rolle – Kleidung ist sozialer Panzer oder positionierendes Signal.

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Charlotte Strindberg „Lilith 2.0“.
Die Figur der Lilith hat viele verschiedene mythische Quellen, der Bezug hier meint aber wahrscheinlich nicht Bocksgeister sondern bezieht sich auf jüdisch-feministische Theologie (Midrasch), in der Lilith als eine Frau dargestellt wird, die sich nicht Gottes, sondern Adams Herrschaft entzieht. Großes, farbiges Hahnentrittmuster wird bei Charlotte Strindberg zur optischen Waffe, und bedeckt als zweite Haut schon mal den ganzen Körper. Hinzu treten große Drapierungen mit pointillistischem Muster auf Männerstoffen, die in grober Silhouette den Körper hart modifizieren. Haut bleibt dem Blick weitgehend entzogen.

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Joséphine Sagna „Painting Fashion“.
Die Absolventin ist zugleich bildende Künstlerin und sieht ihre Kleidungsentwürfe als Verlängerung dieses Schaffens. Auch sie bezieht sich auf die inhaltlichen Komponenten der Weiblichkeit, in der Zerrissenheit zwischen männlichen und weiblichen Aspekten mit farbigen Kontrastierungen und, wie bei den vorgestellten Outfits, männlichen und weiblichen Kleidungstypen in Verschmelzung.

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Sarah Niederaus „Insight Out“
versteht Kleidung als Schutz, weniger im Sinne von Wind und Wetter, wie es zunächst scheinen könnte, sondern besonders als mentaler Schutz interpretiert. Aus der Zeltplane einer Jurte gefertigt, hat die Trägerin metaphorisch ihre vier Wände am Körper, wenn sie sich im gesellschaftlichen Raum bewegt.

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Sonja Hormann „Desintegration“.
Die Arbeiten sind auf den ersten Blick nicht gesellschaftspolitisch und konzentrieren sich auf ästhetische Formulierungen. Sie repräsentieren gestalterische Transformation von Introspektion, allerdings körperlicher. Die Betrachtung der biologischen Konstellation der körperinneren Anatomie überträgt und überhöht Sonja Hormann mit einem Materialmix in verschiedenen Schichten und organischen Formen, die äußere Silhouette erhaltend. Die gezeigten Lösungen sind in diesem Sinne sehr subtil und genialisch und die konzeptuelle Strategie einer erprobenden Ästhetik ist – im Gegensatz zu den anderen Absolventen – als Ganze organisch verstanden und von daher vielversprechend.

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Catharina Holtgrave „Verlanden“.
Die Outfits beziehen sich auf Natur, sie führen ihr Erscheinungsbild auf landschaftliche Anmutung zurück (wesentlich Moorlandschaft), erdige Farben und Bodentexturen sowie Ausdehnungen und Einsprengsel assoziieren bzw. überführen Naturerfahrung. Das geht experimentell über eine bekannte Landarbeitererscheinung hinaus und lehnt an ökologische Sehnsüchte an. Es ist eine Perspektive des nomadischen Typus, der sich von urban orientierter Selbstbestimmung abwendet.

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Margarete Geisler „Under Construction“.
Auch hier geht es wieder um Geschlechterfragen, sogar um Diskriminierung, bezogen auf Berufswelt und -kleidung. Stoffe, Schnitte, Accessoires und spezifische Farbgebung aus Arbeitskleidung traditionell männlicher Berufe werden auf Frauenkleidung übertragen und die erzielte Widersprüchlichkeit in der sinnlichen Wahrnehmung geht schon über den spielerischen Witz hinaus. Der amüsante Impetus gesellschaftspolitischer Fragestellung bleibt aber soweit nur dahingestellt, reale Perspektiven für Modedesign ergeben sich daraus noch nicht.

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Katharina Rasch „61° 7′ S, 55° 11′ W“.
Die Imperial Trans-Antarctic Expedition ist für die Designerin das Sinnbild des Überlebens im zusammenhaltenden Kollektiv. Katharina Rasch sucht in diesem Ideal eine gestalterische Entgegnung auf gesellschaftliche Spaltungen, Zerfall und Isolierungen. Miteinander korrespondierende Schichtungen, Farben und Formen definieren daher die ästhetische Erscheinung eines Outfits, bodenständig, harmonisch, geschlechtsneutral und assoziativ offen für andere Kulturen.

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Céline van de Loo „Die Bedeutung des Objekts. Eine Sammlung“.
Kleidung will hier ebenfalls als Bedeutungsträger verstanden werden, Assemblagen von Fundstücken bilden semantische Konstrukte aus gesammelten Kleidungsstücken. Für die Designerin ergeben sich daraus vielleicht Geschichten und gedankliche (oder emotionale) Bezüge, lustvolle Reminiszenzen an gelebte Aneignungen. Für den Betrachter erscheinen die „Samplings“ eher als spontane, originelle Kleidungskombinationen mit überraschenden Effekten. Die spießige Abbildung eines Klassentreffens auf dem T-Shirt mag vielleicht noch bedeutungsträchtig sein, in Kombination mit den anderen Kleidungsstücken verschwindet das aber genauso wie die anderen Konnotationen und übrig bleibt weniger eine sinnliche, noch eine pfiffige Bekleidungspointe, geschweige denn ein ästhetisches Motiv.
Der vermutlich philosophische Gedanke dahinter ist dagegen schon interessanter, nämlich den Träger zu beauftragen, mit Kleidung kreativ eine eigene Geschichte zusammenzustellen anstatt modeindustriellen Vorgaben und Trends und Statements zu folgen. So verstanden führte die Designerin lediglich eigene Beispiele – gemacht für sie selbst – vor.

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Maximilian Lüers „Die unheimliche Frau“.
Mit seinem Interesse an surrealistischen Erscheinungen im Zusammenhang mit Frauengestalten entwickelt der Absolvent einen sehr sinnlichen Anspruch an seine Entwürfe, die das Nachdenken über „das Weibliche“, auch im abgründigen oder rätselhaften Sinne, einschließen. Dafür führt er Zufälliges zusammen, was ihm „weiblich“ erscheint und was den Titel der Kollektion evoziert. Zeitgemäß ist es in der ästhetischen Freiheit, emanzipiert dahingehend, dass die Rollenbeschreibung des Weiblichen aufgelöst und durch mystische Wesenheit ersetzt wird. Ein Ansatz, der die frauenkämpferischen Standards negiert und Eigentlichkeiten aufsucht. Die vorgeführten Outfits überzeugen in dieser Hinsicht allerdings noch nicht so sehr wie das Konzept dahinter.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Auch diese Saison zeigten Designer der Boutiquen im schönen Quartier 206 in der Friedrichstrasse mit einem eigenen Showformat ihre aktuellen Kollektionen, in einem Reigen aus 13 Schauen in drei Blöcken. Vertreten sind kleinere, aber durchaus nicht unbekannte Atelier-Labels – vorwiegend aus dem Osten, besonders Polen, aber auch aus dem Westen.

Erfahrungsgemäß funktionieren die ästhetischen Neigungen im Osten nicht selten in Richtung Glitzer, der ruhig etwas kräftiger aufgetragen sein darf. Auch Sexyness darf dabei oft etwas vordergründiger erscheinen, doch in dieser Saison gab es in dieser Hinsicht nur eine kleine, eher etwas verlegen auftretende Einlage im Vorfeld des Catwalks, quasi ein Extra für Fotografen, danach war die frivole Offensive gegenüber früher deutlich zurückgenommen. Die östliche Provinienz war vertreten durch Gera Skandal (Russland), Silk Epoque (Polen), A. Gliwinski & M. Arlukiewicz (Polen), Basia Olearka (Polen) und Kowalove (Polen).
Aber auch andere Herkunft war vertreten, darunter Seyit Ares (Deutschland), Andrea Droemont Couture (Deutschland), Dina Pinto (Monaco), Aynur Pektas (Brasilien), Martin Appelt (Deutschland) und Agnes Wuyam (Frankreich). Wie letztere ist Aline Celi (Brasilien/Deutschland) eigentlich immer dabei und die Designerin eröffnete und beschloss die Schauenreihe auch wieder.

Einige Designer traten auch in der Fashion-Hall Berlin im selben Zeitraum auf, was dem etwas anspruchsvoller gewünschten Kontext im Quartier 206 vielleicht nicht unbedingt förderlich ist und ihn in etwas instabileres Licht rückt. Solche Beobachtungen erscheinen in einem Fashionweek-Veranstaltungsformat eher befremdlich. Aber die Berliner Fashionweek hat ihr Gesamtgefüge noch immer nicht schlüssig etabliert und da sind solche Merkwürdigkeiten wohl nicht auszuschließen.

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Die Eröffnungsschau von Aline Celi focussierte sich auf die Kombination von schimmerndem Schwarz und großen, floralen Mustern in Gold. Dies als Auslegung von „Herbst“ ist ein edler Gedanke, der von anderen, flatternden und glitzernden oder schimmernden Kleidern, die zum Teil auch an Art-Deco-Ästhetik erinnern, ergänzt wird.

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Seyit Ares aus Düsseldorf/Berlin brachte allerdings die Kultur des exotischen Funkelns auf den Punkt. Mit mutigen und innovativen Kombinationen führte er einen femininen Clubstil vor, der in seiner Konsequenz und Experimentierfreude zu einer Kollektion gelangt, die einerseits noch von zu deutlichen Einflüssen von Marina Hoermanseder (harte Corsagen, Schnallen, Riemen), in deren Atelier er gearbeitet hat, aber auch von J.-P. Gaultier geprägt ist. Seyit Ares formuliert seine Leitidee andererseits jedoch noch futuristischer, geradezu spacig und entwickelt damit eine eigenständige Konsequenz. Leder im Metallic Look, schrille Farben, funkelnde Oberflächen und körperbezogene Schnitte gestalten noch pointierter als Hoermanseder so etwas wie eine zeitgenössische Party-Queen mit Amazonen-Touch. Inwieweit ihm künftig eine Emanzipation gelingen kann, bleibt abzuwarten. Mit seiner Gestaltung zwischen Offensive und Eleganz als Spiegel des Zeitgeistes gelang dem Designer jedenfalls das Highlight der Veranstaltung, bunt, exzentrisch und extrovertiert.

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Eine Modeschau für Kinder zeigte Gera Skandal aus Russland. Der Designer ist auf diese Klientel spezialisiert und findet jede Saison eine neue, sehr eigene Leitidee der Gestaltung. Das war dieses Mal ein fantasievoller Exkurs in Märchen- und Zwergenwelten, wofür raffinierte Materialien, Schnitte und Kombinationen in erdigem Farbspektrum sehr überzeugende Ausprägungen fanden. Gelegentlich neigten die Gestaltungen schon zu theaterhaften Ausstattungen, aber die gleichzeitige Verbindung mit ökologischer Wirkung, praktischer Diesseitigkeit und sorgfältiger Verarbeitung machte die Arrangements zu spannenden, anspruchsvollen, wenn auch zum Teil etwas versponnenen Couture-Exemplaren. Folgerichtig schloss eine – etwas reduziertere – Version für junge Frauen das Panoptikum ab und bewies noch einmal die durchaus attraktive, marktfähige Prägung der Kollektion.

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Andrea Droemont Couture ist aus Köln und auf die handwerkliche Seite der Gestaltung gerichtet. Dabei bleibt das Label aber nicht in seinem Traditionsanspruch stecken sondern zeigt verschiedenste Möglichkeiten und Gestaltungen im zeitgenössischen Sinn, so dass die gezeigte Kollektion geradezu ein Panorama von Stoffen, Schnitten und Mustern vorführt. Recht stilbewusst kommt das alles daher, in sehr maßvoller und unaufdringlicher Extravaganz.

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Das Atelier Silk Epoque aus Polen von Olga Ziemann entstand aus Liebe zur Seide und konzentriert sich auf Gestaltungsmöglichkeiten mit diesem feinen Material und einer inzwischen erweiterten Palette, in der auch Spitze, Samt und Bourette vorkommen. Ausgehend von den sehr feinen und besonders strukturierten Materialien entwickelt sie ihre Oberflächenanmutungen, Muster und Schnittarrangements, sorgfältig-liebevoll im Detail. Sie sucht in eher klassischen Silhouetten neue Wirkungsmodifikationen und ein Wechselspiel zwischen klassischer Eleganz und verspielter Lebendigkeit. Dabei ist allerdings der eher schwache Anspruch an die Schnitte und Silhouetten nicht so vorteilhaft und wirkt eher bieder als chic.

Positiv erscheint uns noch erwähnenswert, dass hier keine Magermodell-Auswahl statt gefunden hat, sondern auch Kleine, Große, Kurvige, Junge und nicht so Junge vorführten, wenn auch leider immer todernst. Für die Wahrnehmung der femininen Konzepte ist das eine Bereicherung.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Goodie-Bag bezeichnete sich schon vor der Schau als Materialrecycling, später in der Darbietung wies dann noch ein Pappschild auf „Ananasleder“ (ein Erntenebenprodukt) bei den Röcken hin – immerhin tut sich was bei der Entwurfskonzeption bei Marina Hoermanseder in Sachen Ökobewusstsein. Denn der erste Eindruck täuscht, wenn man die discomäßigen Teile, deren Oberflächen wie Kunststoffmaterialien aussehen, als dominierenden im Kopf behält. Laut Labelauskunft sind die verwendeten Leder „ausschließlich vegetabil gegerbt“ (schon immer) und die Färbungen mit GOTS-zertifizierten Pigmenten realisiert. Ein nachhaltiges Vollprogramm ist das freilich noch nicht, aber als bewusstseinsrelevant schon erwähnenswert, weil der meiste Oberflächenfunkel eben nicht nach nachhaltig aussieht.

Gegenüber den letzten Schauen war die gezeigte Kollektion jetzt wieder viel anspruchsvoller in den Erscheinungsbildern: Sweatshirts, Logoschals und ähnliche Streetwearteile tauchten nicht mehr auf. Die Konzentration auf geschmackvolle und experimentell reizvolle Kleidungsstücke war wieder das Wesentliche der Veranstaltung, mit einem Spektrum zwischen knapper Corsage und opulentem Abendkleid. Zu den Lederschnallen hat die Designerin noch nahezu unerschöpfliche Ideen, die jetzt auch wieder raffinierter ausgeführt werden und teilweise weniger aufdringlich als oft zuvor in Szene gesetzt sind. Auch die glitzernden Disco-Kleider mit L.A.-und-Las-Vegas-Taste, noch immer ein dominanter Anteil der Kollektion, haben zum Teil ungewöhnliche Gestaltungsmodifikationen durchlaufen, so dass der Touch des Billigen eingeschränkt oder ausgeschlossen wird. Dabei muss man allerdings zugeben, dass Marina Hoermanseder immer bemüht war, dieses Segment gestalterisch zu veredeln. Man denkt an Clubnacht-Outfits von Grace Jones (die waren natürlich noch exzentrischer) und überhaupt gibt es eine Reihe gestalterischer Rückgriffe auf die 80er und 90er Jahre, die ja auch die eigentlichen Discoclubjahre waren. Einfache Clubkleider hat Hoermanseder raffiniert geschnitten und effektvoll mit Applikationen versehen, manche Silhouetten sind spannend angelegt (z.B. oben weites Blouson, unten hautenger Rock), mit den festen Ledercorsagen hat sie kontrastierende Stücke verbunden, und die Bustiers werden jetzt teilweise mit darüber liegenden Transprenzen ergänzt. Das ist jeweils sehr gut gelungen, besonders da, wo die Designerin Schwarz inszeniert und die Riemen ein reizvolles Eigenleben entwickeln. Einschränkende Beobachtungen macht man aber auch: Zum Beispiel die Schnallenröcke haben jetzt oft nur eine Schauseite und sind hinten eher tragekomfortabel angelegt, solche Gestaltungslösungen erscheinen als ein unschöner Kompromiss zwischen Effekt und Pragmatismus.

Beruhigend ist neben der Konzentration auf gutes Niveau auch das Anliegen, die kaum tragbaren aber tollen „Rüstungen“ aus Leder immer wieder neu zu formulieren und vorzuführen, schon die Startfigur kam wie eine aufgemotzte Schlemmer-Figurine daher, hier mit Airbrush zu einem stilisierten Pythonkopf verwandelt. Ein anspruchsvolles Einleitungsstatement, viel mehr Varianten davon folgten zwar nicht, aber die spannend gemachten Ledercorsagen tauchten hie und da noch auf und belebten den dünnen Flitter in quasi vergewissernder Weise und geschmacksstabilisierend. Letzterer enthält, wie gewohnt, noch sehr viele Rosa-, Pink- und Lilatöne und viele weitere kitschige Anmutungen. Der Balanceakt zwischen ästhetischem Niveau und Pailettengeglitzer geht zwar manchmal, doch nicht immer zugunsten der Geschmackssouveränität aus. Die Entwurfskonzepte aus Marinas Märchen-, Disco- und Romantikland hatten schon immer ihre Tücken.

Im positiven Sinne entscheidend war aber der erwähnte Umstand, dass diese Schau die Anbiederung an den kommerziellen Streetwearbedarf mit den aufdringlichen Labelschriftzügen und anderen Billigkeiten außen vor gelassen hat und damit das geschmackliche Raffinement der Designerin wieder deutlicher herausstellte. Und der erwähnte Einzug ökologischer Experimente geht an keiner Stelle auf Kosten des guten und spezifischen Geschmacks, auch das nimmt man als vorteilhaftes Merkmal dieser – wie immer glänzend inszenierten – Schau mit.

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