Fotos: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label Selva (Selva Huygens) agiert mit seinen Schöpfungen an den Schnittstellen zwischen Mode, Industriedesign und Bildender Kunst und sucht den fantastischen Aspekt dabei als das besondere Faszinosum heraus zu stellen. Schon die Art der Schau wird in diesem Zwischenbereich angesiedelt, mit Performancecharakter, mit herumliegenden und zu Sitzmöbeln modifizierten Fundstücken modernen Autodesigns und mit innovativer Bekleidung. Alle inspirierenden Ansätze aus den Kreativbereichen begleiten die Wahrnehmung dessen, was hier als Mode vorgeführt wird und was der Designer für sich als moderelevant beansprucht.

In diesem Sinne wählt der der Künstler den Performancecharakter für die Schau, indem eingangs eine Tänzerin von zwei Helfern mit Bruchstücken aus dem Autodesign und anderen Industriematerialien bekleidet wird, die mit industriellen Verbindungen betont collagiert sind. In dieser Verwandlung beziehungsweise Transformation entsteht prozesshaft aus Fundstücken so etwas wie ein Schutzpanzer am Körper mit zunehmendem Glanz, ein modisches Erscheinungsbild.
In der Folge besetzen weitere Modelle wechselnd verschiedene Stellen im sich zunehmend definierenden, quasi designten Raum.

Das Industriedesign im Konzept dokumentiert sich in Form moderner Autoteile, die, aus ihrer ursprünglichen Funktion herausgelöst, die dynamische Ästhetik der Gestaltung bestimmen und sie mit weiteren, glänzenden Verbindungselementen in futuristischer Prägung steigern. Der Transfer dieser ästhetischen Versatzstücke kann zu Bekleidung genauso realisiert werden wie zu Designer-Mobiliar beispielsweise, das in Form von Stühlen auch zu sehen war.

Die Mode als herausgestelltes Thema versteht sich nun als designte Hülle, die auf die Funktion des Bekleidens ausgerichtet ist. Dabei werden alle Varianten von passgenau auf den Körper geschneiderten, weichen Materialien bis hin zu sperrigen, harten und aufgesetzten Eigenformen durchgespielt und zusammengeführt.

Die Kreation mit allen diesen Aspekten führt zu einer wirklich gelungenen Modeästhetik, die nicht nur stimmig daher kommt sondern auch mit ihren fantastischen und rasanten Auswüchsen fasziniert. Die skulpturale Herangehensweise mit subtilem Materialbewußtsein ist zugleich künstlerisch und modisch körperbezogen angelegt und dabei von einer Sexyness geprägt, die hin und wieder auch an Stilismen von Namilia und vergleichbare submodische Orientierungen denken läßt. In dieser sinnlichen Grundlage liegt das entscheidende Finish der gezeigten Kollektion, sie macht auch das Sperrige zum erotischen Element und ungewöhnliche Materialien und Verbindungen zu glanzvollen Sinnlichkeiten. Und zugleich ist diese Sexyness Teil der gegebenen Provokation.

Schwarz, Weiß und Rot in Verbindung mit Chromsilberglanz (und Transparenz) sind die folgerichtige Farbwahl, kurvendynamische Silhouetten und Formkombinationen gestalterische Notwendigkeiten. Im Spiel zwischen tragbar und untragbar bleibt die Tragbarkeit noch dominant, besonders gutes Beispiel sind die Schuhwerke, wo die fantasievollen Übertreibungen der formalen Auswüchse normales Laufen vielleicht beeinträchtigen können, den stolzierenden Gang aber befördern.

Die Pressemitteilung schreibt: Selva Huygens ist eine in Berlin ansässige nachhaltige Marke, die weggeworfene Autoteile, Metallhardware und industrielle Abfälle in funktionsfähige, tragbare Kunst verwandelt. … Die Marke hat die Aufmerksamkeit von Top -Stylisten und Kreativen auf sich gezogen, darunter Lady Gaga, Jared Leto und FKA Twigs und etabliert sich als wahrer Trailblazer in Kunst und Mode. Das Interesse im exzentrischen Showbusiness verwundert nicht, denn unterm Strich ist die Kollektion von Selva mit allen ihren Implikationen nicht nur attaktiv schillernd sondern sehr offensichtlich ein gutes Beispiel für avantgardistisches Modeverständnis, radikal, konsequent, dynamisch, sexy und fantasievoll in der Ausführung und zugleich ein guter Audruck dafür, wie man Mode, Industriedesign und Kunst als einheitlichen Leitgedanken verstehen kann.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Kooperation mit dem bekannten Label ED HARDY hat Namilia einen guten und wohl wichtigen Inspirationsschub gegeben, jedenfalls war die Schau der neuen Kollektion für Sommer 2025 wieder ein einfallsreiches Panoptikum mit vielen Überraschungen. Ein thematischer Leitgedanke trug außerdem die nach wie vor provokanten Konfrontationen inhaltlicher Prägung.

Doch eins nach dem anderen, denn beides hat eigentlich nicht viel miteinander zu tun. In den Nuller bis 2010er Jahren war Ed Hardy ein berühmtes Mode Label, das sein Image vorwiegend mit Tattoomotiven im weitesten Sinne aus den 50er Jahren bezog: Donald Edward Talbott “Don Ed” Hardy war in den 70ern der wohl berühmteste Tattookünstler der USA, 2002 gründete er das Modelabel und indem es diese ganz spezifische Bild-Ästhetik zu Pop erklärte, entwickelte die Marke daraus einen eigenen Kosmos der Mode. Die kitschigen Motive bedienen positive Klischees von Liebe, Treue, Hingabe, Sex, Herzeleid und Verliebtsein, aber auch Drachen, Tod und Gewalt, nicht selten einträchtig kombiniert. Die gleichzeitige Verspieltheit und Romantisierung treffen ziemlich punktgenau die Definition von Camp und die Schlichtheit der direkten Symbolik schreibt beste Pop-Geschichte fort. Aber wie so vieles in der Mode kam dieses Label auch langsam out of time und spielte seit den letzten 15 Jahren nur noch eine unerhebliche Rolle in den folgenden Generationswechseln.

Wie auch immer es gekommen sein mag, entdeckte das Designerduo Nan Li und Emilia Pfohl von Namilia die eigene Ästhetik des Ed-Hardy-Kosmos‘ neu und für sich, nicht zuletzt wohl auch wegen seiner erotischen Emotionalität und Direktheit. Zu einem guten Zeitpunkt, denn die Kollektion der letzten Saison war schon sehr von bereits bekannten Motiven und Ideen vorangegangener Kollektionen geprägt und ein innovativer Kick des einfallsreichen Designerpaares mehr oder weniger ausgeblieben. Sie machten aus der Kooperation nun eine wirklich einfallsreiche und gestalterisch experimentelle Symbiose, die alle Register zieht, wie man Motivwelten pfiffig und attraktiv in neue Formen und Erscheinungsbilder fassen kann. Auch die geschichtlichen Verknüpfungen der Ed-Hardy-Welt (Blue Jeans, Caps, Originaltattoos, Logo) werden neu definiert. Die ureigene Idee Namilias von der sexuell geprägten Basis wird dabei natürlich nicht verlassen, sie geht eher über von der Provokation in ein Selbstverständnis und macht damit einen großen Entwicklungsschritt. Zugleich kommt die Gestaltung zurück auf Vorstellungen von ästhetischem Raffinement und auf optische Komplexität, auf originelle Herangehensweisen und Durchspielen verschiedenster Erscheinungsbilder. Mit den Ed-Hardy-Motiven setzt das Label jeweils Ausgangspunkte für so viele Gestaltungsexperimente. Das ist wohl der entscheidende Punkt für diese erneut innovative Kollektion.

Ein anderer ist das Thema „Good Girl Gone Bad“. Das Label erklärt sein Interesse – und seine Faszination –  an dem Phänomen des Startums, der besonders in diesem Jahrhundert die westliche Kultur entscheidend prägt, sofern sein Lifestyle- und Pop-Charakter im Zentrum gesehen wird. Die minutiöse Beobachtung des Lebens der Stars als Miterlebenskultur hat sich gesteigert und, genauso spannend wie der begleitende Glanz, auch das Phänomen des Absturzes, der mit gleichem Gelüste verfolgt wird. Auch das große Scheitern wird als kulturelle Sensation empfunden, begleitet und gefördert von Paparazzis, sensationsgeilen Medien und sozialen Netzwerken. Doch das Prinzip hat sich demokratisiert:  Waren früher die Optionen auf Startum vorgegeben, kann jeder sie heute umkehren und sich selbst zum Star aufschwingen. Die Besessenheit, mit der die popkulturelle Gesellschaft diese Phänomene auslebt, die Spektakel, die aus Stars Opfer machen und aus Blitzerfolg Blitzscheitern, ist Anlass für Namilia, daraus ein modisches Thema zu machen, reflexiv und partizipativ und alternativ zugleich. Aber dies stellt Namilia eben auch klar: Die Bewunderung kann man nicht in seinem eigenen Leben ins Praktische umsetzen, man scheitert an den großen Stereotypen mit folgender Enttäuschung. Als Konsequenz kann man nur in der eigenen Individualität die Selbstbestimmung definieren. Darin liegt die zentrale Botschaft des Labels und damit sieht es sich schon in der darauf folgenden Generation.

Mit ihrer intellektuellen Positionierung sind Namilia gegenwärtig sehr prägnante Avantgarde und es gibt kaum Labels, die so entschieden und konsequent die zeitgeistige Haltung der Jugend aufgreifen und als Mode auf den weiter denkenden, radikalen Punkt bringen. Zugleich schrecken sie nicht davor zurück, das provokant zu formulieren, im Gegenteil, sie haben gerade daran Spass. Sie machen damit auch deutlich, dass es eben nicht so ist, dass alle Möglichkeiten des Tabubruchs, Schocks und Provokation abgenutzt sind, sondern dann, wenn sie sich reflektiert aus der beobachteten Gegenwartssituation speisen, sehr wohl innovativ sein können und wirksam funktionieren. Beeindruckend dabei ist, dass Namilia die Lust am Spielerischen nicht zurückstellt, den Spass an Pop, simplen Parolen und klischierten Zeichen pflegt, ohne den klugen Anspruch zu unterlaufen. Das, so kann man es sehen, ist Kunst. Und dieses Niveau des Modeschaffens setzt die Berliner Fashionweek von den gepflegten Standards anderer Standorte ab und nimmt Einfluss, auch wenn sie sonst leicht kleingeredet wird. Namilia ist ein gutes Beispiel dafür, was man unter dem Begriff zeitgemäßer Avantgarde verstehen kann und die Kulturgeschichte lehrt immer wieder, dass Avantgarde stets im Unbeachteten stattfand beziehungsweise stattfindet und nicht auf großer international gefeierter Bühne. Aber relevanten Einfluss nimmt.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Geschlechteremanzipation sind das Fundament zur schöpferischen Philosophie der beiden Betreiber des Labels Namilia, Nan Li und Emilia Pfohl, woraus kontinuierlich und seit Jahren die Bestände ihrer Kollektionen wachsen. Und stets topaktuell bleiben, mehr noch, wirklich avantgardistisch.

Wir entdeckten Namilia bereits in Paris vor etwa 2 Jahren und schrieben schon ausführlich darüber (siehe Bericht). Erfreulicherweise hat das Berliner Label nun doch eine Möglichkeit gefunden, hier in der Stadt eine Schau zu veranstalten, die sehr begeistert aufgenommen wurde. Die Kollektion wurde entsprechend groß angelegt und war dennoch enorm abwechslungsreich.

Grundsätzlich ist die Mode von Namilia immer kompromisslos, feministisch, antirassistisch und pro trans. Sexuelle Freiheit einerseits und dynamische Sportlichkeit, hier Motocross, prägen viele Ideen und auch entsprechend die glatten Materialien und leuchtende Farbigkeit. Outfits von Motorsport pflegen ohnehin stets eine Vorstellung von Empowerment. Die Formgebung ist entsprechend ebenfalls „speedy“, sowohl in herausgezogenen Schultern als auch in den Applikationen und großflächigen, kontrastierenden Flächenformen (und auch in den Materialwirkungen, veganes Leder z.B.). Hinzu kommen Gothic- und Punk-Details wie spitze Schultern, Spikes oder Nieten. Und, nicht zu vergessen, auch hochgeschlossene, knöchellange Qipaos (ein traditionelles chinesisches Gewand) mit applizierten Stoffvulven.

Aber dabei bleibt es nicht. Wichtiges wird entfernt und bleibt quasi nackt oder die textile Gestalt wird extrem ausgeweitet. Die gewünschte Sexyness beziehungsweise Erotik modifiziert die Kleidergestalt durch Wegnahmen, Aussparungen, Taillierung, Öffnungsmöglichkeiten und viele weitere Strategien, bis die gewünschte Frechheit ziemlich kompromisslos das Ganze bestimmt. Liebevoller Einfallsreichtum in vielen Details und sorgfältigste Verarbeitung sind Teil des Vergnügens, das man mit diesen Outfits  hat.

Anregungen aus der Clubszene in ihren exzentrischsten Ausprägungen werden gerne verfolgt und ausgebaut, denn von da aus geht die Grundidee einer sexualisierten Gesellschaft (unter neuen Vorbedingungen) längst der allgemeingesellschaftlichen Öffentlichkeit voraus. Ausserdem fließt die reale eigene Körperlichkeit in seiner Anerkennung (Body-Consciousness) als Pro-Faktor in die Gestaltungsphilosophie ein und überwindet damit ganz souverän und selbstverständlich bisherige Standards, an denen die großen Modehäuser noch immer kleben.
Als aktuelles Leitthema geben Namilia den Text Cruising Utopia, The Then and There of Qeer Futurity von José Esteban Munoz an, möchten also, dass man ihre Kollektion als eine Vorstellung von „queer utopia“ betrachtet. Damit wird die Idee von sexueller Freiheit noch einmal weiter focussiert. Aus dieser Textquelle schöpft übrigens auch der DJ/Produzent Yazzus mit seinem Soundtrack zur Schau.

„Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ äußerte das Designerduo einmal und blieb bis heute unbeirrt dabei. Jetzt, wo die Berliner Fashionweek frei von äußeren kommerziellen Werbe- und Imageinteressen sich neu aufstellen kann, sind Labels wie Namilia neben Olivia Ballard und anderen plötzlich auf dem Plan und führen vor, was zwar längst schon da war, was als Berliner Kulturverständnis und Subkultur aber nicht in die erste Reihe der präsentierten Mercedes Benz Fashionweek kam. Diese Labels repräsentieren das authentische Mode-Berlin – ohne dass anders orientierte Labels damit herabgewürdigt wären. Labels, die, wie Namilia, deswegen anderswo bisherige Erfolge feiern konnten und zweifellos eine spannende Avavantgardeposition einnehmen, auch und gerade im gesellschaftspolitischen Anspruch.
Und dabei kommt es nicht von Ungefähr, dass Namilia auch in New York in den Szenen gefeiert wird und Bekanntheit erlangt hat.

Diese konsequente und kompromisslose Haltung der Labels und ihre kreative Innovationskraft werden die Berliner Fashionweek reizvoll und wichtig machen im internationalen Gefüge und umgekehrt stehen sie ja auch erklärtermaßen zu Berlin und seiner Lebensart.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Aus künstlerischer, wie auch handwerklicher Sicht heraus stellen die Präsentationen von Augustin Teboul im Rahmen der Mercedes-Benz Fashion Week in Berlin aus vielerlei Gesichtspunkten heraus ein Höhepunkt dar, welcher ein auf den ersten Blick unterschiedlich geschichtetes Publikum anzieht.

Bereits konzeptionell unterscheiden sich die Vorgehensweisen der beiden Designerinnen sehr von dem gängigen Trubel, welchen die Modewoche mit sich bringt – offside und überfüllt – und wecken Interesse. Seit einigen Saisons stehen die Entwürfe aus Aushängeschild für häufig als „neues Deutsches Modedesign“. Zu solch einer Aussage mit allen Implikationen, welche ein Label mit diesem „Status“ genießt, oder genießen kann, wie eine hohe Präsenz in den gedruckten Zeitschriften für Endkunden, kann man sehr ambivalent stehen. Entsprechend ist es aus unserer Sicht an der Zeit, sich mit dem Werk ganzheitlicher auseinander zu setzen und die vorgestellte Kollektion in Kontext mit allen bisherigen zu setzen. Vielfach wird die handwerkliche Umsetzung, Feingliedrigkeit und der Detailreichtum ebenso als kennzeichnend wahrgenommen, wie die „Farblosigkeit“, oder besser Düsterkeit der Entwürfe. Stilistisch finden sich immer wieder unterschiedlichste Gestaltungselemente verschiedenster Epochen und Kunstansätze wieder, sei es Manierismus, Barock und Rokoko, oder auch modische Konzepte der 1880er und 90er Jahre bei Oberflächenkonzepten und Volumenkonstruktionen. Da sich in der Gesamtlinie, konsequenter Weise, in den vergangenen zwei Jahren keine wesentlichen Veränderungen ergeben haben, ist es vielfach (neben den zweifelsohne gegebenen Wiedererkennungseffekt) sehr mühsam zwischen den Kollektionen überhaupt unterscheiden zu können oder Entwicklungen auszumachen. Jedenfalls ist die Rezeption in angrenzenden kreativen Bereichen und Feldern wesentlich und sichtbar, was sich in den vielen Publikationen zeigt. Der kreative Reiz, sich mit den Kleidern auseinander zu setzen ist ungebrochen. Besonders kommt hier eine (versteckte) Tragbarkeit und Kombinierbarkeit der Einzelstücke zum Vorschein. Oft ist es nur schwer vorstellbar, dass die Looks als Ganzes zur Geltung kommen, oder getragen werden. Hingegen spricht viel für eine selektive Auswahl und eine in den Alltag übertragene „Tauglichkeit“. Reine Avantgarde hat sich geschichtlich betrachtet noch nie längerfristig tragen können, ohne wieder von neuen Strömungen transformiert, oder geradezu überrannt zu werden. Insofern bleibt es spannend, wie und ob sich das Label in den kommenden Saisons entwickeln wird.

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Bilder & Text: Marcello Rubini

Alle reden von einem Berliner Stil, aber kein Designer, weder Michalsky noch Kilian Kerner bringt eine Charakteristik zum Begriff auf einen visuell greifbaren Punkt. Am Rande des großen Betriebs wird man da – wie auch schon letztes Jahr – eher fündig, nämlich bei dem fabelhaften Duo von Augustin Teboul. Die Kollektion der beiden Jungdesignerinnen (Annelie Augustin und Odély Teboul) polarisiert und provoziert, ist mutig und einfallsreich und sie war sicher die ungewöhnlichste und auch avantgardistischste der Fashionweek, ganz ohne die üblichen futuristischen Klischees. Viel eher assoziiert man ein wenig Präpunk-Gothic-SM: das Raue und zugleich Fantasievolle entwickelt eine ganz eigene, faszinierende Qualität und erscheint dennoch extravagant. Die Sachen sind liebevoll handgearbeitet und kombinieren verschiedene Verarbeitungstechniken. Sie wirken alle wie Unikate, obwohl auch dieses Label längst zu Auflagen übergegangen ist und weltweit verkauft. Selbstredend gingen die Sachen nicht auf den üblichen Laufsteg, sondern wurden in einer performanceartigen Schau vorgeführt, und das natürlich in einer ungewöhnlichen, rauen Location (ein ehemaliger Pferdestall der Bötzow-Brauerei in Berlin Mitte), die noch nicht zu Tode saniert wurde.

Feine Stoffe, Leder, Nieten, Baumwolle und immer wieder Netz und Fransen in allen denkbaren Kombinationen, verspielte, dekorative Häkel- oder Knüpfelemente aus dünnen, manchmal glitzernden Materialien als Verzierungen auf den Knien, auf dem Kopf und integrativ in die Tops oder Leggins bzw. Hosen eingearbeitet. Durchbrüche und offene Strukturen prägen die Kleidungsstücke quasi von Kopf bis Fuß, fast überall fasziniert das Spiel mit dem Durchblick durch die schwarzen Teile auf die Haut, mit „zart und hart“, wie Punks zu sagen pflegten.

Augustin Teboul haben sich einen eigenwilligen, faszinierenden, ideenreichen und unverwechselbaren Stil geschaffen und damit zu Recht und ganz klar den „Start Your Fashion Business Award 2011“ gewonnen. Endlich mal ein gänzlich unangepasstes und trotzdem außerordentlich reizvolles Gestaltungskonzept.

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