Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angefangen als subkulturelle, aber berlinerische Veranstaltung, wo Anarchie zu Organisation und Erscheinungsbild das Wesen einer quasi gegenkulturellen Positionierung ausmachte, erweist sich das Konzept die PLATTE.Berlin seit wenigen Saisons als zunehmend erfolgreich.

Der Innenhof der Adresse als typischer Ort der öden berliner Plattenbauten mit seinem optischen, anarchisch aufgemotzten Erscheinungsbild war schon Location der ersten Platte-Veranstaltung und ist auch dieses Mal das kongeniale Locationkonzept. Ausserdem können sich die Veranstalter auch darauf verlassen, dass sich ein Großteil des Publikums dem subkulturellen Style angepasst hat und damit quasi der Schritt in die „Öffentlichkeit“ markiert ist. Und die verbleibenden Gegensätze stellen die Merkmale umso besser heraus. Als Veranstaltung im taghellen Freien ist es leicht, das Publikum in die Schau einzubinden, optisch, und das geniesst solche Situationen sehr: so ungewöhnlich und exzentrisch die Modebekleidung auf dem Laufsteg auch ausfällt, sieht man, dass das Publikum den Spass nicht nur im Zuschauen hat, sondern auch im Selbsttragen und im gegenseitigen Bewundern.

Dass die Wahl auf die Designerin Melisa Minca aus dem Platte-Kollektiv für eine ganze Schau fiel, folgte dem Gewinn des vorangegangenen, neuen Platte Award, der anhand der Prinzipen von Platte-Mode (Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz) vergeben wurde. Und wem es zu verdanken ist, dass die Platte überhaupt im offiziellen Programm erscheinen darf, auch letzte Saison schon, wissen wir nicht, vermutlich war dem Hauptsponsor Mercedes Benz die Subkultur kein imagefördernder Partner.

Melisa Mincas (Label 2018 gegründet) Konzept beruht im Wesentlichen auf Textilupcycling, stets sehr originell kombinierend, improvisierend und zugleich der gesellschaftspolitischen Haltung konsequent verpflichtet. Dass das Spielerische und auch Lustvolle den Ernst der politischen Positionierung weitgehend überdecken kann, ohne sie zu mindern, folgt natürlich auch dem gleichzeitigen  hedonistischen Anspruch. Das „eigentlich Nichttragbare“ wird zum Teil des spassorientierten Kontexts. Niemand ist verpflichtet alles trocken ernst zu nehmen und auch die Designerin nicht, alles ernst zu meinen. Neben dem Spass bleiben auch die plakativen politischen Statements quasi im Raum stehen. Von der handwerklichen Verarbeitung wird gefordert, dass sie solide, sorgfältig herstellt und nichts improvisiert, aber eben keine besonders hohe Schneiderkunst. Deutlich wird aber auch, dass der ästhetische Anspruch bei der Platte höher gehängt wird, als das in den ersten Saisons der Fall war, auch das ein Fortschritt.
Das romantische Schuhwerk wurde übrigens von merrfer unter Verwendung von Upcycled- und Deadstock-Materialien bereitgestellt.

Wie auch die Kleidungsstücke Unikate sind, so werden auch die vorführenden Modelle explizit individuell vorgeführt, mit der Schminke, den Frisuren, Tattoos, Ethnien und Körpern. Everybody United.

Wir schrieben es schon zuvor, in London sind diese Trends schon lange zu beobachten, hundertprozentig läßt sich also nicht sagen, dass Berlin in dieser Hinsicht nun etwas wirklich Neues geboren hätte. Aber es ist in mancher Hinsicht dann doch berlinerisch, umso mehr, als keine andere deutsche Stadt seine Subkultur so liebt und sich für ihr Selbstverständnis zu eigen macht. Und dass weitere Programmierungen aus der Szene in der aktuellen Fashionweek den Trend unterstreichen, bestätigt dieses Selbstverständnis endlich in gerechter Weise.

Grundsätzlich ist natürlich eine Provokation gegenüber dem klassischen Modeverständnis damit offiziell, darüber kann man vielleicht streiten oder die Nase rümpfen. Mit Punk hatten wir das ja ähnlich. Unbedingt überzeugend ist schon mal in jedem Fall, dass der Spass daran ein entscheidendes Kriterium ist und es auch ganz unkompliziert ist, den mit gesellschaftspolitischen Überzeugungen zu hinterlegen.

Gerade das ist eine besondere Erkenntnis, die die Platte.Berlin schon an sich besonders ehrt.

The post Melisa Minca SS24 – In Recovery appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Label Bondy der Jungdesignerin Judith Bondy gibt es seit 2018 mit ein bis zwei kleinen Kollektionen jährlich (hier quasi als alternativer Nachschlag zur Fashionweek) mit Kleidung, Schmuck und Accessoires. Da entsteht ein kleiner, bunter, fast willkürlicher Kosmos mit meist romantisch verspielten Kleidungsstücken und auch neopoppigen oder entfernt an Fetischszene erinnernden Teilen, die mittlerweile eine eigene Modeströmung bilden und sich auch frei untereinander mischen, wie wir schon bei der Platte-Look-Schau gesehen haben.

Gerade die Zusammenstellung des Verschiedenen ist wichtige Basis der Leitidee und steht auch für eine Vorstellung von sozialer Vielfalt beziehungsweise Durchmischung. Gemixt werden Elemente der Populärkultur der letzten 70 Jahre, also von Fifties über Op-Art, Flowerpower, Coolness der 80er bis hin zur Gegenwart, schön bunt, schimmernd, handwerklich geprägt und hie und da etwas schräg und auf Fantasy anspielend. Satin, Tüll, Strasssteine, Metall und PVC sind bestimmende Materialien und Weiß, Pastellfarben, Pink, Lila und Mintgrün als Hauptfarben akzentuieren eine weibliche und auch ein wenig kindlich anmutende Konnotation.  Verspiegelte Sonnenbrillen der Fünfziger, Handtaschen und verspieltes Schuhwerk ergänzen die Auftritte des mutigen Crossovers für große Mädchen.

Das etwas versonnene Blumenambiente auf und vor himmelblauer Folie ist hübsch und wirkungsvoll arrangiert mit echten und künstlichen Moosen und Blumen und mit zarten Schleifen. Weiße Pantonstühle (6os-Klassiker) darin als Ruhepole. Zwei Inseln, die ein Arrangement ergeben, in dem die vorgeführte Mode sich pittoresk für unzählige Handyfotos präsentiert: ein wichtiger Gedanke der Planung. Die Handyklicksituation – alle Zuschauer waren damit ausführlich beschäftigt – bestimmte die ganze Veranstaltung, wenn man mal vom Szenegeplauder danach absieht. Kalkulierte Wahrnehmung via Smartphone, Instagramm-Distribution und Konservierung im Handykosmos sind wesentlicher Teil des Konzeptes und vielleicht sogar der zeitgemäßeste Aspekt dieser Vorführung.

„Neverend“ heißt die Kollektion. Ein Pressetext führt hierzu aus: „NEVEREND folgt der Geschichte eines einsamen Frosches, der die Menschheit überlebt hat und Artefakte einer vergangenen menschlichen Rasse auf seiner Haut trägt.
Der Frosch wirft die Fragen auf: Wie wird die Menschheit Relikte ihrer Zeit auf der Erde hinterlassen? Kann es digitale Antiquitäten geben? Und werden die Überreste, die wir zurücklassen, eine wahre Repräsentation der menschlichen Erfahrung sein?“

The post PLATTE – Bondy im Paradiesgärtchen appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz sind die zentralen Schlagworte, mit denen die PLATTE.Berlin angetreten ist – zuerst liest sich das wie halbhohle Werbeformeln aus dem Generationen-Sprech, aber schon vor und während der Veranstaltung kann man erkennen, dass dahinter echte Haltung und echte Bemühung stehen, sich in laute, sichtbare Form zu gießen. Vom Veranstalter und vom Publikum. Die Veranstaltung „Platte-Look“ nahe dem Alexanderplatz in und vor einem DDR-Plattenbau ist organisiert wie ihr Inhalt. Bewusst nicht perfekt, dafür aber mit viel Spass. Und das Publikum der fast in den Öffentlichen Raum reichenden Schau passt offenkundig zum spezifischen Modestatement und kommt genau deswegen. Also eher nicht das gesuchte, zahlungsfähige oder prominente Segment der „gehobenen“ Modeszene, sondern eine Spaßfraktion, die sich selber feiert. In London sind diese exzentrischen Groups und diese Szene besonders auf der Fashionweek gang und gäbe, hier in Berlin aber selten sichtbar, auch wenn man glauben könnte, Berlin sei der logische Ort dafür.

Lebensfreude, Lust auf Verwandlung, Spass an schreienden Farbkaskaden und -mustern, Freude am Anderen sind erkennbare Charakteristika der Bewegung. Es ist ein Statement sozialer Haltung mit gegenseitigem Ansporn und Beifall, ohne Ansehen von Herkunft oder Zahlungskraft. Kreativität ist das verbindende Element im deutlich Sichtbaren, Anstrengung, Mut und Abgefahrenheit gehören zum Potenzial der Aktivität. Man sieht – schon vor der Schau im Publikum – die liebevolle Herrichtung in den Details und die Exzentrik verwendeter Trouvaillen in den Zusammenstellungen der auffälligen Outfits. Und eine sehr große Vielfalt an Akzentuierung zeigt sich dann in der repräsentativen Schau: Punk-Heritage, sexueller Fetisch, Gothic-Fantasy, handwerkliche Individualkreativität, Rüschenromantik und vieles mehr stehen gleichberechtigt nebeneinander und auch die vorführenden Modelle entsprechen möglichst großer, individualgeprägter Vielfalt.

Das ist, als grundlegende und herausgestellte Haltung, ehrlich und sehr beeindruckend und darum unterstützenswert. Denn es ist definitiv Lust an gelebter und identitätsspiegelnder (oder -stiftender) Mode, einem Modeverständnis, das nicht leer und nur ein ästhetisches Statement sein will, sondern selbst kreativ ist und starker Ausdruck eines Lebensgefühls, einer (humanen) Verortung jenseits des Mainstreams. Aus diesem Verständnis relativiert sich die ästhetische Kategorie als relevanter Maßstab. Die Gestaltung ist schierer Expressionismus. Und die Vorführung etabliert charismatische Qualitäten. Just das, was den herkömmlichen Laufstegmodellen eher abgesprochen wird.

All das hat noch den Beigeschmack von Punk, ist vielleicht eine erweiterte Post-Punk-Bewegung: die gezielte ästhetische Rücksichtslosigkeit, die Provokation mit Schrillem und die Verachtung der Konventionen sind Versuche, eigene Lebensräume zu schaffen und eigene Konsensbereiche zu etablieren. Dazu gehört nicht nur Mut, sondern auch viel Anstrengung und radikale Konsequenz, was sich beispielsweise in den sexuell aufgeladenen Outfits zeigt. Letzteres fehlte ja der Punkbewegung seinerzeit und die Verschiedenheit beider Strömungen (Fetisch-Erotik und Punk) gehen nun eine überzeugende und inkludierende Verschmelzung ein. Beispielsweise. Und insofern bleiben die eingangs zitierten Werbeformeln nicht hohl und „modisch“ sondern finden reale Konkretisierung statt vorsichtiger Annäherung an Überzeugungstrends.

Im realen Leben tragbar oder nicht, die Frage stellt sich mit diesen gewagten Outfits eher weniger. Denn die Szene hat da wenig Berührungsängste. So scheint es jedenfalls.

Damit stellt sich eine exzentrische Bewegung mit radikal eigenem Modeverständnis neben die etablierten Werte aus dem Schauengetriebe der Fashionweek(s), sperrig gegenüber Beurteilungskriterien des Mainstream aber mit einer eigenen Überzeugungskraft, die wichtige und überzeugende humane Qualitäten hat und deutlich auf Aspekte verweist, die in eben jenem Modegetriebe untergegangen sind oder unterzugehen drohen. Der offenkundige, lebensfrohe Spass ist nur einer davon.

Die Schau zeigte einen Mix verschiedener Designer/Designerinnen und Labels ohne jeweils ausgewiesen zu sein. Dazu gehörten: 7585 – #Damur – Auf Augenhöhe – Dennis Chuenne Fade Out Label – Haram – Isabella Rudzki – Joulala – Bondy – Khassel – Kolo – Leinz – Lettau – Lu La Loop – Luise Zücker – Mies Nobis – Ministry of Upcycling – MYL Berlin – Perlensau – Sample-CM – Starstyling – Susumu Ai – Tata Christiane – Therapy Recycle and Exorcise – Trippen – UY – Versuchskind – W1P

The post PLATTE – Plattform der Exoten appeared first on modaCYCLE.