Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist ein Feuerwerk der Lebensfreude, was sogar die ansonsten eher unberührte Riege der dokumentierenden Fotografen begeistert hat. Die Kollektion von Orange Culture kommt diese Saison fast ungebrochen farbenfroh und optimistisch daher, nachdem Adebayo Oke-Lawals vorausgehende Schau in Berlin noch von traurigen Privatereignissen beeinflusst war.

Wenn man Pressetexte liest, ist man geneigt, die Interpretation in die vorgegebene Richtung zu lenken („In seinen neuesten Entwürfen beschäftigt sich der Designer mit Themen wie Nostalgie, Kindheit und Orten (wie Hinterhöfen), die uns im Laufe der Jahre prägen.“ – daher der Titel) aber in diesem Falle scheint es doch auszureichen, seiner Begeisterung für Lebensoptimismus zu frönen, dafür muss man sich ja nicht zwingend in nostalgische Erinnerungen zurückbeamen. Unsere Zeiten brauchen optimistische Zukunftsmusik und diese Kollektion von Orange Culture kann man auch so herum verstehen. Umso mehr, als unsere Klischeevorstellungen klassischer afrikanischer Stoffe besetzt sind mit selbstverständlicher Buntheit, mit Wärme und mit positiv leuchtender Lebensfreude, aus einem stets sonnigen Land der vielfältigen Muster und Erscheinungsbilder. Diese Kollektion setzt auf zeitgemäße Weise diese tradierten Vorstellungen fort und transportiert eine Menge Inspiration, um die Stimmung der Modebilder der Gegenwart aufzuhellen. Dabei kommt die Kollektion mitnichten folkloristisch daher, vielmehr assimiliert und reflektiert der ursprünglich afrikanische Ansatz die westlichen Modeströmungen in souveräner Weise und führt auch gekonnt afrikanisches Kunsthandwerk mit westlichen Herstellungsweisen und Modevorstellungen zusammen, zu einer globalen Perspektive also, die in afrikanischer Kreativität verwurzelt ist. Diese ungebrochene, stimmige Einheit ist wunderbar gelungen: Mehr noch als hier sieht man in Frankreich viele Schauen mit afrikanisch stämmigen Designern, die in Paris ihre Ausbildung gemacht haben. Und da zeigt sich oft, dass eine ausgewogene, selbstverständliche Verknüpfung der Kulturen eben nicht oft homogen und überzeugend gelingt – es bleibt eher bei Beeinflussungen.

Hier auf der Berliner Fashionweek hat bereits das Label Palmwine Icecream aus Ghana mit Life Moodboard und Muse einen wichtigen und gefeierten afrikanischen Akzent gesetzt, Orange Culture (Lagos, Nigeria) ergänzt diesen Ansatz nun auf eigene Weise, mit ebenso viel Feeling und ebenso erfolgreich.

Im Prinzip ist die ästhetische und handwerkliche Verschmelzung zweier Kulturen also die hohe Kunst dieses Labels, dazu gehören des Weiteren die skulpturalen Schnitte, lebendigen Farbpaletten und sozialbewussten Erzählungen. Der praktische Fokus liegt bei dieser Kollektion auf spezifischen Handwerkskünsten und besonderen Texturen, was sich insbesondere in den zahlreichen Ton-in-Ton-Looks, Makramee- und Häkelkleidern, handgefärbten Stoffen, bunten Drucken, Fransenpullovern, handgefalteten Schlaghosen und gewebten Accessoires zeigt. Sehr komplexe, aufwändige Entwurfs- und Herstellungsweisen, die dann allerdings auch zum Begriff Luxusmode führen, womit der angestrebte Impact dann leider wieder geschmälert wird. Aber für eine überzeugende Modenschau spielt das ja eher keine Rolle.

Und im Grunde ist es auch müßig, über den nostalgisch-persönlichen Background des Designers, über die kunsthandwerklichen Spezifika der Herstellung und über kulturelle Herkunft des einen oder anderen Elements zu sinnieren – die emotionale Begeisterung der reinen Anschauung ist Kennzeichen genug, dass hier eine Sehnsucht eingelöst wird, die eigentlich ganz unspezifisch in uns wohnt. Das dürfte die ganz große Qualität dieser Kollektion sein.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Selbstreflexion der Modemacher zum Stand der Dinge in der globalen Branche hat zu einem eigenen Darstellungsmodus ihrer Labels geführt, der nun selbst Mode geworden ist. Mit Buzigahill ist in diesen Kontext jetzt ein weiteres Label hinzu getreten, das, wie auch schon Palmwine Icecream, Probleme des afrikanischen Kontinents besonders akzentuiert herausstellt. Denn dort lädt die westliche Welt ihren gebrauchten Fast-Fashion-Schrott en masse ab und zeigt gerade damit die verwerfliche Marktpolitik ihrer Produzenten am penetrantesten.

Dass dieser Reflex afrikanischer Modemacher nun auf der Fashionweek in Berlin eine besondere Bühne bekommt, verweist auf das relevante Bewußtsein und die große Bedeutung, die dem ökologischen Aspekt der Mode hier zugewiesen wird und unterstreicht das politische Anliegen der jungen Modewelt auf das sinnfälligste.

Buzigahill ist das Label für eine kollektive Produktion in Uganda (und darüber hinaus reichend) mit der Absicht, Textilkolonialismus, Ownership und Rückgewinnung in seinem Herstellungsprozess als gesellschaftspolitisches Statement vorzuführen. Nachweise zu (und an) jedem Kleidungsstück zu seiner Herkunft, Beschaffenheit und  seinem Produktionszeitraum werden wie ein Pass mit einer Identitätsnummer dokumentiert und in einem kleinen Infoheft detailliert aufgelistet. So bringt das Vorgehen den Modeschrott aus Europa, Nordamerika oder Asien klug und innovativ aufbereitet wieder zurück in sein altes, westliches Umfeld (Return to Sender), versehen mit Hinweisen, die der erneuten Nutzung auch ein erneutes, erweitertes Bewußtsein hinzufügt.

Die gesellschafts- und systemkritische Grundlage dieser Modeschöpfung wird bei Buzigahills Schau von Anfang an durch einbettende Inszenierung ins Bewußtsein gerückt, mit beginnender Stille, eingelesenen Passagen aus der UN Menschenrechtserklärung in 17 Sprachen, endend mit dem Satz „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“, mit Infomaterial und nicht zuletzt einem gewählten Publikum.

Die Produktionen der Looks sind sehr vielfältig und komplex angelegt – handgefertigte Patchworks, traditionelle Stickkunst eines Kollektivs aus 46 süd-sudanesischen Frauen im Bidi Bidi-Flüchtlingscamp und viele weitere überraschende Kombinations- und Upcycleverfahren in Material und Aufbereitung geben den Outfits einen Background, der sich als entscheidender Aspekt dieser Mode versteht. Und der auch vorführt, dass nicht ein Lieferkettengesetz, ein wenig Upcycling oder neue Ökomaterialien schon alles ist, was hier neu gedacht werden muss. In dieser Hinsicht ist diese Schau auf der Berliner Fashionweek einer der wichtigsten und überzeugendsten Beiträge.

In anderer Hinsicht, nämlich der ästhetischen Prägung – für sich und auch fürs Ganze –  genommen, bleibt vieles noch offen, denn deutlich gemachte gesellschaftspolitische Positionierung ist noch kein ausreichender ästhetischer Modus. Zudem sieht man den Sachen ja auch nur gelegentlich an, was dahinter steckt. Das Erscheinungsbild der ursprünglichen Teile, meistens ja Streetwear, ihre modischen Codes und die materialgeprägte Sportlichkeit erscheinen oft ungebrochen beziehungsweise repetiert wieder, sei es in den seitlich offenen, geknöpften, dünnen Hosen oder in den aufgeduckten Sprachfetzen (BIG, Try Jesus, Easy Love) und Signets (Addidas-Steifen, Nike-Haken, Labelnamen). Auch mit den üblichen Schichtungen, Dekonstruktionen und Mixturen entsteht letztlich noch kein eigener visueller Style, der eine Unverwechselbarkeit des Labels herausarbeitet und auch eine dazu gehörende formale Neupositionierung anstrebt. Es gibt zwar schon einige Besonderheiten, wie zum Beispiel den Denim Faltenrock und ein paar andere Pfiffigkeiten, aber viel eher findet man wieder, was man schon anderswo gesehen hat und vor allem viele Hässlichkeiten der amerikanischen Streetwear, inklusive baumelnder Shorts, tief hängender Hosenbünde (nun mit Unterhosenabschnitt fertig vernäht), fetter Prints und batikgefleckter Jeansjacken, bleiben Teil (manchmal auch Grundlage) der Gesamtästhetik. Hier sind die zutiefst negativen, proll-ästhetischen Standards der Fast-Fashion-Modewelt nicht analog zu den negativen Prozessen ihres Produktionssystems reflektiert. Dabei sind sie auch Teil dessen. Und diese Erscheinungsbilder wollen wir doch eigentlich ebenfalls nicht mehr. Nun, das ist vielleicht der zweite Schritt, auf den man noch warten muss.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Afrikanisches Modedesign ist nur sehr selten das, was der herkömmliche Stereotyp suggeriert, die typischen afrikanischen Stoffe sind selten geworden und die betreffenden Designer und Designerinnen sind meistens durch westliche Schulen gelaufen und von deren Moderne geprägt. Auch Kusi Kubi, der Designerkopf von Palmwine Icecream, arbeitet parallel in London und in Accra (Ghana).
Aber wie auch die asiatische Mode behält die afrikanische immer bestimmte Merkmale, die die westlichen Sehgewohnheiten bereichern und das Spannende am Zeitgenössischen ergänzen – mal mit ein paar Akzenten, mal recht grundlegend.

Zum letzteren gehören die Arbeiten von Kusi Kubi, denn das Ganze der gezeigten Kollektion ist atmosphärisch so aufgeladen in der Prägung seiner Ästhetik, dass man sich umgehend in eine andere Erlebniswelt versetzt fühlt. Wer in Afrika war, spürt sofort die Anmutung der Natur des Kontinents völlig gegenwärtig. Und es überrascht, dass dafür an keiner Stelle irgendwelche Folklore oder Traditionselemente nötig sind. Im Gegenteil, Kreationen aus alten (aus dem Westen importierten) Textilien und neuem Material prägen üblicherweise seine Kleidung, im Vergleich zu früher bestehen die Outfits nun aber vorwiegend aus glänzendem, (recycelten) Leder, dazu Holz, Raffia, Kalebasse und Deadstock-Materialien. Seine Schnitte sind durchaus nicht revolutionär, aber auch keineswegs konservativ und nie langweilig. Hiesige Vorstellungen von Sexyness, erotischen Pfiffigkeiten, spielerischen Schnitten und Acessoires machen die Kollektion hochmodern. Schmuck aus Holz und manchmal Gold ergänzen das konsequente Stilverständnis.

Entscheidend für die sehr homogene Gesamtwirkung der Kollektion ist die erdige, warme Farbigkeit: Braun- und Ockertöne sowie stark gedämpftes Rot, Grün und Blau und Schwarz. Das atmet stark atmosphärische Ausstrahlung der tropisch-afrikanischen Natur und beinhaltet zugleich eine warme Lebendigkeit, die von den abstrakten, dunklen Musterprints prägnant aber unaufdringlich unterstrichen wird. Gestaltung und warme Emotionalität gehen zusammen und evozieren ein ganz eigenes Leuchten, was wir so in der gegenwärtigen Modewelt kaum finden. Und es ist wohl auch diese ungewohnte Qualität, eine gewisse Tiefe, die das Publikum im Berghain so sehr beeindruckte.

Der humane Aspekt, den Kusi Kubi mit Palmwine Icecream (PWIC) auch in seiner Lebensphilosophie und Weltbeobachtung unterhält, reicht von dem offenkundigen, beängstigenden Problem der importierten, den Kontinent überschwemmenden Massen-Second-Hand-Kleidung in Afrika und dringend notwendigem Recycling bis hin zu engagierten Ambitionen, andere dort in seinen Erfolg einzubinden und zu fördern – besonders angesichts eines kreativen Aufbruchs junger Designer, den er in Ghana konstatiert.

Und er steht zu seiner Herkunft und weiteren Bildung: „Sei es durch die Verwendung traditioneller Techniken oder durch die Art und Weise, wie ich kulturelle Referenzen mit modernen Ideen verbinde – meine Kultur ist irgendwie in alles eingewoben, was ich kreiere.“ Die Stimmigkeit dieser Tatsache ist das weitere Merkmal dieser stilsicheren Kollektionsgestaltung, das beeindruckt. LIFE MOODBOARD ist als Titel sehr treffend gewählt.

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Bilder: Marcello Rubini

Von afrikanischen Designern hört man ja eher selten, umso weniger, wenn die Bezüge ihrer Gestaltung deutlich Bezug nehmen zu afrikanischer Kultur und Lebensalltag. Eine Ausstellung im Musée Dapper, Paris „Design en Afrique“ (bis 14. Juli 2013) hat sich dem Thema angenommen und zeigt verschiedene Designansätze, die einerseits mal mehr, mal weniger über die kulturspezifischen Nutzungsgrenzen hinausreichen, andererseits aber ästhetische und auch ideelle Statements bereitstellen, wie man das im Bereich der Bildenden Kunst oder der populären Musik längst kennt und zu genießen weiß.

Neben den formalen Gestaltungsmitteln, die man zum Beispiel aus der Bildenden Kunst und Ethnologie kennt, findet man bei diesen Sachen zwar viele westliche Designgedanken wieder, aber auf erfrischend andere Weise. Allein der Ökogedanke in Form von Recyclingstoffen wird nicht selten dem knappen Material geschuldet, weswegen man auf Schrott-, Fund und Wegwerfgegenstände zurückgreift, die dann auch oft noch erfrischende und gelegentlich humorvolle Inspirationen liefern – mit ihrer Geschichte (Lebensmittelverpackung), ihrer ursprünglichen Funktion (Ölrohr) und der veränderten Materialität (Rostspuren).

Der Gedanke der Funktionalität folgt zwar nicht immer westlichen Ergonomievorstellungen, aber die konkave Visualisierung des Gedankens des Sitzens ist oft elegant.

Ganz anders als in den Industriestaaten gilt die liebevolle Aufmerksamkeit noch dem Handwerk, dessen hochwertige Qualität und dessen individuelle Entstehungsprozesse eine bemerkenswerte Rolle spielen, sogar wenn größere Serien gefertigt werden.

Holz bleibt nach wie vor ein zentrales Material. Dies nicht nur wegen seiner Schönheit, sondern auch weil es dem skulpturalen Denken am ehesten gerecht wird und weil es in seiner Originalität, Verfügbarkeit und Wärme viele Vorteile birgt.

Inwiefern westliche Designer nicht nur ökologisch, sondern auch ästhetisch aus den kulturbezogenen und handwerklich gefertigten Stücken eine interessante Inspiration ziehen können, müssen wir nicht diskutieren, rückblickend sind wesentliche Aspekte des Art-Deco jedenfalls ohne diese Einflüsse aus Afrika gar nicht zu denken und gerade diese eleganzbetonte Epoche hat vorgeführt, wie reizvoll das europäisch-afrikanische Crossover gelingen kann.

Wenn also europäisches Design sich wieder mit sich selbst langweilt und seiner funktionsbetonten Gestaltungsprämissen überdrüssig wird, bei den afrikanischen Sachen kann es wieder Inspiration finden, die dem Nutzer Spass macht, die Materialität und selbstverständliche Ökologie nach vorn rückt – auch ohne die Funktion aus dem Auge zu verlieren.

Die Bibliothek von Christian Ndong Menzamet und Antonio Pépin referiert gestalterisch auf „Ngil“ (und den zugehörigen Masken). Ngil sind frühere Geheimgesellschaften mit rechtssprecherischer Kraft, dort waren Wissen und Werte verankert. Gleichzeitig arbeitet die Herstellung des Möbels selbstbewusst mit modernen Thermotechniken und Laserschnitt.

Vincent Niamien wurde an der Elfenbeinküste geboren und hat mit seinem Sessel „Fauteuil Sie“ bereits 1996 einen renommierten Preis für afrikanisches Design errungen. Auch hier ist die Maske noch ein wesentliches Gestaltungselement in der Rückenlehne, die niedrige Sitzhöhe entspricht afrikanischen Gewohnheiten.

Iviart Izamba mit seinem beräderten Sessel (2005), Alessandro Drabo mit seinem Fahrradsattelstuhl (2004) und Cheik Diallo mit dem Holzlederstuhl (2009) zeigen Beispiele der witzig-originellen Herangehensweise, die mit spielerischen Gedanken und Zitaten kulturelle Aspekte verknüpft und ästhetische Brüche zu reizvollen Einheiten verbindet. Aber was wir oberflächlich gesehen als Spaß erleben, hat auch ernste Seiten, denn auch hier spielen symbolische Bezüge eine Rolle – Leopardenfell steht für Macht und Respekt, der Rollstuhl gehört in ähnlicher Gestalt zum öffentlichen Leben Behinderter.

Issa Diabathé (Elfenbeinküste) verzerrt seinen Stuhl „Chaise trop courte“ mit zu langen Beinen vorn und fehlenden hinten, womit das Sitzen eher unangenehm erscheint. Nicolas Sawalo Cissé (Senegal) dem gegenüber präsentiert mit seinem humoristischen Kindersessel (aus Recyclingmaterialien) einen Thron der Konsumartikel des täglichen Gebrauchs und damit die schöpferische Verankerung im Alltag.

Aus recycelten Eisenrohren für Öl- und Wasserleitungen schweißt Ousmane Mbaye (Senegal) seine soliden Möbel zusammen. Aus einem betont ökonomischen und funktionalen Konzeptverbund in Verbindung mit afrikanischem Formsinn gewinnt er dabei eine sehr eigene, originelle, aber schlüssige Ästhetik.

Sessel rechts: Produktionsbedingungen und -techniken sowie Materialknappheit sind Teil der Gestaltungs- und Herstellungskonzepte bei Balthazar Faye (Senegal). Auch bei Verwendung digitaler Entwurfs- und Herstellungsprozesse sucht der Designer die Einheit zwischen Entwurf, Material und handwerklicher Herstellung, aus der sich dann in Kooperationen die endgültige Gestalt des Objektes ergibt, die durchaus in der seriellen Produktion noch Unterschiede hervorbringt.

Sessel links und zwei Hocker: Der Architekt Cheick Diallo (siehe auch oben) aus Mali und Frankreich sucht ebenfalls und sehr experimentell die kombinierende Auseinandersetzung mit gefundenen Materialien, handwerklichen Methoden sowie Ergonomie und Ästhetik.  Die Verschränkung mit westlichen Vorstellungen fließt aber auch ein.

Die beiden Hocker von Jules Bertrand Wokam sind aus Edelhölzern, die von gestürzten und liegen gebliebenen Bäumen stammen (z.B. Iroko) und mit dem Schwung der Sitzschalen formal an die königlicher Thronsessel angelehnt sind.

Kossi Assou (Togo, Elfenbeinküste) zeigt mit „Slim Bed“ und einer Kopfstütze (2009) ein ästhetisch sehr elegantes, reduziertes Design. Wesentlich ist ihm aber die ökologische Materialverwendung als Respekt gegenüber traditionellen Werten und eine Multifunktionalität seiner Gegenstände.

Kopfstützen sind in der Ausstellung übrigens viele zu sehen, denn in der afrikanischen Kultur waren bzw. sind sie ein Element zivilisierten Ruhens (Abb. hier sind historische Objekte). Überhaupt ist bzw. war das Sitzmöbel in seiner Idealität ein königliches Privileg, wie schon eine Bilderausstellung mit wundervollen Fotos von Daniel Lainé im Vorraum variantenreich vorführt.

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