Text & Bilder Boris Marberg

Unter dem Titel „Get Real“ machte sich die Jury auf die Suche nach einzigartiger Mode, um die diesjährigen Preisträgerinnen und den Preisträger des European Fashion Award FASH zu finden und zu würdigen. In der ehrwürdigen, dem UNESCO Weltkulturerbe zugehörigen Basilika des Bode-Museums wurden die mit insgesamt 200´000 Euro dotierten Preise verliehen. Dieser Rahmen unterstrich, dass Mode ein essentieller Bestandteil der Kultur ist und Grenzen im Kreativen überwinden kann. Ein Schwerpunkt sollte die kritische Auseinandersetzung der Designer mit der Kommerzialisierung von sozialen Medien sein. Unter den Studierenden konnte Hannah Kliewer mit ihrer Strickkollektion überzeugen und gewann verdientermaßen vor Lea Schweinfurth, gefolgt von Andreas Stang.
Weitergehend wurden in der Kategorie Abschlussarbeiten Sonja Litichevskaya, Katja Skoppeks und Livia Honus honoriert. Hier hat uns besonders die Auseinandersetzung mit Flächenkompositionen und Farbklängen von Sonja Litichevskaya gefallen. Die Preise waren weltweit ausgeschrieben und konnten 205 junge Modeschaffende aus 29 Ländern motivieren, an dem diesjährigen Wettbewerb teilzunehmen.

Andreas Stang

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Sonja Litichevskaya

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Katja Skoppeks

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Livia Honus

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Lea Schweinfurth

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Hannah Kliewer

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

An drei Tagen findet die Schau der Wettbewerber in einer großen umgebauten Scheune außerhalb der Stadt nahe am Meer statt, am letzten Tag gibt die Jury die Preisträger bekannt. Dabei handelt es sich um verschiedene ausgelobte Preise, neben dem Hauptpreis der Stadt  und dem Prix Publique sind das solche großer Modehäuser wie Chloé und Swarowski.

Die Preise

Die Preise sind finanziell unterschiedlich hoch dotiert und durchaus großzügig, viel wesentlicher sind sie als konkretes Sprungbrett in die Karriere. Denn damit verbunden ist jeweils auch begleitende Unterstützung (partenariat) der betreffenden Designer für das folgende Jahr bei der Verwirklichung einer Kollektion mit dem Know-How und der ganzen Logistik des Modehauses. Alle Preisträger bekommen außerdem auf dem Festival des Folgejahres noch einmal eine Möglichkeit, ihre Arbeit auszustellen („Formers“), im Gespräch mit ihnen kann man sich eine solche Entwicklung erzählen lassen und die Entwicklung von der kreativ ausgerichteten Gestaltung zum kommerziellen Potential beobachten. Auch auf der Modenschau präsentieren sie noch einmal.

Das Konzept

Ein kluges Konzept – auch Frankreich sucht intensiv nach fähigem Nachwuchs und begleitet ihn aufbauend in den Markt. Insofern ist das Festival in Hyères ein echter Startpunkt für professionellen Erfolg und der kompetente junge Designer benötigt nicht, wie zum Beispiel bei der Fashionweek, eine erste relevante Geldinvestition, um überhaupt vor Publikum auf dem Laufsteg zeigen zu können.

Erstaunlicherweise ist das Publikum wenig international, auch internationale Presse ist wenig präsent, obwohl die Veranstaltung relevant für das Modeland Frankreich ist und obwohl sich große Häuser eingeklinkt haben, Chanel zum Beispiel tritt als Hauptsponsor auf. Die Unterstützung hat natürlich – ohne dem Autokonzern der Fashionweeks zu nahetreten zu wollen – ein anderes Leitinteresse, als der Versuch kommerzieller Vereinnahmung modernen Zeitgeistes. Sponsoren haben immer Eigeninteressen und sind keine selbstlosen Mäzene. Sind sie aber vom Fach, tun sich ganz andere Strategien und Optionen auf, für sie selbst und für die Gesponsorten.

Die Schau

Das Défilé zeigt also in erster Linie Arbeiten von zehn vorausgewählten Wettbewerbern der Bereiche Mode auf dem Laufsteg, Sieger des letzten Jahres mit neuen Sachen und Filme der Wettbewerber Modeaccessoires kommen danach. In kurzen Filminterviews stellen sich anschließend die Designer vor, am letzten Tag werden dann die Preisträger gekürt.

Die Schau selbst ist professionell sehr ambitioniert, schon der Ort ist nicht nur technisch optimal ausgestattet, er wird auch künstlerisch gestaltet (Xenia Laffely). Hair/Makeup wird – wie auch bei der Fashionweek – gesponsort von L’Oréal und Maybelline, die Models werden eigens eingeflogen und der Ablauf ist gut durchorganisiert, bis hin zu wechselnden Lichtkonstellationen für die verschiedenen Kollektionen (atmosphärisch prima, schrecklich für Fotografen). Nicht zu vergessen die Tatsache, dass man die Kollektionen großenteils schon in der Villa Noailles als ausgestellte Stücke näher betrachten kann.

Hyunwoo Kim (Republic of Korea)

Fuhong Yang (China)

Gesine Försterling (Deutschland) – Prix Chloé

Hermione Flynn (Neuseeland)

Marine Serre (Frankreich)

Danial Aituganov (Russland-Niederlande)

Lotte van Dijk (Niederlande)

Marianna Ladreyt (Frankreich)

Vanessa Schindler (Schweiz) – Prix Publique, Prix Grand Jury

Maria Korkeila (Finland) – Prix Spécial

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die diesjährige Leistungsschau des Studiengangs zum Modedesign in Basel wurde unter den Begriff
LOOK THERAPY gestellt. In einer komplex konzipierten Performance zeigten die Studenten am 18. März ihre finalen Kreationen.
In einem industriellen Hallenbau fand die diesjährige Schau des Institut Mode-Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst, genauer zugehörig zur Fachhochschule Nordwestschweiz statt. Der Begriff Modenschau greift aber wie auch in den vergangenen Jahren etwas kurz, auch wenn mit dem Schlagwort, oder Anglizismus „Look“ die visuelle Wahrnehmung oder auch Darstellung titulierend war. Weiße Linien, in stringent formellem Muster teilten den Raum neben drei bühnenartigen Plattformen, die deutlich erhöht waren. Eine weitere Trennung zwischen Publikumsraum und Bühne fand nicht statt, wurde aber durch Personen, welche wie „Eisbrecher“ sich auf diesen Linien durch das im gesamten Hallenbereich verteilten Publikum fragmentiert, um Laufwege für die Modelle durch das Publikum zu schaffen. Von oben betrachtet hätte die Installation grafisch sicher wie eine Konzeptstudie von Kandinsky zu seinem Klassiker „Punkt und Linie zu Fläche“ gewirkt.

Die vorgefundene Gesamtkonzeption hat es wohl auch bewusst dem Publikum erschwert, einen distanzierteren Gesamtblick auf die Entwürfe und das Geschehen zu bekommen. Vielmehr bleibt der „Look“ auf die Mode, also der Blick ebenfalls fragmentiert in der Wahrnehmung.
Einige der Studentinnen und Studenten, haben dann diese Aspekte schön in ihren Kreationen wiederfinden lassen, diese geradezu den Betrachtern angeboten. Neben der Einbettung in diesen groben konzeptionellen Rahmen, blieben aber viele Abschlussarbeiten sehr konträr und individuell losgelöst. Vergleiche zwischen den jeweiligen Studierenden verbieten sich aber eigentlich, da die Unterschiede und Ausrichtungen zu groß sind und Anlehnungen an bestehende Kollektionen anderer Designer sich nicht für Kritik eignen.
Einige auffällige und interessante Konzepte sollten aber genannt werden. Da war zum Beispiel Félicie Pythoud mit schönen massiven Silhouetten und vertikalen Brüchen, oder Timon Imveldt mit interessanten Interpretationen zeitgenössischer Männermode, während Barbara Muff oder Karin Meier weibliche Aspekte ansprechend aufgegriffen haben.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag ist sicher nicht der einzige Designer, der seine Kollektion explizit mit einer persönlichen Botschaft begleiten will. Und nicht selten bleiben solche Anliegen eher banal oder romantisierend, wie an diesem Beispiel:  schon das aufwändig gemachte PR-Heft hantiert in einer etwas verquasten Einleitung mit Formeln wie Origin and Home, Door from Nature to City, The Visible and Strong from the Unknown etc.

Ein auffälliger Touch von Country-Style findet sich dann auch in den berüschten Kleidern, weichen Pullovern, Mustern und locker fallenden Schnitten, es gibt viele Mäntel und Jacken, diverse stilistische Rückgriffe auf das 19. Jahrhundert und die folgende Jahrhundertwende und hochgeschlossene Blusen. Nicht im Sinne von derb oder fest, Ostertags urbane Gestaltungs-Perspektive mit weichen und auch modernen Stoffen, lässigen Schnitten und großstädtischen Kombinationen bleibt stets sichtbar. Soweit ließe sich einem zeitgemäßen Rückgriff auf Natur mit toscanischem Landsitz, Park mit neuem Auto, See mit Bronzereihern am Ufer (Heft und Video) und so weiter noch folgen, auch wenn die Kleider mit Retrotouch, verspielten Rüschenapplikationen und Musterwiederholungen etwas langweilen. Als Gestaltungsthema, das jede Kollektion ja auch haben sollte, ist das soweit jedenfalls völlig in Ordnung. Über den anmaßenden Titel Revolution kann man ja auch hinwegsehen.

Aber die Schau geht darüber hinaus und präsentiert den Leitgedanken mit viel Brimborium und selbstgefälliger Ernsthaftigkeit. Eine 5-minütige Video-Einleitung mit wechselnden, inhaltsleeren Statements der Beteiligten, die sich mit ihren Kommentaren selbst und gegenseitig feiern, akzentuiertem Produktplacement des Auto-Sponsors, flotten Schnitten und ziemlich aufdringlicher Lautstärke fordert dem Publikum anfangs viel Nervenstärke ab.

Auf dem Laufsteg danach langsam schreitende Modelle mit wenig aufregenden Entwürfen. Es vermischt sich sommerliche Leichtigkeit und herbstliche Farbgebung, gelegentlich ist das auch sexy (es gibt noch kurze Röcke und taillenbetonende, knackig rote Gürtel). Auffälliger sind aber eher unförmige Kleider, die sehr weit sind und im Rückenbereich senkrecht herabfallen und die eher Bequemlichkeit im Schlumpi-Look assoziieren als lässig-pfiffige Eleganz. Die Rückkehr des praktischen, anspruchslosen Hauskleids. In ähnlichem Sinne gilt das auch für Mäntel, Jacken und diverse Kombinationen, nicht immer, aber oft.

Zum Schluss kommt ein sehr mitteilsamer Marcel Ostertag auf den Laufsteg und erklärt missionarisch seinen Revolutionsgedanken mit Rückkehr zu Langsamkeit und Rückbesinnung auf Ursprüngliches. Das dauert etwas.

Am Ende des Laufsteges steht ein rotes Auto des Sponsors (das laut Begleitvideo eigentlich noch den Laufsteg auf- und abfahren sollte, dafür war aber alles zu eng) – auch das ist nicht gerade eine souveräne Lösung für einen sachlich und ästhetisch überzeugenden Auftritt.

Mit früheren Schauen haben wir Marcel Ostertag deutlich spannender in Erinnerung als mit dieser Revolution.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg + Gerhard Paproth (Rückansichten)

Eine Wiederbegegnung der unerwarteten Art bot die Schau von Julia Seemann, nämlich mit der Hamburger 80er-Jahre-Band Xmal Deutschland. Im Zuge der Neuen Deutschen Welle hatte die ursprünglich weiblich dominierte Band eine deutsche Version von Gothic Rock begründet, auch und gerade mit deutschen Texten, und damit international beachtlichen Erfolg.

Selbst ich, der der Band damals freundschaftlich näher verbunden war, hatte sie mittlerweile schon vergessen. Was die junge Julia Seemann dazu bewegte, jetzt, ein viertel Jahrhundert später, mit Textzitaten und Bandname ihre Kollektion zu akzentuieren, wissen wir nicht, wir konnten lediglich beobachten, dass die 80er Jahre Ära auch in optischer Dynamik eine entscheidende Vorlage gewesen sein muss. Ohne Berührungsängste mit kräftigen Farben, entschiedenen Schnitten, harten Kontrasten, Mustermixen und starken Akzenten präsentierte Julia Seemann eine überaus abwechslungsreiche Kollektion mit Eyecatchern, die zwar immer wieder, aber nicht nur von den Textzitaten geprägt waren.

Die Textaufdrucke zitierten übrigens in Typografie – Typodesign war in den 80ern hochmodern – und Bildbruchstücken genau das visuelle Design der Band bzw. ihrer Plattencover seinerzeit und bedienten sich inhaltlicher Schlüsseltextstellen wie „Incubus Succubus“. Das waren aber die einzigen Gothic-Anmutungen, ansonsten kam die Kollektion frisch und sehr lebendig daher und verwandelte die vielen Retro-Zitate in ein sehr aktuelles Panoptikum zeitgenössischer Auffassung.

Das Einbringen von Text in die Gestaltung fand sich bei sehr vielen Outfits, und zwar an allen möglichen Stellen, nicht selten auf dem Rücken. Text auf Kleidung bedeutet ja auch immer einen Statementcharakter ihres Trägers und in Zeiten, wo in der Gesellschaft wieder viel diskutiert wird, wirken Positionierungen über knappe Worte recht aktuell und gegebenenfalls attraktiv. „Zu jung zu alt“, „Blut ist Liebe“, „Fetisch“, „X“ oder auch übergreifend der Designername „Seemann“ sind dafür allerdings eher spielerische, signifikante Gedankenbruchstücke, wie sie Poptexte ja meistens auch nur sein wollen.

Immerhin positioniert sich die Kollektion damit im deutschsprachigen Raum und bezieht sich auf kulturelle Erfolge innovativer Musik bzw. Jugendkultur aus Deutschland in den 80er Jahren. Damit rechtfertigt sich der Bandname Xmal Deutschland in einem aktuellen Modekonzept durchaus. Und die Wiedergewinnung selbstbewusster, optisch kraftvoller und akzentuierter Auftritte ist eine wirkliche Bereicherung der Szene.

Rückansichten

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Seit Anbeginn des Labels berichten wir über die traumhaft luxuriösen Schauen des deutsch-polnischen Designers, stets begeistert über die große Stimmigkeit bis hin in die letzten Details und Accessoires. In seiner Auftragsarbeit für Patrizia Aryton (polnischer Damenausstatter im Premium-Segment) hat Tomaszewski den komplexen Ästhetik-Anspruch jedoch zurückgenommen und konzentriert sich auf die Kleidungsstücke selbst.

Mit wunderbaren Materialien, darunter viel Kaschmir, Samt, Rohseide, und sehr eleganten, zum Teil raffinierten Schnitten gelingen ihm nach wie vor großartige Stücke, vor allem natürlich Mäntel, Kleider und Anzüge. Dabei zeigte die Schau zugleich eine größere Vielfalt der Gestaltungsansätze, zum Beispiel raffinierte Faltungen vs. geradlinigem Karomuster. Tomaszewskis geliebte Streifen finden immer wieder gut akzentuierende Einsätze auf verschiedensten Teilen, besonders jedoch die Lust am edlen Material weiß der Designer überall optimal herauszustellen.

Mit der Reduktion wurde allerdings das gewohnt perfektionistische Finish eingeschränkt, und das nicht nur weil die besonderen Zugaben und das Exzentrische – Federn, üppiger Schmuck etc. – fehlten. Vermisst haben wir die ausgerichtete Kollektionslinie, es war eher eine Ansammlung schöner Tomaszewskis. Verstärkt wurde dieser Effekt durch die Schichtungen von Einzelteilen übereinander, die den Leitgedanken harmonischer Stimmigkeit oft ganz aufzugeben schienen. Vielleicht ist das dem Auftragsmodus der Schau geschuldet, der die ästhetische Kraft und Geschlossenheit der früheren Tomaszewski-Schauen zugunsten einer Assemblage verkaufbarer schöner Teile eintauscht. Insofern war das Tomaszewski-Vergnügen hier nur noch ein geteiltes.

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Text: Susanne O. Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nscho-tschi in modernem Outfit

Winnetou lässt grüßen. Dorothee Schumacher eröffnete die Fashion Week Berlin Fall 2017 im ehemaligen Modeinstitut der DDR, im Kaufhaus Jandorf, mit ihrer Kollektion „A MODERN TRIBE“.Wieder spiegelt sie den Spirit amerikanischer Landschaften, Schluchten und Stammeskleidung in ihrer Kollektion. Dorothee Schumacher kann sich nicht von diesem Land lösen. Sie interpretiert alles immer wieder neu mit ihrer Gabe der Intuition. Mit asymmetrischen Layerings, Taillen betonten Silhouetten, dekonstruierten Schnitten, Farbkontrasten und unterschiedlichen Strukturen mixt die Designerin in provokant opulenter Art und Weise. Ihr Credo für diese Kollektion ist: Perfektion ist out.
Na wunderbar. So unperfekt kommen die Outfits gar nicht rüber. Vielmehr entsteht ein lässig, eleganter Look, der Luxus transportiert.

Mit Eyelet Details – auf deutsch Ösendesign -, Gürteln und scheinbar übergeworfenen Indianerdecken repräsentiert diese Kollektion so viel Einfallsreichtum, wie selten eine Schumacher Kollektion. Haben sich die Schumacherfans verändert oder wo ist das Leichte, Fließende, zart Beseidete geblieben? Nichts von all dem. Schumacherfans gehen auf Abenteuertour und mit ihnen die Designerin höchstpersönlich.

Sie wirft nichts über den Haufen und macht doch alles anders.

Schleifen sind gesteppt, aufgeblasen und überdimensioniert. Nichts da, so flatterig aus Seide fließend. Da wickelt sie eine halbe Daunenjacke um den Hals. So wirkt es – aber es wirkt gut.
Man hat fast den Eindruck, Dorothee Schumacher wartet mit ihrem gesamten Können auf. Eine tolle Kollektion, die verspricht, dass die Designerin immer wieder überrascht und neu verführt. Das will sie ja auch, wie sie im Sommer 2016 bei der Konferenz Mode & Stil nachdrücklich betonte und zeigt uns die wilde Nomadin der Großstadt.

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Text: Gerhard Paproth

Bild: Andreas Hofrichter

Der Schock war gelungen und die Provokation ausgiebig. Das Atelier um die beiden italienischen Designer Gianpaolo Tucci und Giulio D`Alessio, das in Italien produziert, aber Berlin als Standort angibt, brachte eine Kollektion (TERROR(ism)) auf den Laufsteg, die im Leitmotiv von martialischen Kampfeinsätzen geprägt war.

Es dominierten Kampfjacken, Kampfhosen, Gesichtsvermummung, Munitionsgürtel und -westen, Sprenggürtel, applizierte Symbolik (Blutspuren, abstürzender Bundesadler etc.) ergänzt durch entsprechende Accessoires (Handgranate, Militärsack als begleitende Tasche, Palästinensertuch u.a.) die Präsentation – zumeist in sehr expliziter Erscheinungsform.

In welche ethische Perspektive das Gesamtkonzept eingebunden war, bleibt weitgehend offen, Zeichen für diese oder auch jene (gegensätzliche) Positionierung waren durchaus zu finden – gleichzeitig. Das Ganze, und darin bestand die eigentliche Schockwirkung, verpackt in edle Materialien, schimmernd, weich, sauber, also den Prämissen edlen Designs subsumiert.

Doch entscheidend ist ja nicht, ob und wie es vielleicht „gemeint“ ist, entscheidend ist, wie es ankommt. Und es kommt in erster Linie so an, wie es codiert und aufbereitet ist.

Mode soll zwar den Zeitgeist transportieren und – im Alltag getragen – akzentuiert sichtbar machen, aber sie soll auch unsere Umwelt positiv bereichern, in ihrer inhaltlichen und formalästhetischen Einheit. Und aus dieser Betrachtung gerät die Kollektion von Atelier About in die Zone des Perversen. Die Ästhetisierung von Grauen, Terror und Krieg zum Einen, die Präsentation dessen auf dem Modelaufsteg zum Anderen (der Mix von Musik und Sirenengeheul reflektierte das ebenfalls) erwies sich für viele Zuschauer als Herausforderung. Unreflektierte Claqueure gab es wie immer natürlich auch, aber vorwiegend verunsicherte Reaktionslosigkeit. Nach der Schau gab es schon hie und da engagierte Gespräche, zumeist aber beim Glas Sekt den Small-Talk Übergang zur nächsten Schau.

Wenn Modedesign tabubrechend das Grauen und Elend der Welt designerisch veredelt und damit auf Aufmerksamkeit setzt, kippt das Ergebnis leicht in propagandistische Bereiche, oder in nivellierende Beliebigkeit.

Wenn das der Zeitgeist ist, muss man sich ihm widersetzen.

Ähnliche Erfahrung haben wir in den 80ern mit Oliviero Toscanis Benetton-Werbung gemacht, aber hier wurde bei längerem Nachdenken deutlich, dass das Anliegen ethisch grundsolide und engagiert war. Als hochproblematisch ist das Konzept dennoch in die Werbegeschichte eingegangen. Dieses Niveau kann die gezeigte Kollektion von Atelier About nicht erreichen.

Wir (die Redaktion) sind uns einig, dass das, was beim Zuschauer ankommt, zählt: Das Grauen der Welt in Designerästhetik zu verbrämen, erscheint als ein propagandistischer Prozess mit entsprechendem Wirkungsergebnis.

Wir glauben auch, dass angewandte Kunst sich nicht verwechseln sollte mit freier Kunst, die schon per Definition andere Spielräume und gesellschaftliche Vergegenwärtigung nutzt.

Und weil wir diese Schau in den entscheidenden Aspekten kontraproduktiv und bedenklich subversiv finden (sie negiert das konstruktive Selbstverständnis von Modedesign), verzichten wir darauf, sie an dieser Stelle mit „schönen Bildern“ zu wiederholen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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Hinter dem Label LIDA NOBA steht die Designerin Lida Nobakh, ansässig in Zürich, aus dem Iran stammend, wo sie auch auf der Kunstakademie abgeschlossen hat. Auch wenn man der Linie eine spielerische Note ansieht, die „orientalische Elemente“ suggerieren, so wirkt die Sommer- und Frühjahrskollektion für 2017 sehr strukturiert und aufgeräumt.
Neben einigen Herren-Looks, ist die Kollektion eine Damenkollektion, die farblich warm und dezent ausgerichtet ist, und als Akzent ein ansprechendes Blau als Note mitbringt. Die Volumen sind großzügig, weit und dynamisch fallend, ohne zu sehr in „Oversize“ zu gehen. Abgerundet wird oft mit passenden Accessoires – sprich Taschen, welche Ornamentik wiederspiegelt. Hier finden sich auch schöne strukturierte und formale Muster wieder. Ansonsten sprechen in Bezug auf Ornamentik, oder Strukturgebende Details schöne Bänder an, welche die Silhouetten an Armen unterstreichen. Präsentiert wurde die Kollektion dem Fachpublikum in Zürich im Rahmen der Mode Suisse.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Die Schauen im Sommer 2016 sind eigentlich in Berlin für die Frühjahrs- und Sommerkollektionen für das kommende Jahr ausgerichtet. Die Kollektion der beiden Designerinnen Carly Cushnie und Michelle Ochs ist aber als „Resort“ – also als Ferienkollektion vorgestellt worden. Ohnedies fallen die beiden Kreativen dadurch auf, dass sie eine Vielzahl an Kollektionen in schnellem Takt auf den Markt bringen. Während man im Modedesign als Wissenschaft und in Fachzeitschriften bereits diskutiert, ob diese schnelle Taktung überhaupt Sinn macht, haben sich doch viele Designer darauf eingelassen und warten mit sechs bis acht Kollektionen auf – dem digitalen Echtzeitwahn geschuldet.

Dass dies nicht immer der Qualität des Designs zugutekommt, wurde schon vielfach angesprochen. Auch bei Cushnie Et Ochs legt der erste Eindruck dies nahe. Die Schnitte sind streng formal, feminin und Figur akzentuierend. Spielerische und künstlerische Elemente finden sich kaum. Aber echter Minimalismus stellt sich bei dieser Kollektion auch nicht ein. Dazu ist das Konzept nicht zugänglich genug. Das Thema Resort – elegant abends zum Beispiel auf den Bahamas an der Bar einen Cocktail genießen (und dabei möglichst verführerisch mit Stil zu sein), wird erfüllt. Die Size-Zero Ausrichtung ist nicht zu verkennen, ein richtiges gesellschaftliches Übel der sozialen Selektion, mit allem Leid was dabei mitschwingt.

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MB Fashionweek Berlin AW2016/17

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Duo des guten und innovativen Geschmackes Irene Luft und André Märtens gehörten wieder zu den Highlights der Fashionweek. Mit Kombinationen von Schwarz-Rot (und Gold) und ausgefallenen, japanisch anmutenden Haargestecken präsentierten sie dem erwartungsvollen Publikum wieder eine Kollektion in Spitze, Transparenz, Verfeinerungen und innovativen Experimenten, die der modernen, selbstbewussten Frau geschmackliche Veredelung auf den Weg gibt.

Immer körperorientiert und sexy finden die detailverliebten Spielereien mit Spitze, differenzierenden Oberflächen und ungewöhnlichen Mustern gleichzeitig zu klaren, formbewußten Architekturen, die mit dem akzentuierten Hairstyle in unterschiedlich durchgespielten Varianten jeweils noch kongeniale Akzente im japanischen Touch dazu bekommen. Klar und streng auch das einheitliche Make-Up dazu. Accessoires erübrigten sich, lediglich sehr pfiffige Hand“stulpen“ und Handschuhe aus schwarzen Riemengeflechten setzten noch passende Akzente.

Wie immer gelangen Irene Lufts Experimente mit Stoffoberflächen zu erstaunlichen Ergebnissen, besonders fiel die zugleich geschichtete und aufgebrochene Textur eines Kurzmantels und des Haori in Rot auf – ein offenbar kompliziertes Verfahren, das eine eindrucksvolles Spiel der Farbe im Licht erzeugt – das war einfach atemberaubend. Nach wie vor erprobt Irene Luft raffinierte Applikationen auf transparenten, dünnen oder Spitzenstoffen und findet dabei immer wieder verblüffende Möglichkeiten bei dem differenzierten Spiel mit den Ebenen und Oberflächen.

In der Formgebung bleibt Irene Luft den klaren, eher strengen taillen- und silhouettenbetonenden Gestaltungen treu. Die meist ausgestellten Röcke haben verschiedene Längen und deklinieren auch hier ein abwechslungsreiches Programm mit Spitze, Faltungen, Applikationen und Mustern, präzise verarbeitet und immer sinnlich weiblich.

Luxuriöse Schneiderkunst, eleganter Geschmack auf der Höhe der Zeit, Sinnlichkeit und einfallsreich gekonnter Hairstyle – damit glänzen die Münchner Designerin und der Berliner Hair-Artist wie stets absolut souverän.

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