Text und Bilder: Gerhard Paproth

Visionäre Qualitäten sind vermutlich ein wesentlicher Gesichtspunkt, nach dem die Jury die Wettbewerber um den Grand Prix aussucht. Da es um Nachwuchsförderung geht, macht das viel Sinn, gelegentlich kommen aber auch Geschichten hinter den Kollektionen oder zeitgeistige Statements zum Zuge, wie das Siegerteam Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh bewiesen.

Da die Konzepte sehr unterschiedliche Richtungen zeigten, habe wir uns nachfolgend bemüht, kurze Erläuterungen zu den vorgestellten Kollektionen zusammenzutragen, wie in dem Bericht zu den Défilés bereits angekündigt wurde und ein paar Extra-Bilder hinzugefügt.

Marie-Eve Lecavalier, Womenswear (COME GET TRIPPY WITH US), Kanada:

Marie-Eve Lecavalier liebt den Reiz subtiler Prints und Oberflächen. Leder erscheint bei vielen ihrer Arbeiten, sei es als Material an sich oder zu grafisch zerschnittenen und zusammengesetzten Mustern als Oberflächenstruktur. Gelegentlich verarbeitet sie auch recyceltes Material aus Second-Hand-Beständen. Stilistisch sucht sie klare und schlichte Formen, die sie ursprünglich aus Arbeitskleidung abgeleitet hat, also sehr Diesseitiges einerseits, andererseits Träumerisches, das sie als Kontrast oder Ambivalenz dagegen setzt. Die kontrastierende Mischung aus Sinnlichem, Einfachem, Funktionellem und Recycling stellt den Reiz der Erscheinung her, die letztlich durch große Klarheit bestimmt bleibt. Ihre Kollektion gewann den Prix Chloé.

Ester Manas, Womenswear (BIG AGAIN), Frankreich:

Ester Manas ist eine temperamentvolle Person und sie mag „echte Frauen“. Ein lustgeprägtes Körpergefühl ist Ausgangspunkt für ihre Kleidungsentwürfe und dabei spielen auch kräftigere Frauen eine deutliche Rolle. Sie läßt sich dabei wenig beeindrucken von subtiler Raffinesse, die für einen bestimmten Frauentyp bestimmt ist, sondern Materialien (z. B. Tüll) und Farben (von Weiß bis Rot) sollen für alle Frauentypen offen stehen, letztlich auch Schnitte, was man an den mutigen Gestaltungen für kräftige Frauentypen vorgeführt bekommt. Spaß hat die Designerin auch an direkter Bemalung der Stoffe, auch dies dick und kraftvoll und farbkräftig aufgetragen. Nicht immer überzeugen die unkonventionellen, zum Teil exzentrischen Designergebnisse, aber was überzeugt, ist die (Woll-)Lust und das physische Selbstbewusstsein, das sie alle transportieren und damit einen unbedingt positiven Beitrag zu feministisch-emanzipierten Bewegungen der Gegenwart darstellen.

Linda Kokkonen, Womenswear, Finnland:

Linda Kokkonen ist mit ihren Designs stark der Gothic-Szene verhaftet, etwas verwunschen, viktorianisch, vampiresk, romantisch 70iesmäßig. Rot und Schwarz sind die zentralen Farben. Viele der Gestaltungscodes übernimmt sie direkt, manche Experimente fügt sie hinzu. Die ganze Generation der Fashion Design Programme der Aalto Universität, wo sie studierte, liegt auf ähnlicher Linie. Besonders faszinierend erscheint die Auflösung der Oberflächen, die den Stücken eine eigene, ästhetische Charakteristik verleiht.

Jef Montes, Womenswear (TORMENTA), Niederlande:

Jef Montes hat schon auf der Amsterdamer Fashionweek 2016 ein Konzept vorgestellt, das eine (persönliche) Neuorientierung des Modemachens nach verbreiteten Parolen wie „Fashion is Dead“ darstellte. Einerseits dienten ihm ungewöhnliche, fließende Kunststoffmaterialien als gestalterische Startvorgaben, andererseits der Prozess der Auflösung und formalen/materiellen Transformation am Körper als Reiz. So spektakulär wie in der Amsterdam-Performance erscheinen die Stücke nun nicht mehr, geblieben und weitergeführt aber ist das Experiment mit den luftigen, futuristisch anmutenden Materialien und Gestaltungen, die auf sehr elegante Weise Erotik herstellen, ohne sich um Gegenwartsrealität zu scheren. Mutige, äußerst faszinierende und sehr sinnliche Visionen, die eine Gegenposition zur sampelnden Ratlosigkeit vieler Kollegen darstellen, Tech-Future als eine geschmacksverfeinerte Perspektive.

Ela Fidalgo, Womenswear (EATHWORK), Spanien:

Der Spanier Manijela Fidalgo liebt üppige Ausstattung, in jeder Hinsicht. Auch er ist ein Visionär, ein Utopist, der mit komplizierten Patchworkgestaltungen neue Ansätze einer Zukunft nach dem Nachhaltigkeitsproblem und übertriebenem Konsumismus zu gestalten sucht. Die voluminösen Silhouetten und die komplexen Zusammensetzungen erzeugen eine ungewohnte Pracht aus Recyclematerial, das ursprüngliche Banalitäten in ein Feuerwerk erneuerter Betrachtungsweise überführt. Zum Teil hergestellt auf Mallorca und von einem 45-köpfigen Workshopteam in unendlich detaillierter Handarbeit genäht, ist aus unzähligen kleinen Stoffresten ein Panoptikum schillernder Kleidungsstücke entstanden.

Antonina Sedakova, Menswear (COMMUNICATION TUBE), Russland:

Eher aus der Rückwärtswendung konzipert Antonina Sedakova ihre Kleidungsstücke. Aus den Erinnerungen und Vorstellungen der Sowjetrealität der 80er Jahre aus Jugendperspektive kollagiert sie aus einer Mixtur von Uniformteilen, Partyexzessen, Träumen und Ideencodes so etwas wie eine Retro-Neuaufage kultureller Versatzstücke im Postpunk-Stil, gebeamt in die Gegenwart. Das handwerklich grob Erscheinende, Derbe und Schmutzästhetik Zitierende führt zu einer bestechenden Schlüssigkeit im Konzept. Besonders die aufgenähten Schwarz-Weiß-Fotos geben den Stücken eine enorme Anziehungskraft. Die Kollektion steht für einen Aufbruch, der russische (Jugend-)Vergangenheit positiv zitiert und in eine gegenwärtige Ausrichtung transferiert. Dabei liegt die Gestalterin letztlich gar nicht weit weg von dem, wie westliche Partyszene-Designer ihre Kollektionen zusammensampeln.

Rushemy Botter, Menswear (FISH OR FIGHT), Niederlande:

Sie sind ein Team, Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh, das sich einer sozialen Betrachtung verschrieben hat und daraus ein lebensfrohes Konzept entwickelt. Die gegenwärtige Kollektion erzählt mehr oder weniger eine Geschichte, nämlich der von karibischen Fischern, deren Lebensperspektive infrage steht, obwohl sie an einem der schönsten Orte der Welt leben. Versatzstücke dieser Vorstellung werden mit bunten, lebensfrohen Teilen verknüpft und das wiederum gesteigert bis zum karnevalesken Auftritt. In der Kombination wird konstruiert und dekonstruiert, Jacke kann auch Hose sein, kurz, lang, eng, weit – alles wird möglich und alles ist gleichzeitig und vervielfacht. Der Gesamteindruck führt einen großen Mix ins Feld, lieber zu viel als zu wenig. Leider bleibt darüber die ursprüngliche Geschichte eher auf der Strecke. Ein wenig pseudokritisch und „very instagrammable“ (iconist Welt) mutet das an, laut, bunt, schräg und vielschichtig – das war es wohl, was die Jury als zeitgeistgerecht ansah und damit des Grand Prix de la Jury für würdig befand.

Regina Weber, Womenswear (FLEUR INVADER), Deutschland:

Die deutsche Wettbewerberin Regina Weber verbindet High-Tech mit Natur. Sie arbeitete zum Beispiel mit Silikon bzw. ähnlichem Kunststoff, in den sie echte Blüten und Blätter eingoss und so eine sehr zartes und individuelles Material für Kleidung herstellte, das vernähbar ist: „Fleur Invader“. Der Moment der Vergänglichkeit scheint dabei auf, auch die Applikationen und die Farbgebung von Rosa über Gelb zu Lindgrün wirken eher zart und verhalten – stets bleibt ein romantisierender Bezug zu Natur gegenwärtig, manchmal mit leicht mahnendem Touch.

Anna Isoniemi, Womenswear (RACING STRIPES), Finnland:

Die Designerin Anna Isoniemi hat sich den schillernden Oberflächen verschrieben und gewissermaßen die Diskomaterialien der 60er (Geoffrey Beene Collection ) und 80er Jahre zeitgemäß fortentwickelt. Inspiriert fühlte sie sich mit der gegenwärtigen Kollektion außerdem von Autorennen und den spezifischen Designelementen, die man dort antrifft. Dynamik und Geschwindigkeit sowie strenge Kraft sind Qualitäten, die sie in der Frauenmode sichtbar machen will, um damit der Frauenpower eine optische Positionierung hinzuzufügen. Obwohl dieses futuristisch anmutende Design eher visionären Impact hat, versucht die Modemacherin es so anzulegen, dass es auch alltagstauglich tragbar ist.

Sarah Bruylant, Womenswear (MEET ME IN ANOTHER WORLD), Belgien:

Sarah Bruylant hat den Prix Publique in Hyères gewonnen. Obwohl sie Gegenwartstrends und Üblichkeiten ignoriert und ihre Sachen aus der eigenen Fantasie und Traumwelt entwickelt, hat dem Publikum wohl dieser Zauber aus Emotion und Gefühl besonders gefallen. Mit dem Pinsel und Acrylfarben trägt sie die pointillistischen Muster auf Stoffe auf, auch auf feste Materialien. Sie sucht den direkten Bezug zwischen Kleid und Trägerin, so sind die Formen und Farben wie angefügt, was den leicht märchenhaften Charakter der Kollektion begründet. Unsere erste Assoziation war Alice im Wunderland und es erschien uns beruhigend, dass sich solche Positionierungen auch heute noch als Faszinosum behaupten können.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Der Designer Javier Reyes zeigte im Rahmen der Zürich Fashion Days diesen November seine neue Kollektion für Sommer- und Frühjahr 2014 dem Publikum. Im voll besetzten Schiffbau bekamen die Gäste eine außerordentliche Kollektion zu sehen.
Wenn es im Moment in der Schweiz einen Damenschneider gibt, der punktgenau einen femininen, ruhigen und dennoch präsenten Stil trifft, dann ist des Javier Reyes. Der aus Mexiko stammende Designer ist mit seinem Atelier und Label seit vielen Jahren in Bern ansässig. Gerade die Ruhe die Reyes ausstrahlt und welche auch in seinen Entwürfen sich wiederfinden überzeugen und sprechen an. Hier liegt eine große Kontinuität seiner Linie, die sich seit der Gründung des Labels im Jahre 1998 entwickelt hat. Ohne stark in eine extrovertierte Haltung zu gehen gelingt es den Kleidern individuell ebenso wie kulturell unterstrichen ein Statement zu setzen.
Die neue Kollektion basiert auf wenigen Textildrucken und formell strukturierten Flächenkompositionen, die in Kontrast zueinander stehen. Die Drucke sind dabei ein schön ausgewogenes Spiel zwischen feingliedriger Struktur im Detail, wie auch großflächiger Musterung. Die Farbpalette bleibt weich klingend warm und dezent. Im Mittelpunkt stehen warme Grautöne, ebenso wie leichte Naturtöne, die minimale Einflüsse von Rose und Blau haben, ohne dass dies dabei zu dominant wird. Stattdessen wirken die Materialien durchgängig schimmernd leuchtend-weich. Thematisch wird dies auch bei den Konstruktionen der Schnitte aufgegriffen. Hier finden sich sehr viele dynamisch fließende lange Kombinationen, als auch komplex gefaltete Verwerfungen bei Tops, oder kantigen Brüchen bei Röcken. Sehr angenehm sich auch die bis ins sportliche hineinreichenden Hosen-Kombinationen der kommenden Saison. Hier zeigt sich eine der Stärken von Javier Reyes: Elegante Weiblichkeit kann genauso zum Ausdruck kommen, wie stilsichere Eleganz ohne in überschwänglichen Prunk abzugleiten – im Fazit wieder eine rundum gelungene Kollektion!

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Text: Boris Marberg

Bilder: Patrik Gerber

In Zürich zeigte das Label Little Black Dress (LBD) aus der Schweiz seine White Kollektion 2014. Joanna Skoczylas und Eliane Diethelm sind seit 2009 dabei und neben der „eigentlichen Kollektion“ steht für den besonderen Anlass die Kollektion White. Dabei ist anders wie bei vielen Labels mit „besonderem Anlass“ nicht zwingend eine Hochzeit gemeint, sondern vielmehr generell ein festlicher Anlass – unserem Verständnis nach.

Konzeptionell setzt das Label auf eine elegante, funktionelle Designlinie. Mit der Kollektion White wird dies noch auf die Spitze getrieben und die beiden Designerinnen bieten hier eine gute Ergänzung des Gesamtsortiments, welches durch aus bis hin zu sportlicheren Entwürfen, oder sehr expressionistischen Ansätzen reichen kann.

Von der Materialwahl hat man ganz auf Seide und Spitze gesetzt. Metallisch und schimmernd sind die Hauptattribute der Oberflächen. Bei Überlagerungen mit Spitze wird auch Transparenz als Thema eingeflochten, ein Trend den wir für nahezu die gesamten vergangen 10 Jahre bei vielen Kollektionen sehen, die das obere Segment preislich, wie auch funktionell ansprechen. Spitze steht für viele als ein wesentliches handwerkliches Herausstellungskriterium. Daneben stehen als Material Paillettenstoff  aus dem Hause Jakob Schläpfer, einem Schweizer Traditionsunternehmen aus St. Gallen über welches wir schon berichteten. Das die Ergebnisse nicht zwingend für die Stange angedacht sind liegt auf der Hand. Bei der vorgestellten Kollektion handelt es sich um Entwürfe, die im Ateliers auf Kundenwünsche und –proportionen hin separat angefertigt werden.

Stilistisch hat man sich an den 1930er und 1940er Jahren orientiert, insbesondere thematisch eingegrenzt auf stilprägende Visualisierungen der Hollywood-Ära des Schwarzweißfilms mit seinen ikonenhaften, archetypischen Frauenbildern. Auch hieraus resultiert, dass im Gegensatz zu den Vorgängerkollektionen sehr viele lange klassische Silhouetten Einzug gefunden haben (vgl. hier ).

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Bilder: Boris Marberg

Text: Ann LaCroix

Auch die Designerin Ida Gut präsentierte im Rahmen der Mode Suisse in Zürich wieder neue Kreationen. Eine stringent saisonale Kollektion gibt es bei Ida Gut, wie auch bei einigen anderen Schweizer Labels nicht, worauf wir schon mehrfach eingegangen sind.Insofern ist es immer wieder schwierig die neuen Werke einzuordnen und überhaupt im Rahmen einer zeitgenössischen Reflektion fassbar zu machen. Konzeptionell biete die Mode Suisse als Präsentationsplattform leider nur wenig Raum ein weiteres Spektrum an Looks und Variationen zu zeigen. Hier wurden von Ida Gut leider nur zwölf Werke gezeigt. Insgesamt fügen sich diese Looks in die bisherigen, welche wir von der Marke kennen gelernt haben gut und nahtlos ein – wenn hie rauch zwei unterschiedlichen Aspekte augenscheinlich waren. Zum einen eine Reihe von Oberteilen, die expressiv mit Volumenausgestaltungen und Verfranzungen ebenso gespielt haben wie mit gewagten Materialmixturen, zum andern geradezu zurückhaltende Klassiker die viel Distanz vermitteln und eine gewisse Steifheit bei Mänteln, beziehungsweise Jacken und Tops vermitteln. Das Label bietet insgesamt noch wesentliche mehr Facetten und interessante Entwürfe, die man allerdings nur bei einem Besuch im Ladengeschäft in Zürich erforschen kann.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

15th SEASON JUBILEE – „FRAGILE EXPLOSION“
Eine Schlaufe und ein Rückgriff. Mit der kommenden Sommerkollektion 2014 greift Marcel Ostertag in seiner Jubiläumskollektion wieder auf Grundelemente seiner Anfänge zurück.
Dem Fachpublikum wurde in Berlin eine Kollektion präsentiert, die vor allem elegant und feminin ist, so wie wir das seit vielen Jahren von Marcel Ostertag gewöhnt sind und auf seinen Schauen, aber auch schon in vielen unserer Editorials sehen und zeigen konnten. Dies wäre an sich natürlich noch kein besonderes, Herausstellungskriterium, denn in diesem Segment ist die Konkurrenz groß und vielschichtig positioniert. Es muss also noch etwas anderes sein, was die Kreationen des Wahlmünchers zur ersten Wahl machen. In den vergangen Jahren wurden hier immer die technischen Aspekte, vor allem bei den Details und die Linienführung hervorgehoben. Gerade diese beiden Elemente sind es aber bei dieser Kollektion nicht. In den Details ist die Kollektion sehr reduziert, und die Linienführung ist weich und klassisch gehalten. Die Silhouetten sind gradlinig und auffallend viele A-Formen sind zu finden, welche einen jugendlich, fast mädchenhaften Look geben. Besonders auffallend ist die strukturelle Gestaltungen der Oberflächen – hier finden sich zahlreiche kleine Kristalle, Perlen und Nieten, die liebevoll platziert und verarbeitet wurden. Ein weiteres Merkmal ist die teilweise fast provokante Schichtung in den Looks und das Spiel mit den Materialien, insbesondere wieder mit Transparenz. Bei all dem geht indes weder die individuelle Note, noch die Tragbarkeit verloren. Die Gesamtschau all dieser Aspekte macht das „Runde Bild“ aus, für welches Marcel Ostertag bei seinen Kundinnen steht.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Die Kollektion der in Basel ansässigen Designerin Lela Scherrer ist modular aufgebaut und dreht sich um das Spiel mit warmen, kräftigen Farbklängen bei dynamischen Volumen, die in Kontrast zu geometrischen Grundformen stehen.

Auf der Mode Suisse in Zürich wurde die Kollektion dieses Frühjahr der Fachpresse vorgestellt und findet bei uns einen guten Anklang. Konzeptionell ist die Kollektion nicht klassischen Saisons und Zwischensaisons zuzuordnen und wohl auch schon gemäß der Internetseite der Designerin verfügbar, was auch konsequent bei dem fortlaufend sich weiterentwickelnden modularen Ansatz nachvollziehbar ist. Entsprechend biete die Palette an Kleidungsstücken auch ein gutes Spektrum an Kombinierbarkeit und viele recht unterschiedliche Looks sind realisierbar.  Von der technischen Seite her wird ein hoher Anspruch an handwerklicher Qualität in den Mittelpunkt gerückt. So fällt auf, dass die Damenoberbekleidung sehr gut fällt und durchgängig in den Konstruktionen klare Schnitte und Flächenaufteilungen bietet. Einige der gezeigten Looks differenzieren sich zudem durch dezente Schichtungen oder vergrößerten Volumen bei Krägen. Mutig ist auch der Materialmix der bis ins metallische geht. Die Farben sind wie schon erwähnt warm und laut, stehen aber auch klassischen  Schwarzweißkombinationen (auch in Drucken) überwiegend gegenüber.

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Text: Bea Twenning

Bilder: Andreas Hofrichter

Guido Maria Kretschmer ist nicht nur einer der bekanntesten und erfolgreichsten Designer der heutigen Zeit, auch wir von Modacycle freuen uns jede Saison erneut, wenn der Großmeister der Mode wieder zeigt, was in ihm steckt. Auch dieser Donnerstagabend, der des 17. Januar, gehörte wieder ihm – wie in jeder Saison. Prominente und Kretschmer-Fans sammelten sich in Scharen und man konnte die Vorfreunde, auf die sagenumworbene Show, förmlich in ihren Gesichtern ablesen. Wenn der Name „Guido Maria Kretschmer“ fällt, ist das positive Raunen in den Menschenmengen kaum zu überhören. Für viele ist er mittlerweile der „deutsche Valentino“.

Geboren 1965 in Münster und stets angetan von der Vielfältigkeit der Mode, begann Kretschmer seine Karriere zunächst als Corporate Fashion Designer und mit erst 22 Jahren gründete er damals sein Unternehmen „GMK by Pepper“, mit Hauptsitz in Mallorca, wo Kretschmer noch heute Zuhause ist. 
2004 erfüllte Guido Maria sich schließlich einen Traum: Sein heute sagenumwobenes Modelabel „Guido Maria Kretschmer Couture“, mit der er uns Saison für Saison auf eine Reise aus edlen Materialien, glamourösen Kleidern und weiblicher Eleganz entführt. So auch dieses Mal. „Okapi“ so lautet Kretschmers neustes Mode-Clou. „Okapi?“, werden sich vermutlich viele von uns fragen. Das Okapi ist ein in Afrika beheimatetes zebragroßes Tier, welches aus der Antilopenfamilie stammt. Facettenreiche und individuelle Fellzeichnung, sowie der lange Hals zeichnen das Tier aus und inspirierten Kretschmer zu seiner neuen Kollektion. Das Fell des Okapis ist kastanienbraun, wobei seine Beine zebraartig gestreift sind.

Zu afrikanischen Klängen schritten die Models mit eleganten, aufgetürmten Afroköpfen und einem hinreißenden gold-glitzernden Augen-Make-Up über den Catwalk. Allein die wundervollen, sanften Klavierklänge waren so hinreißend passend zu den Roben, dass man sich insgeheim wünschte, dass die Präsentation Kretschmers nie enden würde. 
Mitgerissen durch die Schönheit Afrikas, war jede einzelne Robe ein spektakuläres Highlight für sich. 
Rotbraune elegante Mäntel, teilweise mit Pelzbesatz, die mit Strumpfhosen im Zebralook und bronzefarbenen Handtaschen und Clutches kombiniert wurden. Aber auch viele graue bis schwarze Töne schlichen sich in die Kollektion. Der Mix aus fließender Seide und kontrastreichen Stoffen aus Wolle, Leder, Pfaufedern und Jaquard und die fantastische Farbgebung ließen immer wieder das Gefühl der afrikanischen Steppe aufkommen.
Besonders wichtig war es Kretschmer, dass sich Afrika und seine tierischen Bewohner in seiner Kollektion widerspiegeln, jedoch nicht in Form des altbekannten und mittlerweile unspektakulären Animal-Prints, sondern vielmehr ging es um die Farblichkeiten.
Die Schnittführung des Designers ist genauso abwechslungsreich, wie seine Farbpalette: Geradlinig, aber auch asymmetrisch, mal wild am Körper drapiert, mal ganz feminin taillenbetont – dabei immer raffiniert verspielt. Schillernd trifft auf matt, knielange Kleider treffen auf bodenlange Roben, seidige mädchenhafte Blusen, bis hin zu hautengen oder weit geschnittene Hosen.

Besonders atemberaubend aber war das letzte Kleid, eine bodenlange, komplett mit silbernen Pailletten besetzte Abendrobe mit einer langen Schleppe, der man sprachlos hinterher sah.
Ein Raunen ging durch die Menge, als das Model in einem eleganten, silbernen Kleid den Laufsteg betrat, schnell gefolgt vom tobenden Beifall.  Ich muss gestehen, dass selbst mir bei diesem atemberaubenden Mode-Feuerwerk gepaart mit wundervoll filigranen Klängen und die gesamte Atmosphäre im Raum, das eine oder andere Tränchen meine Wange nässte. Alle waren sich einig: Diese Kollektion war ein echter Volltreffer. Im Rahmen seiner Fashion Show stellte Kretschmer zudem auch seine erste Schuhkollektion vor, die er mit der bekannten Schuhmarke „Högl“ bereits im Vorfeld kreiert hatte. 
Die 15-teilige streng limitierte Kollektion „Guido Maria Kretschmer for Högl“ besteht in erster Linie aus eleganten Pumps, Sneaker, Stiefeln sowie auch Stiefeletten im bronzefarbenen Leo-Print und ist somit ein absolutes „Must-Have“ für Kretschmer-Fans, die preislich alle zwischen 150 und 350 Euro liegen. Auch in den sogenannten „Goodie-Bags“, welche meist ausschließlich der „Front Row“ und „Second Row“ zuteil sind, befand sich ein limitiertes Büchlein mit den Roh-Skizzen der Schuhkollektion für Högl. Auch eine Widmung an seine Fans, sowie eine persönliche Signatur Kretschmers ist in diesem Büchlein zu finden. Angesprochen darauf, was Kretschmer sich von seiner neuen Schuhkollektion mit Högl erhoffe, sagte er: „Meine Schuhe sollen Ihnen als treue Wegbegleiter dienen.“

Abgesehen von seinen atemberaubenden Mode- und Schuh-Kollektionen, kennen die meisten Guido Maria Kretschmer wahrscheinlich durch die Vox-Nachmittagssendung „Shopping Queen“, wo er mit bissigen, aber niemals verletzenden Kommentaren die Show moderiert und den Kleidungsstil aller Damen der Sendung kommentiert.  Viele böse Zungen behaupten, Kretschmer würde sich mit der Moderation dieser Show seinen guten Ruf zerstören, der Designer selbst jedoch sieht das ganz anders. Er behauptete einmal, dass „Shopping Queen“ eigentlich nur für fünf Sendungen geplant war, aber er und sein Fernsehteam schnell merkten, dass die Sendung viele Frauen erreichen und man dabei, hingegen vieler Nachmittagssendungen, auch etwas lernen würde. Jede Frau, egal welchen Alters, kann und darf eine Wahnsinnsfrau sein. Das ist die Message von Shopping Queen. 

Kretschmer selbst sieht das ganz genauso, denn all seine bisherigen Kollektionen, sowie auch seine neuste Okapi-Kreation, sollen nicht ausschließlich nur von jungen Frauen getragen werden. Im Gegenteil. „Egal, wie schön ein Abendkleid auch sein mag, an einer selbstbewussten, reifen Frau, die vieles im Leben erlebt hat und voller Stolz und Würde durch den Raum schreitet, an solchen Frauen wirken viele Abendkleider noch viel hinreißender.“, so der Designer. Und vielleicht genau deshalb, ist Kretschmer mit dieser Einstellung international so beliebt. Im September diesen Jahres wird Kretschmer deshalb auch seine Kollektionen erstmalig auf der New Yorker Fashion Week zeigen. Berlin muss sich allerdings keine Sorgen um seinen deutschen Valentino machen – Kretschmer ist und bleibt ein fester Bestandteil (und vermutlich auch der glamouröste) der deutschen Modewoche.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Der Schweizer Designer Marc Stone ist zur Zeit gerade sehr umtriebig und auf allen relevanten Modeevents in der Schweiz mit seiner neuen Herrenkollektion zum Sommer / Frühjahr 2013 zu sehen. So auch auf den Zurich Fashion Days. Doppelt hält besser, vierfach wohl noch mehr. Marc Stone hat im Rahmen der Zurich Fashion Days seine neue Kollektion präsentiert, über die wir schon im Sommer im Rahmen unserer Berichterstattung zu dem Projekt Young at arts berichtet haben (dort findet ihr auch den ausführlichen Bericht). Neben der Schau auf den Fashion Days wurde auch dem Fachpublikum die Kollektion in Genf und in Zürich im Rahmen der modesuisse vorgestellt. Jetzt in Zürich scheint die Kollektion nun vollständig zu sein und um weitere Looks, die noch mehr Kombinationsmöglichkeiten bieten abgerundet.

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