Text und Bilder: Boris Marberg

Im Kunsthaus Zürich zeigte die engagierte Schweizer Modeszene ihre Bandbreite an künstlerischem und kreativem Schaffen in zwei Modenschauen und einem Ausstellungsforum im Foyer des Kunsthauses. Dabei stößt man an die Grenzen des Machbaren dieses Konzeptes.

Seit der ersten Edition von Mode Suisse Ende März 2012 im Papiersaal in Zürich – wir berichteten – hat sich sehr viel um den Modestandort Zürich und der Schweiz allgemein getan. Von den damals teilnehmenden Marken sind heute nur noch eine Handvoll am Markt präsent und auch über die Schweiz hinaus etabliert. Das ist, über die Dauer der Zeit betrachtet, ein sehr guter Erfolg und zeugt auch davon, dass man es immer wieder schafft, ein Sprungbrett für die Talente der Schweizer Modeszene zu sein. Mit der nun am 1. September vorgestellten Edition 2025 will man wieder an diese Erfolge anknüpfen und bietet 22 Teilnehmern die Möglichkeit, in mehreren Kategorien in zwei großen, hintereinander stattfindenden Modenschauen das kreative Wirken dem Publikum zu präsentieren.

Das rege Interesse von Designern, die eigenen Werke einem interessierten Publikum zu zeigen, beweist zum einen, dass ein Format wie die Mode Suisse funktioniert und auch notwendig ist. Zum anderen zeigt es aber auch, wo die Grenzen zu liegen scheinen und dass langfristig auch andere Wege gedacht werden. Das hat sehr viele Parallelen zur Modeszene in Österreich und in Deutschland. Diese drei sind jeweils größere Märkte, die aber nicht den Status und die Marktmacht haben wie die drei großen Modestädte in Europa – Paris, Mailand und London. Die ähnliche Ausgangslage führt auch zur Idee von DACH – ein Akronym für das gemeinsame Absatz- und Kommunikationsgebiet – aufgehängt an den Länderkennungen. Hier spielt auch die Wirkkraft der entsprechenden Branchenverbände eine zentrale Rolle. Ohne ihre langfristigen Engagements wären Plattformen wie die Mode Suisse in der aktuellen Form nicht realisierbar und auch die Unterstützung der Wirtschaftspolitik ist gefragt.

An nur einem Abend im Jahr so viele Designerinnen und Designer sowie Kollektive zu präsentieren, ist eine große Herausforderung für die Organisation, aber auch für das Publikum, wenn es mit echtem Interesse das ganze Spektrum wahrnehmen will. Das braucht Zeit, Muße und gutes Sitzfleisch. Letzteres hat leider einem größeren Teil des Publikums bei der zweiten Modenschau gefehlt, und die Ränge haben sich immer mehr gelichtet. Die Aufmerksamkeit der noch Anwesenden mag vielfach schon etwas strapaziert gewesen sein. Das ist für die Protagonisten, die ihre Werke zur späten Stunde zeigten, schade, und diejenigen, die vorzeitig gegangen sind, haben definitiv etwas verpasst. Zum Beispiel „studio remo“ der jungen Designerin Sophie Fellay, die mit dem aktuellen Miele × Mode Suisse Award for Positive Impact ausgezeichnet wurde.

Die einzelnen Labels der beiden Schauen:

Anastasia Bull

JILL BLOCH

TRABELSI

LUNDI PISCINE

nmesh – Art x Science

ADAM BRODY

HENDRIK VERMEULEN

TATi

SONNEY

JMQ – Jordan Martinez Quintana

DANZ

amorphose

Thomas Clément

Louis Origine

NINA YUUN

anna nia studio

OTHMAN

Ginny Litscher

BROADHEAD

studio remo

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die diesjährige Leistungsschau des Studiengangs zum Modedesign in Basel wurde unter den Begriff
LOOK THERAPY gestellt. In einer komplex konzipierten Performance zeigten die Studenten am 18. März ihre finalen Kreationen.
In einem industriellen Hallenbau fand die diesjährige Schau des Institut Mode-Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst, genauer zugehörig zur Fachhochschule Nordwestschweiz statt. Der Begriff Modenschau greift aber wie auch in den vergangenen Jahren etwas kurz, auch wenn mit dem Schlagwort, oder Anglizismus „Look“ die visuelle Wahrnehmung oder auch Darstellung titulierend war. Weiße Linien, in stringent formellem Muster teilten den Raum neben drei bühnenartigen Plattformen, die deutlich erhöht waren. Eine weitere Trennung zwischen Publikumsraum und Bühne fand nicht statt, wurde aber durch Personen, welche wie „Eisbrecher“ sich auf diesen Linien durch das im gesamten Hallenbereich verteilten Publikum fragmentiert, um Laufwege für die Modelle durch das Publikum zu schaffen. Von oben betrachtet hätte die Installation grafisch sicher wie eine Konzeptstudie von Kandinsky zu seinem Klassiker „Punkt und Linie zu Fläche“ gewirkt.

Die vorgefundene Gesamtkonzeption hat es wohl auch bewusst dem Publikum erschwert, einen distanzierteren Gesamtblick auf die Entwürfe und das Geschehen zu bekommen. Vielmehr bleibt der „Look“ auf die Mode, also der Blick ebenfalls fragmentiert in der Wahrnehmung.
Einige der Studentinnen und Studenten, haben dann diese Aspekte schön in ihren Kreationen wiederfinden lassen, diese geradezu den Betrachtern angeboten. Neben der Einbettung in diesen groben konzeptionellen Rahmen, blieben aber viele Abschlussarbeiten sehr konträr und individuell losgelöst. Vergleiche zwischen den jeweiligen Studierenden verbieten sich aber eigentlich, da die Unterschiede und Ausrichtungen zu groß sind und Anlehnungen an bestehende Kollektionen anderer Designer sich nicht für Kritik eignen.
Einige auffällige und interessante Konzepte sollten aber genannt werden. Da war zum Beispiel Félicie Pythoud mit schönen massiven Silhouetten und vertikalen Brüchen, oder Timon Imveldt mit interessanten Interpretationen zeitgenössischer Männermode, während Barbara Muff oder Karin Meier weibliche Aspekte ansprechend aufgegriffen haben.

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