Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit der Pandemie wurden bekanntlich gerade Schüler und Studenten vor neue und besondere Herausforderungen gestellt. Es erweist, oder vielmehr bestätigt sich, dass effektive Ausbildung mit sozialen Bindungen und selbstständiger Motivation verknüpft ist und während das bei normalen Bedingungen so selbstverständlich gelebt wird, treten diese Aspekte in der Isolation plötzlich deutlich hervor. Gerade in kreativen Ausbildungsgängen ist der Sozialisierungsfaktor ein entscheidendes Kriterium für Erfolg und Produktivität. Heute vielleicht nicht mehr ganz so ausgeprägt wie früher, aber, wie man an den studentischen Arbeiten erkennen kann, doch sehr prägend. Paradoxerweise ist dann zum Abschluss der Studienentwicklung ein isoliertes Jahr noch eine Gelegenheit, das gewonnene eigene Potenzial auf den Punkt zu bringen.

Die Vorführung der Modeschulen mit den Abschlussarbeiten im großen Vergleich und in der allgemeinen ideologischen beziehungsweise zeitgeistigen Strömung bietet ja jedes Jahr einen guten Einblick, wo es mit Modegestaltung künftig lang gehen wird oder kann und auch wie ausgeprägt das innovative und kreative Potential gerade ist. Was wir in der jüngeren Vergangenheit bemerkt haben, ist gesellschaftspolitische Verantwortung neben individueller Selbstfindung in einem Problematisierungskontext ein starker Trend, der von der Hochschullehre vorgegeben wird.

Wenn man unterstellt, dass nun im letzten Ausbildungsjahr während der Isolation die Selbständigkeit zwangsläufig den höchsten Stellenwert bekommen hat, ist das einerseits eine schmerzliche, andererseits aber doch hoch spannende Voraussetzung für die Produktionsergebnisse. Wir haben jedenfalls die Schauen unter diesem Aspekt kritisch betrachtet und finden, bei allem Mitgefühl für die Problematik eingeschränkter Begleitung, dass dieses Zurückgeworfensein auf das eigene und bislang gewonnene Potential positiv kristallisierende Effekte zeigt.

Es war also alles nicht ganz anders, man liest die entscheidenden Impulse der Gestaltungslehren nach wie vor deutlich heraus. Aber man sieht eben auch, ob die Studenten nun beim Gelernten stehen geblieben sind oder in der Lage waren, abschließend eine eigene Position daraus abzuleiten. Und das, so hatten wir jedenfalls das Gefühl, ist den Kandidaten sehr unterschiedlich gelungen. Manche führten zugespitzte Semesterarbeiten aus der Ausbildungszeit vor, manche kombinierten das Gelernte geschickt zu einer Art Wissenscollage und andere konnten ein eigenes Leitinteresse herausarbeiten, das sichtbare Gewichtungen umreißt. Und für letzteres ist ein Jahr Isolation nicht die schlechteste Rahmensituation und diese Verortungen waren natürlich die spannendsten Beobachtungen.

Im Vergleich zu anderen Schauenveranstaltungen, die ja eher einmal gefundene Positionen eines Designers in Varianten schlüssig vorführen, sind die „Graduates“-Schauen vergleichsweise anstrengend, denn sie sind so individuell unterschiedlich in schneller Abfolge. Zumindest was das Kreative betrifft. Und wir haben darum versucht, nachfolgend die eindrucksvollsten Ergebnisse herauszupicken, was vielleicht nicht immer ganz gerecht ist, bei ca. 75 Teilnehmern mit jeweils drei bis sieben Outfits wird die Auswahl etwas subjektiv. Aber sie korrespondierte dann schon im Vorfeld überraschend mit den Lieblingsstücken der Designer selbst und auch der abschließenden Jurierung. Wegen diverser Überschneidungen haben wir auch nicht alle Hochschulpräsentationen gesehen. Nachfolgend stellen wir die Absolventen und Preisträger der „Best Graduates Show“ vor und im Anschluss eine kleine, zusätzliche Auswahl anderer Studenten aus verschiedenen Hochschulen.

Die Awards.

Award Kategorie „Best Design“ bekam Flora Taubner mit der Kollektion VALUE (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Ihre Gestaltung ist sehr Körperbewußt und collagenhaft geprägt. Die Entwürfe haben einen gewissen Witz, der erst auf den zweiten Blick bewusst wird.

Der Award Kategorie „Best Sustainability Concept“ geht an Paul Kadjo mit The Spirit Between Bodies And Objects (AMD Akademie Mode und Design). Im Vordergrund steht der Spass mit Fransen und verschiedenen akzentuierenden Stilelementen, die zum Teil auch ethnologische Assoziationen verwenden. Paul Kadjo hat schon ein eigenes Label gegründet, PROTOTYPE. Das „bietet dem Kunden qualitative, nachhaltige und gut verarbeitete Kleidung und Accessoires, welche Design in Form von Schnitt oder Drapierungen wiedergeben, statt nur in Form von Drucken“ (P. Kadjo). Über den kommerziellen Aspekt hinaus träumt er davon, in Zukunft „Mode als Kunst“ In Kunstausstellungskontexte einbringen zu können.

Den Award Kategorie „Best Craftmanship“ gewann Aylin Tomta mit Hylemorph (Fachhochschule Bielefeld. In der Tat fallen ihre Sachen auf durch gut gemachte Schneiderexperimente und geradliniges Konzept.
Sie hatte übrigens als junge Studentin 2016 auch schon den 3. Preis European Fashion Award (FASH)  gewonnen.

Aus den Neo.Fashion-Schauen der (Hoch-)Schulen.

Alicia Schikovski – INVOLUCRUM // CONNEXICO (Lette Verein Berlin): Sie spielt die Reize groß aufgeblasenen Microstrukturen (meist Wollgewebe) in Kontrast zu feinen Flächen aus, das inszeniert sie schlicht und wirkungsvoll.

Anna-Marta Thomas – Frequenzen // Close Encounter (Lette Verein Berlin): Schlaufen und Farbkontraste; mit zum Teil sehr raffinierten Einfällen und komplizierten Verarbeitungen entstehen wirkungsvolle Flächen und Reliefs, zumeist sehr elegant, manchmal aber auch im Schlafsackmodus.

Arabella Romen – Birth of Venus (AMD Akademie Mode & Design): Großzügige Prints und richtungswechselnde Überlagerungen bzw. Schichtungen charakterisieren am ehesten die Kollektion der Absolventin. Das Venushafte erschließt sich nicht unmittelbr.

Celine Witzke – GIRLS IN BOYS (AMD Akademie Mode & Design): Die Absolventin ist eines der raren Beispiele, die sich klassischer Eleganz und ästhetischer Herausforderung noch hauptsächlich verpflichtet sehen. Dies gelingt ihr sogar bei thematischen Skurillitäten, die ihr sonst aber eher fremd sind.

Clemens Oskar Kramer – Aus weniger mehr machen (MD.H Mediadesign Hochschule): Die Strukturierung von Flächen in Oppositionen sind gelungene Beispiele der Arbeiten. Hier funktioniert auch der Unisex-Charakter ganz gut, ohne proklamatorisch daherzukommen.

Deborah Tänzer – Momo  (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Schichtungen, oft monochrom, gewinnt die Designerin eine angenehm diffuse und zugleich klare Tiefenwirkung ab, stets elegant bleibend und meist auch sexy.

Dennis Sanders – Open Borders (Hochschule Hannover) gehörte zu den Kandidaten auf den Award. Auffällig ist die Lust, mit Stoffarten beziehungsweise Geweben kombinierend zu experimentieren. Gelegentlich ergänzende Akzente sind sehr wirkungsvoll hinzugefügt.

Felicitas Volk – It’s your world for a moment & City Landscape (Lette Verein Berlin): sie gehörte ebenfalls zu den Award-Kandidaten, mit  großzügigen, monochromen Outfits. Besonders die sehr schönen Farben bestimmen die Gesamtwirkung, große Reliefstrukturen (auch gelegentliche Textprints) und richtungswechselnde, konsequent angelegte Schnitte sorgen für ein interessantes und zugleich klares Erscheinungsbild.

Ganna Tsvetyanska – OB“YEDNANI (Hochschule Hannover): Schichtungen, oft kontraststark und sehr geometrisch konstruiert, geben der Kollektion eine klare Richtung, die auch für Männer unaufgesetzt mit einer gewissen Eleganz gut funktioniert.

Hannah Kaspari – Dreams behind walls (FH Bielefeld): Die Designerin liebt originelle Prints und luftige Oberflächenreliefs, bleibt im Übrigen aber eher klassisch und beim Modeüblichen.

Helena Wieser – Wollust (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Die Designerin experimentiert im Zusammenspiel zwischen Haut/Körper – Unterbekleidung – Oberbekleidung und gewinnt den entstehenden Wirk-Kontrasten irritierende, erotische Kombinationen ab. Strick, oft grob, ist dabei ein bevorzugtes Medium.

Jay Yang – Grenzenlose Grenze (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): sehr grafische Schnitte und auch ein asiatisches Formenverständnis führen zu eigentümlichen bis abenteuerlichen Konstruktionsexperimenten, ohne an Klarheit einzubüßen.

Jil Wollmann & Jana Steinmann – OKA PI (MD H Mediadesign Hochschule): Mit dem Schichtungsprinzip reduziert angewendet, Reduktion auch auf Schwarzweiss und mit asiatischer Klarheit im Finish führt das Duo hier eine ästhetisch sehr niveauvolle Kollektion vor.

Johann Erhardt & Johannes Stoehr – Phobia (Lette Verein Berlin): Auflösung der festen Textilien und Auflösung der Farbe bei Kontrasten sowie Auflösung klarer Schnitte. Experimente von eleganter, gediegener Wirkung mit Silhouetten, die noch einen Touch Erotik hinzufügen.

Insgesamt sind die Ergebnisse sehr kreativ. Wir fanden sie jedenfalls spannender als früher, zum Beispiel in der digitalen Präsentation letztes Jahr, die zum Teil grauenhaft und oberflächlich war. Vielleicht trügt der Gedanke, dass der gezwungene Rückzug im abschließenden Jahr jeden Designer konzentrierter hat arbeiten lassen als sonst. Damit ließe sich das öffentliche Kompliment, das Esther Perbandt den Studenten fürs Ertragen der Situation machte, auch auf die Mehrleistung ausweiten.

Die Lehrkräfte sehen das aber vielleicht mit geteilten Einschätzungen. Dieser Gedanke schoss mir durch den Kopf, als auf der Bühne eine Dozentin einen schönen Blumenstrauß schlecht in Packpapier verpackt ihrem Studenten zur Gratulation überreichte.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

An der Hochschule Hannover ist der Studiengang Modedesign Teil einer Gruppe von insgesamt 15 Masterstudiengängen (Medien, Information, Design) und stellt die Aspekte Nachhaltigkeit, Digitalisierung und Ethik als inhaltliche Schwerpunkte heraus. Im Rahmen dessen fordert sie die „Entfaltung individueller Handlungsspielräume und Entscheidungsfreiräume“ für selbstbestimmte Gestaltung.
Besonders erwähnt wird bei der Selbstbeschreibung eine Spezialisierungsoption auf nachaltige Designstrategien, auf Männermode und auf geschlechterübergreifende Enby-Mode (nonbinary). Damit wird formal schon eine ideologische Ausprägung angedeutet, die zwar kein Alleinstellungsmerkmal darstellt, aber doch den Geist des Modedesigns vorprägt und strukturell institutionalisiert. Die gezeigten Kollektionen und die Kataloghinweise bestätigen auch klar, dass die Basis des Modemachens wesentlich ideell (oder ideologisch) geprägt ist bzw. sein sollte und die Suche nach visuellen Konzepten und ästhetischen Qualitäten bestenfalls eine untergeordnete Rolle spielt. Nur wenige, sich behauptende Ausnahmen bestätigen die Regel.

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Patrick Rizzo „A Colour“.
Die Ton-in-Ton-Stickereien mit provokanten Inhalten sieht man aus der Entfernung nicht. Sie sind aber wichtiger Bestandteil einer umfassenden sozialen Philosophie, die sich mit Rassismus beschäftigt, mit Land- und Kulturraub, Genoziden, Vorurteilen, fragwürdiger Fortschrittlichkeit und vielem mehr. All das fasst sich in Patrick Rizzos Modedesign zusammen in gedeckter Ton-in-Ton-Farbe und schlichter Gestalt. Gleichwohl ist ein einheilicher Style nicht erkennbar und vielleicht auch angesichts der Problemvielfalt nicht angestrebt.

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Lars Lahrmann „x/10“
Eine Kollektion, die ästhetischen Ansprüchen und praktischem Nutzen folgt. Die vorbildlichen Kriterien sind Gestaltungsansprüche des bauhaus und deren Nachfolge mit Dieter Rams. Auch wenn das Ideal schon abgenutzt erscheint, entwickelte Max Lahrmann daraus eine Ready-to-Wear-Kollektion von 10 Basics der Männerkleidung mit Focus auf Funktion und Qualität in zeitgemäßer Ausprägung (z.B. mit kurzen Hosen, die damals für Männer aus Geschmacksgründen noch verpönt waren).

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Annika Jasmer „Brennum allt“.
Mit Faszination für Island im Hinterkopf entwirft die Designerin Mode für Umweltbewusste, mit Pflanzenfärbung, handgewebten Stoffen und hochwertigen Naturmaterialien, also ganz radikal und rudimentär ökologisch ausgerichtet. Die Kleidung soll zudem Herausforderungen der Naturgewalten trotzen, was man ihr zwar nicht unbedingt ansieht, aber als eine geistige Verortung gedacht ist.

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Claudia Bumb „Under Water Over Flow“.
Auch dieses ist eine gezielt ökologische Kollektion, thematisch begründet sie sich in der Verschmutzung der Meere mit Plastik. Die verwendeten Materialien (upgecycled aus Cellulose, Seide, Baumwolle und Meeresplastik) sind kreislauffähig ausgesucht. Die Gestaltung versucht die gedanklichen Verweise anzudeuten, ist ansonsten aber noch eher unentschieden formuliert.

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Christiane Gawlik „Reckless Abandon“.
Auch dies ist eine eher klassisch ausgerichtete Streetwear-Kollektion mit Anspruch an Belastbarkeit. Ideell ist sie aus einer allgemeinen Begeisterung für jugendkulturelle Freiheit und für die Stärke der Rebellion erwachsen, eine repräsentative Ästhetik dafür ist allerdings nicht wirklich erkennbar.

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Jingjing Qi „Boochen“.
Die Designerin hat ein Surfwear-Label gegründet und verfolgt entsprechend das Ziel, praktische und farbenfrohe Kleidung für dieses sportive Umfeld zu kreiieren. Ein ideologischer Anspruch an Ökologie drängt sich hier nicht unnötig auf, er ist in den nachhaltigen Materialien und der Funktionalität aber selbstverständlich.

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Svea Behrens „Razzzle Dazzle“.
Auch diese Unisex-Kollektion ist erfrischend farbenfroh – Mintgrün, Rosa, Hellgelb und -orange („Candy-Farbkarte“) evozieren Lebensgefühle der 50er und 80er Jahre, die Formen und Silhouetten sind allerdings aus der Gegenwart entnommen. Geometrische Flächen, vorwiegend Rechtecke, werden spielerisch und kontrastierend kombiniert. Auch wenn dieser Formenkanon oft etwas konträr und sperrig anmutet, ist doch die dominierende Farbgebung ein Signal der Lebensfreude und einer gewissen Leichtigkeit.

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André Rosenberg „&RE“
Die schwule Unterwäsche-Kollektion für Männer ist aus einem kämpferischen Geist der darstellenden Selbstbehauptung erwachsen. Wenn auch die Etablierung solchen kulturellen und sozialpolitischen Bewusstseins in der Mode durchaus ideologische Berechtigung hat, so bleiben die vorgeführten Teile doch eher selbstverständlich sinnlicher Natur, entwickeln eigene ästhetische Vorstellungen, erotische Signale und extrovertierte Sexualität. Der Kampfgeist schwingt eher in der Entschiedenheit mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die „Angewandte Kunst Schneeberg“ in Zwickau versteht sich als möglichst offene Hochschule mit vielen persönlichen und experimentellen Freiräumen einerseits und gleichzeitiger Focussierung auf praxisorientierte Professionalität andererseits. Damit ist sie thematisch offener aufgestellt als pointiert soziologisch reflektierende Hochschulen und in den Ergebnissen entsprechend breiter gefächert. Und die ästhetischen Ansätze erscheinen etwas prägnanter und professioneller gefordert (auch in ihrer geistigen Voraussetzung), als die Ergebnisse selbstdefinierender Suchen und revolutionierender Perspektiven. Soweit zumindestens der Eindruck, den die Schau und die Katalogbeiträge nahe legen.

Aus Beispielen der Schau wird aber auch eine spezifische Unterrichtsorientierung erkennbar, nämlich eine favorisierte Gestaltung mit geometrischen Entwicklungsprozessen, die allerdings sehr verschiedene Ansätze, Strategien und Prägungen hervorbringen.

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Aline Herzau “Future Fixes“.
Die Designerin sucht mit Materialexperimenten (Latex, Silikon, manipuliertes Textil) gefühlsgeprägte Kleidung zu machen und gleichzeitig Trendbewegungen aufzugreifen. Schon die Farbe Orange mit Weiß in Kombination, die Lässigkeit der Schnitte und aufscheinende Transparenzen suggerieren angenehme, unaufdringliche Emotionalität – es ist insofern eine inhaltliche Perspektive, als im Zeitgeist diese Sehnsucht mitschwingt.

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Jiri Spata „Antimonoton“.
Im Gegensatz dazu ist Jiri Spata eher von rationalem Vorgehen und Wirkungsinteressen geprägt. Er sucht flexible Anpassung von Kleidung an unterschiedliche Körpergestalten und geometrische Formulierungen, die das ermöglichen und zugleich einen avantgardistischen Zukunftsaspekt versinnbildlichen. Daraus entstehen unter anderem Unisex-Kleidungsstücke, die meist eher flächig und formal gedacht sind und von daher ihre Wirkung erzielen sollen.

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Madeleine Haber „Revamped 54“.
Das Gestaltungskonzept versucht einen Brückenschlag der disco-orientierten Mode der 70er Jahre (Studio 54) zu modernen Silhouetten zu schlagen. Auch sie bedient sich dabei geometrischer Gestaltungskombinationen, wie sie tonangebend in den 70s anfangs bei ABBA die Outfits und später z.B. die Thierry Mugler Kollektionen bis in die 80s prägten. Durch den Verzicht auf den Glamour-Anteil sowie bestimmter, spezifischer Schnittstandards der Epoche leitet die Designerin quasi eine zeitgenössische, gedämpfte Weiterentwicklung daraus ab.

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Sylvia Weber „Functionwear // Two Perspectives“.
Sehr pragmatisch entwickelt Sylvia Weber funktionale Kleidung im Spektrum von Arbeits-, Freizeit- und Businesskleidung. Sehr konventionell bedient sie sich dabei entsprechend praktischer, moderner Materialien und Verarbeitungstechniken und kooperiert mit tonangebenden Firmen auf dem Gebiet. Repräsentative Eigenschaften werden angedeutet, treten aber gegenüber Wetterschutz und Tragekomfort eher zurück.

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Linh Tran Thuy „Cultural Crossroads“.
Die Kollektion leitet sich aus speziellen folkloristischen Vorlagen ab (Hmong), bei denen ebenfalls geometrische Formulierungen die Schnitte und Muster bestimmen. Der Transfer der traditionellen Attribute in die Gegenwart führt zu neuen, eigenen Prägungen, aus denen sich zum Teil auch eine eigene Eleganz entwickelt.

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Ellen Judith Müller „Knit[ed]it“
Stricktechnik ist mittlerweile ein komplexes Verfahren geworden, das eigene Entwurfskonzepte verlangt und auch digitaler Programmierung bedarf. Die Entwicklung von der Fläche zur plastischen Form folgt anderen Wegen als bei klassischen Modedesignern und die Strukturierung und Oberflächengestalt des Materials ist wesentlicher Teil der Gestaltüberlegung, Muster im Gewebe eine besondere Raffinesse. Ellen Judith Müller zeigt besonders elaborierte Experimente, besonders mit einem Hosenanzug.

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Kristin Noack „Do/Cut“.
Lucio Fontanas Schnitt durch die Leinwandfläche läßt sich durchaus sinnvoll als Gestaltungskonzept auf Kleidung übertragen. besonders, wenn dahinter der reine Körper der Trägerin erscheint. Aber die Designerin versteht sich eher als Teil einer Avantgarde, den sogenannten Expeditiven. Versucht wird, den Konsumenten als Mitdesigner in die Gestaltung einzubeziehen, indem er interaktiv das Design weiter beeinflusst. Aus den hier gezeigten Kleidermodellen, die eher unspektakulär und klassisch daherkommen, wird das allerdings nicht erkennbar (soweit nicht ihr eigener Körper darin zur Wirkung kommt).

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Maria Salomé Buitrago Vasquez „Tropical Shades“ – Resort 20.
Der Zusammenführung zweier Kulturen, nämlich der von Lateinamerika (Strandmode) und der klassisch europäischen, widmet sich die Absolventin mit ihrer Kollektion. Die Verschmelzung der modetypischen Elemente spiegelt zwar auch den Prozess ihres eigenen Erlebens, zeigt aber letztendlich die positive gegenseitige Befruchtung, mit der die Trägerin sich identifiziert.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Es hat schon eine innere Logik, dass die Schauen der deutschen Hochschulen mit ihren „Best Graduates“ in Modedesign den Vorlauf der Fashionweek bestreiten und damit Erwartungen aufwerfen, wie die Studenten am Ende ihrer Studien ihren eigenen Zeitgeist reflektieren. Drei Schauen mit je drei Hochschulen sind ein ausgiebiges Programm, bei dem unzählige Gestaltungsstyles in schneller Folge letztendlich nicht nur Absolventinnen und Absolventen vorstellen, sondern auch Lehrkonzepte und letztlich sogar Eigenheiten der unterrichtenden Professoren bzw. Dozenten. Nicht selten nämlich werden noch Semesterkonzepte und -Themen erkennbar, von denen sich die Abschlussarbeiten nicht emanzipiert haben. Sowohl im technisch gestalterischen Sinne als auch im Blick auf intellektuelle Reflexion. In einer vorbildlichen Sammlung und Aufbereitung ist zu den Schauen ein Katalog erschienen („The Book“ 2020), der die vielen Positionen, Namen und Bildbeispiele zusammenträgt, um dem Erlebnisflash noch eine Aufbereitungsgrundlage zu bieten – leicht überdesigned aber gut strukturiert.

Teilnehmer waren die HAW Hamburg, Angewandte Kunst Schneeberg, HTW Berlin, FH Bielefeld, der Lette Verein Berlin, die Hochschulen Hannover, Bremen, Reutlingen und Halle. Das Format wurde bereits 2019 mit großem Erfolg erprobt und mausert sich schnell zu einer wichtigen Institution, die nicht nur die Suche nach jungen Talenten ermöglichen soll, sondern auch den Stand der Entwicklung der Mode im gesellschaftlichen und kulturellen Kontext vorzeigen will. Mit dem ausgegebenen Schlagwort „Fashion for Future“ tauchen schon diverse Implikationen und Anspielungen auf, die das innere Selbstverständnis des Modemachens in der Aktualität zu fassen versuchen. Dabei setzen die Hochschulen schon verschiedene Schwerpunkte hinsichtlich der branchenspezifischen Kontexte – Stichworte wären zum Beispiel Interdisziplinarität, sich verändernde Berufsfelder, kultureller und gesellschaftlicher Wandel, Künstlerpersönlichkeit, Marktstrategie, Material- und Verarbeitungstechnik, Geschichte, Präsentation und viele mehr. Nicht alles davon erscheint in einer Absolventenschau sichtbar, aber so manches wird spürbar über das jeweilige Exponat (und Parallelen in der Gruppe) hinaus. Im Katalog, der auch Statements und Leitideen zu den Looks aufführt, wird die ungefähre Orientierung schließlich manchmal deutlicher.

Mit drei Hochschul-Schauen stellen wir Beispiele vor (Hamburg, Zwickau, Hannover).
Die Hochschule für Angewandte Wissenschaften (HAW) Hamburg legt, laut Katalog, besonderen Wert auf klare Gestaltungsaussagen mit individuell geprägten Beiträgen. Genderüberlegungen und gesellschaftspolitische Statements und Auseinandersetzung sind offenbar wichtiges Thema im Studium. Das Frauen(selbst)bild spielt in der Schau eine wesentliche Rolle – Kleidung ist sozialer Panzer oder positionierendes Signal.

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Charlotte Strindberg „Lilith 2.0“.
Die Figur der Lilith hat viele verschiedene mythische Quellen, der Bezug hier meint aber wahrscheinlich nicht Bocksgeister sondern bezieht sich auf jüdisch-feministische Theologie (Midrasch), in der Lilith als eine Frau dargestellt wird, die sich nicht Gottes, sondern Adams Herrschaft entzieht. Großes, farbiges Hahnentrittmuster wird bei Charlotte Strindberg zur optischen Waffe, und bedeckt als zweite Haut schon mal den ganzen Körper. Hinzu treten große Drapierungen mit pointillistischem Muster auf Männerstoffen, die in grober Silhouette den Körper hart modifizieren. Haut bleibt dem Blick weitgehend entzogen.

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Joséphine Sagna „Painting Fashion“.
Die Absolventin ist zugleich bildende Künstlerin und sieht ihre Kleidungsentwürfe als Verlängerung dieses Schaffens. Auch sie bezieht sich auf die inhaltlichen Komponenten der Weiblichkeit, in der Zerrissenheit zwischen männlichen und weiblichen Aspekten mit farbigen Kontrastierungen und, wie bei den vorgestellten Outfits, männlichen und weiblichen Kleidungstypen in Verschmelzung.

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Sarah Niederaus „Insight Out“
versteht Kleidung als Schutz, weniger im Sinne von Wind und Wetter, wie es zunächst scheinen könnte, sondern besonders als mentaler Schutz interpretiert. Aus der Zeltplane einer Jurte gefertigt, hat die Trägerin metaphorisch ihre vier Wände am Körper, wenn sie sich im gesellschaftlichen Raum bewegt.

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Sonja Hormann „Desintegration“.
Die Arbeiten sind auf den ersten Blick nicht gesellschaftspolitisch und konzentrieren sich auf ästhetische Formulierungen. Sie repräsentieren gestalterische Transformation von Introspektion, allerdings körperlicher. Die Betrachtung der biologischen Konstellation der körperinneren Anatomie überträgt und überhöht Sonja Hormann mit einem Materialmix in verschiedenen Schichten und organischen Formen, die äußere Silhouette erhaltend. Die gezeigten Lösungen sind in diesem Sinne sehr subtil und genialisch und die konzeptuelle Strategie einer erprobenden Ästhetik ist – im Gegensatz zu den anderen Absolventen – als Ganze organisch verstanden und von daher vielversprechend.

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Catharina Holtgrave „Verlanden“.
Die Outfits beziehen sich auf Natur, sie führen ihr Erscheinungsbild auf landschaftliche Anmutung zurück (wesentlich Moorlandschaft), erdige Farben und Bodentexturen sowie Ausdehnungen und Einsprengsel assoziieren bzw. überführen Naturerfahrung. Das geht experimentell über eine bekannte Landarbeitererscheinung hinaus und lehnt an ökologische Sehnsüchte an. Es ist eine Perspektive des nomadischen Typus, der sich von urban orientierter Selbstbestimmung abwendet.

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Margarete Geisler „Under Construction“.
Auch hier geht es wieder um Geschlechterfragen, sogar um Diskriminierung, bezogen auf Berufswelt und -kleidung. Stoffe, Schnitte, Accessoires und spezifische Farbgebung aus Arbeitskleidung traditionell männlicher Berufe werden auf Frauenkleidung übertragen und die erzielte Widersprüchlichkeit in der sinnlichen Wahrnehmung geht schon über den spielerischen Witz hinaus. Der amüsante Impetus gesellschaftspolitischer Fragestellung bleibt aber soweit nur dahingestellt, reale Perspektiven für Modedesign ergeben sich daraus noch nicht.

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Katharina Rasch „61° 7′ S, 55° 11′ W“.
Die Imperial Trans-Antarctic Expedition ist für die Designerin das Sinnbild des Überlebens im zusammenhaltenden Kollektiv. Katharina Rasch sucht in diesem Ideal eine gestalterische Entgegnung auf gesellschaftliche Spaltungen, Zerfall und Isolierungen. Miteinander korrespondierende Schichtungen, Farben und Formen definieren daher die ästhetische Erscheinung eines Outfits, bodenständig, harmonisch, geschlechtsneutral und assoziativ offen für andere Kulturen.

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Céline van de Loo „Die Bedeutung des Objekts. Eine Sammlung“.
Kleidung will hier ebenfalls als Bedeutungsträger verstanden werden, Assemblagen von Fundstücken bilden semantische Konstrukte aus gesammelten Kleidungsstücken. Für die Designerin ergeben sich daraus vielleicht Geschichten und gedankliche (oder emotionale) Bezüge, lustvolle Reminiszenzen an gelebte Aneignungen. Für den Betrachter erscheinen die „Samplings“ eher als spontane, originelle Kleidungskombinationen mit überraschenden Effekten. Die spießige Abbildung eines Klassentreffens auf dem T-Shirt mag vielleicht noch bedeutungsträchtig sein, in Kombination mit den anderen Kleidungsstücken verschwindet das aber genauso wie die anderen Konnotationen und übrig bleibt weniger eine sinnliche, noch eine pfiffige Bekleidungspointe, geschweige denn ein ästhetisches Motiv.
Der vermutlich philosophische Gedanke dahinter ist dagegen schon interessanter, nämlich den Träger zu beauftragen, mit Kleidung kreativ eine eigene Geschichte zusammenzustellen anstatt modeindustriellen Vorgaben und Trends und Statements zu folgen. So verstanden führte die Designerin lediglich eigene Beispiele – gemacht für sie selbst – vor.

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Maximilian Lüers „Die unheimliche Frau“.
Mit seinem Interesse an surrealistischen Erscheinungen im Zusammenhang mit Frauengestalten entwickelt der Absolvent einen sehr sinnlichen Anspruch an seine Entwürfe, die das Nachdenken über „das Weibliche“, auch im abgründigen oder rätselhaften Sinne, einschließen. Dafür führt er Zufälliges zusammen, was ihm „weiblich“ erscheint und was den Titel der Kollektion evoziert. Zeitgemäß ist es in der ästhetischen Freiheit, emanzipiert dahingehend, dass die Rollenbeschreibung des Weiblichen aufgelöst und durch mystische Wesenheit ersetzt wird. Ein Ansatz, der die frauenkämpferischen Standards negiert und Eigentlichkeiten aufsucht. Die vorgeführten Outfits überzeugen in dieser Hinsicht allerdings noch nicht so sehr wie das Konzept dahinter.

The post Neo.Fashion.: Fashion for Future? (pt.I) HAW Hamburg appeared first on modaCYCLE.