Text und Bilder: Gerhard Paproth

Schon letzte Saison ging der Berliner Salon ins Museum und konfrontierte junge Mode mit kunstgeschichtlichen Meisterwerken. Diese Saison ist die Möglichkeit, dies in der Gemäldegalerie ausrichten zu dürfen, noch exquisiter und der Erwartungsdruck unter der kulturbeflissenen Klientel noch größer. Aber es funktioniert im Großen und Ganzen ziemlich gut, vor allem, wenn man erkannt hat, dass die Gegenüberstellungen nur lose optische oder ästhetische Korrespondenzen evozieren brauchen und man die kunstgeschichtliche Perspektive meist besser beiseite läßt. Mit den Arrangements wird dem Geschmack den Vortritt gelassen, man gönnt irgendwelchen Affinitäten in Form, Farbe, Bewegung oder Material ein vorübergehendes Intermezzo, manchmal ist den umsichtigen Kuratoren sogar ein inhaltlich origineller Kontext gelungen. Oft macht das Spass, es erfrischt die Kunst vorübergehend auch ein wenig, manches erscheint plötzlich gegenwärtiger als sonst, durchaus ohne Würdeverlust. Nicht immer allerdings haben die Designer selbst verstanden, warum sie gerade an dieser Stelle positioniert wurden, manchen war der kunstgeschichtliche Hintergrund aber hinreichend bekannt, denn sie haben ihre Entwürfe ohnehin schon entfernt aus solchen modegeschichtlichen Kenntnissen abgeleitet. In diesen wenigen Fällen ist die Rezeption natürlich ein besonderer Reiz. Es gibt andererseits auch amüsante Konstellationen, die sich die Kuratoren haben einfallen lassen (zum Beispiel bei Namilia) und die formalen Positionierungen (zum Beispiel bei Marlon Ferry) sind Möglichkeiten, sowohl die Malerei als auch die Modeexponate besonders zu akzentuieren.

Die Auswahl der gezeigten 55 deutschen Designer und Designerinnen – das geschah großenteils über Bewerbungen – ist diese Saison besonders focussiert auf jungen Nachwuchs, viele unbekannte Namen, die oft gerade ihr Examen hinter sich haben und hier ihre Prüfungsarbeiten vorstellen. Einige wenige bereits bekannte Labels sind, weit verstreut, trotzdem noch dabei, sei es weil sie den künstlerisch-fantasievollen Ansatz nicht aufgegeben haben, sei es, weil sie besonders exquisit ästhetische Kategorien verfolgen und damit auch zu der Gesamtqualität der Mode-Ausstellung noch Höhepunkte beisteuern.

Bis 24. Februar 2025 läuft das gemeinsame Ausstellungsexperiment vom  Fashion Council Germany (Leitung Christiane Arp) und der Gemäldegalerie für das breite Publikum und ein Besuch ist sehr zu empfehlen. Denn es rückt die Kunst in eine etwas unbeschwertere Sicht, ohne sie nennenswert zu beeinträchtigen und die Gestaltungsambitionen jungen Modedesigns in ein kulturell etwas ernsthafteres Bewußtsein, ohne zu aufgesetzt daher zu kommen.

Wir haben versucht, das Anliegen der Ausstellungsidee mit unseren Fotos der Modeexponate etwas mitzudenken und, soweit möglich, auch die Designer persönlich mit ins Bild zu nehmen. Auch das ein Experiment.

Adriane Lila Fecke:

Alan Hamiklo:

Alexander Gigl:

Alexandra Stein:

Alina Kalischer:

Anne Bernecker:

Anne Kaden:

Angelique Dins:

Autel:

David William:

Des Filles Désir:

Elodie Carstensen:

Fabia Meyer:

Fiona Bennet:

Frieda Kamphues:

Gerrit Jacob:

Henning Sadau:

Jing-Jie Huang:

Joah Kraus:

Karen Jessen:

Katharina Dubbick:

Lennart Bohle:

Leyla zu Stolberg:

Lilian Brade:

Luis Amslgruber:

Maatrev:

Maison Rose, Louis Renaud:

Marius Moninger:

Marie-Louise Müller:

Marlon Ferry:

Marvin Muelleck:

Fashion X-Craft:

Michelle Bohnes, Jasmin Wottke, Paula Dischinger:

Chantal Wehran:

H6 Collective:

Maira Gath:

Niclas Hasemann:

Namilia:

Nethanel Kantor:

Panos Gotsis:

Paulina Bongartz:

Plaid-A-Porter:

Selva Huygens:

Sezgin:

Silja Meise:

Sofia Hermens Fernandez:

Stefan Uhr:

Stricken3000:

Studio Ena:

Tati:

Timo Kurz:

Unvain:

Yannic Pretzlaff:

Yccij:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Frau Perbandt gibt sich mit einer Garagenlocation nicht zufrieden, aus dem Stadium ist ihre Arbeit herausgewachsen: im Gebäude der Gemäldegalerie präsentierte sie diese Saison eine Schau mit Performancecharakter und das natürlich in Schwarz. Komplett dunkel ist der große, klare Raum, diverse LED-Spots, links und rechts je drei Diaprojektionen in aufgestellten Rahmen und eine Minibühne in der Mitte, eher ein kleines Podium und eine Dia- und Videoprojektion dahinter. (Fast) keine Farben, minimalistische Klarheit in diesem sogenannten Astro Noir Lab.

Auf dem kleinen Podium zeigen die Modelle nacheinander die Kollektion, dahinter sieht man Projektionen von ihren Outfits, sich bewegend ohne menschliche Körper darin im Wechsel mit abstrakten, unbewegten Science-Fiction-Körpern. Die Leitidee der Kollektion ist damit schon angedeutet: das Bekleidungsobjekt als abstrakte Gestalt; im Wesentlichen wird damit aber nichts bemerkenswert Neues aus dem Gestaltungskosmos der Designerin vorgeführt. Der üppige Goldschmuck ist allerdings verschwunden, statt dessen gibt es häufiger ausladende bauschige Formen, die mit der strengen Geometrie der Kleiderarchitektur stark kontrastieren. Das Schwarz bleibt bei sich und ist dieses Mal auch weniger variantenreich beziehungsweise raffiniert ausgespielt.

Im zweiten Abschnitt der Veranstaltung tritt eine Sängerin auf, deren schöner Mezzosopran vor elektronisch leicht modifizierten Streicherklängen kühl und zugleich melancholisch den Raum füllt wohl etwa für drei bis vier Songs. Auf ihrem ausladenden Kleid geben bewegte Astroprojektionen sphärische Assoziationen hinzu und im kaum beleuchteten Hintergrund stehen die Modelle mit ihren Kleidern.

Wie so oft gelingt es der Designerin, die sich selbst gerne in Verbindung mit Kunst sieht, einen Raum optisch und auch atmosphärisch mit ihren gestalterischen Leitvorstellungen souverän und eigen zu prägen und mit ihrer darin vorgeführten Mode die passenden Akzente zu setzen.

Streng unterkühlte Melancholie, pointiert und elegant vorgeführt und sicherer und zugleich exzentrischer Geschmack verleiht Esther Perbandt nach wie vor den verdienten und herausragenden Status als Berlin-typischste Designerin.

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