Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Wenn, wie bei Maria Chany, Sci-Fi und Fantasy eine kreative Rolle bei der Modegestaltung bekommen, ist das wahrscheinlich und grundsätzlich schon ein optimistischer Aspekt. Und wenn umweltbewußtes Recycling verschiedenster Materialien aus textilfremden Bereichen als reizvolle Herausforderung und gestalterische Chance beziehungsweise Inspiration verstanden wird, ist der modephilosophische Ansatz eigentlich schon perfekt. Aber mit dieser anspruchsvollen Umsetzung überrascht dann doch irgendwie, dass das etwas affektierte Fast-Fashion-Insta-Influencer-Publikum den etwas zu kleinen Veranstaltungsort mit seiner etwas überforderten Organisation geradezu überrent.

Die Aufgabe, wiederverwertetes Gummi, Biomaterialien aus Nüssen und Stoffen aus Restbeständen, darunter viele widerspenstige, robuste Materialien in Formen zu bringen, die ganz offensichtlich auch eine gewisse Eleganz erzielen wollen, ist eine echte Herausforderung, die die Designerin tatsächlich verblüffend überzeugend meistert, umso mehr, als ganzheitliche Gebilde angestrebt werden, von der Sohle bis zum Kopfputz. Dabei ergeben sich Silhouetten mit ausladenden Becken, mit schmetterlingsartigen Flächen und mit ausladenden Röcken, die trotzdem stets auch körperbetont sind, weil die Hüften schmal und kurvig bleiben. Mit der akzentuierenden Ausarbeitung dieser Zonen in der Hüfte bekommen die Outfits einen sehr weiblichen Akzent, der alle möglichen anderen Ausdehnungen in der Silhouette erlaubt. Letztlich ist aber jeweils ein fantasiegeprägter Leitgedanke die Basis der Gestaltungslust, die formalen Spieleien ordnen sich stets ein. Selbst die pointiert herausgestellten Recycling-Themen werden mit der Anmutung von Zukunft von rustikalen Klischees befreit und letztlich noch leicht und locker formuliert. In dieser ästhetisch ausgeprägten Herangehensweise ist das neu und optimistisch.

Mit dem Verständnis des harmonischen Miteinanders von Nachhaltigkeit und Kreativität teilt sich, zum Beispiel bei der Verwendung der widerständigen Materialien, auch die Lust mit, die oft haptisch oder optisch nicht so attraktiven Objekte (z.B. Gummireifen) neu zu erleben, sowohl im Zusammenhang des kreativen Einsatzes als auch als erweiternde Ergänzung des Körpers. Im Sinne des Letzteren werden die von Thierry Mugler ausgebauten, kraftvollen Schultern nun gedanklich zu Flügeln erweitert und als Leichtigkeit uminterpretiert, oft ergänzt durch ausladende Kragenkonstruktionen, die den Kopf konsequent in die fantasiegeprägte Gestaltkonstruktion integrieren. Das Make-Up und der Kopfputz setzen diese Idee fort.
Das ursprünglich Grobe bekommt einen eleganten Auftrag und wird dabei manchmal sogar sehr sexy.

Natürlich haben solche Gestaltungsexperimente mit Upcycling immer das Problem, mit Unikaten auf den Markt zu kommen. Aber dieser Gedanke sollte für neue Gestaltungsphilosophien sekundär bleiben. Entscheidend im Jetzt ist, dass wie hier der sympathische und optimistische Flair der Gesamtauffassung dieser zukunftsgeträumten Gestaltung erst einmal begeistert – das ist vielleicht der wichtigste und nachhaltigste Aspekt zum Stilbewusstsein von Maria Chany.

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Bilder: Boris Marberg for BFW

Text: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der junge Designer Marlon Ferry präsentierte erstmals in einer eigenen Modenschau seine Kreationen und feiert mit der Veranstaltung auch den Start des eigenen Ateliers in Berlin. Spannenderweise repräsentiert seine Arbeit die Schnittstelle zwischen herkömmlichen und modernen Verfahren.

Im Weiß gehaltenen, nüchternen Veranstaltungsraum Nest3 in der Leibnizstrasse wurde das Publikum mit Technosound empfangen, alles tauchte in Kunstnebel ein. Ferry zeigte dem Publikum elf Looks, welche auf 3D-Druck Technologie basieren und mit Hilfe von künstlicher Intelligenz erschaffen sind. Das Avantgardistische der Kreation besteht hier also nicht allein in einer Art fantasybasierter Gestaltung, sondern auch in der Anwendung von Technologien wie 3D-Druck, virtuelle Mode und KI. Durch die Kombination dieser Spitzentechnologien mit traditioneller Handwerkskunst und klassischen Couture-Techniken sucht Ferry eine fortschrittliche Designsprache, die Mode und skulpturale Kunst vereinen soll.

Die Herkunft der Anschauungswelten setzt sich aus vielem zusammen, wie erwähnt aus Fantasy-Spielen und -Filmen aber auch seiner Mitarbeitszeit bei Iris van Herpen, und das wurde schon in seiner Masterarbeit sichtbar, die in diese Kollektion wohl mit eingeflossen ist. Gestalterisch setzt der Designer damit auf ein sehr breites und etabliertes Spektrum an futuristischer Erfindung von Kleidung, was bisher in der Modewelt nur wenig Resonanz findet, trotz aller innovativer Fantasie und kreativer Faszination des virtuell möglichen. Eigentlich ist der Schritt zur Übertragung utopischer Kleidungsideen aus diesen Scheinwelten in die Realität nicht wirklich groß. Ferry versucht ihn behutsam zu gehen, mit gleichzeitiger Anbindung und Anspruch an traditionell hohe Schneiderkunst. Durch die subtile Integration von KI in das Fundament der Kollektion soll dennoch, laut Auskunft des Labels, die Frage provoziert werden, ob diese Technologie ein Segen oder ein dämonischer Fluch für die Menschheit ist. Der düstere Soundtrack spiegelt dies spürbar, der Dunst soll es wohl auch, erweist sich aber eher kontraproduktiv, weil man nicht mehr viel sieht und die vielen optischen Reize und handwerklichen Qualitäten damit ihre Brillianz einbüßen.

In den Fantasy-Spielen ist Kleidung auch typgerecht an Gut und Böse oder an Bedrohlich und Freundlich-Sexy angepasst und mit unendlich vielen applizierten Accessoires aufgemotzt. Das sind verführerische Vorlagen. Ferry nimmt allerdings das Stereotype weitgehend heraus und übertreibt es nicht mit den Ergänzungen, behält aber die ästhetische Orientierung bei. Geschickt schlagen seine Outfits Brücken zwischen dem Ersponnenen und traditioneller Bekleidung.

Moderner Entwurfstechnik und neuer Herstellungsverfahren bedarf es dieser Ästhetik eigentlich nicht, aber Ferrys Atelier bedient sich ihrer auch, das komplettiert gewissermaßen die futuristische Orientierung. (Über konzeptionelle Ansätze, Mode umfänglich mit Hilfe von künstlicher Intelligenz zu generieren – bis hin zur automatisierten Verarbeitung – haben wir schon berichtet.) Strenggenommen entwickelt er damit aber eher  die Accessoires, beziehungsweise die Ergänzung zur Kleidung im Sinne tragbarer, skulpturale Kunstwerke. Seien es helmartige Hauben, oder Exoskelette, die direkt aus künstlichen, brachialen Welten der Computerspiele stammen könnten. Alltagstauglichkeit kann man nicht attestieren, dies Modekonzept ist soweit eine Nische, welche sich schon weit von Konventionen entfernt.

Den klassischen Ansatz und die tradierte Ausbildung in Sachen Mode beziehungsweise Couture negiert die Kollektion allerdings keineswegs. Wenn man die Struktur-Accessoires von der eigentlichen Kleidung trennt, kommen andere Motive hervor, die wesentlich zugänglicher erscheinen. Hier finden sich Adaptionen von klassischen, bodenlangen Maxi-Kleidern, die figurbetont sind und sogar Anlehnung an Kleider des frühen Mittelalters verarbeiten. Dies trifft auch auf einen langen und voluminösen schwarzen Herrenmantel zu oder die ansprechende Kombination aus Lackbomberjacke mit Kapuzenshirt und einer Hose aus Kunstfell.

Marlon Ferry positioniert sich also in den Übergang von Klassischem und Futuristischem, soweit beides uns nahe ist. Dies geschieht nicht unkritisch: Hinter der Modeschöpfung beschäftigten ihn die soziologischen und konzeptionellen Aspekte der Mensch-Maschine-Beziehung, die gegenwärtig neu im Raum steht. Infolgedessen stellt er traditionelle Couture-Techniken, zum Beispiel das aufwändige Plissieren von hochwertigen Stoffen, wieder mehr in den Mittelpunkt als früher. Auch die 3D-Skulpturen wurden nicht mehr wie zuvor nur lackiert, sondern mit anderen Materialien kombiniert, um dem Handwerk wieder mehr Bedeutung zu schenken und die Arbeit der Maschine zu übertreffen. Diese vorgeführte Kollektion kombiniert beide Vorgehensweisen im handwerklichen Prozess. Andererseits bleibt für Ferry die Überlegung, was menschliche Kreativität ausmacht, wenn kreiierende Technologie mit KI solche Fähigkeiten imitiert und eigenständig konzipiert. Künstlerischer Wert entsteht erst in der vom Menschen gestaltenden Weiterverarbeitung, dessen ist er sich bewußt. Insofern ist die Kollektion durchaus auch eine Schnittstelle im kritischen Umgang.

Die Ansätze sind spannend, phantasievoll und verdeutlichen eine vertiefte konzeptionelle Auseinandersetzung mit Themen der skulpturalen Gestaltung, den ambivalenten Strömungen (Sozialkonstruktivismus) und den gängigen, eskapistischen Fantasywelten in der postmodernen, virtuell geprägten Gesellschaft.

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Im Rahmen der Berliner Modewoche präsentierte die Belgrader Designerin Maria Chany eine wilde und futuristische Kollektion im Manifesto am Potsdamer Platz.

Unbefangen die Schau betrachtend und sich mit den bisherigen Kollektionen auseinandersetzend springt einem gleich eine stilistische Anlehnung an die 1930er Comicstrips von Alex Raymond „Flash Gordon“ mit seinen Protagonisten und deren Kostümen ins Auge, welche über die Jahrzehnte einen typischen Stil bis weit in die 1980er Jahre herausgebildet haben und in diversen Fernsehserien und Filmen fast bizarr-humoristisch den Kampf zwischen Gut und Böse um die individuelle Freiheit thematisierten. Die Designerin greift durchgängig bei ihren Kollektionen auf eine fantastische, futuristisch utopische Auseinandersetzung mit dem Weltraum zurück, um sich in ihrem kreativen Raum auszudrücken. Dabei unterstreicht sie, dass sie sich von irdischen Zwängen und Konventionen löst und mit ihren Kreationen den Kunden ein Ausdrucksmittel in die Hand geben will, sich selbst unbefangen, spielerisch und individuell zu zeigen. Jede ihrer bisherigen Kollektion bettet dabei ein Thema ein, welches sich mit einer aktuellen globalen Herausforderung auseinandersetzt. Sei es in einer vorangegangenen Kollektion mit dem Kampf um die Existenz in einer apokalyptischen Welt, geformt durch den Klimawandel, oder mit dieser Kollektion mit dem titelgebenden Thema „Terraforming“, der menschgemachten Umgestaltung der Welt an sich. Menschen, die ihre Kleidung tragen, versteht Maria Chany als Astronauten, moderne Ritter im Kampf um die gute Sache mit einem spezifischen Ehrenkodex – den Weltraum besiedelnd, aus dem Paradies vertrieben, sich ein neues, synthetisches Paradies aufbauen wollend. Sie wirft die Frage auf: „Warum investieren wir in die Schaffung synthetischer Paradiese an anderen Orten, anstatt uns darum zu bemühen, unsere Erde zu einem bewohnbaren Ort zu machen?“.  Auch hier kann man die Parallele zu dem in Alex Raymonds Comics kreierten Protagonisten sehen, welche in fernen Welten wirken, aber stets mit irdischen Problemen konfrontiert sind.

Stattgefunden hat die Modenschau im Manifesto, welches sich als eine innovative Markthalle der nächsten Generation für den Bereich Lebensmittel und Kulinarik versteht. Eingebettet in die Kaufhaus- und Gastronomieatmosphäre performten die Modelle über mehrere Ebenen des Gebäudes. Der Laufsteg führte von der ersten Etage über eine Treppe mit dem Charakter eines Amphitheaters zum Eingangsbereich und wieder zurück in die erste Etage, in welcher Stuhlreihen positioniert wurden. Das Publikum hatte von fast allen Positionen einen Blick auf zwei Podien, die mit meliertem Stoff einen fleckig grauen Hintergrund bildeten und an eine Mondlandschaft erinnern. Dort posierten jeweils die präsentierenden Modelle in wilden Verrenkungen, um dann weiterzugehen. Das wirkt abwehrend und raumgreifend, trotzig und frech. Hinter dem Podium im Eingangsbereich war oberhalb dieses Podiums eine Leinwand angebracht, auf welcher Mondlandeszenen per Video abgespielt wurden – die spacige Stimmung herausstreichend.

Geprägt ist diese Kollektion durch wilde Mischungen an Material von grobem Web bis hin zu glänzend metallischem Lack. Viele Looks sind mit Schichtungen konzipiert, die aufgebrochen werden und von enganliegenden unteren Kleidungsschichten mit übergroßen Tops und Jacken durch deren weite Ärmel kontrastiert werden. Immer wieder finden sich Schulterpartien mit sehr ausladenden, spitz in den Raum greifenden Volumen. Stilelemente, die an Heckflossen von US-Strassenkreuzern der 1950er und 1960er Jahre erinnern. Man fühlt sich zudem unweigerlich in die Szenen dieser utopischen TV-Episoden von Flash-Gordon versetzt, mit den wilden Kostümen, die der Bösewicht Kaiser Ming getragen hatte, der ursprünglich von Charles Middleton und zuletzt im 1980er Remake von Max von Sydow gespielt wurde. Die Protagonisten tragen aufgerissene Schlaghosen, oder löchrige Leggins. Immer ist klar, das Figurbetonte soll auch bei weiten Silhouetten nicht verloren gehen.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Marcin Głowacki

NENUKKO arbeitet kollektiv und versteht sich als systemisches Team das sich dem Geist einer einfachen Kleidung gelöst von deutlichen Geschlechterrollen versteht. Entsprechend ist die neue Herbst / Winter Kollektion die auf der Poland Fashion Week im Mai vorgestellt worden ist sehr „unisex“ ausgeprägt. Visuell ist die Kollektion an kontradiktorischen Tendenzen der modernen Ästhetik angelehnt und spielt mit futuristischen Elementen wie auch der Reintegration von Folkorismen. Entsprechend, farblos ist die Kollektion gehalten und geht bei den Silhouetten auf lockere Volumen als Thema ein. Tragekomfort spielt dabei ebenso eine tragende Rolle, wie die pure Funktionalität. Eben diese Gesichtspunkte kristallisieren sich vermehrt bei Designern als Fundament heraus, die seit einigen Saisons mit diesen zeitgenössischen Themen spielen und experimentieren. Bei NENUKKO findet dieses Experiment dann auch Einzug in die Wahl und die Verarbeitung der Materialien, die bewusst auf eine industriell wirkende Optik setzt.

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