Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie stets ist das Programm des Berliner Salons gut ausgesucht und bildet letztlich sehr viel besser ab, was gehobenes Design deutscher Modemacher hervorbringen, als das sonstige Fashionweek-Programm. Der Ort ist allerdings suboptimal dafür, die raue Schale des Kraftwerks kann mit dem schönen Kronprinzenpalais nicht konkurrieren.

Und letztlich sollte man auch nicht vergessen, dass die Auswahl zwar kompetent ist, aber eigentlich auch noch genug Subjektivität enthält, die dann auch die Frage aufbringt, wo eigentlich die allgemeine Leitlinie der Berliner Fashionweek auszumachen ist. Eine solche hat sich auch nach über zehn Jahren immer noch nicht etabliert und dieses Jahr tritt das noch auffäliger zu Tage als sonst, wo immerhin ein großes Programm einen in Atem halten konnte. Das war sehr spärlich dieses Jahr und wohl auch hauptsächlich nur ein paar Designern zu verdanken, die durchhalten wollten. Es gelingt der kreativen Stadt Berlin nicht, eine charakteristische Modeveranstaltung auf die Beine zu stellen, einen kompetenten Kopf fürs Programmatische zu finden, eine gute und zuverlässige PR-Organisation einzurichten und vor allem das zu finden und herauszustellen, was ein Alleinstellungsmerkmal für Berliner Modekultur ist und sein kann. Erst dann würde die Fashionweek aus Berlin international von Bedeutung. Und das wäre eigentlich nicht schwer, denn internationale Neugier und Interesse sind ja durchaus vorhanden.
Und es kämen auch die Designer nach Berlin zurück, die anderswo hin gegangen sind, um zu zeigen.

Um auf den Berliner Salon zurück zu kommen, hier sieht man doch ein großes Spektrum, auch wenn die Auswahl nicht etwas charakteristisch Berlinerisches im Focus hat. Wir zeigen hier alle, die vertreten waren und man merkt bei der Durchsicht schnell: Da ist doch eigentlich mehr, warum ist dieunddie nicht da und warum kommt derundder nicht in Betracht? Und das, obwohl der Berliner Salon im Untergang der Berliner Fashionweek die letzte Bastion zu sein scheint. Und er als gutes Format für Förderung gedacht ist.

Eigentlich braucht Berlin die Fashionweek nicht wie sie daher kommt, Berlin ist nicht eigentlich eine Modestadt und das Interesse der Berliner Bevölkerung kleiner als beschränkt. Die Fashionweek wurde der Stadt übergestülpt, ohne das zu erkennen und anfangs machte sie sich sogar mit den Platzierungen im Zentrum und unverfrorenen Straßensperrungen sofort unbeliebt. Aber Berlin ist kulturell breit aufgestellt und verfügt über ein einzigartiges Potential an Subkultur, und wenn man das als Ganzes sieht, ist eben Modegestaltung durchaus auch ein Teil davon, der etwas zu bieten hat und eine geeignete Präsentation verdient. Messen und High-Class Catwalks sind jedenfalls nicht die passende Antwort. So bleibt künftig abzuwarten, ob die Szene noch ein eigenes Format findet, das kompetente Unterstützung durch kenntnisreiche Macher und städtische Finanzierung bekommt.

Paris, Mailand, London, New York, Seoul etc.: Da ließen sich die städtischen Kulturdezernate ihre gut ausgebauten Modewochen nicht nehmen. Das sind wichtige Stützen des kulturellen Überbaus und es wird Zeit, dass Berlin da einen sachgerechten Beitrag auf die Beine stellt. Öko und Gender wird nicht reichen. Das kommt von selbst. Die vielen Ankündigungen und Podiumsdiskussionen zu Öko-Fashion und nachhaltiger Modeproduktion sind keine solide Basis für ein ungewöhnliches und sehenswertes Programm. Das ist Begleitprogramm. Wer zur Mode geht, will in erster Linie gucken und staunen. Bei aller Ehrenhaftigkeit der ideologischen Haltung reicht das nicht und es darf nicht übersehen werden, dass Berliner Modemacher mehr drauf haben als das. Ganz sicher.

Im Vorfeld war diese Ausgabe der Berliner Fashionweek schlecht organisiert, Infos sickerten nur langsam durch, Anfragen wurden oft nicht oder unzureichend beantwortet. Alles auf die letzte Minute. Darüber beklagten wir uns schon. Und das, obwohl das Programm schon klein und überschaubar ausfiel – alles ist geschrumpft. Im Ablauf funktionierte alles gut, besonders das Personal war erstmals sehr freundlich und hilfsbereit. Aber diese kleine und angenehme Verbesserung wird nicht reichen um künftig im größeren Kontext eine repräsentative Rolle zu spielen.

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DER BERLINER SALON

Working Title:

William Fan:

Werkstatt München:

Stiebich & Rieth:

Vickermann & Stoya. Horizn:

Société Angelique:

Sminfinity:

René Storck:

Rianna & Nina:

Esther Perbandt:

PB 0110:

OFTT:

LML Studio:

Lutz Morris:

Odeeh:

Konrad:

Lara Krude:

Lala Berlin:

Vladimir Karaleev:

Karen Jessen:

Hannibal:

Julia Leifert:

Dawid Tomaszewski:

Diehm & Bespoke:

Antonia Zander:

Ayede:

Bergauer Handschuhe:

Alexander von Bronewski:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Dschungel ist ein Ort unserer Sehnsucht und zu Orten der Sehnsucht hat Isabel Vollrath auch gerne ein inspirerendes Verhältnis. So wie sie mit ihrer Venedig-Kollektion 2019 schon einen klassischen Sehnsuchtsort zum Bekleidungsthema gemacht hat, so tut sie es mit ihrer aktuellen  Kollektion Tiger & Venus ebenso. „Verlorenes Paradies“ nennt sie diesen Ort Dschungel, der damit eher fiktiv ist als real, eine Utopie, wie sie selbst schreibt, und die ist natürlich romantisch.

Sie kam auf dieses Thema, solche Geschichten sind ja immer reizvoll, durch einen zugelaufenen Kater („Diego“) im Winter, der ihr ständiger Gast im Atelier wurde und mit dem sie eine leicht exotische Freundschaft entwickelte und andererseits inspiriert durch Tiermotive ihrer Freundin und häufigen Arbeitspartnerin Almut Warttinger, Textildesignerin, mit der sie den thematischen Plan entwickelte: „Ich wollte ein Universum schaffen – für Diego, die Tierwelt, die Natur, die Freundschaft – die Liebe. Ich griff zum Hörer und die Reise begann. Mit zarten Pinselstrichen und digitalem „Fine-Tuning“ entwickelte Almut meinen exklusiven, erträumt- utopischen Tropenwald, den ich anschließend in komplexen Druckrapporten auf ausschließlich nachhaltige Materialien drucken ließ… Im Rausch der Farben und Tiermotive versank ich monatelang in eine andere Welt, schuf einen Look nach dem anderen und ließ den Dschungel weiter, weiter, immer weiter wachsen. …“

Isabel Vollrath liebt das Spiel mit Volumenexperimenten und damit ist eine  Liaison zwischen Gestaltung auf der Fläche und in der plastischen Form ein kongeniales Unterfangen, wenn die beiden Arbeitspartner dieselbe Leitidee verfolgen, zumindestens im Modedesign. Das experimentelle Spiel verfolgt sie auch bei dieser Kollektion, wir sehen „verspielte Ärmelpartien, raffinierte Fältelungen, bodenlange Couture, aber auch Mäntel, kurze Jacken und Hosen für’s Büro“, viel Grün natürlich mit ergänzenden und kontrastierenden Farben (Schwarz, Rot), Tiermotive, Blattwerk und gegengesetzten einfarbigen Teilen. Und immer wieder Schleifen und Bänder in verschiedenen Varianten, fast ein Markenzeichen, verblieben aus romantischen Perioden, mit denen man stets noch zusätzliche Akzente setzen kann. Auch jeweils als Signum über dem Fußknöchel.

Im zweiten Abschnitt der Schau kommen dann noch zwei schwarzweiße Versionen der grafischen Gestaltung hinzu, sehr dicht und ebenfalls üppig, die ist vielleicht der Entstehungszeit im Winter geschuldet und trotzdem eine schöne Variante.

So weit, so prächtig.

In der Rückschau hat Isabel Vollrath nun ihre Fähigkeiten der skulpturalen Schnitte und kurvigen Silhouetten zu souveräner Anwendung geführt und sich trotzdem eine spielerische Facette erhalten, die stets noch pfiffige Variationen hinzufügt. In der Verarbeitung ist sie stets ziemlich perfektionistisch, schon die Rapportsetzung der komplexen Prints ist eine ziemliche Herausforderung, die hier perfekt ausgeführt ist.
Als Designerin auf den Berliner Fashionweeks hat sie sich damit  nicht nur selbst gut etabliert, sondern sie stützt auch das Catwalkprogramm wirksam, dass es in dieser Saison der vielen Ausfälle schon wie ein Rettungsanker erscheint. Ein wirklich schöner, immerhin.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit der Pandemie wurden bekanntlich gerade Schüler und Studenten vor neue und besondere Herausforderungen gestellt. Es erweist, oder vielmehr bestätigt sich, dass effektive Ausbildung mit sozialen Bindungen und selbstständiger Motivation verknüpft ist und während das bei normalen Bedingungen so selbstverständlich gelebt wird, treten diese Aspekte in der Isolation plötzlich deutlich hervor. Gerade in kreativen Ausbildungsgängen ist der Sozialisierungsfaktor ein entscheidendes Kriterium für Erfolg und Produktivität. Heute vielleicht nicht mehr ganz so ausgeprägt wie früher, aber, wie man an den studentischen Arbeiten erkennen kann, doch sehr prägend. Paradoxerweise ist dann zum Abschluss der Studienentwicklung ein isoliertes Jahr noch eine Gelegenheit, das gewonnene eigene Potenzial auf den Punkt zu bringen.

Die Vorführung der Modeschulen mit den Abschlussarbeiten im großen Vergleich und in der allgemeinen ideologischen beziehungsweise zeitgeistigen Strömung bietet ja jedes Jahr einen guten Einblick, wo es mit Modegestaltung künftig lang gehen wird oder kann und auch wie ausgeprägt das innovative und kreative Potential gerade ist. Was wir in der jüngeren Vergangenheit bemerkt haben, ist gesellschaftspolitische Verantwortung neben individueller Selbstfindung in einem Problematisierungskontext ein starker Trend, der von der Hochschullehre vorgegeben wird.

Wenn man unterstellt, dass nun im letzten Ausbildungsjahr während der Isolation die Selbständigkeit zwangsläufig den höchsten Stellenwert bekommen hat, ist das einerseits eine schmerzliche, andererseits aber doch hoch spannende Voraussetzung für die Produktionsergebnisse. Wir haben jedenfalls die Schauen unter diesem Aspekt kritisch betrachtet und finden, bei allem Mitgefühl für die Problematik eingeschränkter Begleitung, dass dieses Zurückgeworfensein auf das eigene und bislang gewonnene Potential positiv kristallisierende Effekte zeigt.

Es war also alles nicht ganz anders, man liest die entscheidenden Impulse der Gestaltungslehren nach wie vor deutlich heraus. Aber man sieht eben auch, ob die Studenten nun beim Gelernten stehen geblieben sind oder in der Lage waren, abschließend eine eigene Position daraus abzuleiten. Und das, so hatten wir jedenfalls das Gefühl, ist den Kandidaten sehr unterschiedlich gelungen. Manche führten zugespitzte Semesterarbeiten aus der Ausbildungszeit vor, manche kombinierten das Gelernte geschickt zu einer Art Wissenscollage und andere konnten ein eigenes Leitinteresse herausarbeiten, das sichtbare Gewichtungen umreißt. Und für letzteres ist ein Jahr Isolation nicht die schlechteste Rahmensituation und diese Verortungen waren natürlich die spannendsten Beobachtungen.

Im Vergleich zu anderen Schauenveranstaltungen, die ja eher einmal gefundene Positionen eines Designers in Varianten schlüssig vorführen, sind die „Graduates“-Schauen vergleichsweise anstrengend, denn sie sind so individuell unterschiedlich in schneller Abfolge. Zumindest was das Kreative betrifft. Und wir haben darum versucht, nachfolgend die eindrucksvollsten Ergebnisse herauszupicken, was vielleicht nicht immer ganz gerecht ist, bei ca. 75 Teilnehmern mit jeweils drei bis sieben Outfits wird die Auswahl etwas subjektiv. Aber sie korrespondierte dann schon im Vorfeld überraschend mit den Lieblingsstücken der Designer selbst und auch der abschließenden Jurierung. Wegen diverser Überschneidungen haben wir auch nicht alle Hochschulpräsentationen gesehen. Nachfolgend stellen wir die Absolventen und Preisträger der „Best Graduates Show“ vor und im Anschluss eine kleine, zusätzliche Auswahl anderer Studenten aus verschiedenen Hochschulen.

Die Awards.

Award Kategorie „Best Design“ bekam Flora Taubner mit der Kollektion VALUE (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Ihre Gestaltung ist sehr Körperbewußt und collagenhaft geprägt. Die Entwürfe haben einen gewissen Witz, der erst auf den zweiten Blick bewusst wird.

Der Award Kategorie „Best Sustainability Concept“ geht an Paul Kadjo mit The Spirit Between Bodies And Objects (AMD Akademie Mode und Design). Im Vordergrund steht der Spass mit Fransen und verschiedenen akzentuierenden Stilelementen, die zum Teil auch ethnologische Assoziationen verwenden. Paul Kadjo hat schon ein eigenes Label gegründet, PROTOTYPE. Das „bietet dem Kunden qualitative, nachhaltige und gut verarbeitete Kleidung und Accessoires, welche Design in Form von Schnitt oder Drapierungen wiedergeben, statt nur in Form von Drucken“ (P. Kadjo). Über den kommerziellen Aspekt hinaus träumt er davon, in Zukunft „Mode als Kunst“ In Kunstausstellungskontexte einbringen zu können.

Den Award Kategorie „Best Craftmanship“ gewann Aylin Tomta mit Hylemorph (Fachhochschule Bielefeld. In der Tat fallen ihre Sachen auf durch gut gemachte Schneiderexperimente und geradliniges Konzept.
Sie hatte übrigens als junge Studentin 2016 auch schon den 3. Preis European Fashion Award (FASH)  gewonnen.

Aus den Neo.Fashion-Schauen der (Hoch-)Schulen.

Alicia Schikovski – INVOLUCRUM // CONNEXICO (Lette Verein Berlin): Sie spielt die Reize groß aufgeblasenen Microstrukturen (meist Wollgewebe) in Kontrast zu feinen Flächen aus, das inszeniert sie schlicht und wirkungsvoll.

Anna-Marta Thomas – Frequenzen // Close Encounter (Lette Verein Berlin): Schlaufen und Farbkontraste; mit zum Teil sehr raffinierten Einfällen und komplizierten Verarbeitungen entstehen wirkungsvolle Flächen und Reliefs, zumeist sehr elegant, manchmal aber auch im Schlafsackmodus.

Arabella Romen – Birth of Venus (AMD Akademie Mode & Design): Großzügige Prints und richtungswechselnde Überlagerungen bzw. Schichtungen charakterisieren am ehesten die Kollektion der Absolventin. Das Venushafte erschließt sich nicht unmittelbr.

Celine Witzke – GIRLS IN BOYS (AMD Akademie Mode & Design): Die Absolventin ist eines der raren Beispiele, die sich klassischer Eleganz und ästhetischer Herausforderung noch hauptsächlich verpflichtet sehen. Dies gelingt ihr sogar bei thematischen Skurillitäten, die ihr sonst aber eher fremd sind.

Clemens Oskar Kramer – Aus weniger mehr machen (MD.H Mediadesign Hochschule): Die Strukturierung von Flächen in Oppositionen sind gelungene Beispiele der Arbeiten. Hier funktioniert auch der Unisex-Charakter ganz gut, ohne proklamatorisch daherzukommen.

Deborah Tänzer – Momo  (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Schichtungen, oft monochrom, gewinnt die Designerin eine angenehm diffuse und zugleich klare Tiefenwirkung ab, stets elegant bleibend und meist auch sexy.

Dennis Sanders – Open Borders (Hochschule Hannover) gehörte zu den Kandidaten auf den Award. Auffällig ist die Lust, mit Stoffarten beziehungsweise Geweben kombinierend zu experimentieren. Gelegentlich ergänzende Akzente sind sehr wirkungsvoll hinzugefügt.

Felicitas Volk – It’s your world for a moment & City Landscape (Lette Verein Berlin): sie gehörte ebenfalls zu den Award-Kandidaten, mit  großzügigen, monochromen Outfits. Besonders die sehr schönen Farben bestimmen die Gesamtwirkung, große Reliefstrukturen (auch gelegentliche Textprints) und richtungswechselnde, konsequent angelegte Schnitte sorgen für ein interessantes und zugleich klares Erscheinungsbild.

Ganna Tsvetyanska – OB“YEDNANI (Hochschule Hannover): Schichtungen, oft kontraststark und sehr geometrisch konstruiert, geben der Kollektion eine klare Richtung, die auch für Männer unaufgesetzt mit einer gewissen Eleganz gut funktioniert.

Hannah Kaspari – Dreams behind walls (FH Bielefeld): Die Designerin liebt originelle Prints und luftige Oberflächenreliefs, bleibt im Übrigen aber eher klassisch und beim Modeüblichen.

Helena Wieser – Wollust (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): Die Designerin experimentiert im Zusammenspiel zwischen Haut/Körper – Unterbekleidung – Oberbekleidung und gewinnt den entstehenden Wirk-Kontrasten irritierende, erotische Kombinationen ab. Strick, oft grob, ist dabei ein bevorzugtes Medium.

Jay Yang – Grenzenlose Grenze (Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle): sehr grafische Schnitte und auch ein asiatisches Formenverständnis führen zu eigentümlichen bis abenteuerlichen Konstruktionsexperimenten, ohne an Klarheit einzubüßen.

Jil Wollmann & Jana Steinmann – OKA PI (MD H Mediadesign Hochschule): Mit dem Schichtungsprinzip reduziert angewendet, Reduktion auch auf Schwarzweiss und mit asiatischer Klarheit im Finish führt das Duo hier eine ästhetisch sehr niveauvolle Kollektion vor.

Johann Erhardt & Johannes Stoehr – Phobia (Lette Verein Berlin): Auflösung der festen Textilien und Auflösung der Farbe bei Kontrasten sowie Auflösung klarer Schnitte. Experimente von eleganter, gediegener Wirkung mit Silhouetten, die noch einen Touch Erotik hinzufügen.

Insgesamt sind die Ergebnisse sehr kreativ. Wir fanden sie jedenfalls spannender als früher, zum Beispiel in der digitalen Präsentation letztes Jahr, die zum Teil grauenhaft und oberflächlich war. Vielleicht trügt der Gedanke, dass der gezwungene Rückzug im abschließenden Jahr jeden Designer konzentrierter hat arbeiten lassen als sonst. Damit ließe sich das öffentliche Kompliment, das Esther Perbandt den Studenten fürs Ertragen der Situation machte, auch auf die Mehrleistung ausweiten.

Die Lehrkräfte sehen das aber vielleicht mit geteilten Einschätzungen. Dieser Gedanke schoss mir durch den Kopf, als auf der Bühne eine Dozentin einen schönen Blumenstrauß schlecht in Packpapier verpackt ihrem Studenten zur Gratulation überreichte.

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