Text und Bilder: Gerhard Paproth

Schon letzte Saison ging der Berliner Salon ins Museum und konfrontierte junge Mode mit kunstgeschichtlichen Meisterwerken. Diese Saison ist die Möglichkeit, dies in der Gemäldegalerie ausrichten zu dürfen, noch exquisiter und der Erwartungsdruck unter der kulturbeflissenen Klientel noch größer. Aber es funktioniert im Großen und Ganzen ziemlich gut, vor allem, wenn man erkannt hat, dass die Gegenüberstellungen nur lose optische oder ästhetische Korrespondenzen evozieren brauchen und man die kunstgeschichtliche Perspektive meist besser beiseite läßt. Mit den Arrangements wird dem Geschmack den Vortritt gelassen, man gönnt irgendwelchen Affinitäten in Form, Farbe, Bewegung oder Material ein vorübergehendes Intermezzo, manchmal ist den umsichtigen Kuratoren sogar ein inhaltlich origineller Kontext gelungen. Oft macht das Spass, es erfrischt die Kunst vorübergehend auch ein wenig, manches erscheint plötzlich gegenwärtiger als sonst, durchaus ohne Würdeverlust. Nicht immer allerdings haben die Designer selbst verstanden, warum sie gerade an dieser Stelle positioniert wurden, manchen war der kunstgeschichtliche Hintergrund aber hinreichend bekannt, denn sie haben ihre Entwürfe ohnehin schon entfernt aus solchen modegeschichtlichen Kenntnissen abgeleitet. In diesen wenigen Fällen ist die Rezeption natürlich ein besonderer Reiz. Es gibt andererseits auch amüsante Konstellationen, die sich die Kuratoren haben einfallen lassen (zum Beispiel bei Namilia) und die formalen Positionierungen (zum Beispiel bei Marlon Ferry) sind Möglichkeiten, sowohl die Malerei als auch die Modeexponate besonders zu akzentuieren.

Die Auswahl der gezeigten 55 deutschen Designer und Designerinnen – das geschah großenteils über Bewerbungen – ist diese Saison besonders focussiert auf jungen Nachwuchs, viele unbekannte Namen, die oft gerade ihr Examen hinter sich haben und hier ihre Prüfungsarbeiten vorstellen. Einige wenige bereits bekannte Labels sind, weit verstreut, trotzdem noch dabei, sei es weil sie den künstlerisch-fantasievollen Ansatz nicht aufgegeben haben, sei es, weil sie besonders exquisit ästhetische Kategorien verfolgen und damit auch zu der Gesamtqualität der Mode-Ausstellung noch Höhepunkte beisteuern.

Bis 24. Februar 2025 läuft das gemeinsame Ausstellungsexperiment vom  Fashion Council Germany (Leitung Christiane Arp) und der Gemäldegalerie für das breite Publikum und ein Besuch ist sehr zu empfehlen. Denn es rückt die Kunst in eine etwas unbeschwertere Sicht, ohne sie nennenswert zu beeinträchtigen und die Gestaltungsambitionen jungen Modedesigns in ein kulturell etwas ernsthafteres Bewußtsein, ohne zu aufgesetzt daher zu kommen.

Wir haben versucht, das Anliegen der Ausstellungsidee mit unseren Fotos der Modeexponate etwas mitzudenken und, soweit möglich, auch die Designer persönlich mit ins Bild zu nehmen. Auch das ein Experiment.

Adriane Lila Fecke:

Alan Hamiklo:

Alexander Gigl:

Alexandra Stein:

Alina Kalischer:

Anne Bernecker:

Anne Kaden:

Angelique Dins:

Autel:

David William:

Des Filles Désir:

Elodie Carstensen:

Fabia Meyer:

Fiona Bennet:

Frieda Kamphues:

Gerrit Jacob:

Henning Sadau:

Jing-Jie Huang:

Joah Kraus:

Karen Jessen:

Katharina Dubbick:

Lennart Bohle:

Leyla zu Stolberg:

Lilian Brade:

Luis Amslgruber:

Maatrev:

Maison Rose, Louis Renaud:

Marius Moninger:

Marie-Louise Müller:

Marlon Ferry:

Marvin Muelleck:

Fashion X-Craft:

Michelle Bohnes, Jasmin Wottke, Paula Dischinger:

Chantal Wehran:

H6 Collective:

Maira Gath:

Niclas Hasemann:

Namilia:

Nethanel Kantor:

Panos Gotsis:

Paulina Bongartz:

Plaid-A-Porter:

Selva Huygens:

Sezgin:

Silja Meise:

Sofia Hermens Fernandez:

Stefan Uhr:

Stricken3000:

Studio Ena:

Tati:

Timo Kurz:

Unvain:

Yannic Pretzlaff:

Yccij:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

In den Kant-Garagen in Berlin-Charlottenburg wurde die neue Kollektion des Berliner Labels GmbH im Rahmen der Berlin Fashion Week präsentiert. Hinter der Marke stecken die beiden kreativen Köpfe Serhat Işık und Benjamin Alexander Huseby, die vor neun Jahren das Label gründeten.

Grundsätzlich widmet sich GmbH sowohl der Herren- als auch der Damenmode – in Berlin wurde die Herrenlinie gezeigt. Diese aktuelle Herrenkollektion thematisiert – politisch hochaktuell in Deutschland – den gesellschaftlichen Umgang mit familiären Wurzeln im Ausland, den langen Weg des Ankommens in der bundesrepublikanischen Gesellschaft und die Interpretation der modischen Ausdrucksform von Gastarbeitern und deren Integration und ihr Hinwachsen zur Gesellschaft als integraler Bestandteil. Der Designer Serhat Işık ist türkisch-deutscher Abstammung, während Benjamin Alexander Huseby, ursprünglich Fotograf, norwegisch-pakistanische Wurzeln hat.

Die gezeigten Looks sind vielfach sehr figurbetont, sportlich und kokettieren mit Spannungsverhältnissen, die durch gezielte stilistische Kontraste hergestellt werden. Zum Teil sind die Kreationen streng formal, bauen auf klassischen Hemden und Hosen bei gedeckten Farben auf und Krawatten dürfen dabei nicht fehlen. Dem steht dann wieder eine sportlich legere Interpretation gegenüber, die plakativ die Jugendmode der 1960er Jahre verarbeitet. Wieder andere Looks wirken fast schon militärisch hart. Der Slogan „refuse to trade with the enemy“ taucht immer wieder auf der Oberbekleidung auf und kann in mehrere Richtungen interpretiert werden. Wer ist der Feind? Die Gesellschaft, in die hinein immigriert wurde – ein Bezug auf die Vergangenheit und die eigenen Wurzeln, das was die Vätergeneration erlebt hat, oder ist der Feind im zeitgenössischen Kontext der staatliche, systemische Gegner, dessen Wertesystem dem eigenen Wertesystem gegenübersteht und Imperialismus als multilaterale Weltordnung zu verkaufen versucht? Viele der gezeigten Kreationen kommen mit hohen, über die Knie hinausragenden Stiefeln in glänzender, eleganter Optik daher, mit Reißverschluss vorne und durchgehend wie eine Naht. Es wird wild bei den Konstruktionen übereinandergeschichtet, mal mit Transparenz, wenn helles Hemd mit Krawatte getragen wird und auch die Bundfaltenhose luftig hell verhangen wird, oder als anderes Beispiel, wenn in Lederoptik wie eine Richterrobe der gesamte Businesslook mit großzügigem Volumen ummantelt wird. Daneben wird mit einem Herren-Kaftan und einem Bomber-Blouson die Mantelkonstruktion gleich ganz ersetzt. Apropos Mantel – Mäntel sind die Blickfänge der Kollektion, die Schultern entweder massiv in die Breite betont, oder ähnlich einer tiefhängenden Stola konzipiert und getragen. Zwei Kombinationen kommen in lautem, kräftigem, revolutionärem Rot daher. Zwischen den Fingern der markant gestylten Modelle, spielerisch oft eine Misbaha, als Symbol traditioneller Verankerung in der eigenen kulturellen Wurzel.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Designer-Duo Otto Drögsler und Jörg Ehrlich ist schon seit langem mit ihrem Label Odeeh ein fester Bestandteil der deutschen Modeszene und kann immer wieder mit ausgeprägter Stilsicherheit punkten. Für die Präsentation der neuen Kollektion hat man in den Berliner Hauptsitz der Marke an die Potsdamer Straße eingeladen. Keine klassische Modenschau wurde hier gezeigt, sondern eine kreative Installation, die den Charme, den gestalterischen Ansatz der beiden Designer sowie die konkreten Looks als Ergebnisse der neuen Kollektion vermitteln sollte. Skizzen zu Entwürfen, Stoffballen, ein Nähmaschinen-Arbeitsplatz, alles, was man im Atelier so findet und benötigt, bildete den Rahmen für diese Installation, in welcher zwölf Modelle sportlich elegante und individuelle Looks dem geladenen Publikum zeigten.

Bis auf einen der gezeigten Looks sind diese Damenkleidung. Das ist meistens so bei Odeeh. Oft sind die Herrenlooks nur eine sinnvolle Ergänzung, ein Kontrapunkt oder die kreative Spiegelung. Hier wurde für die neue Kollektion viel mit leicht angedeuteten A-Silhouetten gespielt, geschickt schwere Materialien bei Mänteln in Kontrast zu leichten, fast sommerlichen und fließenden Stoffen gesetzt. Das wirkt verspielt und dennoch vermitteln die Konstruktionen eine grundsolide Basis, nichts wird überzogen dargestellt, nichts wird karikiert. Hier stimmt, wie auch in den letzten Jahren, alles zusammen – die flauschige Applikation greift die Farben des großflächigen Drucks auf, und ein Reiterhut ist die konsequente Abrundung eines robusten, sportlichen asymmetrischen Damenmantels in Grau, unter dem frech eine gescheckt gemusterte leichte Hose hervorscheint. Die Drucke und Muster überzeugen durch Individualität. Ein kleines Repertoire an fransigen Kleidchen in leuchtendem hoffnungsvollem Grün oder in kühlen, schimmernden Blaugrau ist ebenfalls sehr ansprechend. Als Akzent finden sich immer mal wieder aus verschiedenen Steinen, Perlen und Anderem zusammengestellte Broschen. Die Details machen es aus. So sind die meisten Schnürsenkel der Schuhe offen und vermitteln einen Hauch von Improvisation und einen nicht ganz finalisierten Look, der noch in Entwicklung ist.

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Text & Bilder: Boris Marberg

In der St. Thomas Kirche in Berlin Kreuzberg zeigte Clara Colette Miramon ihre neue Kollektion mit dem Titel „Maria hat geholfen“ dem interessierten, geladenen Publikum.

Ihr Label besteht seit 2021 in Berlin. In ihrer Designsprache fühlt sich Clara traditionellen Techniken verbunden und will diese in der zeitgenössischen Popkultur platzieren.

In den letzten Jahrzehnten wurden immer wieder von Modeschaffenden Elemente des Marienkults stilistisch aufgegriffen und in Kollektionen künstlerisch bearbeitet. Dabei wurden religiöse Symbole wie das Kreuz, die Hamsa-Hand oder das Auge der Vorsehung als modische Accessoires oder als Dekoration auf Kleidungsstücken verwendet. Humoristisch konnotiert wurde dies zum Beispiel schon von Jean Paul Gaultier, der sich an sakraler Malerei orientiert hatte, oder von Gianni Versace, der in einigen Kollektionen religiöse Symbole in seine Looks integrierte, insbesondere sehr oft Kreuze und andere christliche Symbole verwendet hat. In der christlichen Kunst wird traditionell Blau mit der Jungfrau Maria assoziiert. Diesem geistlichen steht farblich oft Purpur als Symbol für Reichtum und Dekadenz stilistisch gegenüber und es ist der Platzhalter für die irdischen Mächte. Mode und Spiritualität finden immer wieder zusammen. Oft wird Mode als (politischer) Ausdruck von Spiritualität und innerer Ausgeglichenheit verwendet und Designerinnen und Designer integrieren religiöse Symbole, um eine tiefere Bedeutung und Geschichte in ihren Kreationen zu vermitteln.

Clara Colette Miramon zeigt den Namen der Kollektion – „Maria hat geholfen“ – als peppiger, gedruckter Schriftzug auf einzelnen Looks (insbesondere dem einzigen Herrenlook der Kollektion) und geht damit einen plakativen Weg eines konkreten Statements. Diese sakrale Ausrichtung wird stilistisch durch die Einarbeitung von gotischen Bögen, zum Beispiel als obere Abschlüsse von Dekolletés, ergänzt. Diese Bögen symbolisieren die architektonischen Innovationen und das Streben nach Höhe und Licht in der gotischen Zeit des 12. bis zum 16. Jahrhundert. Weltliches und Geistiges stehen verbunden nebeneinander, und das Streben nach höheren Werten bedeutet nicht, Körperlichkeit zu verneinen. Die Looks fühlen sich schmeichelnd und sinnlich an und vermitteln ertastbare Empfindungen und Eindrücke. Es schwingt eine leichte Rebellion des Individualismus mit. Ein Marienkult ist nicht zwingend asexuell, sondern kann auch lustvoll sein. Das zeigt sich auch bei der Wahl des Materials. Gerade dem Haptischen von Kleidung wird oft nicht der Stellenwert zugesprochen, den es haben müsste. Neben Kunstpelz und Samt kommt Denim zum Einsatz. Es wird drapiert, geschichtet und mit Transparenz und Volumen werden kreative Abwechslungen geschaffen. Selbst geharnischt wird ein Model auf den Laufsteg geschickt, ein handgefertigter aufpolierter Brustpanzer, der als Blickfang dient und als die Wehrhaftigkeit des Femininen interpretiert werden kann. Abgeschlossen wird die Schau mit einem Look, einem schwarzen, schlichten Hochzeitskleid in Erwartung einer baldigen Niederkunft.

Die Kollektion ist gelungen, macht Spaß und vermittelt humorvoll Sinnlichkeit und Tragbarkeit und wird ihr Publikum und ihre Fans finden.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Gerhard Paproth

Eine Dekade ist in der zeitgenössischen Mode eine gefühlte Ewigkeit. Für William Fan fiel dieses Jubiläum auf die Berliner Modewoche, an welcher der Designer, geboren in Hannover und seit 2015 in Berlin mit seinem Atelier und Label ansässig, vielfach schon teilgenommen hat. Gerade für diese Saison konnte Fan einen der begehrten „Berlin Contemporary“-Preise für sich verbuchen. Diese Auszeichnungen werden von der Berliner Senatsverwaltung in Zusammenarbeit mit dem Fashion Council Germany vergeben und zeichnen innovative Show- und Präsentationskonzepte aus, die sich durch Kreativität, Nachhaltigkeit und Inklusivität hervortun. Das zehnjährige Jubiläum seines Modelabels feierte William Fan in großem Stil im Gebäude des Kammermusiksaals der Philharmonie, weiträumig verteilt über zwei Etagen, mit anschließendem Kammermusikkonzert.

Dem Schaukonzept war leider die Geräumigkeit des Kammermusiksaals der Philharmonie nicht sehr zuträglich, da das Publikum nicht durchgängig stringent die einzelnen Looks betrachten konnte, die ab und an geballt in Gruppen aufliefen und in der Fläche fast verloren wirkten. Das hat eine unnötig große Distanz geschaffen. Distanz als Thema zwischen verschiedenen Polaritäten prägt auch diese Kollektion. Alter Ego richtet sich sowohl an Frauen, wie auch Männer, – die jeweiligen Looks stehen in Korrespondenz zueinander und es finden sich häufig binäre Verbindungen. So stehen dunkle Herren- und Damenmäntel in Relation zueinander und spiegeln in den Details und Konstruktionen jeweils sich gegenseitig. Ja, es sind auffallend viele dunkle, schwarze und gedeckte Töne (fast zwei Dutzend Looks sind dunkel gehalten), welche zu den lockeren, weiten Silhouetten und Konstruktionen gefunden haben. Es ist aber auch eine klassische Herbst- und Winterkollektion. Das ist aber nicht alles, denn diesem Schwerpunkt stehen helle, pastelle Zusammenstellungen entgegen, die weich und zerbrechlich wirken und sehr häufig mit einem klassisch asiatischen Bühnen-Make-up. Kooperiert habe man mit der Kosmetikmarke Kiko Milano. Hier fallen weißes Gesichts-Make-up, rote Lippen und betonte Augenbrauen charakteristisch auf. Dieses Make-up hebt die Gesichtszüge der Modelle hervor und verleiht ihnen ein unverwechselbares Aussehen, welches hier die Looks stark kontrastiert. Das passt insbesondere gut zu den vielen schwarzen oder dunklen Looks, aber leider auch nicht immer. Spannend sind vor allem die Konstruktionen, welche mit Schichtungen und Volumen spielen und nicht übertrieben körperbetont sind. Es bleibt bei William Fan diesmal der Eindruck, dass seine Mode sehr locker ist und viel Bewegungsfreiheit vermitteln kann. Dies ist hier gepaart mit einer eleganten Dynamik und lässt sich sehr gut im urbanen Umfeld tragen und vermittelt eine sehr lässige Coolness, die spontan an Designklassiker von Yohji Yamamoto mit seinem avantgardistischen Wirken erinnert.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Einfluss von Fantasy aus der digitalen Welt ist das auffälligste Merkmal der Kreationen von Marlon Ferry, besonders prägend sind die verästelten Dekorationen, die meistens die Outfits ergänzen oder sogar ausmachen. Seit seiner Ateliergründung im letzten Jahr und der ersten eigenen Schau im Zuge dessen hat der Designer sein Konzept ausgebaut und kann die entsprechenden Erwartungen mit seiner neuen Schau auch einlösen. Das geschieht mit Classe und hohem Anspruch.

Die Präsentation seiner neuen Kollektion ist im Gegensatz zur letzten klar und deutlicher auf den Punkt gebracht, sie verzichtet auf Verbrämung und mystisches Brimborium und steht stattdessen deutlich für einen Anspruch bestechender und fantasievoller Eleganz. Die Silhouetten sind sehr präzise formuliert, viele ganz wunderbare A-Gestalten mit weit ausladenden Röcken und zarten Oberteilen, ausgehend vom klassischen Gestaltfundus hin zur avantgardistischen Steigerung. Die gestalterische Arbeit setzt dabei auf qualitative, konzentriert durchgestaltete Couture-Stücke, zehn an der Zahl – also eindeutig auf Klasse statt Masse. Entsprechend überzeugend sind sie alle geraten. Die artistische Kreation mit ihrer sichtbaren Liebe zum ausgestalteten Detail ist selbstverständlich verbunden mit entsprechend innovativen Materialien, wie Latex, fließender Seide und Chiffon – gerade das Latex erlaubt ganz ungewöhnliche Zeichnungen, am besten gleich am Computer und die moderne Produktion mit 3D-Druck. Mit diesen Verfahren und Materialien stellt die „neue“ Couture vorteilhafte Alternativen neben die aufwändigen, kunsthandwerklichen Arbeiten, die stets zwingend teuer waren und nur als Unikate von erlesenenen Häusern geleistet werden konnten. Einfallsreiche Newcomer wie Marlon Ferry können von dieser Demokratisierung der exquisiten Details gut profitieren und kommerzielle Entwicklungsschritte verkürzen und sie setzen damit zugleich neue, moderne Maßstäbe in der Couture.

Der Pressetext bringt den gestalterischen und prozessualen Ansatz des Designers gut auf den Punkt: „Inspiriert von den grenzenlosen Möglichkeiten virtueller Welten und der organischen Schönheit der Natur strebt er danach das Künstliche und das Natürliche in einer mutigen, progressiven Vision in Einklang zu bringen.“ Als Visionär hat er sich mit der ersten Schau schon einen Ruf gemacht, diese zweite unterstreicht das definitiv.

Damit stellt sich der Designer tatsächlich als ein herausragendes Beispiel für die innovative Moderne der Mode auf, ganz abgesehen davon, dass sich mit seiner Designphilosophie auch kritische Vorstellungen zur aktuellen Zeitgeschichte und zu problematischen Entwicklungen verknüpfen, jedenfalls hinsichtlich des individuellen Erlebens des jungen Menschen im soziokulturellen Kontext. Als gestalterischer Faktor zeigt sich dieser Aspekt allerdings nicht offenkundig, höchstens durchscheinend, ergänzt aber schon die verantwortungsbewußte Haltung zum Modemachen, die junge Modeschöpfer heute mitbringen.

In der choreografierten Abfolge der zehn (plus 1) Exponate startet die Schau mit einer recht reduzierten, schlichten Kleidgestaltung, mädchenhaft aber doch mit gestalterisch dezidierten Formulierungen von Kragen, Ärmeln und Rockansatz. Danach steigern sich die Erscheinungen ornamentaler, futuristischer und üppiger in allen Aspekten, Eleganz dominiert zunehmend die kühnen Konzepte und schließen dann als geradezu fantastische Vorstellung ab. Alles das selbstbewußt in ruhigem Tempo, zum Staunen und Betrachten und Genießen.

Mit der von Anspruch geprägten Konzentration auf die eigene ästhetische Handschrift und dem innovativen Prozess der Realisierung gelingt dem Modemacher ein ungewöhnlich schneller Start mit Erfolg in der Branche. Trotz gediegener Ausbildung (zum Beispiel auch bei Iris van Herpen) ist das recht ungewöhnlich, vor allem, weil die deutliche Zielvorgabe innovative Haute Couture das wohl Schwerste und Aufwändigste ist. Mit Marlon Ferry hat die Berliner Fashionweek darum eine ungewöhnliche Perle im Programm, die ihr hoffentlich nicht zu schnell abspenstig werden wird.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Wenn man davon ausgehen kann, dass Modebewußtsein damit verknüpft ist, wo man sich eigentlich verortet im Leben, womit man sich identifiziert und was man an seinem täglichen Tun auch liebt, ist es logisch, dass die alltägliche Arbeit dabei eine erhebliche Rolle spielt – oder zumindestens spielen kann, wenn man sich nicht nur mit seiner Freizeitaktivität definiert. Dass der Modebetrieb sich in diesem Sinne meistens nur auf Business-Wear konzentriert, verortet Modebewußtsein in der Mittelklasse und vielleicht Upperclass und spricht der eigentlich größten gesellschaftlichen Schicht ein ästhetisches und identifikatorisches Interesse ab.

Das Workwear-Label OBS sieht das anders und es ist schön, dass diese Perspektive nun auch angemessen auf der Fashionweek repräsentiert ist. Zentral ist dabei die Feststellung, dass es sich mit diesem Focus nicht um Sozialromantik als Ausgangspunkt handelt, also einen romantisierenden Blick auf ein fremdes, von aussen wahrgenommenes Feld, meinetwegen so wie die Schäferspielchen der Aristokraten im 18. Jahrhundert, man also Elemente der einen Lebenswelt sportlich oder verspielt in die andere Lebenswelt überträgt, sie scheinadelt, sondern dass die Haltung in eben der betroffenen Welt selbst verankert ist. Dafür ist es keineswegs zwingend, dass, wie bei dem Designerduo Johannes und Matthias Schweizer, schon die Eltern, genauer der Vater, an der proletarischen Baustelle arbeiteten und die Kinder deswegen mit einer solchen Lebensverortung aufgewachsen sind, aber es ist sicherlich schon sehr von Vorteil.

Die Faszination und Liebe zur handwerklichen Arbeitswelt eröffnet eine ganz eigene Disposition zu der damit verbundenen Gestaltungsästhetik und bestimmte Herausforderungen wie Funktionalität, Haltbarkeit, Symboltypisches (Berufszweig) und auch Arbeitsschutz etc. bekommen große Gewichtung bei den Entwürfen. Das ist das Eine, Verpflichtende, für Arbeitskleidung schon immer Geltende, das andere ist die Würdigung mit einer ästhetischen Subtilität, die die Liebe und das „Schöne“ am Beruf deutlich herausstellt, ohne da etwas Künstliches (Romantisierendes) überzustülpen. Und genau das gelingt dem Label auf absolut überzeugende Weise.

Es gelingt so überzeugend, dass man, nicht selbst aus dieser handwerklichen Lebenswelt kommend, schnell eine starke Sympathie damit entwickelt, vor allem angesichts des Hintergrundes, dass das Handwerk sich aus einer despektierlichen Rolle in der bürgerlichen Gesellschaft bis heute nicht befreien konnte. Denn wir alle lieben Menschen, die sich hingebungsvoll und identifizierend in ihrer täglichen Arbeit verwirklichen, das geht, das Handwerk betreffend, ja sogar so weit, dass mancher die in uns alle eingeschriebene Freude am handwerklichen Tun als Hobby im Keller nachholt, was der Bürojob nicht bietet. Hier also nun die fällige Beachtung im Bereich Modedesign, und eben nicht als Hobbyveranstaltung.

Die Brücke zur angemessenen Wahrnehmung der Kollektion schlägt die räumliche Inszenierung der Präsentation als konkret wirkende Baustelle (auch die liebevoll und nicht nur symbolisch ausgestattet), in die die Berufe, Tätigkeiten und Arbeitsprozesse eingebettet sind. Die darin vorgestellten Modeoutfits sind deswegen nicht als Vorschläge zu verstehen, gestalterische Teilaspekte in gängige Modekonzepte zu übernehmen, quasi als ein interessanter Kick für Streetwear oder so, sondern sie ruhen ganz im Eigentlichen, stehen emanzipiert für sich selbst.

Modehistorisch ist das eigentlich nicht neu, schon die bauhaus-Philosophie hat versucht, Funktionalität und Ästhetik in Einklang zu bringen, auch da spielten Bedürfnisse der Arbeiterklasse eine wesentliche Rolle; im Laufe der geschichtlichen Entwicklung der bauhaus-Gestaltphilosophie ist aber viel von diesem proletarischen Bewußtsein auf der Strecke geblieben und lediglich das Funktionalitätsideal hat sich etabliert – nicht zuletzt als akademische Verpflichtung. In der Modegeschichte kann man das genauso erkennen wie in allen anderen Designbereichen auch. Es hat damit einen eher elitären Anstrich bekommen.

Insofern setzt OBS mit dieser Gestaltphilosophie noch einmal richtig neu an, eben nicht akademisch verträumt, sondern konkret und wahrhaftig. Einerseits kenntnisreich in den praktischen Herausforderungen fürs Schneiderhandwerk, andererseits emotional und ästhetisch zielgerichtet auf gestalterische Optionen (ohne zeitgeistig modische Elemente zu ignorieren). Letztere müssen „im Rahmen“ bleiben und trotzdem höchst attraktiv daherkommen. Denn diese Zielgruppe will nix „Spinnertes“ oder elaborierte Übertreibungen, sie will in der Kleidung das wieder finden und gewürdigt sehen, was Spass und Liebe zum Tätigkeitsfeld ausmacht. Zeitgemäß interpretiert. Alles das führt zu einer recht substantiellen Designer-Haltung, die mit der Selbst-Feier der gegenwärtigen Modekonzepte oft verloren gegangen ist und diese zu einer seltsamen Künstlichkeit geführt hat.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Designerduo Richert Beil inszenierte seine neue Kollektion Mutter in Berlin-Kreuzberg im historischen Fichtebunker, einem Funktionsbau von 1876, welcher über die Jahrzehnte und Epochen der Stadtgeschichte vielfältige Nutzungsformen erlebt hatte und es ermöglichte eine Modenschau zu präsentieren, in welcher die Modelle ringförmig durch verschiedene, voneinander getrennte Abschnitte des Gebäudes gehen konnten – eine Location, staubig, kahl und unterkühlt – einen passenden Rahmen für die „Geschichte“ der Kollektion bietend.

Thematisch ist die Focussierung überraschend wie immer: Die Kollektion soll eine kollektive psychische und körperliche Ermüdung zum Ausdruck bringen, welche sich insbesondere bei der heutigen Mutterschaft metapherhaft zeigt. Das Thema Mutterschaft ist in der Mode in den letzten Dekaden immer wieder gestalterisch und wissenschaftlich verarbeitet worden. Dabei geht es bei Weitem nicht darum, Umstandsmode zu stilisieren und in einen soziokulturellen Rahmen zu bringen, oder tradierte Familienmodelle zu kommunizieren. Die Stadt Berlin und die beiden Modeprotagonisten Jale Richert und Michele Beil stehen hier sicher nicht für tradierte Reflektionen und Wertvorstellungen, die sich gesetzt haben. Vielmehr ist die Berliner Modekultur immer ein gesellschaftlicher Untergrund gewesen, ein ziviles Labor, in dem sich gesamtgesellschaftliche Entwicklungen herauskristallisierten und neue Ideen in die Peripherie ausstrahlten. Das muss nicht glamourös, oder dekadent sein.
Richert Beil setzt die Überlegungen neu. Konkret ist die Kollektion ein Anknüpfungspunkt zum Innehalten und dem Überdenken von erfahrenem Druck in der heutigen multimedialen Konsumgesellschaft. Mutterschaft führt zur Geburt, gefolgt von einer immer mehr reizüberfluteten Pseudokindheit, die in ein prozessorientiertes Arbeitsleben führt. Konsumiere und arbeite, dann bist Du. Subtil werden diese großen, die romantischen Gefühle zersetzenden Themen in den Raum geworfen – Digitalisierung, Globalisierung, Automatisierung und KI. Das Mystische des Lebens wird durch Funktionalität verdrängt in eine Nische. Und genau hier findet sich fragend und aufwerfend Richert Beil heute – was ist wirklich notwendig? Wie entsteht heutzutage Begegnung?

Gestalterisch wird dieser Fragen- und Themenkomplex – Menschliche Begegnung und Notwendigkeit sozialer Interaktion –  feingliedrig und differenziert herausgearbeitet. Die Basis der Kollektion und der Kreationen bilden solide Flächenkompositionen, die zu schlanken bis hin zu figurbetonten Silhouetten führen. Dies wird meist gepaart mit Schichtungen, auch transparenten. Farbe spielt nur eine untergeordnete Rolle, stattdessen leben hier Hell-Dunkle-Kontraste, bei denen sich leichte Beigetöne oder Silbergrau abwechseln. Das Spiel mit Gegensätzen erfolgt laut und polarisierend.

Aus den 22 Kompositionen stechen beispielhaft zwei lange und schulterbetonte Herrenmäntel heraus, die symbolisch eine Abschottung darstellen, die ihre Träger einhüllen und die in einem Fall unter dem Mantel mit einem Latex-Haubenanzug stiltypisch kombiniert wurde. Das vermittelt Distanz, Abschottung und Schutz vor einer übergriffigen Umgebung, bei gleichzeitiger Selbstverortung. Viele der Looks sind in den Konstruktionen sehr kompakt gehalten und spielen mit Funktionalismus. Das drückt sich auch in der Materialwahl aus. Hier stehen Jerseys, Baumwoll-Seide und Mischungen von Wolle mit Seide festen Materialien wie Latex und Leder gegenüber. Nach wie vor sind die Kreationen von Richert Beil sehr eigen in Konzept und Erscheinungsbild und haben sich von den Bezugnahmen zu BDSM und Gothik in vielerlei Hinsicht verselbständigt. Einer ebenso eigenen, treuen Kundschaft ist das nicht abträglich.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Afrikanisches Modedesign ist nur sehr selten das, was der herkömmliche Stereotyp suggeriert, die typischen afrikanischen Stoffe sind selten geworden und die betreffenden Designer und Designerinnen sind meistens durch westliche Schulen gelaufen und von deren Moderne geprägt. Auch Kusi Kubi, der Designerkopf von Palmwine Icecream, arbeitet parallel in London und in Accra (Ghana).
Aber wie auch die asiatische Mode behält die afrikanische immer bestimmte Merkmale, die die westlichen Sehgewohnheiten bereichern und das Spannende am Zeitgenössischen ergänzen – mal mit ein paar Akzenten, mal recht grundlegend.

Zum letzteren gehören die Arbeiten von Kusi Kubi, denn das Ganze der gezeigten Kollektion ist atmosphärisch so aufgeladen in der Prägung seiner Ästhetik, dass man sich umgehend in eine andere Erlebniswelt versetzt fühlt. Wer in Afrika war, spürt sofort die Anmutung der Natur des Kontinents völlig gegenwärtig. Und es überrascht, dass dafür an keiner Stelle irgendwelche Folklore oder Traditionselemente nötig sind. Im Gegenteil, Kreationen aus alten (aus dem Westen importierten) Textilien und neuem Material prägen üblicherweise seine Kleidung, im Vergleich zu früher bestehen die Outfits nun aber vorwiegend aus glänzendem, (recycelten) Leder, dazu Holz, Raffia, Kalebasse und Deadstock-Materialien. Seine Schnitte sind durchaus nicht revolutionär, aber auch keineswegs konservativ und nie langweilig. Hiesige Vorstellungen von Sexyness, erotischen Pfiffigkeiten, spielerischen Schnitten und Acessoires machen die Kollektion hochmodern. Schmuck aus Holz und manchmal Gold ergänzen das konsequente Stilverständnis.

Entscheidend für die sehr homogene Gesamtwirkung der Kollektion ist die erdige, warme Farbigkeit: Braun- und Ockertöne sowie stark gedämpftes Rot, Grün und Blau und Schwarz. Das atmet stark atmosphärische Ausstrahlung der tropisch-afrikanischen Natur und beinhaltet zugleich eine warme Lebendigkeit, die von den abstrakten, dunklen Musterprints prägnant aber unaufdringlich unterstrichen wird. Gestaltung und warme Emotionalität gehen zusammen und evozieren ein ganz eigenes Leuchten, was wir so in der gegenwärtigen Modewelt kaum finden. Und es ist wohl auch diese ungewohnte Qualität, eine gewisse Tiefe, die das Publikum im Berghain so sehr beeindruckte.

Der humane Aspekt, den Kusi Kubi mit Palmwine Icecream (PWIC) auch in seiner Lebensphilosophie und Weltbeobachtung unterhält, reicht von dem offenkundigen, beängstigenden Problem der importierten, den Kontinent überschwemmenden Massen-Second-Hand-Kleidung in Afrika und dringend notwendigem Recycling bis hin zu engagierten Ambitionen, andere dort in seinen Erfolg einzubinden und zu fördern – besonders angesichts eines kreativen Aufbruchs junger Designer, den er in Ghana konstatiert.

Und er steht zu seiner Herkunft und weiteren Bildung: „Sei es durch die Verwendung traditioneller Techniken oder durch die Art und Weise, wie ich kulturelle Referenzen mit modernen Ideen verbinde – meine Kultur ist irgendwie in alles eingewoben, was ich kreiere.“ Die Stimmigkeit dieser Tatsache ist das weitere Merkmal dieser stilsicheren Kollektionsgestaltung, das beeindruckt. LIFE MOODBOARD ist als Titel sehr treffend gewählt.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Seit vielen Jahren ist Rebekka Ruétz eine der Designerinnen, die der Modestadt Berlin und deren Fashionweek in guten wie in schlechten Zeiten stets die Treue gehalten hat. Die Modenschau der österreichischen Designerin fand diese Saison in der historischen Alten Münze in Berlin statt, einem Ort, an dem schon zahlreiche Schauen stattgefunden haben. Mit der Kollektion reBIRTH knüpft Ruétz an sehr frühe Kollektionen an. Dies zeigt sich sowohl farblich als auch bei den Silhouetten, und ein klares politisches Statement, wie wir es oft in den letzten Jahren von der Designerin immer wieder auf dem Laufsteg präsentiert bekommen haben, ist uns dieses Mal nicht begegnet. Man fühlt sich angenehm weit zeitlich zurückversetzt und an eine der frühen Kollektionen „The Witch“ Herbst- und Winter 2012 erinnert, eine Zeit, in welcher die Designerin noch in den Kleidungsstücken mit Flockdruck energetische Chakren eingearbeitet hatte. Die Farbpalette war seinerzeit ähnlich warm gehalten, ist diese Saison aber kräftiger und kontrastreicher. Gerade die Gegenüberstellung dieser beiden Kollektionen zeigt die Entwicklung der Marke und der Designerin über die letzten Jahre hinweg sehr deutlich – und auch, wie treu sich Rebekka geblieben ist.

Die Schau in der Berliner Münze war nicht ein klassischer Laufsteg, sondern vielmehr eine rechteckige Manege, um welche das Publikum wohl dosiert platziert wurde, und die Modelle liefen eine kalkulierte und bedachte Choreographie ab, die es ermöglichte, die Kleidung und Silhouetten aus verschiedensten Perspektiven und Betrachtungswinkeln zu begutachten.

Die Silhouetten sind abwechslungsreich gemischt und reichen von A-Andeutungen bei klassischen, leicht fallenden Kleidern bis hin zu Andeutungen von H-Formen. Bei vielen Looks fehlt die Eindeutigkeit. Vielmehr wird mit Auslassungen und Ausschnitten gespielt. Das, was an Flächigkeit fehlt, kann neu hinzuinterpretiert werden. Die Kollektion möchte mit der Metamorphose spielen – eine Entwicklung, getragen auch vom abwechslungsreichen Verwenden der unterschiedlichsten Materialien. So ist das Entpuppen aus einem warmen Mantel mit veganem Leder hin zu einem leichten und frühlinghaften Kleidchen in sonnigen Goldtönen mit schönen Kontrasten nachvollziehbar und greift die sehr schnellen, abrupten Wetterwechsel auf. Gerade die Farben spielen in dieser Kollektion wieder eine zentrale Rolle. Die Farbpalette greift klassisch neutrale, erdige Töne auf, die wir üblicherweise im Herbst und Winter finden können, aber auch bis weit in den Sommer tragbar bleiben. Diese sind sehr schön kombiniert: rauchiges Grau, leichtes und warmes Orange treffen hier auf Indigo. Daneben stehen Cremeweiß, Gold und Denim. Für die Nacht und den Abend finden sich Looks in Kohleschwarz und Torfbraun in der Kollektion. Bei Ruétz setzt man auch diese Saison auf Bio-Baumwolle, Denim, veganes Leder und Spitze. Veredelt wird dies durch exklusive Drucke. Das alles ist leicht, selbstverständlich feminin und selbstbewusst. Tragbarkeit ist garantiert, auch für verschiedenste Anlässe und selbst bei einer den Winter unterbrechenden kurzen Reise in wärmere Gefilde.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

In Sachen Streetstyle hatte das Label SF1OG schon zuvor die ausgeprägte Exzentik verlassen und das erweist sich auch bei der aktuellen Kollektion als sehr vorteilhaft, denn die letztlich europäische Prägung kommt ästhetisch geschmackvoller daher, schon allein bei der Auswahl der Materialien ist das ersichtlich. Natürlich zielt SF1OG noch immer auf die junge Generation, zunehmend aber etwas klüger oder erwachsener in der gestalterischen Haltung. Die Kollektion ist gemäßigter in der Konfrontation, setzt aber immer noch auf unkonventionelle Sichten auf Kleidungsstücke, auf veränderte Schnitte und Arrangements.

Die sind meistens nicht mehr ausladend oversized sondern eher körpernah und etwas strenger als zuvor. Mit Kappen, Kunstpelzkrägen und dünnen Gurten, Knopfordnung oder großen aber unaufdringlichen Typoprints werden die Outfits etwas akzentuiert, ansonsten ist das meiste eher schlicht und dennoch durchgestaltet. Thematisch werden bei der Kollektion hie und da – bei Jacken und Mänteln –  Inspirationen von historischen Uniform-Optiken erkennbar, aber auch das bleibt, wie diverse andere Codes, nur angedeutet. Im Zentrum steht die Leitidee, individuelle Prägungen für alltägliche Kleidung im urbanen Kontext zu finden, Variationen vom Klassischen und Üblichen zu erproben bis eine neue, eigene Ausführung gefunden ist. Äußerlich ergibt sich daraus nicht unbedingt ein geradliniger SF1OG-Stil, erkennbar ist eher eine gewisse Art, Kleidungsstücke mit verschiedenen Ansätzen umzudenken, ohne funktionale Einbußen hinnehmen zu müssen oder Geschmacksvergewaltigungen zu betreiben. Verschlüsse, Elemente und manchmal auch Formgebungen werden neu befragt, gedacht und ausprobiert, ohne wirklich etwas revolutionieren zu wollen. Dabei entstehen reizvolle Alternativen zur Konvention.

Dies leicht verändernde Denken des Bekannten, umgesetzt in Gestaltphilosophie, macht die SF1OG-Mode wirklich interessant für den mode“bewußten“ Auftritt im Alltag. Und dafür sind fast alle Teile problemlos kombinierbar, nicht nur untereinander, sondern mit dem was man schon hat. Die unbunte Farbgebung und die zwar eigene aber unaufdringliche Gestaltgebung machen diese Kleidung sehr alltagstauglich und zugleich besonders.

Wenn Streetstyle grundsätzlich diesem gestalterischen Durchdenken folgte, würde vieles besser.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie zuvor schon einmal ausgeführt, ist das Berliner Clubleben die wohl wichtigste Inspiration dessen, was man als Berliner Modestyle bezeichnen könnte. Allerdings glaubt man manchmal, der eine oder andere Designer kommt aus dem Clubkeller gar nicht mehr ans Tageslicht. Diesen Eindruck hatte man jedenfalls bei der Schau des Newcomers Laurin Schuler: Man tritt ins Dunkel, man kommuniziert im Dunkeln und dann schließt sich eine Art Performance im Dunkeln unmittelbar an. Hie und da flackert für Sekundenbruchteile ein grellweißes LED-Licht auf, man nimmt diverse verhusche Gestalten wahr, die sich im Publikum aktiv bewegen, mit diffusen Kostümierungen und leicht vermummten Köpfen.

Gelegentlich wird ein rechteckiges, farbig gebatiktes oder bemaltes Gaze-Tuch vor den Körper gehaten, wie ein aufflackerndes Statement ohne Botschaft. Schließlich öffnet sich im herumstehenden Publikum dann doch noch eine Schneise als kurzer Runway für die Vorführung der dafür bestimmten Exponate, in einer plötzlich zugeschalteten Lichtlinie. Es läuft ein sehr schneller Durchgang in nur wenigen Minuten, dann ein längeres Standbild. Vermutlich ist Verwirrung gewollt, die dient aber wenig dem Erkenntnisgewinn. Man merkt nur, es geht wohl um das Diffuse.

Schon die Lueder-Schau der letzten Saison setzte auf Dunkelheit und schwaches Aufleuchten. Das war aber auch dem Gothic & Mittelalter – Touch geschuldet und machte daher noch entfernt Sinn. Jetzt kommen noch verschleierte Auftritte hinzu und entsprechende kulturelle Bezüge sind nicht erkennbar. Vielleicht die Sehnsucht zu Verschwinden im Erscheinen? Es bleibt rätselhaft.

2020 war Laurin Schuler erstmals in München bei einer Fashionveranstaltung vertreten, danach studierte er an der Kunsthochschule Weißensee in Berlin. Seine Modegestaltung auf der aktuellen Schau ist wesentlich geprägt von handgefärbter Gaze, flächig oder fleckig oder in Fetzen am Körper befestigt, manchmal mehrfach geschichtet. Laut eigener Auskunft benutzt Schuler die Gaze als Tüllschichten übereinander und schätzt den daraus resultierenden Moiré -Effekt als „das eigentliche Bild einer teilweise täuschenden Wahrnehmung“. Was Schnitte und Silhouetten betrifft, erkennt man wenig stilistische Prägnanz, vieles ist möglich, manches wird probiert, nicht Weniges erinnert an Studentenexperimente. Oft bestimmen Farbverläufe in gebrochenen Tönen die Kleidungsstücke, nur gelegentlich werden Formgestalten konkret. So setzt sich der Eindruck des Diffusen in der Wahrnehmung durch, im Anliegen, in den Ergebnissen und letztlich auch in der Präsentation.

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Text & Bilder: Boris Marberg

COLRS wurde 2017 vom haitianisch-deutschen Designer Zec Elie-Meire gegründet und widmet sich seitdem modisch dem leichtfüßigen Umgang mit klassischer Herrenkleidung, ohne zu freakig daherzukommen. Zec schöpft seine Inspiration aus seinem multikulturellen Hintergrund sowie einer Mischung aus fröhlichen, und klassischen Einflüssen und hat dadurch einen unverwechselbaren, frischen und jugendlichen Stil entwickelt.

Seine kreative Reise begann mit einfachen Upcycling-Projekten in seiner Jugend und führte ihn schließlich zum Studium der Herrenschneiderei an der renommierten Esmod in Paris, wo er seine Design- und Schneiderfähigkeiten weiter verfeinerte.

Upcycling in der Mode, insbesondere in Berlin, gewinnt zunehmend an Bedeutung. Zahlreiche Labels aus Berlin haben sich diesem Thema verschrieben. Die Stadt ist bekannt für ihre kreative und dynamische Modeszene, die innovative Ansätze und nachhaltige Praktiken fördert. Upcycling bezeichnet den Prozess, alten oder ungenutzten Kleidungsstücken neues Leben einzuhauchen, indem sie kreativ umgestaltet und aufgewertet werden. In Berlin, einer Stadt, die für ihre unkonventionellen und experimentellen Modeansätze bekannt ist, hat sich deshalb Upcycling zu einer wichtigen Bewegung entwickelt. Viele Designer und Labels setzen auf Upcycling, um einzigartige und umweltfreundliche Mode zu schaffen. Dies trägt nicht nur zur Reduzierung von Textilabfällen bei, sondern fördert auch die Wertschätzung für handgefertigte und individuell gestaltete Kleidung. Upcycling-Mode spiegelt den urbanen und alternativen Geist der Stadt wider und spricht eine wachsende Zahl von umweltbewussten Konsumenten an. Insgesamt stellt Upcycling eine nachhaltige und kreative Alternative zur konventionellen Modeproduktion dar und trägt zur Förderung einer umweltfreundlicheren Modeindustrie bei.

Die in Berlin präsentierte Kollektion greift thematisch das legendäre Mille Miglia-Autorennen in Italien auf und zelebriert bekannte Rennfahrer von damals wie Stirling Moss, Gianni Agnelli und Juan Manuel Fangio. Der Wagemut und die Leidenschaft der Rennfahrer soll stilisiert werden. Es entstehen lockere, aber auch teilweise elegante Looks, die sich an Streetstyle anlehnen und gelegentlich sogar bunt und lebendig daherkommen. Insbesondre die locker fallenden Anzugkombinationen sind Hingucker. Die obligatorischen Lederhandschuhe dürfen als Detail nicht fehlen. Das Lebendige ist bei Zec Elie-Meire Programm und legt gerade auch jungen Männern, die sich stimmig zwischen klassisch und sportlich positionieren wollen, eine geeignete Stillinie vor. Schade, dass die Lebensfreude und die Farbgebung in der eher düster gehaltenen Location der Schau nicht wirklich erfahrbar war.

2020 feierte COLRS sein Debüt auf dem Laufsteg in Lagos, Nigeria, gefolgt von einer zweiten Show dort im Jahr 2021. Die ersten Schritte der Marke in Berlin wurden durch die Teilnahme am New Wave Showroom während der Intervention von Reference Studios im Juli 2024 markiert, gefolgt vom Berlin International Sales Showroom in Paris, ebenfalls von Reference Studios organsiert, im September 2024.

Zec Elie-Meire ist mittlerweile für seine innovative Herangehensweise und seinen kreativen Geist bekannt. Geboren in Port-au-Prince, Haiti, und aufgewachsen in Deutschland, schöpft er aus einem reichen kulturellen Erbe und vielfältigen Erfahrungen. Sein besonderes Augenmerk liegt auf Nachhaltigkeit und sozialem Engagement, was sich in seinen Designs widerspiegelt. Seine Fähigkeit, traditionelle Schneiderei mit modernen Elementen zu verbinden, hat ihm einen besonderen Platz in der Szene in Berlin verschafft.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Kasia Kucharska (Berlin) hat für ihre Schau auf der Fashionweek erstmalig eine Kollektion im eigentlichen Sinne entwickelt und ist dabei andere Vorgehensschritte gegangen als für ihre bisherigen Designs. Nicht nur ganz andere Bekleidungsstücke ergänzen jetzt das bisherige Programm sondern man sieht auch, wie der gestaltende Spass am Ausbau nun den Stil erweitert und zugleich konkretisiert. Die mit allgemeiner Spannung erwartete Schau der Gewinnerin des „ersten FCG/VOGUE Fashion Fund“ wurde damit tatsächlich ein Highlight.

Die ursprünglich am Computer entstandenen großmaschigen Gewebe aus Latex (ursprünglich aus aufgedröseltem Strick abgeleitet) machen auch jetzt bei der händischen Entwurfsarbeit noch immer eine Grundlage als grafische Zeichnungen aus, das bleibt auf die eine oder andere Weise auch in Flächen und Volumen erkennbar. Kucharska nennt sie funktionales Ornament und interpretiert das Ganze als „unwirklichen Realismus“. Diese grafischen Zeichen, Gewebe und Systeme sind in ihrer Eigenschaft stets locker und lebendig, das prägt die luftig-leichte Erscheinung der Kleidungsgebilde wesentlich und sie sind zusammen mit den eher offenen Schnitten und pastelliger Farbgebung das prägende sympathische Merkmal. Bänder, schmale Streifen, rhythmische Raffungen folgen ebenfalls diesem zeichnerischen Entwurfsprinzip und bestimmen die innere und äußere Lebendigkeit. Leichte Stoffe mit großer Beweglichkeit eignen sich gut für diese Absicht, bei festeren (zum Beispiel den Kappen) werden Oberflächen aufgetragen, die denselben Effekt suggerieren.

Re- beziehungsweise Upcycling ist ein weiterer Aspekt, den die Designerin im Sinne nachhaltiger Arbeit verfolgt und gelegentlich herausstellt. Dieses Patchwork realisiert sie mit der gleichen Lockerheit im Erscheinungsbild, fast immer aber werden zusätzlich zeichnerisch charakteristische Geflechte eingefügt oder appliziert, im frischesten Fall wie vergnügtes Krikelkrakel.

Die Freude an dynamischen Linien und Strichen wird manchmal auch zur sich selbst bestimmenden Gesamtgestalt erhoben, das sind dann besonders raffiniert daherkommende Kleidungsbilder, wie auf den Körper gezeichnet.  Die Welt der Zeichnung ist unendlich und hat stets eine persönliche Note – darin liegt eine große Welt der Möglichkeiten von Experimenten und Entwicklungen vor der Design-Künstlerin, die da auch sehr optimistisch und locker herangeht.

Bei dem großen Anteil maschineller Herstellbarkeit (3-D-Druck) ist Kucharska geblieben, für den Übergang zu kommerzieller Produktion ist das ein Vorteil, es gilt zum Teil auch für Showpieces. Das Kleid mit Argyle-Muster zum Beispiel ahmt zwar Strick nach, ist aber Latex verklebt. Technisch innovative Prozesse in Entwicklung und Herstellung sind für das Label auch mit der neuen Perspektive noch immer essentielles Arbeitsprinzip. Auch da öffnet sich ein weites Feld, das man optimistisch nutzen kann.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Berlin braucht Balletshofer – hier ist der urbane Mann. Nahe lag es deshalb für diese Saison, dass der junge Designer mit der Berliner Zeitung für die Präsentation seiner neuen Kollektion kooperierte. In der kleinen Auguststraße auf dem Laufsteg ein Kiosk, mit Bestuhlung wie in einem Straßencafé aufgebaut und es wurden urbane Rituale zelebriert. Der mondäne junge Mann stärkt sich mit einem Kaffee und Croissant und schnappt sich die Extraausgabe der Berliner Zeitung – genießt beides und taucht dann wieder nach einem Ruhepunkt  in der Stadt ein.

Alan Balletshofer setzt sich für die kommende Herbst und Wintersaison zum Ziel, mit seiner Mode einen Moment der Ruhe inmitten des Chaos dieser Welt zu schaffen. Sein Design steht für klar konstruierte Linienführung, die Eleganz vermittelt. Die Silhouetten sind zeitlos und bei der Produktion setzt das Label auf Materialqualität, die man meist bei Sportswear findet. Der Designer interpretiert diese hier programmatisch neu und überrascht dabei mit klassischer Produktionstechnik. Verarbeitet wird unter anderem auch Wolle und Tweed. Wolle ist ein nachhaltiges und natürliches, atmungsaktives und warmhaltendes Material, das elastisch, langlebig und bis zu einem gewissen Grad wasserabweisend ist, während Woll-Tweed dichter und besonders robust ist. Das passt sehr gut zu der Haptik dieser Kreationen und ist sehr funktional ohne Charme zu verlieren.

Die Looks werden einer Vielzahl von Situationen und Anlässen gerecht und bieten dem Träger eine große Bandbreite an Variationen. Gestalterisch setzt Balletshofer erstmals Trompe-l’œil-Effekte ein, um Texturen, Muster oder sogar Teile der Kleidung zu simulieren, die nicht wirklich vorhanden sind. So entsteht noch mehr Varianz. Der Mann trägt bei Balletshofer sehr geradlinige Schnitte, die eine körpernahe Passform aber nicht ausschließen. Beispielhaft – auch für die Verknüpfung des Klassischen mit dem Sportlichen mit Schnitt und Material –  ist ein dunkler Lederlook, der spontan an Stilikonen männlicher Mode der 1970er erinnert. Bei der Farbpallette dominiert eine angenehme zurückhaltende Wirkung. Im Vordergrund stehen Formen und Silhouetten.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Lou de Bètolys Mode ist durch eine kontinuierliche Weiterentwicklung und Verfeinerung ihrer visuellen Codes geprägt, was ihr ermöglicht hat, eine unverwechselbare visuelle Sprache zu schaffen. Die neueste Kollektion demonstriert weiterhin ihr Engagement, die Grenzen zwischen Mode, Kunst und traditionellem Handwerk zu verschieben. Die Präsentation im patinierten Spiegelsaal des Ballhauses Clärchen passte hier sehr charmant zu den gezeigten Kreationen mit ihrem sinnlichen Hauch von Romantik.
Immerhin ist das Design des Labels im Laufe der Saisons dazu über gegangen, die minimalistische Anschauung auf komplette Bekleidung zu projizieren und damit über die künstlerische beziehungsweise kunsthandwerkliche Sicht hinaus mehr wirklich Tragbares zu konzipieren, ohne den Stil und den etwas exclusiven Charakter aufzugeben.

Für die vierzig Outfits griff die Designerin auf bereits existierenden Stoffe und Materialien zurück und verarbeitet spannende Fundstücke, die in zeitgenössische Looks verwandelt wurden und eine Mischung aus Dramatik und Luxus schufen. Die Kollektion enthält von Hand plissierte und drapierte Vintage-Nachthemden die eine schwebend flüssige Bewegung beim Gehen der Modelle hervorrufen. Eine Note von verführerischer Sinnlichkeit kommt auch von dekonstruierten BHs, welche zu Korsagen weiterentwickelt wurden. Luftige Spitze scheint schwerelos die schmal gehaltenen und zerbrechlich wirkenden Silhouetten zu umhüllen und wird durch brüchige Applikationen aufgelockert. Flauschige und elektrisierende Strukturen vermitteln Gemütlichkeit, einzelne Looks erscheinen als Kunstpelz-Zweiteiler. Fahrradreflektoren, die auf den Straßen Berlins gesammelt worden sein sollen, funkeln bei einem Neckholder-Top kräftig und Klimpern beim Lauf des Modells. Daneben stehen Lederjacken mit fließenden Rüschen. Wie in den vergangenen Jahren spielt handgefertigter Strick eine zentrale Rolle. Und zahlreiche Teile wurden mit Hühnerfedern verziert, die aus dem Garten der Eltern der Designerin stammen. Die gezeigte Kollektion ist eine schönes Spiel mit Kontrasten und Kontrapunkten, zum Beispiel wenn Tweed-Ensembles auf zarte Seidenkleider triffen.
Exemplarisch ist ein Brautkleid, dessen Spitze zerfällt und mit Kristall-Verzierungen spielt. Hier zeigt sich die modische Vergänglichkeit, die jederzeit zerbrechen kann aber trotzdem opulent das Sein feiert.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Wenn, wie bei Maria Chany, Sci-Fi und Fantasy eine kreative Rolle bei der Modegestaltung bekommen, ist das wahrscheinlich und grundsätzlich schon ein optimistischer Aspekt. Und wenn umweltbewußtes Recycling verschiedenster Materialien aus textilfremden Bereichen als reizvolle Herausforderung und gestalterische Chance beziehungsweise Inspiration verstanden wird, ist der modephilosophische Ansatz eigentlich schon perfekt. Aber mit dieser anspruchsvollen Umsetzung überrascht dann doch irgendwie, dass das etwas affektierte Fast-Fashion-Insta-Influencer-Publikum den etwas zu kleinen Veranstaltungsort mit seiner etwas überforderten Organisation geradezu überrent.

Die Aufgabe, wiederverwertetes Gummi, Biomaterialien aus Nüssen und Stoffen aus Restbeständen, darunter viele widerspenstige, robuste Materialien in Formen zu bringen, die ganz offensichtlich auch eine gewisse Eleganz erzielen wollen, ist eine echte Herausforderung, die die Designerin tatsächlich verblüffend überzeugend meistert, umso mehr, als ganzheitliche Gebilde angestrebt werden, von der Sohle bis zum Kopfputz. Dabei ergeben sich Silhouetten mit ausladenden Becken, mit schmetterlingsartigen Flächen und mit ausladenden Röcken, die trotzdem stets auch körperbetont sind, weil die Hüften schmal und kurvig bleiben. Mit der akzentuierenden Ausarbeitung dieser Zonen in der Hüfte bekommen die Outfits einen sehr weiblichen Akzent, der alle möglichen anderen Ausdehnungen in der Silhouette erlaubt. Letztlich ist aber jeweils ein fantasiegeprägter Leitgedanke die Basis der Gestaltungslust, die formalen Spieleien ordnen sich stets ein. Selbst die pointiert herausgestellten Recycling-Themen werden mit der Anmutung von Zukunft von rustikalen Klischees befreit und letztlich noch leicht und locker formuliert. In dieser ästhetisch ausgeprägten Herangehensweise ist das neu und optimistisch.

Mit dem Verständnis des harmonischen Miteinanders von Nachhaltigkeit und Kreativität teilt sich, zum Beispiel bei der Verwendung der widerständigen Materialien, auch die Lust mit, die oft haptisch oder optisch nicht so attraktiven Objekte (z.B. Gummireifen) neu zu erleben, sowohl im Zusammenhang des kreativen Einsatzes als auch als erweiternde Ergänzung des Körpers. Im Sinne des Letzteren werden die von Thierry Mugler ausgebauten, kraftvollen Schultern nun gedanklich zu Flügeln erweitert und als Leichtigkeit uminterpretiert, oft ergänzt durch ausladende Kragenkonstruktionen, die den Kopf konsequent in die fantasiegeprägte Gestaltkonstruktion integrieren. Das Make-Up und der Kopfputz setzen diese Idee fort.
Das ursprünglich Grobe bekommt einen eleganten Auftrag und wird dabei manchmal sogar sehr sexy.

Natürlich haben solche Gestaltungsexperimente mit Upcycling immer das Problem, mit Unikaten auf den Markt zu kommen. Aber dieser Gedanke sollte für neue Gestaltungsphilosophien sekundär bleiben. Entscheidend im Jetzt ist, dass wie hier der sympathische und optimistische Flair der Gesamtauffassung dieser zukunftsgeträumten Gestaltung erst einmal begeistert – das ist vielleicht der wichtigste und nachhaltigste Aspekt zum Stilbewusstsein von Maria Chany.

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Anmerkungen zur Clubmode

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Obectra ist ein typisches Berliner Label, insofern, als dass es sich konkret auf den energiegeladenen Lifestyle seiner Clubszene beruft, kulturell nur dort und zielgenau mit dieser eigenen Philosophie. Inwieweit Berliner Clubkultur mit ihren Regeln (beziehungsweise ihrer Regelbefreiung) und Erweiterungen des Erlebens nun international für die Modeszene eine gewisse Rolle spielen könnte, bleibt abzuwarten, aber als modisches Statement jenseits von High Class und Haute Couture hat es attraktives Charisma, und das nicht zuletzt wegen der sexuellen Implikationen. Wir verstehen die betreffende Mode als Avantgarde. In Berlin spielen diese Regeln und Regelbefreiungen für die junge Generation eine erhebliche philosophische Rolle, und anders als in anderen gesellschaftlichen Bereichen sind Genderfragen und Gendercorrectness hier eingebettet und verständlicher Bestandteil in einem wirklich schlüssigen Zusammenhang. In der Berliner Clubkultur findet, zumindestens im Selbstverständnis, die wirkliche Avantgarde statt, der nächste Schritt gesellschaftlichen Fortschritts. Man kann das als spinnert-überzogen bezweifeln, aber immerhin haben im Laufe der Kulturgeschichte mehrere avantgardistische Bewegungen aus Berlin bemerkenswerte Spuren in der Kulturgeschichte hinterlassen, zumindestens in der künstlerischen.

Das muss man verstehen, wenn man Kollektionen wie Obectra als wesentliche Modemarkierungen verstehen will – und letztlich tut das Fashion Council gut daran, eher darauf zu setzen als auf Kunkurrenz im internationalen Mainstream der Fashionbewegung *.

Dementsprechend hat bei Obectra die sexuelle Komponente (natürlich offen und damit immer genderfähig) einen zentralen Anteil und in der Folge den direktesten Körperbezug, der denkbar ist. Vorhandene Tattoos unterstützen das. Riemen, Schnallen, Leder und Metall, zu Zeigendes und in der Bedeckung Verlockendes, Körpergestaltendes und -definierendes, Mystisches und Sehnsüchte und spielerische Prägungen aus BDSM und Fetischliebhaberei bilden das gestalterische Feld. Und das alles, immerhin ein neuer Aspekt, nicht nur auf Idealgestalten bezogen, sondern für Jedermann, Jedefrau, Jedenzwischenton muss etwas dabei sein oder gültig sein. Die Kompabilität ist also das eine, eine damit zu verknüpfende ästhetische Position das Spannende. In dieser Hinsicht ist die „Mode“-Bewegung noch nicht wirklich zu freier Entfaltung gekommen, aber das darf man noch erwarten. Man erinnere sich, wie rudimentär Techno als Musik-Bewegung angefangen hat und seinerzeit total unterschätzt wurde. Inzwischen geht in der zeitgenössischen Musik fast nichts mehr ohne diesen Ansatz.

Die Kollektion von Obectra führt genau das vor, was man als State of the Art in dieser Hinsicht verstehen kann. Sie ist darüber hinaus sehr einfallsreich und kreativ bis in die Details und bietet deutlich mehr, als man in den Clubs sehen kann, ohne sich von der Leitidee zu entfernen oder abzuheben. Die Schau war mit schätzungsweise über vierhundert Fans echt gut gefragt – und niemand sonst hat vorher etwas von Obectra gewußt. Viele andere Designer oder Designerinnen haben schon zuvor erfolgreich die Berliner Clubkultur und ihre Philosophie als Basis für Modebilder genommen, Richert Beil und besonders Namilia sind wohl geläufige Beispiele. Andere scheitern mit zu dünn angelegten Konzepten auf die Dauer, so wohl Ballard und viele andere angemaßte Designer. Der aktuelle Stand dieser Modebewegung ist noch offen, die Zukunft wird wie immer Spreu vom Weizen trennen, Obectra zeigt immerhin nicht nur die weltanschaulichen sondern auch aufscheinende ästhetische Konzepte. Und gerade daran und an innovativen Erfindungen wird sich zeigen, wer die erste Runde überlebt und wer im internationalen Modegefüge eine Stimme bekommen kann.

Aber, und auch daran sollte man denken: Die Szene denkt charakteristischerweise für den Gegenwartsaugenblick und nicht an morgen. Der momentane Spass entscheidet und bildet den momentanen Markt. Die frühe Technoszene hat auch nicht darüber nachgedacht, wohin sie sich in Zukunft entwickeln will, sie hatte den Moment gelebt. Und sich dann trotzdem weiter entwickelt und höchst konstruktiv überlebt.

* Obectra war allerdings nicht im offiziellen Programm vom Fashion Council.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Die Schau von Horror Vacui verortet sich mit einer gewissen Intimität in großbürgerlichem Berliner Altbauambiente und ist mit individuellen Stoffdekorationen und verschiedenen poetischen, mit Hand geschriebenen Aphorismen auf den rund siebzig Sitzen schon stil- und liebevoll vorbereitet. Das Label von Anna Heinrichs aus München ist schon seit geraumer Zeit auf der Berliner Fashionweek präsent, stets im Berliner Salon, und stellt selbstbewußt mit seinem stilistischen Lokalcolorit eine sehr eigene Note an die Seite der vorwiegend Berliner Designer. Es ist schon von daher eine echte Bereicherung der Palette, denn Horror Vacui zielt auf einen romantischen, sehr humanen Touch – „Wo das Herz träumt und die Augen hören “ (Anna Heinrichs), der sonst leicht zu kurz kommt, aber doch eine durchaus große Anhängerschaft findet.

Wie an große Wandteppiche erinnernd sind die edlen Stoffe mit aufwändigen und kleinteiligen Mustern bedruckt, oft floral, und die Kunst des Patchworkartigen, der meist symmetrischen Addition edler Einzelelemente zu einem eleganten, sinnlichen Gefüge prägt sehr viele der gezeigten Outfits. Wichtige und prägende Elemente sind dabei Versatzstücke und Verarbeitungstechniken aus der folkloristischen, bayrischen Dirndl-Tradition wie „Froschgoscherl“ und Wellenkanten, letztere prägen sehr stark diese ganze Kollektion. Dabei fließen jedoch stets auch gegenwärtige Modeströmungen ein, zum Beispiel die applizierten Sternchen und die vielen verspielten Bänder, die mit ihren feinen Bedruckungen eine ganz eigene Charakteristik bekommen, sowie auch die Verbindungen klassischer Schnitte mit sehr modernen Einflüssen. Manchmal erinnert der Gestaltungsansatz an Countrystyle, der ja einmal einrichtungsmäßig sehr en Vogue war, manchmal schimmert scheinbar etwas Hippie-Ästhetik durch, aber insgesamt ist die Verfeinerung so prägnant, das Erscheinungsbild so elegant, dass solche Stereotypen auch gleich wieder verschwinden. Laut eigener Aussage ist das Gestalten der Designerin geprägt von Renaissance-Ästhetik, also eine harmonisch geordnete Veredlung des Einfachen, und das bemerkt man ganz besonders bei den wenig kontrastierenden Zusammenstellungen und sinnlichen Arrangements.

Einfallsreich ist die Kollektion außerdem mit den vielen Silhouetten, verschiedenenen Prints, konzeptuellen Arrangements und gelegentlich überraschenden Kontrasten einzelner Bestandteile. Das Design feiert Geschlossenes gleichermaßen wie mutige Sexyness. Dominant bleibt allerdings die folklorehafte Grundlage im Stil, die damit stets neue Facetten gewinnt, sowie der grundromantische Ansatz dabei, der auch einen bestimmten, sehr weiblichen Lifestyle kennzeichnet. Die veredelnde Zurschaustellung der Liebe zum Handwerk in den Details und in den Zusätzen gehört sicher auch mit dazu, genauso wie die Feinheit der Muster und der taktilen Oberflächen. Und das Sanfte setzt sich von den Wellenlinien und den gerundeten Kanten fort bis zu den sehr weichen Stoffschuhen, neu gedachte Mokkasins quasi, die eher einen heimischen Komfort suggerieren als urbane Trittstärke. Auch wenn das Ganze dann niemals aussieht wie häuslich.

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