Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag ist sicher nicht der einzige Designer, der seine Kollektion explizit mit einer persönlichen Botschaft begleiten will. Und nicht selten bleiben solche Anliegen eher banal oder romantisierend, wie an diesem Beispiel:  schon das aufwändig gemachte PR-Heft hantiert in einer etwas verquasten Einleitung mit Formeln wie Origin and Home, Door from Nature to City, The Visible and Strong from the Unknown etc.

Ein auffälliger Touch von Country-Style findet sich dann auch in den berüschten Kleidern, weichen Pullovern, Mustern und locker fallenden Schnitten, es gibt viele Mäntel und Jacken, diverse stilistische Rückgriffe auf das 19. Jahrhundert und die folgende Jahrhundertwende und hochgeschlossene Blusen. Nicht im Sinne von derb oder fest, Ostertags urbane Gestaltungs-Perspektive mit weichen und auch modernen Stoffen, lässigen Schnitten und großstädtischen Kombinationen bleibt stets sichtbar. Soweit ließe sich einem zeitgemäßen Rückgriff auf Natur mit toscanischem Landsitz, Park mit neuem Auto, See mit Bronzereihern am Ufer (Heft und Video) und so weiter noch folgen, auch wenn die Kleider mit Retrotouch, verspielten Rüschenapplikationen und Musterwiederholungen etwas langweilen. Als Gestaltungsthema, das jede Kollektion ja auch haben sollte, ist das soweit jedenfalls völlig in Ordnung. Über den anmaßenden Titel Revolution kann man ja auch hinwegsehen.

Aber die Schau geht darüber hinaus und präsentiert den Leitgedanken mit viel Brimborium und selbstgefälliger Ernsthaftigkeit. Eine 5-minütige Video-Einleitung mit wechselnden, inhaltsleeren Statements der Beteiligten, die sich mit ihren Kommentaren selbst und gegenseitig feiern, akzentuiertem Produktplacement des Auto-Sponsors, flotten Schnitten und ziemlich aufdringlicher Lautstärke fordert dem Publikum anfangs viel Nervenstärke ab.

Auf dem Laufsteg danach langsam schreitende Modelle mit wenig aufregenden Entwürfen. Es vermischt sich sommerliche Leichtigkeit und herbstliche Farbgebung, gelegentlich ist das auch sexy (es gibt noch kurze Röcke und taillenbetonende, knackig rote Gürtel). Auffälliger sind aber eher unförmige Kleider, die sehr weit sind und im Rückenbereich senkrecht herabfallen und die eher Bequemlichkeit im Schlumpi-Look assoziieren als lässig-pfiffige Eleganz. Die Rückkehr des praktischen, anspruchslosen Hauskleids. In ähnlichem Sinne gilt das auch für Mäntel, Jacken und diverse Kombinationen, nicht immer, aber oft.

Zum Schluss kommt ein sehr mitteilsamer Marcel Ostertag auf den Laufsteg und erklärt missionarisch seinen Revolutionsgedanken mit Rückkehr zu Langsamkeit und Rückbesinnung auf Ursprüngliches. Das dauert etwas.

Am Ende des Laufsteges steht ein rotes Auto des Sponsors (das laut Begleitvideo eigentlich noch den Laufsteg auf- und abfahren sollte, dafür war aber alles zu eng) – auch das ist nicht gerade eine souveräne Lösung für einen sachlich und ästhetisch überzeugenden Auftritt.

Mit früheren Schauen haben wir Marcel Ostertag deutlich spannender in Erinnerung als mit dieser Revolution.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg + Gerhard Paproth (Rückansichten)

Eine Wiederbegegnung der unerwarteten Art bot die Schau von Julia Seemann, nämlich mit der Hamburger 80er-Jahre-Band Xmal Deutschland. Im Zuge der Neuen Deutschen Welle hatte die ursprünglich weiblich dominierte Band eine deutsche Version von Gothic Rock begründet, auch und gerade mit deutschen Texten, und damit international beachtlichen Erfolg.

Selbst ich, der der Band damals freundschaftlich näher verbunden war, hatte sie mittlerweile schon vergessen. Was die junge Julia Seemann dazu bewegte, jetzt, ein viertel Jahrhundert später, mit Textzitaten und Bandname ihre Kollektion zu akzentuieren, wissen wir nicht, wir konnten lediglich beobachten, dass die 80er Jahre Ära auch in optischer Dynamik eine entscheidende Vorlage gewesen sein muss. Ohne Berührungsängste mit kräftigen Farben, entschiedenen Schnitten, harten Kontrasten, Mustermixen und starken Akzenten präsentierte Julia Seemann eine überaus abwechslungsreiche Kollektion mit Eyecatchern, die zwar immer wieder, aber nicht nur von den Textzitaten geprägt waren.

Die Textaufdrucke zitierten übrigens in Typografie – Typodesign war in den 80ern hochmodern – und Bildbruchstücken genau das visuelle Design der Band bzw. ihrer Plattencover seinerzeit und bedienten sich inhaltlicher Schlüsseltextstellen wie „Incubus Succubus“. Das waren aber die einzigen Gothic-Anmutungen, ansonsten kam die Kollektion frisch und sehr lebendig daher und verwandelte die vielen Retro-Zitate in ein sehr aktuelles Panoptikum zeitgenössischer Auffassung.

Das Einbringen von Text in die Gestaltung fand sich bei sehr vielen Outfits, und zwar an allen möglichen Stellen, nicht selten auf dem Rücken. Text auf Kleidung bedeutet ja auch immer einen Statementcharakter ihres Trägers und in Zeiten, wo in der Gesellschaft wieder viel diskutiert wird, wirken Positionierungen über knappe Worte recht aktuell und gegebenenfalls attraktiv. „Zu jung zu alt“, „Blut ist Liebe“, „Fetisch“, „X“ oder auch übergreifend der Designername „Seemann“ sind dafür allerdings eher spielerische, signifikante Gedankenbruchstücke, wie sie Poptexte ja meistens auch nur sein wollen.

Immerhin positioniert sich die Kollektion damit im deutschsprachigen Raum und bezieht sich auf kulturelle Erfolge innovativer Musik bzw. Jugendkultur aus Deutschland in den 80er Jahren. Damit rechtfertigt sich der Bandname Xmal Deutschland in einem aktuellen Modekonzept durchaus. Und die Wiedergewinnung selbstbewusster, optisch kraftvoller und akzentuierter Auftritte ist eine wirkliche Bereicherung der Szene.

Rückansichten

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Designerin zeigte auf der Bühne (Stage) im Rahmen der Fashion Week Berlin wieder ihre neue Herrenkollektion. Für den kommenden Herbst und Winter kleidet sie den Mann zeitgenössisch mit einer leichten Note an Widerspenstigkeit gegenüber der Uniformität der klassischen Herrenmode. Ihr gelingt dabei der Spagat zwischen Avantgarde und Establishment, was oft kein leichtes Unterfangen ist.

Eine Rumpfkollektion in saisonalen Farben

Bei den Farben sind saisonale, dunkel Töne von der Designerin verarbeitet worden. Abgerundet wird die Palette mit Beige und Weiß. Die Volumen sind relativ schulterbetont und greifen wieder vermehrt Applikationen auf. Sehr ansprechend ist die Mischung der unterschiedlichen Materialien. Hier wirken insbesondere gröbere Stoffe bei den Hosen sehr gut und vermitteln neben den lockeren Schnitten auch eine gewisse Bodenständigkeit, die man sonst im Urbanen Design nicht immer findet. Mehr Facetten und Variationen hätten dieser Kollektion gut getan und ein Plus an Kombinierbarkeit gegeben. So entsteht der Eindruck, es handle sich nur um einen Grundstock, der mit Bekleidung anderer Marken aufgefrischt und beim individuellen Styling ergänzt werden müsse. Im Vergleich zur Sommerkollektion, welche nun alsbald in den Geschäften zu haben ist, schließt die Herbst- und Winterkollektion systematisch gut an.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Seit Anbeginn des Labels berichten wir über die traumhaft luxuriösen Schauen des deutsch-polnischen Designers, stets begeistert über die große Stimmigkeit bis hin in die letzten Details und Accessoires. In seiner Auftragsarbeit für Patrizia Aryton (polnischer Damenausstatter im Premium-Segment) hat Tomaszewski den komplexen Ästhetik-Anspruch jedoch zurückgenommen und konzentriert sich auf die Kleidungsstücke selbst.

Mit wunderbaren Materialien, darunter viel Kaschmir, Samt, Rohseide, und sehr eleganten, zum Teil raffinierten Schnitten gelingen ihm nach wie vor großartige Stücke, vor allem natürlich Mäntel, Kleider und Anzüge. Dabei zeigte die Schau zugleich eine größere Vielfalt der Gestaltungsansätze, zum Beispiel raffinierte Faltungen vs. geradlinigem Karomuster. Tomaszewskis geliebte Streifen finden immer wieder gut akzentuierende Einsätze auf verschiedensten Teilen, besonders jedoch die Lust am edlen Material weiß der Designer überall optimal herauszustellen.

Mit der Reduktion wurde allerdings das gewohnt perfektionistische Finish eingeschränkt, und das nicht nur weil die besonderen Zugaben und das Exzentrische – Federn, üppiger Schmuck etc. – fehlten. Vermisst haben wir die ausgerichtete Kollektionslinie, es war eher eine Ansammlung schöner Tomaszewskis. Verstärkt wurde dieser Effekt durch die Schichtungen von Einzelteilen übereinander, die den Leitgedanken harmonischer Stimmigkeit oft ganz aufzugeben schienen. Vielleicht ist das dem Auftragsmodus der Schau geschuldet, der die ästhetische Kraft und Geschlossenheit der früheren Tomaszewski-Schauen zugunsten einer Assemblage verkaufbarer schöner Teile eintauscht. Insofern war das Tomaszewski-Vergnügen hier nur noch ein geteiltes.

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Text: Susanne O. Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nscho-tschi in modernem Outfit

Winnetou lässt grüßen. Dorothee Schumacher eröffnete die Fashion Week Berlin Fall 2017 im ehemaligen Modeinstitut der DDR, im Kaufhaus Jandorf, mit ihrer Kollektion „A MODERN TRIBE“.Wieder spiegelt sie den Spirit amerikanischer Landschaften, Schluchten und Stammeskleidung in ihrer Kollektion. Dorothee Schumacher kann sich nicht von diesem Land lösen. Sie interpretiert alles immer wieder neu mit ihrer Gabe der Intuition. Mit asymmetrischen Layerings, Taillen betonten Silhouetten, dekonstruierten Schnitten, Farbkontrasten und unterschiedlichen Strukturen mixt die Designerin in provokant opulenter Art und Weise. Ihr Credo für diese Kollektion ist: Perfektion ist out.
Na wunderbar. So unperfekt kommen die Outfits gar nicht rüber. Vielmehr entsteht ein lässig, eleganter Look, der Luxus transportiert.

Mit Eyelet Details – auf deutsch Ösendesign -, Gürteln und scheinbar übergeworfenen Indianerdecken repräsentiert diese Kollektion so viel Einfallsreichtum, wie selten eine Schumacher Kollektion. Haben sich die Schumacherfans verändert oder wo ist das Leichte, Fließende, zart Beseidete geblieben? Nichts von all dem. Schumacherfans gehen auf Abenteuertour und mit ihnen die Designerin höchstpersönlich.

Sie wirft nichts über den Haufen und macht doch alles anders.

Schleifen sind gesteppt, aufgeblasen und überdimensioniert. Nichts da, so flatterig aus Seide fließend. Da wickelt sie eine halbe Daunenjacke um den Hals. So wirkt es – aber es wirkt gut.
Man hat fast den Eindruck, Dorothee Schumacher wartet mit ihrem gesamten Können auf. Eine tolle Kollektion, die verspricht, dass die Designerin immer wieder überrascht und neu verführt. Das will sie ja auch, wie sie im Sommer 2016 bei der Konferenz Mode & Stil nachdrücklich betonte und zeigt uns die wilde Nomadin der Großstadt.

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Text: Gerhard Paproth

Bild: Andreas Hofrichter

Der Schock war gelungen und die Provokation ausgiebig. Das Atelier um die beiden italienischen Designer Gianpaolo Tucci und Giulio D`Alessio, das in Italien produziert, aber Berlin als Standort angibt, brachte eine Kollektion (TERROR(ism)) auf den Laufsteg, die im Leitmotiv von martialischen Kampfeinsätzen geprägt war.

Es dominierten Kampfjacken, Kampfhosen, Gesichtsvermummung, Munitionsgürtel und -westen, Sprenggürtel, applizierte Symbolik (Blutspuren, abstürzender Bundesadler etc.) ergänzt durch entsprechende Accessoires (Handgranate, Militärsack als begleitende Tasche, Palästinensertuch u.a.) die Präsentation – zumeist in sehr expliziter Erscheinungsform.

In welche ethische Perspektive das Gesamtkonzept eingebunden war, bleibt weitgehend offen, Zeichen für diese oder auch jene (gegensätzliche) Positionierung waren durchaus zu finden – gleichzeitig. Das Ganze, und darin bestand die eigentliche Schockwirkung, verpackt in edle Materialien, schimmernd, weich, sauber, also den Prämissen edlen Designs subsumiert.

Doch entscheidend ist ja nicht, ob und wie es vielleicht „gemeint“ ist, entscheidend ist, wie es ankommt. Und es kommt in erster Linie so an, wie es codiert und aufbereitet ist.

Mode soll zwar den Zeitgeist transportieren und – im Alltag getragen – akzentuiert sichtbar machen, aber sie soll auch unsere Umwelt positiv bereichern, in ihrer inhaltlichen und formalästhetischen Einheit. Und aus dieser Betrachtung gerät die Kollektion von Atelier About in die Zone des Perversen. Die Ästhetisierung von Grauen, Terror und Krieg zum Einen, die Präsentation dessen auf dem Modelaufsteg zum Anderen (der Mix von Musik und Sirenengeheul reflektierte das ebenfalls) erwies sich für viele Zuschauer als Herausforderung. Unreflektierte Claqueure gab es wie immer natürlich auch, aber vorwiegend verunsicherte Reaktionslosigkeit. Nach der Schau gab es schon hie und da engagierte Gespräche, zumeist aber beim Glas Sekt den Small-Talk Übergang zur nächsten Schau.

Wenn Modedesign tabubrechend das Grauen und Elend der Welt designerisch veredelt und damit auf Aufmerksamkeit setzt, kippt das Ergebnis leicht in propagandistische Bereiche, oder in nivellierende Beliebigkeit.

Wenn das der Zeitgeist ist, muss man sich ihm widersetzen.

Ähnliche Erfahrung haben wir in den 80ern mit Oliviero Toscanis Benetton-Werbung gemacht, aber hier wurde bei längerem Nachdenken deutlich, dass das Anliegen ethisch grundsolide und engagiert war. Als hochproblematisch ist das Konzept dennoch in die Werbegeschichte eingegangen. Dieses Niveau kann die gezeigte Kollektion von Atelier About nicht erreichen.

Wir (die Redaktion) sind uns einig, dass das, was beim Zuschauer ankommt, zählt: Das Grauen der Welt in Designerästhetik zu verbrämen, erscheint als ein propagandistischer Prozess mit entsprechendem Wirkungsergebnis.

Wir glauben auch, dass angewandte Kunst sich nicht verwechseln sollte mit freier Kunst, die schon per Definition andere Spielräume und gesellschaftliche Vergegenwärtigung nutzt.

Und weil wir diese Schau in den entscheidenden Aspekten kontraproduktiv und bedenklich subversiv finden (sie negiert das konstruktive Selbstverständnis von Modedesign), verzichten wir darauf, sie an dieser Stelle mit „schönen Bildern“ zu wiederholen.

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Interview: Gerhard Paproth (M)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nach der Modenschau hatten wir die Gelegenheit mit Frau Hoschek ein Hintergrundgespräch zu führen. Die komplette in Berlin präsentierte Kollektion findet sich am Ende des Interviews.

MODACYCLE: Frau Hoschek, wie viel Sex sollte attraktive Mode haben?

LENA HOSCHEK: Es kommt immer auf die Trägerin an. Ich finde Mode kann sehr viel Sex haben, aber die Trägerin muss das ganz selbstbewusst rüber bringen, ganz selbstverständlich.

M: Aber der Designer konzipiert ja erstmal den Gedanken.

LH: Ja, das ist völlig richtig, Sex in der Mode kann der Designer immer konzipieren, aber die Kundin ist die einzige, die entscheidet, ob sie dies trägt oder nicht.

M: Gibt es da auch einen Bezug zu Ihren Retro-Sachen, etwas, was Sie daran besonders sexy finden?

LH: Ja, doch, ich bin schon immer auf diese kurvigen Figuren der 50er Jahren gestanden. Damit bin ich aufgewachsen und da war immer ganz stark die Taille im Fokus. Das war schon sehr prägend für mich.

M: Ihre Kollektionen sind immer sehr vielseitig zum jeweiligen Thema, das braucht ja viel Inspiration. Was sind Ihre wichtigsten Quellen?

LH: Ich glaube ich selbst. Ich habe schon als Kind eine unbändige Kreativität gehabt – die Antennen für den ganzen Unterbau dafür. Menschen, Künstlern, welcher Art auch immer, gehen die Inspirationen nie aus. Man kann eine Kollektion um eine Himbeere herum gestalten, wenn die Phantasie ausreicht. Das ist die Philosophie. Okay, lass uns philosophieren über diesen schwarzen Tisch: Jemand, der wirklich Geist hat und Esprit, kann schon über den Tisch philosophieren und verschiedene Themen hinein nehmen, die aber immer noch zusammen passen. Und ich glaube es ist eine Mischung von einer gewissen Art Intelligenz, die Dinge ganz inspirativ immer neu entstehen zu lassen, aber trotzdem verständlich zu bleiben und nicht völlig abzuheben.

Ich mag wahnsinnig gerne starke Models, die auch diese Klischees verarbeiten, zum Beispiel für meine Afrikakollektion – oder meine Betty Page Kollektion. Die war ganz stark von den späten 50er Jahren geprägt. Oder Ahoi für den kommenden Sommer, eine ganz maritime Kollektion, aber immer mit verschiedenen Stilelementen aufgewürzt – die das schon wieder ungewöhnlich darstellen, sich aber trotzdem immer innerhalb von meinem Ziel befinden.

M: Wie entsteht denn so eine Kollektion, wächst die langsam über einen längeren Zeitraum, oder kompakt indem Sie sich hinsetzen und sagen, die nächsten Tage mache ich nur die Kollektion?

LH: Nein, ich bin im Moment an den nächsten vier Kollektionen und mit Moodboards beschäftigt. Es ist immer so, wie ich gerade Lust habe. Ich arbeite extrem gerne auf Pinterest, ein sehr tolles, neues Medium, wo man ganz tolle Bildersuchen machen kann, anders als bei Google, wo man also nicht so viel Schund dabei hat sondern wirklich tolle, ästhetische Bilder. Da kommt man automatisch vom Hundertsten ins Tausendste, und da wird die Recherche rund um ein Thema sehr, sehr umfassend. Wichtig ist dabei die Kunst, das Material dann wieder sehr stark zu reduzieren. So dass man das dann zusammenzieht auf die Key-Looks.

M: Es bleibt ja dann immer noch viel übrig bei Ihnen.

LH: Ja, Tonnen! Da nimmt man eine Zimmerpflanze und macht daraus eine Wintergartenkollektion, das Material geht nie aus, da müsste ich 500 Jahre alt werden – oder die Lust in der Mode zu arbeiten würde vorher verschwinden.

M: Gibt es ein unterschiedliches Interesse an der Mode in Deutschland und in Österreich beim Publikum, was sich wo vorteilhafter verkauft?

LH: Das kann ich so nicht beurteilen, denn ich halte nicht viel von Klischees. Wir verkaufen die Kollektion im gesamten deutschsprachigen Raum sehr erfolgreich.

Da gibt es gewisse Regionen in Österreich, wo man mehr Trachten trägt, da wird meine Trachtenkollektion mehr gekauft, Kleider die ethnisch inspiriert sind, gehen dann mehr. Aber sonst sehe ich da kaum einen Unterschied. Man muss auch dazu sagen, meine Produkte sind relativ einschlägig. Und die Fangemeinde, die Kunden, die meine Sachen kaufen, die mag den Stil. Und die sitzt überall.

M: Sie haben ja mal mit Ihrem Laden auf Berlin gesetzt. Und den gibt es leider nicht mehr.

LH: Ja, den gibt es leider nicht mehr. Wir haben da ein paar Missgriffe gemacht, was die Immobilie betrifft. Wir waren ja zuerst in Mitte, und Mitte ist damals riesig expandiert und hat total geboomt, aber dieser Mitte-Boom ging damals in eine andere Richtung. Es sind ja seinerzeit alle Designer hingezogen und haben gedacht, das ist die neue Friedrichsstrasse. Das ist dann nicht so geworden. Und natürlich ist da die Kaufkraft letztlich viel geringer gewesen. Ein Adidas Laden, oder jemand der seine Jutebeutel dort verkauft, oder T-Shirts, das ist okay, aber bei uns kosten die Kleider dann schon ab 400 oder 500 Euro aufwärts. Und da war die Kundschaft erstmal nicht bereit dazu. Wir haben einen Kundenstamm langsam aufgebaut, die sind hingekommen, es gab aber auch viel Laufkundschaft. Das Schöne an dem Laden war, das wir in Mitte sehr viele Kunden aus aller Welt angesprochen haben. Die zwar nicht beim ersten Mal gleich gekauft haben, aber die ganze Mode gedanklich mitgenommen und dann im Onlineshop bestellt haben. Und der Onlineshop war ja auch dort situiert und ist total explodiert. Wir sind dann umgezogen wegen des Onlineshops. Es wäre nicht gegangen, das Personal zu verdoppeln, um beides zu haben. Und so sind wir schließlich an eine Location gekommen, die groß genug und auch schön war und wir haben gesagt ja, super. Und ich habe meiner damaligen Chefin in Berlin vertraut – ich als Nichtberlinerin hatte echt keine Ahnung, dass so entlegen kein Kunde mehr hinfährt. So haben dann alle unsere Berliner Kunden auch nur noch online gekauft. Der Laden ist damit richtig bergab gegangen, und der Onlineshop ist gleichzeitig immer mehr gewachsen. Ich habe dann überlegt, wozu soll ich den Onlineshop in Berlin halten, wenn doch meine Firmenzentrale in Wien ist. Eine ganz normale unternehmerische Entscheidung; auch wenn das natürlich nicht gut für die Presse klingt, wenn man einen Laden schließt.

M: Das klingt doch sehr überzeugend, was Sie da erklären.

LH: Und wir haben in Wien einen Flagship-Store im ersten Bezirk eröffnet und ich hätte nie gedacht, dass das so boomt. Es ist gigantisch, die Lage…  Früher haben immer alle gesagt, Lage, Lage, Lage ist wichtig. Ich hatte aber geglaubt, man könne sich überall einen Namen machen – durch Mundpropaganda, durch tippeln. Aber ich habe dann gemerkt, wo das in Berlin nicht gelaufen ist, war natürlich die Lage schuld.

In Wien sind wir vom siebten in den ersten Bezirk gezogen, also jetzt sind wir am goldenen Quartier, und die Umsätze sind so explodiert, dass wir alle Businesspläne haben umschreiben müssen, es ist gigantisch. Wirklich cool.

M: So, und nun komme ich noch auf die aktuelle Kollektion zu sprechen. Die folkloristischen Aspekte sind weg?

LH: In dieser Kollektion ja, in der nächsten kommen die wieder. Die kommen und gehen, ich wechsle eigentlich immer zwischen Ethno und Retro, damit auch mir nicht langweilig wird.

M: Oft ist es doch auch gelungen, das zu kombinieren, durch die Schnitte.

LH: Auch das, ja natürlich. Aber ich habe es nicht notwendig gefunden, die Mickey-Mouse mit ethnischen oder Trachtenelementen zu verbinden.

M: Was steht den hinter der Mickey-Mouse?

LH: Pop steht im Zentrum.

M: Ich hatte eher die Erinnerung an Fiorucci, 80er Jahre, wo 50s zitiert wurden.

LH: Ja genau. Meine Intention war eigentlich eine sehr hedonistische Kollektion, die völlig unbeschwert ist, wo ich die Prinzessin rauslassen kann und die eigentlich auch für sehr laute Frauen gedacht ist. Dazu der Girl-Band-Soundtrack. Ich bin aufgewachsen mit Punk, mit Grunge, und die Protagonisten waren damals ganz weiblich in dieser Zeit. Sie haben Pink getragen, Leopardenprints und sie hatten Lippenstift. Und da war der Feminismus meiner Meinung nach viel weniger unterkühlt als heute. Diese Zeit ist weg.

M: Zielt Mickey-Mouse jetzt auf eine jüngere Gruppe?

LH: Das sehe ich nicht so, ich bin 35 und auch meine Eltern können mit Mickey-Mouse etwas anfangen.
Und schon in den 80ern gab es eine starke Verbindung zu 50s-Elementen, einen riesen Hype, da war überall Mickey-Mouse. Eben, Fiorucci, da waren so ganz typische Designer, die damit groß geworden waren.

M: Ich weiß nicht ob Sie hier viel herumgelaufen sind?

LH: Leider viel zu wenig, …

M: … es sind hier ganz viele junge Bloggerinnen,

LH: … die neuen Medien …

M: … ja, das ist aber auch ein anderes Publikum. Das mischt hier die ganze Wahrnehmung von Mode auf. Und das habe ich gleich assoziiert mit Ihrer Mickey-Mouse. Ich habe gedacht, ja ok, also die jungen Bloggerinnen und diese frische Mickey-Mouse, auch diese kräftigen Neonfarben, dieses kräftige Rosa, für mich gibt es da eine Verbindung.

LH: Ich glaube auf jeden Fall.

Die verwendeten Mickey-Mouse- Charaktere, das sind die alten, die so ja gar nicht mehr von Disney produziert werden. Die Mickey-Mouse hat sich ja sehr stark verändert. Ich weiß nicht ob Sie die neuen kennen?

M: Ich kenne nur die alten, aus meiner Jugend,…

LH: Ich bin ja eher ein Fan der alten Disney Generation, die neue Generation hat eigentlich nichts mehr mit dem klassischen Disney zu tun, Walt Disney war für mich immer einer der ganz großen Vorbilder. Er und Oscar Wilde. Walt Disney habe ich immer faszinierend gefunden, jemand der zeichnen kann und darauf ein Imperium aufgebaut hat. Die Leute haben in den 40er Jahren, anders noch als jetzt, immer gesagt „lern was Ordentliches – das ist ja kein anständiger Beruf“! Beeindruckend stattdessen, wie da mit Talent und Fleiß und Biss jemand so ein Imperium aufbaut, um eigentlich nur eine süße, kleine Comic-Figur, das finde ich faszinierend

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Nach wie vor beteiligt sich die Vogue an der Fashionweek mit eigenem, geschmackvollem Erscheinungsbild, leider dauert die komplette Ausstellung von jungen Modekünstlern nur einen Tag, für manche Interessierte etwas knapp kalkuliert.An den anderen Tagen bleibt die Präsentation nur in der unteren Etage zu besichtigen.

Stattdessen setzt das Magazin verstärkt auf sehr stilvolle Schauen in erlesenem Ambiente mit Designern, die besonders ausgeprägte Gestaltungskonzepte zeigen können, wie zum Beispiel den Designerinnen Julia Seemann oder Marina Hoermanseder. Im Erdgeschoss des Kronprinzenpalais waren am Donnerstag aber durchaus noch sehenswerte Präsentationen von Antonia Goy, Sminfinity und Lili Radu zu sehen.

Antonia Goy

Sminfinity

Lili Radu

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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