Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Designerinnen haben die Präsentation dieser Saison in einen Baumarkt verlegt. Die Frage, ob damit die Kollektion konzeptionell einem Baukastensystem im Sinne des „DIY“ (do it yourself) entspricht, wurde damit allerdings nicht beantwortet.

Seit einiger Zeit wird das Label medial im Sinne einer nationalen Unterstützung von Leitmedien in der Mode in Deutschland unterstützt. Deutsches Modedesign soll insbesondere auch in Deutschland bewusster und wohlwollender in der Breite wahrgenommen werden. Dies stellt einen Ansatz dar, sich der geballten Front von Mode-Großkonzernen entgegen zu stellen. In immer drängenderer Form stellt sich entsprechend die Frage, was Modedesign ist, und ob es zutreffend ist, dass die Determination dessen heutzutage in der Funktion lediglich dem Kommerz, der Gewinn- und Umsatzmaximierung unterworfen ist. Was Mode ist, wird anhand von Kerngrößen im betriebswirtschaftlichen Sinne gesehen. Gerade in der deutschsprachigen, wissenschaftlichen Literatur zu diesem Gesichtspunkt kristallisiert sich immer mehr heraus, dass die Funktionsbestimmung von Mode immer mehr in Verschiebung zu geraten scheint.

Auch in der medialen Rezeption nimmt man dies wahr und thematisiert eine „Krise“ der Modeindustrie in ihrem Anpassungsprozess an globale Marktmechanismen und einer ungebremsten Beschleunigung des Konsumdrucks durch das Internet, welches mit seinen „Onlineshops“, die immer und überall im „Ausverkauf“ sind, die klassischen Kollektionsrhythmen in Frage stellt – immer neu, immer aktuell, immer ist irgendwo Sommer, Herbst, Winter oder Frühjahr.

PERRET SCHAAD spinnt die neue Kollektion um zwei Attribute, die diese Kollektion in stilistischer und zeitlicher Abgrenzung zu vorangegangenen definiert: Das Eichenblatt und das Gittermuster. Beide Elemente kommen in nahezu allen Looks und Kombinationen vor. Das Eichenblatt in herbstlichen Farben stellt Solidität ebenso dar, wie das Verwelkende, was den Herbst prägt und auf das Neue, Kommende hindeutet. Das Gittermuster, fängt, sperrt und trennt – es gibt ein Raster der Ausrichtung und Orientierung. Darüber hinaus sind die Kreationen kombinierbar und tragbar, auch in stetiger Kontinuität zu den Kollektionen der beiden Designerinnen, die wir schon gesehen haben. Eine saisonale Trennung ist hier de facto schon vollzogen, da die Kollektionen untereinander wenig Trennschärfe bieten.
Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und klären, was die Kriterien hierfür sein können?

Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und was die Kriterien hierfür sein können?

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Eine elegante Vorstellung

Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Das Herrenlabel Brachmann präsentiert seine Kollektion auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Designerin Jennifer Brachmann und ihr Partner Olaf Kranz stellen eine edle und elegante Männerkollektion vor. Die Show im „Me Collectors Room“ beginnt mit countryähnlichen Klängen und stellt den heutigen Mann in klassischer Rolle dar. Vor dem bildlichen Auge sieht man die Modelle mit Bärten, zigarrenrauchend, über Geldgeschäfte unterhaltend.

Die Mode wirkt durch beige, schwarz und anthrazit- blaue Farben sehr klassisch, der Mann in der Kleidung als ein echter Gentleman. Die einklingenden, elektronischen Beats, modernisieren allmählich das Bild des Mannes und rücken die Mode in ein durchaus alltagstaugliches, zeitgemäßes Licht, wo klassische Kleidung nicht nur im Business getragen werden kann.

Die Schnitte sind klar und streng, die Oberflächen durchdringen sich durch aufgesetzte Falten und Taschen. Besonders elegant sind die spitz zulaufenden Buisnessschuhe in braun und schwarz. Die cashmereähnlichen Pullower unterstreichen diese. Klassische Hemden und Pullover haben häufig eckig ausgeschnittene Kragen. Graue und graublaue Anzugshosen, sowie Trenchcoats wirken wie aus glänzendem, glatten Jeansstoff erarbeitet. Die Kollektion ist von Einflüssen der 40er Jahre geprägt. Hierzu zählen (Dinner-) Sackos, sowie Kellnerwesten, welche grob struktutiert sind. Im Allgemeinen kontrastieren die Stoffe von fein zu grob. Farbakzente setzt der orange farbene Pullover unter dem klassischem Mantel.

Die Show wird mit dem Song „Anabelle“ von Isolation Berlin beendet, welches vermittelt, dass auch Männer in Anzügen, Gefühle haben dürfen und jeder Mann, diese Mode tragen kann.

„Mein Herz schlägt bis zum Hals und der Kopf fährt Karussell, ich liebe dich so sehr, auuu!“

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Laurèl ist eine der „Stammmarken“, die auf der Fashion Week in Berlin präsentieren. Oft wird der Stil als Persönlichkeit unterstreichend und klassisch feminin beschrieben. Die Marke ist insbesondere im deutschsprachigen Einzelhandel sehr präsent und im höherwertigen Volumenmarkt angesiedelt. Elisabeth Schwaiger schafft mit ihrem Design-Team jährlich zwei Kollektionen, die den klassischen Saisons zuzuordnen sind. Auch für den kommenden Herbst und Winter 2016 sind die Volumen und Silhouetten klar und figurbetont angelegt. In der Kollektion finden sich viele freie Kombinationen aus Hosen, Tops die mit Mänteln kombiniert werden. Röcke finden sich kaum, wohingegen im Bereich Abendmode einige Kleider angesiedelt sind und somit die Palette von alltagstauglichen Looks hin bis zu festlichen Anlässen etwas zu bieten hat. Farblich dominieren die herbstlichen Nuancen die wenn mit entsättigtem Rot durchbrochen werden. Bei den Drucken wird auf konventionelle „Animal-Prints“ gesetzt, die bei vielen Schlüssen-Kreationen zu finden sind. Im Ergebnis ist und bleibt die Kollektion konventionell tragbar und Klientelorientiert.

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Berlin AE 2016/17

Text: Gerhard Paproth

Fotos: Boris Marberg

Die Teilnahme einer Ausbildungsstätte oder Förderinstitution an der Fashionweek Berlin ist ja im Prinzip keine Innovation, lässt aber zumeist innovative Konzepte einer Schau vermuten. Auch wenn wir nicht wissen, nach welchen Kriterien die jeweilige Schule bzw. Institution ihre Teilnehmer aussucht, reicht schon der Touch des Außergewöhnlichen, die Veranstaltung attraktiv zu machen. Nicht selten liegt schon das Außergewöhnliche in einem anderen Kulturkreis begründet.

In der Praxis wird die Erwartung nicht immer eingelöst. Wenn zum Beispiel afrikanische Designer (African Fashion Day) letztlich aus dem Pariser Modekontext heraus agieren und westlichen Strömungen höchstens kleine afrikanische Akzente hinzufügen, widersetzen sie sich nicht nur möglichen (folkloristischen) Erwartungsklischees, sondern suchen damit marktkonforme Gestaltungspositionen, ein akzeptables Plätzchen im westlichen Getriebe bei deutlich reduziertem (kulturellem) Innovationspotential. Nicht selten ist das auch darauf zurückzuführen, dass die Ausbildungsstätte(n) der Protagonisten schon westlich waren.

Die Schau der Shih Chien University, eine private Hochschule aus Taiwan mit etwa 10000 Studenten, war da – im philosophischen Konzept – durchaus breiter aufgestellt: 21 angehende Designer mit 53 Outfits boten eine differenzierte Palette zwischen Exotik, Futurismus, asiatischen Elementen und westlichen Prägungen. Das Ergebnis der Ausbildungsziele, „independent thinking“ und „professional fashion design skills“ zu verschmelzen war durchweg überzeugend und spannend anzusehen.

Besonders faszinierend sind natürlich die asiatischen Gestaltungsprinzipien und kulturellen Zitate in einem aktuellen Zeitgeist, der, und darin liegt auch das eben nicht folkloristische Anliegen der Vorführung, wirklich innovatives Potential hat. Die Auseinandersetzung mit der eigenen Kulturgeschichte, visionären Perspektiven, kommerziellen Überlegungen und verspielten Experimenten hat ja nicht nur schulischen Charakter, sondern erbringt auch realistische und selbstbewusste Statements der Modeästhetik, die über den Kulturkreis herausreichen können. Vorstellungen, die unsere westlichen Sichtweisen durchaus reizvoll und innovativ befruchten. Und Gestaltungen, die einfach toll aussehen.

Umgekehrt ist es auch interessant, was von hiesigen Strömungen aufgegriffen wird (siehe Beispiel Marina Hoermanseders Lederkorsagen) und mit asiatischer Ästhetik Verbindungen eingeht. Zugegeben, viele formale Experimente kommen einem bekannt vor, aber immer ist in Farben, Formen, Muster oder Applikationen auch ein asiatischer Touch enthalten, der dem Erscheinungsbild ein gewisses Etwas verleiht.

Insofern war diese Schau weniger ein Statement, inwieweit chinesische Gestaltung sich jetzt verwestlicht, sondern viel eher eines dahingehend, dass der eigene, spezifische Kulturkreis dem internationalen Modekontext eine sehr spannende und charakteristische Note hinzuzufügen weiß.

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Fotos: Boris Marberg und Meike Tietze

Text: Gerhard Paproth

Da war sich unsere Redaktion mal gar nicht einig: „Ganz toll“ und „grauenhaft“ fielen als erste Kommentare nach der Schau auf der Berliner Fashionweek im Me Collectors Room. Vielleicht ist das ja auch mal ganz gut, dass aktuelle Konzepte von Jungdesignern wieder für Diskussionsstoff sorgen und alternative Konzepte eine Chance bekommen.
Margot Charbonnier formuliert ihr Tätigkeitsfeld als independent Trans- oder Multidiciplinary Fashion, was immer das heißen mag und als zukunftsträchtiges Selbstverständnis bedeuten soll. Seit 2010 ist die ehemalige Studentin der Soziologie und danach des Central Saint Martins College of Art and Design und der Ecole supérieure des arts appliqués Duperré als Designerin mit ihrem Sample-CM-Label aktiv und sucht nach intelligenten Designlösungen, was ja schon einmal als reizvoller Ansatz zu sehen ist. Der Begriff Sample verweist dabei wohl auf die Vermischung unterschiedlicher, vorhandener Herkünfte.

Die Schau nimmt erst einmal Abstand vom klassischen Catwalk aus dem Backstage heraus, sondern verlegt diesen gleich mit auf den Laufsteg. Dort hängen an ambulanten Kleiderstangen die vorzuführenden Teile und zwei futuristisch gekleidete An- und Ausziehhelfer stehen daneben. Diese weiße Bekleidung ist auch Teil der Kollektion, hautenge Overalls mit Kniebundabschluss unten, Rundhalsöffnung oben und eingefügten Materialien, deren Sinn sich nicht durch Anschauung erschließt. (In den 50er Jahren gab es Männerunterhosen, die mit dem Unterhemd zu einem Stück verbunden waren – diese sahen ziemlich genau so aus und waren zwar warm, aber höchst unpraktisch im Alltag, zudem galten sie als Abzweiger des Liebestötergenres, wie ich mich noch erinnern kann.) Auf dem Kopf tragen die beiden Lakaien weiße Basecaps mit Sonnenschutztüchern für die Haare. Das Modell kommt farblos in nudefarbenem Unterwäschestück und an den Füßen befestigten Sohlen auf den Laufsteg, wo sie von den beiden Helferlein zu sanft einsetzender Musik bekleidet bzw. nur teilbekleidet wird. Dieser Dienst ist großenteils auch nötig, denn einige hautenge oder kompliziert gemachte Outfits kann man offensichtlich gar nicht alleine anlegen. Blaue, gelbe, hautfarbene und auch bedruckte Textilbänder sorgen abschließend oft noch für rätselhafte Verschnürungen oder werden einfach als Accessoires hinzugefügt. Nicht immer wird hier zwischen Ober- und Unterbekleidung unterschieden und die Vollständigkeit eines Outfits spielt keine Rolle.

Grundfarben ergänzen das Weiß (oder beige) zu kräftigen Farbakzenten eines ganzen Kleidungsstückes, die Silhouette ist, abgesehen von den hautengen Stücken, meist bewusst unförmig – oft körperfern, halblang an den Extremitäten und ohne Taille. Es gibt aber auch Shirts, Pullover und Hosen in eher klassischem Zuschnitt. Stoffe mit geriffelten Oberflächen, zum Teil eingesetzt, zum Teil in unterschiedlichen Richtungen verlaufend, vermitteln, genau wie diverse Kunststoffmaterialien, einen futuristischen Flair, der durch die besagten Schnüre noch unterstrichen wird.

Dieser futuristische Touch erweist sich letztlich zwar als der reizvolle Aspekt bei vielen Teilen, das bewusste Unterlaufen ästhetischer Üblichkeiten und sexueller Eigenart relativiert diese attraktiven Momente allerdings gleich wieder.

Gelungen an dieser Schau ist sicherlich seine Zeichenhaftigkeit in den Konzepten: Das Modell ist nur noch eines und heruntergefahren auf den normalen Menschen ohne Zusatz. Die Kleidung betont ein praktisches Erscheinungsbild (ohne das zu sein) und versucht sich vom gewohnten Formenkanon zu emanzipieren. Farben und Extras werden ebenfalls minimalisiert und suchen dennoch nach neuen Gestaltungsaspekten, ohne üblichen Reizen oder Erfahrungen folgen zu müssen.

Daraus wird das Grundprinzip dieser Schau – sofern ich es richtig verstanden habe – erkennbar: Experimente für die Zukunft, unter neuen Prämissen und vorsätzlichem Verzicht auf das, was heute als sinnlich bzw. attraktiv angesehen wird.

Ausgereift scheint das Konzept noch nicht zu sein, darum fühlt man sich als Betrachter noch bei einer Zwischenschau aus den mittleren Semestern (mit experimentellen Übungen) einer Modeschule. Andererseits versteht sich die Fashionweek Berlin auch als eine Bühne für Nachwuchsdesigner, und da hat eine solche Schau durchaus auch ihre Berechtigung.

Schließlich verweist sie darauf, dass junge Designer nicht nur der oberflächlichen Schönheit huldigen wollen, sondern durchaus auch gesellschaftliche Konstellationen und Zukunftsperspektiven durchdenken und gestalterisch erkennbar werden lassen. Und an der Stelle relativieren sich die spontanen Reaktionen „ganz toll“ und „grauenhaft“ in einem weiteren gedanklichen Kontext.

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MB Fashionweek Berlin AW2016/17

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Duo des guten und innovativen Geschmackes Irene Luft und André Märtens gehörten wieder zu den Highlights der Fashionweek. Mit Kombinationen von Schwarz-Rot (und Gold) und ausgefallenen, japanisch anmutenden Haargestecken präsentierten sie dem erwartungsvollen Publikum wieder eine Kollektion in Spitze, Transparenz, Verfeinerungen und innovativen Experimenten, die der modernen, selbstbewussten Frau geschmackliche Veredelung auf den Weg gibt.

Immer körperorientiert und sexy finden die detailverliebten Spielereien mit Spitze, differenzierenden Oberflächen und ungewöhnlichen Mustern gleichzeitig zu klaren, formbewußten Architekturen, die mit dem akzentuierten Hairstyle in unterschiedlich durchgespielten Varianten jeweils noch kongeniale Akzente im japanischen Touch dazu bekommen. Klar und streng auch das einheitliche Make-Up dazu. Accessoires erübrigten sich, lediglich sehr pfiffige Hand“stulpen“ und Handschuhe aus schwarzen Riemengeflechten setzten noch passende Akzente.

Wie immer gelangen Irene Lufts Experimente mit Stoffoberflächen zu erstaunlichen Ergebnissen, besonders fiel die zugleich geschichtete und aufgebrochene Textur eines Kurzmantels und des Haori in Rot auf – ein offenbar kompliziertes Verfahren, das eine eindrucksvolles Spiel der Farbe im Licht erzeugt – das war einfach atemberaubend. Nach wie vor erprobt Irene Luft raffinierte Applikationen auf transparenten, dünnen oder Spitzenstoffen und findet dabei immer wieder verblüffende Möglichkeiten bei dem differenzierten Spiel mit den Ebenen und Oberflächen.

In der Formgebung bleibt Irene Luft den klaren, eher strengen taillen- und silhouettenbetonenden Gestaltungen treu. Die meist ausgestellten Röcke haben verschiedene Längen und deklinieren auch hier ein abwechslungsreiches Programm mit Spitze, Faltungen, Applikationen und Mustern, präzise verarbeitet und immer sinnlich weiblich.

Luxuriöse Schneiderkunst, eleganter Geschmack auf der Höhe der Zeit, Sinnlichkeit und einfallsreich gekonnter Hairstyle – damit glänzen die Münchner Designerin und der Berliner Hair-Artist wie stets absolut souverän.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion für Herbst und Winter 2016 hat Anne Gorke anspruchsvoll gezeigt. Dass städtisches und jugendliches Design auf der Berline Fashionweek gut platziert ist.

Auch wenn die Designerin (was sie oft auch betont) nicht aus Berlin kommt, und gerne auf dem Bauernhof lebt, so ist der gezeigten Kollektion das Urbane und Junge tief eingebettet. Lockere Volumen, klare Silhouetten und ansprechende Schichtungen prägen die Linie. Farbliche Akzente finden sich oft nur in Details, wie rosa Kniestrümpfen, oder am Ende der Modenschau in einer fast separaten Linie luftiger, roter Kleider und Kombinationen, die mit großflächigen Drucken daherkommen. Diese Muster sind abgeleitet von zackigen, langen Laubblättern, die herbstlich getönt sind.

Am ansprechendsten sind indes die ersten, dunkel gehaltenen Looks. Hier sind es Kombination mit groben wollenen Hosen, die locker Bewegungsfreiheit schaffen und oft mit griffigen Flokati-Jäckchen und Applikationen kombiniert werden. Auch transparente Blusen finden sich, unter denen die Modelle schwarze BHs tragen, was realistischer in der Präsentation ist, als nackte Haut unter den dünnen Stoffen im Herbst und bei anderen Designern.

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Berlin Fashionweek aw 2016/17 im Kronprinzenpalais

Text: Marcello Rubini

Bilder: Boris Marberg

Vielleicht brauchen wir bald gar nichts mehr schreiben über die junge Designerin, denn sie wird von Presse, Insidern und Publikum dermaßen gehyped, dass alles Wesentliche anderswo schon gesagt zu sein scheint.

Aber noch ist Marina Hoermanseder bodenständig, echt und ehrlich im Auftritt, unverfälscht charmant, und sie meistert die manchmal unerwarteten Herausforderungen hinter den Kulissen mit einer Mischung aus viel Kraft, Mut, realistischem Engagement und Herzblut, die der Rolle des ambitionierten und emotiven Upstarts überzeugender (und auch sympathischer) gerecht wird, als der der erfolgsverwöhnten Überfliegerin. Das ist nicht nur offen, sondern lässt auch unvorhergesehene Schwächen und Brüche im Konzept zu, ohne dass der Sympathie Abbruch geleistet würde, wie beim mutig geplanten Showverlauf über zwei Etagen und mehrere Räume hinweg zu erleben war.

Die Hinwendung zu unkompliziert tragbareren Teilen ist nicht ganz einfach, wenn das Markenzeichen fester Corsagen und Riemen-Schnürungen nicht ganz über Bord gehen soll. Das ist sowohl hinsichtlich Funktionalität als auch hinsichtlich der Ästhetik eine echte Herausforderung, denn der Anspruch der Alltagstragbarkeit liegt quasi am anderen Pol der Möglichkeiten angesiedelt. Eine logische Auflösung der unpragmatischen Zwanghaftigkeit hin zu bequemer Lässigkeit scheint kaum vorstellbar.

Aber Marina Hoermanseder lässt sich da offenbar nicht wirklich irritieren und schafft den Brückenschlag meist recht überzeugend. Sie bringt beides zusammen, ohne dass man das Gefühl hat, dass es eben nicht zusammen ginge. Die bewegungsbequemen Röcke zum Beispiel, gerne weit ausgestellte, kurze A-Form, wie sie sie auch selbst gerne trägt, die sich nach oben noch einmal zum Oberkörper etwas öffnen, lassen sich mit den festen Lederkorsagen durchaus kombinieren (und auch umgekehrt – leichtes Hemdchen mit festem Pencil-Rock), womit sich der gedankliche Widerspruch überzeugend aufzulösen scheint – zumindest teilweise. Das ist durchaus überraschend und auch spannend.

Zunehmender Schwerpunkt der Kollektion sind aber doch locker fallende und bequem aussehende Teile, manchmal noch mit Schnallen hie und da versetzt, oft die Riemenschnürungen noch andeutend, in meistens gedeckten, zurückgenommenen, durchaus herbstlichen Farben, beweglichen Stoffen und rautenförmigen Mustern, die optische Beweglichkeit und auch Rhythmik suggerieren. Die schon in der vorherigen Schau gezeigte Wende vom Zwang zur Lockerheit überwiegt nun und wird natürlich auch marktgerechter.

Unterm Strich ist – aus meiner Sicht – aber gerade die Kombination der Gegensätze sehr reizvoll und gelungen vorgeführt und vermutlich liegt darin nicht nur die Überzeugungskraft dieser Kollektion, sondern auch ein Janusgesicht ihrer Generation verborgen: Der kraftvolle, entschiedene Auftritt einerseits und die lässig-pragmatische Haltung andererseits – austauschbar und kombinierbar.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der in Berlin vorgestellten neuen Kollektion für den Herbst und Winter 2016 durchbricht die Designerin im weiteren Schritt zu den vergangenen Kollektionen ihre eigene Ausrichtung und wird femininer und entfernt sich mehr vom Funktionalismus – ohne dabei aber avantgardistisch, oder experimentell zu werden.

Bereits die Installation auf dem Laufsteg, eine sehr langgezogenes „X“ – im Gegensatz zu der seit einiger Zeit nicht mehr prägenden Sichtbetonwand zeigt auf, dass die Kollektion querer erscheinen soll. Farblich dominieren dunkle, winterliche Töne, die durch helle Streifen in den Oberflächen durchbrochen werden. Zusätzliche finden sich zahlreiche Kleidungsstücke, die mit feinen Strukturen in Vogelsilhouetten aufwarten. Streifen, wie auch die Muster unterstreichen dabei eine vertikale Ausrichtung der Figuren und Konstruktionen. Diese sind für einen strengen Herbst und Winter relativ locker bis hin zu sportlich in den Volumen ausgestattet und bieten viel Bewegungsfreiraum.

Sicher, die feminine – tragbare – und funktionelle Art gibt Dorothee Schumacher nicht auf. Sichtbar ist aber der Anspruch auch ein jüngeres Publikum erreichen zu wollen und können. Die gestandene Geschäftsfrau kann nun auch von der jugendlichen Tochter im gleichen Schick begleitet werden. Bieder war Schumacher noch nie, aber immer auch auf Konvention und Tragbarkeit ausgelegt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Ein Live-Dj am Start des Laufstegs ist schon einmal ein Statement für die kulturelle Präsenz der begleitenden Musik und was dann musikalisch die Schau begleitete war genauso hinreißend, geschmackvoll und klar wie die Defilees des Designers Manuel Kirchner (Hamburg).

Nicht unbedingt herbst- oder winterlich sondern eher leicht und luftig kam der Großteil der Kollektion daher, aber auch Pelze und schwerere Stoffe waren dabei. Viele elegante Schwarz-Weiß-Kompositionen, zum Teil in recht grafischer Manier, prägten die klare Gestaltungsvorstellung, manchmal eher streng aber doch auch so form- und körperbewusst, dass die elegante Weiblichkeit stets Thema war. Neben den Schwarz-Weiß/Beige-Kombinationen gab es auch Braun, Rosé und wenige kräftige Farben in stimmigen Kombinationen mit klugen und sicheren Akzentuierungen. Überhaupt war Geschmackssicherheit durch Reduktion, Klarheit, Präzision und Proportionierung ein auffälliges Merkmal, edle, mit viel Gespür ausgesuchte, verschiedenste Materialien das weitere. (Bei sehr dünnen, transparenten Stoffen funktionierte aber das Konzept stellenweise weniger gut, heißt nicht ganz so vorteilhaft für die Gestalt der Trägerin in der Bewegung.)
Die wenigen, ausgesuchten Muster gaben stellenweise dem Schlichten eine sanfte, unaufdringliche Lebendigkeit und schöne Akzente. Röcke (und Kleider) in allen Längen dominierten, Hüften sind fast immer betont – häufig proportionierten schmale Gürtel oder Nähte die Figur entsprechend. Jacken, Mäntel und Capes ergänzten die Teile kongenial, stets edel und geschmackvoll.

Nach dem auffällig eleganten Schauenabschnitt kamen dann noch etwas lässigere Outfits für den Alltag hinzu, hier lösten manchmal flache Boots die Heels ab, jedoch ohne dass das Prinzip der Grazie verloren ging.

Insgesamt zeigte Tulpen eine sehr umfangreiche Kollektion, wo der Ideenreichtum dann vielleicht etwas nachließ, der qualitative Anspruch aber nicht. Jedenfalls war sie eine sehr überzeugende Bereicherung der Eleganzfraktion der Berliner Fashionweek.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Im Rahmen der Berliner Fashion Week, hat der Designer Kilian Kerner seine neue Damen- und Herrenkollektion in einer umfangreichen Modenschau dem interessierten Publikum präsentiert.

In einer aufwändig konzipierten Installation im Ellington Hotel wurden dem Publikum in U-Form die neuen Kreationen unter Begleitung von Live-Musik vorgestellt. Unter dem Publikum befand sich neben der Fachpresse, Einkäufern auch, wie bei allen vorangegangenen Schauen von Kerner, viel Prominenz. Mittlerweile rangieren diese Schauen in der Top-Position was das Interesse an in Berlin gezeigter Mode anbelangt. Eine Berliner Modewoche ohne ihn und seiner Treue zu dem Standort wäre undenkbar.

Die Installation um den Laufsteg herum basierte auf abstrahierten Baumkonstruktionen. Der Hintergrund deutet einen entlaubten Wald an. In der Kombination zu den Applikationen auf der Kleidung und den verwendeten Drucken, wie auch der Farbpalette hat dies eine sehr stimmige Gesamtkonzeption ergeben, die Anklang gefunden hat.

Die Herrenkollektion ist sehr tragbar, funktionell und kann auch generationsübergreifend getragen werden. Sehr viele der Herrenmäntel können in den Konstruktionen, als auch in den Proportionen überzeugen. Das warme, wenn auch nicht sehr helle Licht der Schau hat die weichen und angenehmen Farbstimmungen der Kleid und sehr gut unterstrichen. Beige, Schwarz sind recht dominant und laden zu möglichen Ausflügen in orangene Farbtöne, die sich ebenfalls finden, geradezu ein. Bei den Mustern und großflächigen Gestaltungen der Oberflächen dominieren Vögel-Motive. Diese sind abstrakt gehalten und erinnern in der ersten Betrachtung an Zeichentrickgestaltungen der 1970er Jahre, wie die Klassiker von Zdeněk Miler.

Auch die Damenkollektion ist sehr gelungen und kann zu den besten gezählt werden, die von Kilian Kerner bisher gezeigt worden sind. Sie ist sehr elegant und damenhaft ausgelegt und deutlich gereift im Vergleich zu früheren sehr jugendlich ausgerichteten Kollektionen.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag präsentiert seine Herbst-, Winterkollektion AW16 unter dem Namen „RAIN“ auf dem berliner Laufsteg. Der Hauptsitz des Labels liegt (noch) in München, der Designer lässt ausschließlich in Europa produzieren.

Die Kollektion von Marcel Ostertag wurde in der Heeresbäckerei vorgestellt. Die Show und die verbleibende Zeit bis zur Laufstegeröffnung wurden von einer elektronischen Stimme mehrmals angesagt. Die Show wird von der Stimme als „Ring“ dargestellt, was ein Gefühl von Stärke übermittelt. Der Laufsteg teilte sich in mehrere parallel liegende Reihen auf.

Bevor die Show begann, wurde ein Making of Video des Lookbooks an rauer See abgespielt. Hierin wurde Persönlichkeit und Transparenz vermittelt. Transparenz finden wir auch in der modischen Darstellung der Kleidungsstücke im Laufe der Präsentation. An manchen Kleidungsstücken sind die Brust und der Po durchschimmernd.

Die vielfältigen Stoffvariationen sind besonders präsent. Regenmantelartige Kreationen, wollige Schals und oversized Pullover, verfranste Westen, fedrige Jacken, gardinenähnliche Verziehrungen, Lederteile, seidige Blusen. Die Farben sind zum Großteil in den Bereichen rot, grau, beige, schwarz, und babyblau gehalten. Die langen Mäntel mit gemischten Farb- und Mustervariationen sind auffällig. Diese verändern sich von grauen, astartigen Längsstreifen zu komplett rot-getupften Flächen. Diese werden oft durch transparente Stoffe oder Ledereinsätze unterbrochen, jedoch finden wir auch glatte Strukturmuster bei Blusen oder überlangen Kleidern. Die Jackentaschen stehen weit hervor. Schwarze Jacken werden mit aneinandergereihten, goldenen Schnallen versehen. Zu den Outfits kombiniert der Designer ähnlich vielfältig, wie die Mode selbst, High Heels, flache Boots, Stiefeletten und klassische Sneakers. Die Haare der Modele sind wie vom Regen genässt, leicht gewellt.

Die Kollektion wirkt sehr jugendlich und frisch. Die Regenzeit ist zwar noch etwas hin, aber „RAIN“ kann sich getrost in den Regen stellen.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Eindrucksvolle Inszenierung!

Esther Perbandt stellt ihre AW16 Kollektion auf der Fashion Week in Berlin vor. Das 2004 gegründete Label der Berlinerin wirkt inszeniert wie eine Theatervorstellung! Zu Beginn der Show treten Tänzer auf beiden Seiten des Laufstegs auf, welche sich zu psychedelischer Musik verbiegen. Sie hüllen sich in Tüchern, welgen sich, der Tanzstil wirkt roboterähnlich.

Nach Auftritt des ersten Models wird klar, dass diese Show keine klassische Laufstegnummer sein wird.

Die Modelle laufen mit starren Blicken, verharren meist mehrere Minuten an einem Ort, blicken wie versteinert in das Publikum. Es bleibt viel Raum für Gedanken, Interpretation, Beobachtung. Die Modelle sind speziell, wirken provokant, überheblich, teilweise gelangweilt, verbleiben in ausgefallenen Posen. Die meisten Modelle tragen hart geschnittene Perücken oder Kopfbedeckungen. Die Tänzer bleiben Teil der Show, interagieren laufend mit den Modellen.

Die Farben Schwarz und Weiß bestimmen die Kollektion von Esther Perbandt. Beherrschend sind hierbei schwarze Mäntel, Hosenanzüge und die dazu kombinierten Lackschuhe. Durch Bundfaltenhose, Krawatte, Kellnerweste oder geradlinigen Mänteln wirken die weiblichen Modelle sehr maskulin. Bei knielangen Hemdkleidern oder Röcken scheint versteckter Feminismus durch. Allgemein wirkt die Mode beherrschend, kühl und abgegrenzt. Häufig werden die Oberflächen durch Risse, harte Einschnitte oder durchgezogene Lederbänder unterbrochen. Zu den Accesoires zählen SM artige Armbänder, welche im Gegensatz zu den starken Outfits ein gewisses Ausgeliefertsein darstellen. Vielleicht eine Ausgeliefertheit gegenüber dem Mainstreams? Esther Perbandt grenzt sich klar von gängiger Fashion ab und präsentiert ihre Kollektion in minimalistischem Stil.

Die Show wird klassisch mit dem Auftritt der Designerin beendet, wobei die Modelle zum Großteil trotzdem in ihrer Rolle verbleiben. Eine durchweg gelungene Show mit eindrucksvoller Mode.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Petter Hollström und  Gorjan Lauseger bringen wieder klares skandinavisch geprägtes Design auf den Laufsteg in Berlin. Die kommende Kollektion für den Herbst und Winter 2016 ist farblich minimalistisch ausgerichtet.

Neben Schwarz und Weiß kommt quasi nur noch Blau vor. Die Formen und Volumen stehen im Vordergrund, neben wenigen geometrischen Musterungen und Oberflächen prägenden Rechtecken. Es wurden sowohl Herren-, wie auch Damenkreationen gezeigt, die stilistisch eine Einheit bilden, visuell auf der Schau gar Hand in Hand einhergehen. Die lockeren und voluminösen Konstruktionen vermitteln eine klare, urbane Ausrichtung und spiegeln viele Facetten zeitgenössischer Architektur wider. Ansprechend sind die groben, schweren Mäntel und Jacken mit diagonal eingebunden Zip-Verschlüssen. Die komplette Linie wirkt kompakt und robust, was sich sogar bei den leichten und teiltransparenten Einzelteilen erfühlen lässt. Die Gesamtkonzeption kann überzeugen und durchbricht Genderbarrieren.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Andreas Hofrichter

Sasa Kovacevic präsentiert seine AW 16 Männerkollektion auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Schon die Sommerkollektion, welche bald in den Geschäften zu sehen sein wird, war durchaus interessant. Parallelen und Zusammenhänge der Frühjahr-Sommer, zur Herbst-Winter Kollektion sind deutlich sichtbar.

Die Show beginnt mit mystischer Musik und entsprechend gedämpfter Stimmung. Südländisch wirkende Modelle laufen mit starren Blicken über den Laufsteg und sehen aus wie ferngesteuert. Viele tragen eine Kopfbedeckung und Verschleierung.

Farblich überwiegen Schwarz und Beige, besonders eindrucksvoll sind die markanten, schwarzen Mäntel. Der Designer verarbeitet orientalische Muster, Military, sowie horizontale Steifen.

Die Volumen sind üppig und die Stoffe geschichtet. Auffällig sind die vielfältigen Quastenanhänger, welche an Mützen, Shirts und Überwürfen angebracht wurden. Die Schnitte, kippaähnliche Kopfbedeckungen, Verschleierung, sowie die Farben erinnern an serbische Trachtenmode. Dazu kombiniert der Designer Militaryboots, Springer, sowie Hightops im Bergsteigerlook.

Ungewöhnlich sind die Tattoos am Kinn, welche an die initiationsritualische Bemalung oder die Chin Streifen erinnern, welche dem  sozialen Ausdruck von Reife dienten. Die Männerkollektion wird zudem durch den leicht provokanten Auftritt einer tätowierten Dame unterbrochen, welche im transparenten, schlichten, ärmellosen Kleid erscheint. Die applizieren Muster ähneln ägyptischen Motiven  und wurden mit Perlen aufgestickt. Die darin dargestellte, überproportionierte Frau, galt seinerzeit als Sexsymbol. Die Brust des vorführenden Models ist auffällig tätowiert und kann als Zeichen von Unabhängigkeit und Entscheidungsfreiheit verstanden werden. Noch provokanter wirkt die Kollektion, da orientalische Muster mit dem Military-Style in Verbindung gebracht werden.

Insgesamt wirkt die Kollektion stark, durchdacht und eindringlich.

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