Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Afrikanisches Modedesign ist nur sehr selten das, was der herkömmliche Stereotyp suggeriert, die typischen afrikanischen Stoffe sind selten geworden und die betreffenden Designer und Designerinnen sind meistens durch westliche Schulen gelaufen und von deren Moderne geprägt. Auch Kusi Kubi, der Designerkopf von Palmwine Icecream, arbeitet parallel in London und in Accra (Ghana).
Aber wie auch die asiatische Mode behält die afrikanische immer bestimmte Merkmale, die die westlichen Sehgewohnheiten bereichern und das Spannende am Zeitgenössischen ergänzen – mal mit ein paar Akzenten, mal recht grundlegend.

Zum letzteren gehören die Arbeiten von Kusi Kubi, denn das Ganze der gezeigten Kollektion ist atmosphärisch so aufgeladen in der Prägung seiner Ästhetik, dass man sich umgehend in eine andere Erlebniswelt versetzt fühlt. Wer in Afrika war, spürt sofort die Anmutung der Natur des Kontinents völlig gegenwärtig. Und es überrascht, dass dafür an keiner Stelle irgendwelche Folklore oder Traditionselemente nötig sind. Im Gegenteil, Kreationen aus alten (aus dem Westen importierten) Textilien und neuem Material prägen üblicherweise seine Kleidung, im Vergleich zu früher bestehen die Outfits nun aber vorwiegend aus glänzendem, (recycelten) Leder, dazu Holz, Raffia, Kalebasse und Deadstock-Materialien. Seine Schnitte sind durchaus nicht revolutionär, aber auch keineswegs konservativ und nie langweilig. Hiesige Vorstellungen von Sexyness, erotischen Pfiffigkeiten, spielerischen Schnitten und Acessoires machen die Kollektion hochmodern. Schmuck aus Holz und manchmal Gold ergänzen das konsequente Stilverständnis.

Entscheidend für die sehr homogene Gesamtwirkung der Kollektion ist die erdige, warme Farbigkeit: Braun- und Ockertöne sowie stark gedämpftes Rot, Grün und Blau und Schwarz. Das atmet stark atmosphärische Ausstrahlung der tropisch-afrikanischen Natur und beinhaltet zugleich eine warme Lebendigkeit, die von den abstrakten, dunklen Musterprints prägnant aber unaufdringlich unterstrichen wird. Gestaltung und warme Emotionalität gehen zusammen und evozieren ein ganz eigenes Leuchten, was wir so in der gegenwärtigen Modewelt kaum finden. Und es ist wohl auch diese ungewohnte Qualität, eine gewisse Tiefe, die das Publikum im Berghain so sehr beeindruckte.

Der humane Aspekt, den Kusi Kubi mit Palmwine Icecream (PWIC) auch in seiner Lebensphilosophie und Weltbeobachtung unterhält, reicht von dem offenkundigen, beängstigenden Problem der importierten, den Kontinent überschwemmenden Massen-Second-Hand-Kleidung in Afrika und dringend notwendigem Recycling bis hin zu engagierten Ambitionen, andere dort in seinen Erfolg einzubinden und zu fördern – besonders angesichts eines kreativen Aufbruchs junger Designer, den er in Ghana konstatiert.

Und er steht zu seiner Herkunft und weiteren Bildung: „Sei es durch die Verwendung traditioneller Techniken oder durch die Art und Weise, wie ich kulturelle Referenzen mit modernen Ideen verbinde – meine Kultur ist irgendwie in alles eingewoben, was ich kreiere.“ Die Stimmigkeit dieser Tatsache ist das weitere Merkmal dieser stilsicheren Kollektionsgestaltung, das beeindruckt. LIFE MOODBOARD ist als Titel sehr treffend gewählt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

In Sachen Streetstyle hatte das Label SF1OG schon zuvor die ausgeprägte Exzentik verlassen und das erweist sich auch bei der aktuellen Kollektion als sehr vorteilhaft, denn die letztlich europäische Prägung kommt ästhetisch geschmackvoller daher, schon allein bei der Auswahl der Materialien ist das ersichtlich. Natürlich zielt SF1OG noch immer auf die junge Generation, zunehmend aber etwas klüger oder erwachsener in der gestalterischen Haltung. Die Kollektion ist gemäßigter in der Konfrontation, setzt aber immer noch auf unkonventionelle Sichten auf Kleidungsstücke, auf veränderte Schnitte und Arrangements.

Die sind meistens nicht mehr ausladend oversized sondern eher körpernah und etwas strenger als zuvor. Mit Kappen, Kunstpelzkrägen und dünnen Gurten, Knopfordnung oder großen aber unaufdringlichen Typoprints werden die Outfits etwas akzentuiert, ansonsten ist das meiste eher schlicht und dennoch durchgestaltet. Thematisch werden bei der Kollektion hie und da – bei Jacken und Mänteln –  Inspirationen von historischen Uniform-Optiken erkennbar, aber auch das bleibt, wie diverse andere Codes, nur angedeutet. Im Zentrum steht die Leitidee, individuelle Prägungen für alltägliche Kleidung im urbanen Kontext zu finden, Variationen vom Klassischen und Üblichen zu erproben bis eine neue, eigene Ausführung gefunden ist. Äußerlich ergibt sich daraus nicht unbedingt ein geradliniger SF1OG-Stil, erkennbar ist eher eine gewisse Art, Kleidungsstücke mit verschiedenen Ansätzen umzudenken, ohne funktionale Einbußen hinnehmen zu müssen oder Geschmacksvergewaltigungen zu betreiben. Verschlüsse, Elemente und manchmal auch Formgebungen werden neu befragt, gedacht und ausprobiert, ohne wirklich etwas revolutionieren zu wollen. Dabei entstehen reizvolle Alternativen zur Konvention.

Dies leicht verändernde Denken des Bekannten, umgesetzt in Gestaltphilosophie, macht die SF1OG-Mode wirklich interessant für den mode“bewußten“ Auftritt im Alltag. Und dafür sind fast alle Teile problemlos kombinierbar, nicht nur untereinander, sondern mit dem was man schon hat. Die unbunte Farbgebung und die zwar eigene aber unaufdringliche Gestaltgebung machen diese Kleidung sehr alltagstauglich und zugleich besonders.

Wenn Streetstyle grundsätzlich diesem gestalterischen Durchdenken folgte, würde vieles besser.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

„High and Low, Tag und Nacht“ – die Kombination von Gegensätzen ist ein Schwerpunkt des gestalterischen Willens, der die Arbeiten von Lutz Huelle prägt. Und das schon seit der Labelgründung im Jahr 2000. Seinerzeit war die Verschmelzung von Widersprüchlichem noch ein Geschmackssakrileg, obwohl die Lust darauf sich schon vorher abzeichnete (z.B. Smokingjacke zu Jeans). Die lustvolle Provokation an sich mit dem Herunterbrechen von tradierten Zuordnungen ist natürlich nicht neu – wenn die ungewohnte Kombination jedoch im zweiten Schritt zum beliebten Stilmittel wird, verschwindet das Provokative und es bleibt zunächst der Gedanke des Spannenden – und eventuell des sich ergebenden Neuen.

Das Sampling in der Musik war sicher der erste Ansatz in unserer Gegenwartskultur, der diese neu verstandene Freiheit auf die Tagesordnung setzte und damit nicht unerhebliche Irritationen hervorrief. Dabei war die folgende Urheberschutzdebatte auch hintergründig ein Versuch, gesellschaftliche bzw. kulturelle Positionen nicht über Bord zu werfen und der beliebigen Nutzung zu übergeben. Das ist heute mehr oder weniger Geschichte, der freiheitliche Gedanke hat sich durchgesetzt und findet, etwas zeitverzögert, nun auch seinen Ausdruck in der Mode.

Die Möglichkeiten in diesem Spannungsfeld auszuloten ist also das Konzept- und Gestaltungsprinzip Lutz Huelles, der in Paris lebt und arbeitet und dort längst zur Fashionweek dazu gehört. Nach eigener Aussage geht es ihm weniger um Provokation als vielmehr um interessante Umsetzungen zeitgeistiger Anschauung. Es ist sicher richtig, dass gegenwärtig High und Low, Tag und Nacht und alle möglichen anderen Gegensätze und zuverlässige Zuordnungen in ihren Eigenheiten verschwinden und Raum geben für freie (und beliebige) Entfaltung mit allem, was vorfindlich und machbar ist. Unerwartete Effekte, die so entstehen, sind Qualitäten, die die Spannungsmomente ergänzen, das zeigt die Präsentation der Beispiele in dieser Schau sehr anschaulich. Es sind ungewohnte ästhetische Statements.

Die Einladung Lutz Huelles vom German Fashion Council nach Berlin zu einer Schau in den als zeitgeistig verstandenen Vorzeigeort Berghain kommt darum nicht von ungefähr und demonstriert die Relevanz seiner Gestaltungsposition für die Mode. Er selbst freut sich über diese Zeit-Ort-Event-Kombination, nicht nur weil ihn persönliche Erlebnisse mit Berlin und dem Berghain verbinden und weil er noch nie in Deutschland zeigte.

So führte die Schau eine Zusammenstellung seiner „favorite Looks“ insbesondere aus den letzten zwei Kollektionen vor und man merkte sehr schnell, dass der Designer damit verschiedene, besonders gelungene Ansätze zum selben Leitgedanken demonstrieren wollte.
In Parkas, Sweaters und Denimstücke integrierte Felder aus gestepptem Nylon in Gold und Silber verändern unerwartet das Volumen und fügen Wärmeempfindungen hinzu, auch eingefügte Silberfolien oder Seidenteile führen zu solchen Brechungen und Effekten. Riesige Überstülpungen („Oversleeves“) bewirken Dramatisierung und gleichzeitig die Suggestion von Bewegungsfreiheit, Einsätze von metallischem Jacquard oder auch Wolle verschlanken oder blähen gewohnte Schnittlinien auf. Stofflichkeiten, Muster, Schnitte, kulturelle Bezüge und modegeschichtliche Eigenheiten, möglichst Verschiedenes wird integrativ oder kombinierend – und sich relativierend – miteinander verbunden.

Innovativ ist das Vorgehen schon, auch wenn das radikale Dekonstruktivistische und Konstruktivistische sich mittlerweile auch bei Jungdesignern wie Rushemy Botter wiederfindet und vielerseits Publikumserfolge verbucht. Es erzeugt aber ähnliche Irritationen wie vor hundert Jahren Picassos und Braques konsequent durchgezogener Kubismus in der Kunstwelt und es dürfte spannend werden, ob damit nun ein Umbruch in der Modegeschichte einher gehen wird, vergleichbar wie seinerzeit in der Kunstgeschichte. Und ob die gesuchte „Befreiung“ von gewohnten Zusammenhängen sich mit diesen Mitteln ästhetisch dauerhaft etablieren kann oder ob diese Experimente lediglich einen momentanen Freiheitsgedanken einer jungen Generation repräsentieren.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit dem Nimbus des Berghain würden sich sicherlich viele Modelabels gerne schmücken, doch gottseidank entzieht sich diese Institution bisher konsequent und erfolgreich der Vereinnahmung ihres (Zeitgeist-)Ortes durch PR-orientierte Anbiedermanöver – und in ihrem Interesse kann man sich wünschen, dass das so bleiben wird.

Ein ähnliches Selbstverständnis strahlt der Modeschöpfer Damir Doma aus, bisher hatte er kein Interesse, sich in den Reigen der Berliner Modeszene der Fashionweek einzuklinken und scheint, von dieser Ausnahme abgesehen, das selbstbewusst auch fernerhin eher auszuschließen.

Die Ausnahme mit dieser Schau ist aber schlüssig von beiden Seiten aus betrachtet und darum völlig überzeugend. Die Einladung des „Fashion Council Germany (FCG) in Partnerschaft mit Mercedes-Benz“ zu einer sogenannten „Fashion Hab“, einer Schau, die Designtalenten und bilateralen Austauschprogrammen eine neue Bühne bietet, ist das erste öffentliche Signal, das die Institution vorführt. Und man muss die Veranstaltung darum wohl auch als ein Statement verstehen.

Als erstes fällt auf, dass (merkwürdigerweise) nicht nur das Potential aufstrebender Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum im Blickfeld steht, sondern die Organisation öffnet sich in Kooperation mit anderen Fashion-Councils auch inspirierten und relevanten Positionen auf nichtnationaler Ebene. Der Modeschöpfer Damir Doma repräsentiert eindeutig eine solche Designer-Position, weniger weil er als Kroate aus Bayern im Modeland Italien erfolgreich arbeitet, sondern vielmehr weil seine Mode besonders augenfällig mit der zeitgeistigen Techno-Szene, die sich als avantgardistisch begreift, verwachsen zu sein scheint. Und, insofern die Berghain-Szene diese Zeitgeist-Avantgarde am pointiertesten kultiviert, ist dieser Ort eine kongeniale Stätte, die gemeinsamen Vorstellungen statementartig auf den Punkt zu bringen, wie es dann auch wirklich geschah: Geradezu kongenial wurden bei dieser (ziemlich exklusiven) Veranstaltung Location, Publikum, Musik, dynamisches Lebensgefühl und Erscheinungsbilder zu einem Event zusammengefasst, der wie ein Konzentrat aufleuchtete.

Der erste Gedanke, der einem deswegen durch den Kopf schoss, war der Begriff „Berlin-Style“, den man auf den Berliner Fashion-Schauen stets ausfindig zu machen versucht, der erst hier aber geradezu auf den Punkt gebracht auftrat. Und zwar konsequent und kompromisslos vorgeführt in der rauen Härte, Kraft und Arroganz, in der Unterkühltheit, Emanzipiertheit und anti-ästhetischen Ästhetik der selbstgefälligen Szene. Es war zwar das optische Erscheinungsbild, das bei dieser Veranstaltung akzentuiert wurde, ansonsten war es ein rundum zeitgeistiger Event, der eine homogene Idee erleben ließ.

Diese optische Definition der Erscheinungen am Protagonisten (Mode) lässt sich nicht mit einer Aneinanderreihung gestalterischer Phänomene und Eigenarten erschließen, denn aus ihrer Addition ergibt sich längst nicht das ideelle Gesamtkonzept. Auffallende Beobachtungen wie Gleichzeitiges von Hoch- und Minderwertigem, flaches, festes Schuhwerk, heruntergezogene Regenmützen, dunkle Farbgebung, gewöhnlich-ungewöhnliche Kombinationen mit klassischen Jacken und Mänteln, schräge Schnitte, merkwürdige Architekturen, Hochwasserhosen und (veredelte) Streetwearteile ergeben soweit höchstens eine Reihe stereotypischer Klischees, die aber noch längst nicht das Gesamtfeeling evozieren. (Damir Doma: „Der Berliner Stil? Sieht manchmal nach Penner aus!“)

In der Zeit gesehen ist der optische Kodex über mehrere Jahre gewachsen, im subkulturellen Kontext, mit einem Selbstverständnis, das sich um Strömungen (die man an der Oberfläche der Medien und im modischen Mainstream sieht) nie besonders scherte und das versuchte, emanzipiert davon ein „eigenes Ding“ zu entwickeln. Der Technoszene war diese Attitüde von Anfang an zu eigen, das Berghain-Phänomen ist ja nur die Spitze des Eisberges geworden. Und die Kollektion, die Damir Doma (als modischen Ausdruck) hier zeigt, letztlich wohl auch. (Damir Doma: „Berlin und insbesondere die Halle am Berghain scheint das perfekte Setting für die Ästhetik zu sein, die ich in der vergangene Dekade entwickelt habe: feinfühlig und poetisch aber auch roh, grob und unfertig.“)

In der großen Stimmigkeit aller Zutaten ist dem Fashion Council Germany hier ein sehr überzeugender Einstand gelungen, was eine repräsentative Schau seines Anliegens betrifft, es war konzeptuell wohl der beste Event dieser Fashionweek überhaupt. Der große Wermutstropfen daran kann aber auch nicht übersehen werden, und das ist der Exklusivitäts-Nimbus dieser Veranstaltung (wenig, auserlesenes Publikum, keine PR etc.). Der steht dem Selbstanspruch des Fashion Council soweit eher entgegen und fügt darum dem Image dieser frisch gegründeten Institution zumindestens etwas Problematisches bei. Wir haben aber die Hoffnung, dass in Zukunft dieser Event als ein singuläres Konzept innerer Konsequenz in einer folgenden Reihe ganz anderer Produktionen stehen wird, die dann auch jeweils einem eigenen Prinzip folgen. Wenn das gelingt, wird die künftige Bedeutung des Deutschen Fashion Council – auch auf internationaler Ebene – eine sehr wichtige Bereicherung sein. Insofern legt diese sehr beeindruckende Veranstaltung die Latte schon mal hoch.

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