Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Text und Bilder: Boris Marberg

Im Kunsthaus Zürich zeigte die engagierte Schweizer Modeszene ihre Bandbreite an künstlerischem und kreativem Schaffen in zwei Modenschauen und einem Ausstellungsforum im Foyer des Kunsthauses. Dabei stößt man an die Grenzen des Machbaren dieses Konzeptes.

Seit der ersten Edition von Mode Suisse Ende März 2012 im Papiersaal in Zürich – wir berichteten – hat sich sehr viel um den Modestandort Zürich und der Schweiz allgemein getan. Von den damals teilnehmenden Marken sind heute nur noch eine Handvoll am Markt präsent und auch über die Schweiz hinaus etabliert. Das ist, über die Dauer der Zeit betrachtet, ein sehr guter Erfolg und zeugt auch davon, dass man es immer wieder schafft, ein Sprungbrett für die Talente der Schweizer Modeszene zu sein. Mit der nun am 1. September vorgestellten Edition 2025 will man wieder an diese Erfolge anknüpfen und bietet 22 Teilnehmern die Möglichkeit, in mehreren Kategorien in zwei großen, hintereinander stattfindenden Modenschauen das kreative Wirken dem Publikum zu präsentieren.

Das rege Interesse von Designern, die eigenen Werke einem interessierten Publikum zu zeigen, beweist zum einen, dass ein Format wie die Mode Suisse funktioniert und auch notwendig ist. Zum anderen zeigt es aber auch, wo die Grenzen zu liegen scheinen und dass langfristig auch andere Wege gedacht werden. Das hat sehr viele Parallelen zur Modeszene in Österreich und in Deutschland. Diese drei sind jeweils größere Märkte, die aber nicht den Status und die Marktmacht haben wie die drei großen Modestädte in Europa – Paris, Mailand und London. Die ähnliche Ausgangslage führt auch zur Idee von DACH – ein Akronym für das gemeinsame Absatz- und Kommunikationsgebiet – aufgehängt an den Länderkennungen. Hier spielt auch die Wirkkraft der entsprechenden Branchenverbände eine zentrale Rolle. Ohne ihre langfristigen Engagements wären Plattformen wie die Mode Suisse in der aktuellen Form nicht realisierbar und auch die Unterstützung der Wirtschaftspolitik ist gefragt.

An nur einem Abend im Jahr so viele Designerinnen und Designer sowie Kollektive zu präsentieren, ist eine große Herausforderung für die Organisation, aber auch für das Publikum, wenn es mit echtem Interesse das ganze Spektrum wahrnehmen will. Das braucht Zeit, Muße und gutes Sitzfleisch. Letzteres hat leider einem größeren Teil des Publikums bei der zweiten Modenschau gefehlt, und die Ränge haben sich immer mehr gelichtet. Die Aufmerksamkeit der noch Anwesenden mag vielfach schon etwas strapaziert gewesen sein. Das ist für die Protagonisten, die ihre Werke zur späten Stunde zeigten, schade, und diejenigen, die vorzeitig gegangen sind, haben definitiv etwas verpasst. Zum Beispiel „studio remo“ der jungen Designerin Sophie Fellay, die mit dem aktuellen Miele × Mode Suisse Award for Positive Impact ausgezeichnet wurde.

Die einzelnen Labels der beiden Schauen:

Anastasia Bull

JILL BLOCH

TRABELSI

LUNDI PISCINE

nmesh – Art x Science

ADAM BRODY

HENDRIK VERMEULEN

TATi

SONNEY

JMQ – Jordan Martinez Quintana

DANZ

amorphose

Thomas Clément

Louis Origine

NINA YUUN

anna nia studio

OTHMAN

Ginny Litscher

BROADHEAD

studio remo

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: © Musée du Louvre / Nicolas Bousser für den Ausstellungskatalog

Aus dem aktuellen Trend, Mode im Kunstmuseum zu zeigen, hatte sich der Louvre bisher herausgehalten, nun hat er eine spezielle Lösung gefunden, die nicht nur tragfähiger ist, sondern auch schlüssiger als anderswo. Er schreibt damit Kulturgeschichte fort, in Konzentration auf den prachtvollen Palast, der der Louvre als einstiger Sitz französischer Könige ja eigentlich ist. Der Ort, wo nun exquisite Mode der jüngeren Modegeschichte präsentiert wird, ist also das Labyrinth von Prunksälen und -gängen und eben nicht der seiner separierten Kunstsammlungen. Malerei ist in diesen Bereichen eher Teil des jeweiligen Raumambientes und das luxuriöse Raumambiente ist der geistig-kulturelle Zusammenhang für die hinein gestellten Modeexponate.

Diese Prunkräume erfassen die repräsentative Historie der französischen Innenraumpracht von Byzanz über Rainaissance, Rokoko bis Napoleon III. Letztlich wird mit dieser Ausstellungskonstellation die Mode ab Mitte des 20. Jahrhunderts, genauer die Haute Couture, als Fortsetzung höchsten Luxus‘ präsentiert, die sie ja faktisch auch ist. Augenfällig wird das unter anderem in der Korrespondenz der modernen Textilkunst mit den wertvollen Bildteppichen beziehungsweise Gobelins. Im Kontext mit dem Kunsthandwerk der französischen Historie hat man das Gefühl, dass in der Kontinuität bis heute eigentlich nichts offen geblieben ist.

Und ein weiterer Wahrnehmungsaspekt stellt sich ein: scheinbar wie menschliche Erscheinungen beleben die Mannequin-Figuren die historischen Räume, und trotzdem repräsentieren sie selbst auch historische Exponate mit eigener, späterer Geschichte. Dabei geht es keineswegs um Aufwertung moderner Modeentwürfe, das hat Haute Couture nicht nötig, die Kuratoren haben das beste und aufwändigste zusammengesucht, was die französische Modegeschichte (und -kultur) geprägt hat. Alles kann ästhetisch mithalten mit den aufwändigen Interieurs, in die es gesetzt wurde. Man darf nicht vergessen, dass Mode (neben Kulinarik) eine, beziehungsweise DIE wichtigste Gegenwartskultur in Frankreich, respektive Paris, ist, eine Vorstellung, die zum Beispiel Deutschland völlig fremd ist. Während repräsentierender Einrichtungsprunk längst keine Rolle mehr im modernen Frankreich spielt,  setzt die Haute-Couture-Mode nun auf anderer Ebene fort, was in diesen historischen Räumen vorgeführt wird.

Die Ausstellung ist also weniger eine Gegenüberstellung als die Fortschreibung der Sammlungen der Geschichte der dekorativen Künste, ihres Handwerks und des Ornaments. Dabei ist für den Franzosen die Grenze zwischen Kunst und Kunsthandwerk traditionell durchlässiger als für uns, das ist essentiell für die kulturelle Perspektive, und die kreativen und handwerklichen Bezugnahmen der Haute-Couture-Mode sind freier, schließen Kunst und Geschichte ein – und positionieren sich in diesen Kontext mit ihrem extrem hohen und aufwändigen Anspruch.

Mit solchem Grundverständnis der Kuratoren ist der Parcours dieser Präsentation höchst exquisit. Und auch patriotisch, wenn man so will, denn immerhin verfügt Frankreich seit Dior über die anspruchsvollsten Modehäuser überhaupt, wo internationale Topdesigner sich einfügen und nicht umgekehrt. Frankreich hat den Begriff Luxus geprägt und stets tonangebend gefüllt, gegen alle Wirtschaftsbewegungen bis heute erfolgreich. Mit einem Niveau, das jetzt diese Ausstellungspräsentationen in allen historischen Prächtigkeiten erlaubt. Mit Stolz führt die zentrale Kultureinrichtung Louvre hier die Noblesse der Frankreich-spezifischen Kultur vor. (Parallel übrigens – auch im Anspruch – zur Neueröffnung von Notre Dame.)

Die Inszenierung erweist sich ausserdem souverän in der Anschauung, ohne das Sehvergnügen durch intellektuelle Befrachtung zu steuern. 99 Exponate aus der Haute-Couture sind elegant und kongenial auf die historischen Raumambiente verteilt, über 9000 m2 im ersten Stock in den nördlichen «Richelieu»- und «Sully»-Flügeln an der Rue de Rivoli, also gegenüber der Kunstsammlung,  eine lange, sinnliche Reise in so noch nicht vorgeführter Manier. Von Dior über Chanel und Loewe bis Yamamoto und Iris van Herpen sind die großen Häuser und Designer mit herausragenden Stücken vertreten.
Die Referenzen der Modestücke zum gewählten Interieur sind verschieden: Manchmal eher atmosphärisch, manchmal stilistisch, manchmal gibt es Korrespondenzen im Handwerklichen. Der Ausstellungsparcours ist lang und anstrengend, sehr reichhaltig aber unkompliziert zu goutieren. Infos zum Hintergrundwissen ist, wenn man neugierig wird, auf der prägnanten Exponatbeschilderung nachzulesen, mehr Wissenschaftliches oder Didaktisches ist nicht angelegt. Es gibt auch keine zwingende Abfolgelogik, vielmehr ist ein lockeres Flanieren mit beliebigen Verweilstops angesagt, bei dem man auch einiges verpasst und anderes zwei Mal sieht. Großer ästhetischer Anspruch, unprätentiös nahegelegt.

Wir haben fast alle Exponate in ihren Räumlichkeiten mit den gegebenen Referenzen sorgfältig fotografiert aber, wie auch andere Medien, keine Veröffentlichungsgenehmigung dafür bekommen. Viele atemberaubende Anschauungen entfallen somit leider. Wir zeigen darum hier „offizielle“ Fotos aus vorgegebenem Angebot in Abweichung unserer üblichen Praxis und in nur kleiner  Auswahl – weil es das trotzdem wert ist. Es sind alles Aufnahmen für den Katalog (© Nicolas Mathéus) vor der endgültigen Positionierung der Exponate.
Bis 21. Juli ’25 läuft diese Ausstellung und wer bis dahin einen Paris-Aufenthalt im Visier hat, sollte sich dieses einmalige Erlebnis nicht entgehen lassen.

Balenciaga – Demna, 2023-2024:

Balmain – Olivier Rousteing, 2023:

Chanel – Karl Lagerfeld:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wo immer Yves Saint Laurent und sein Lebenspartner Pierre Bergé gerade lebten, sie umgaben das Appartement, die Zweitwohnsitze und die Ateliers mit Blumen und Gärten, in der Flora fand der Designer eine Quelle unendlicher Inspiration. Diese Liebe teilte er schon als 15jähriger mit dem Schriftsteller Marcel Proust, dessen Schlüssel-Werk „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ er immer wieder las.

Die Ausstellung stützt sich auf diese Bezugnahme, rund dreißig textile Silhouetten und Zeichnungen unterstreichen diese Symbiose zwischen der Arbeit von Yves Saint Laurent, Natur und Literatur – Zitate von Proust werden zu den Exponaten gestellt und spiegeln die sinnliche Leidenschaft gegeneinander. In Kleidern und Zeichnungen wird diese eine bestimmende Facette von der Persönlichkeit und dem Geschmack des Schöpfers vorgeführt: von der Fetisch – Droush von Christian Dior über die Anagram – Lilien seiner Initialen über die Rosen der Liebe, die Bougainvilliers von Marokko oder die Weizenträger als Glücksbringer.

Gezeigt wird das Thema anhand legendärer Stücke und Arbeitsanleitungen: die erste angewandte Stickerei des Frühlingskleides von 1962, die tollen Drucke der Spring-Summer-Kollektion 2001 mit Referenzen zu Gemälden von Bonnard und, nicht zu übersehen, der berühmte Entwurf Saint Laurents „Sommerbraut“ mit Laetitia Casta 1999.

Es ist klar, dass Yves Saint Laurent die Blütenmuster -und formen nicht für sich gepachtet hat, auch wenn sie besonders üppig und raffiniert herausgestellt werden, sie begleiten schon immer die Geschichte der Mode. Und von seinem verehrten Lehrmeister Dior hat er diese ausgeprägte Leidenschaft übernommen. Was aber hier in der Ausstellung besonders überzeugt, ist der stimmige Kontext, in dem Leben, Design, Kunst und Literatur in eins fallen.

Die Philosophie für Mode hinter der floralen Leidenschaft hat Yves Saint Laurent auch beschrieben: Wie Mode sind Blumen eine ephemere Erscheinung, oft kraftvolle Gewächse als Bouquet für einen Tag, und sie wie getrocknete Rosenblüten aufzubewahren ist nicht dasselbe. Genauso wie wenn die Kleidungsstücke die Mode überleben (wie hier in der Ausstellung), sind Geburt und Wiedergeburt die treffenderen Anschauungen, denn in der Erneuerung ruht das Mysterium der Inkarnation an sich. Und so versteht Saint Laurent jedes Blütenblatt als ein Ausdruck der momentanen Schönheit im Vergänglichen und jede seiner Kollektionen auch. Was bleibt ist also die reaktivierte Erinnerung, und zwar eben in demselben Sinn wie sie literarisch Marcel Proust in La recherche du temps perdu beschrieben hat, mit floralen Metaphern bei der Beschreibung seiner Protagonisten und ihrem Lebensraum. Das versucht die aktuelle Ausstellung in diesem Sinne zu kreieren.

Dabei verfährt die Ausstellung nicht zwingend chronologisch, zeigt aber doch verschiedene Entwicklungsschritte im Sinne des Themas auf:

Bal de Têtes: Für einen Maskenball im Hôtel Lambert von Baron de Alexis de Redé am 23 Juni 1957, wo darum gebeten wird, mit einer speziellen Maske oder Kopfschmuck zu erscheinen, entwirft der 20-jährige Yves Saint Laurent, Assistent bei Dior, diverse Studien mit Gouache auf farbigem Papier; Blumen, Federn und Blätter mit einem schon ganz dezidiertem Zeichenstil:

In seinen eigenen Kollektionen hat Yves Saint Laurent später immer wieder Bezug auf Dior genommen und diverse Hommagen an ihn kreiert, was verschiedentlich in der gesamten Ausstellung auftaucht.

Das berühmte Outfit für Laetitia Casta 1999:

Paris, das Studio. Es ist der zentrale Ort in der Avenue Marceau Nr. 5 während der dreißig Jahre. Es unterscheidet sich von der Grandezza der Salons und ist auf die praktische Arbeit ausgerichtet. Die Ausstattung bleibt klar, ruhig und neutral, die vielen dauernd benutzten Kunstbände haben inspirierende Funktion. Und ein großer Spiegel an der Wand gegenüber zeigt die Kleidung am Modell eben als Reflexion. Bevor die Zeichnungen in die Ateliers gehen, werden Test-Kleidungsstücke aus weißer Baumwolle gefertigt, die von einem Modell per Défilé im Raum vorgeführt werden, um die Schnittarchitektur zu vergegenwärtigen. (In der Galerie Dior können wir sehen, wie das vorzustellen ist.)
Sechs bis sieben Mitarbeiter unterstützten den Meister bei der Arbeit in diesem Raum.

Bekanntlich wurde Yves Saint Laurent nicht berühmt wegen der expliziten Verwendung floralen Designs sondern wegen vielfältiger Erneuerungen im Modedesign der 60er und 70er Jahre, nicht selten slandalös und revolutionär. Und auch der Bruch mit Dior war kompliziert. Alles das ist aber nicht Thema hier, auch der beschriebene philosophische Aspekt ist nicht DAS repräsentative Verständnis im umfassenden Sinne, sondern ein Beschäftigungsaspekt des Modeschöpfers, der eng in seinem Privatleben verwurzelt war und letzlich auch Ausdruck in seinem wichtigen Refugium in Marakech gefunden hat, welches bekanntlich im wohl weltweit schönsten Garten, La Majorelle, liegt.
Parallel, dies sei auch noch angemerkt zum Kontext, lebte er nach seinem Rückzug aus der Modearbeit auch in seinem normannischen Château Gabriel in Deauville, dessen Zimmer nach Figuren aus Marcel Prousts Romanzyklus À la recherche du temps perdu benannt waren.

Diese Ausstellung ist übrigens die Fortführung eines ersten Konzeptteils, das im gleichen Zeitraum (2 März 2024 bis 5 Januar 2025) im Musée Yves Saint Laurent Marrakech gezeigt wurde.

*

Les Fleurs d’Yves Saint Laurent
Konzipiert von Olivier Saillard et Gaël Mamine

Musée Yves Saint Laurent Paris 5, avenue Marceau, 75116 Paris

20.3.2024 – 4.5.2025

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Ausstellung in La Galerie Dior besteht im Wesentlichen aus zwei Abschnitten, dem 4 Etagen hohen, großen Panoptikum mit zum Teil verkleinerten Exponaten im Treppenhaus und der Ausstellung historischer Exponate in den abzweigenden Räumen. Diese wurden teilweise mit vielen Fotos von Peter Lindberg reflexiv ergänzt. Das erweist sich nicht nur in der Nebeneinanderstellung der Arbeiten zweier Stars derselben Branche als spannend sondern es ist eine gegenseitige Bereicherung in der jeweiligen konkreten Bezugnahme der Kleider und der Modefotografie. Das Haus Dior und Lindbergh pflegten enge Beziehungen, zwischen 1988 und 2018 fotografierte Peter Lindberg die Dior-Kollektionen. Die Ausstellung zeigt mehr als Hundert Abzüge aus oft legendären Serien von Harper’s Bazaar bis Vogue, aber auch bislang unveröffentlichte Bilder. Dazu gehören die Bilder für Dior aus New York von 2018. Modedesign und Fotografie stets im Sinne der Schönheit und Einzigartigkeit der Frau.

Die Kleidungs-Exponate sind meist in jeweils gestaltete eigene kleine oder auch größere Installationen eingebettet, mal nüchtern, mal surreal, oft nun auch auf Bildkorrespondenzen ausgelegt. So wird die Wahrnehmung der eleganten Modestücke mit den Fotos vom Kunstwerk zur praktischen Realität hin erweitert, denn in den Motiven stecken dann echte Menschen (Modelle) mit Emotionen, die sich nicht selten auch in einer echten, meist urbanen Welt aufhalten und bewegen. Und es wird eine künstlerische Inszenierung gezeigt, die die Mode noch einmal aufwertet oder sie im Kontext (scheinbarer) Normalität nahbarer macht. Wenn Modefotografie eigentlich dienendes Handwerk ist, so ist die von Peter Lindberg dienende Kunst, die, wie man hier gut beobachten kann, oft auf Augenhöhe mit dem Modethema interagiert.

Gianfranco Ferré pour Dior – Tilbury, 1989 (mit Foto Peter Lindberg), 1989

La Galerie Dior gibt es erst seit 2022, also 75 Jahre nachdem die erste Christian Dior Kollektion gezeigt wurde. Sie ist eine Ergänzung zum Musée Christian Dior in der Villa Les Rhumbs (Granville) in der Normandie. Vorgeführt wird hier im Herzen von Paris, exemplarisch und mit Highlights, der typische und avantgardistische Sinn des Haute-Couture-Modedesigns von Christian Dior und seinen sechs Nachfolgern, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und Maria Grazia Chiuri. Entsprechend ist das ganze Ausstellungsdesign edel und von erlesenem Geschmack geprägt.

Man startet den Besuch vom Fahrstuhl aus in der 4. Etage und bewegt sich nach unten. Das große Treppenhaus mit vornehmer Wendeltreppe führt entlang der sich über alle Stockwerke erstreckenden Sammlung in riesigen Glasvitrinen an der Wand, farblich abgestuft über alle Töne mit unzähligen Exponaten, die Accessoires in Original und die Kleider in Verkleinerung nachgebildet. Schnell verliert sich das Auge in einem Kosmos kreativer Schöpfungslust und großer Eleganz – liebevoll zusammengetragen und arrangiert.

„Modedesigner erschaffen eines der letzten Refugien des Wunderbaren. Sie sind in gewisser Weise Meister der Träume …“

Dieses Zitat von Christian Dior leitet den anderen Teil der Ausstellung ein, der in verschiedenen Abschnitten illustrierten Lebenslauf, Grafik, Schmuck und Parfum, Film, Presseexemplare, historische Fotos und auch mal nur groß- und kleinformatige Fotos von Lindberg zeigt.

Geschichte:

aus Kollektionen:

Christian Bérard – Bar (Corolle Linie), 1947

Maria Grazia Chiuri pour Dior – We should all be feminists, 2017

John Galliano pour Dior – Alcée, 1997

Maria Grazia Chiuri pour Dior -Numéro 439, 2021

Gianfranco Ferré pour Dior – Eden, 1992

Christian Dior – Création speciale Haute Couture, ca. 1950
(im Hintergrund Diors Geburtshaus und jetziges Museum)

John Galliano pour Dior – Diorine, 1997
Yves Saint Laurent pour Dior – Chat noir, 1960

John Galliano pour Dior – Pricesse Lucknow, 1997

Gianfranco Ferré pour Dior – Soleils d’automne, 1991

John Galliano pour Dior – Pricesse Bangalore, 1997

Christian Dior – Ballkleid

Blick von oben ins Atelier:

In einem Saal wird Couture in Reinweiß präsentiert. Sie ist eine Vorstufe zu der Ausarbeitung der Ateliers, formale Probeexemplare, die sich auf die Silhouette, das Volumen, den Schnitt und die Architektur allein konzentrieren, also quasi auf die skulpturale Form. Es sind stets Baumwollstoffe, die danach verwendeten Textilien wurden in einem eigenen Schritt ausgesucht. „Die Couture ist in erster Linie eine Hochzeit der Form mit dem Stoff“ (Ch. Dior). In etwa einem Monat entstanden die Kollektionsentwürfe und in wenigen Wochen wurden sie in den Hausateliers mit minutiöser Feinarbeit hergestellt.

Bilder Peter Lindberg für Dior:

Videocollage und Standbild aus Kinofilm:

Schmuck und Accessoires:

Coffret rouge Dior präsentiert für Jane Russel 1954,
darin enthalten die Obélisque-Version für die Friseuse und 14 Rouge-Schattierungen

Ballkleider aus verschiedenen Dior-Kollektionen:

*

Aktueller Nachtrag:

Die Ausstellung DIOR, JARDINS ENCHANTEURS

im CHRISTIAN DIOR MUSEUM IN GRANVILLE

12. April – 2. November

Zitat übersetzt aus dem Pressetext: „Das Christian Dior Museum in Granville feiert die Liebe zur Natur von Christian Dior und eröffnet eine neue Ausstellung mit dem Titel Dior, Jardins Enchanteure, die diese faszinierende Beziehung hervorhebt, mehr denn je im Herzen der Geschichte des Hauses.

Die Entstehung entfaltet sich in Granville im Park rund um die Villa Les Rhumbs. „Nachdem ich eine Leidenschaft für Blumen meiner Mutter geerbt hatte, genossen ich besonders die Gesellschaft von Pflanzen und Gärtnern“, schrieb er und erinnerte sich an diesen Ort der Initiation, an dem die Seele eines Gärtners vor dem des Couturier-Perfumers knospe.

Für seine erste Show entwarf er die Corolle -Linie mit Kleidern, die geschnitten wurden, um umgedrehte Blumen in voller Blüte zu schlagen. Ein Leitfaden, der von einem Modell zum anderen fortblühte und wunderbaren „Femmes-Fleurs“ Leben gab. Während der gesamten Jahreszeiten hat er nie aufgehört, sich von dieser reichlichen, fruchtbaren Natur inspirieren zu lassen.“

La Galerie Dior

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind zu Unrecht „out“: Hüte und andere Kopfbedeckungen. Auch wenn ein paar kleine, eher uninspirierte Modisten sie gelegentlich wieder ins Bewusstsein rücken wollen, bleibt ihre Welt den großen Designern und Modisten des letzten Jahrhunderts und der Modehistorie überhaupt überlassen.

Zu Unrecht, wie die Retrospektive von Stephen Jones überzeugend vorführt. Im Zeitalter von Kapuzen und Basecaps und pragmatischer Streetwear sind Headpieces zu anspruchsvoll und ästhetisch geprägt, um ein angemessenes Comeback zu schaffen. Das Musée de la Mode in Paris demonstriert mit der Ausstellung von Stephen Jones (bis 16.3.25) allerdings, dass mit überbordender Kreativität und anspruchsvoller Gestaltung diese Ergänzungen zu Outfits – oder besser ihre Vervollkomnungen – sowohl zeitgemäß als auch zeitlos sind und noch immer eine wichtige Rolle im Gesamtkontext spielen beziehungsweise spielen können.

Natürlich richtet sich die sehr gut besuchte Ausstellung nicht nur an Fashionistas und Modehistoriker, als künstlerisch herausragende Lebensleistung des umtriebigen und gefragten Modisten besetzt sie durchaus eine eigene Position im Modehandwerk. Originell, witzig, elaboriert, experimentell und handwerklich perfekt spiegelt sie die ganze Welt des Modedesigns der letzten 50 Jahre und ihre künstlerischen Ansprüche.

Stephen Jones ist, wie viele andere Modisten, eher nur Insidern bekannt, dabei ist sein Anteil an den großen Haute Couture Kollektionen als akzentuierendes Finish wesentlich. Pendelnd zwischen London und Paris hauchte er den Kreationen eine besondere Kreativität ein, „franglais“ wie die Franzosen zu solchen Prägungen sagen, und verstand das, was Franzosen als Definition der „Parisienne“ proklamieren, oft besser, als manche Couturiers: Der Hut war seit Ende des 18. Jahrhunderts die Quintessenz der Pariserin (als weltbestimmend entscheidende Vorstellung der modernen Frau) , er bestimmte die Silhouette der Erscheinung entscheidend und Stephen Jones hatte zentralen Anteil daran, was die Prägung seit den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts betrifft.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die engen Beziehungen des Künstlers zu Paris, französischer Kultur und Pariser Couture. Mit seiner Arbeit an Pariser Modehäusern nach seiner Ankunft dort veränderten sich seine Vorstellung von Mode und sein kreatives Vorgehen. Und besonders auch sein Bild der Pariser Frau chakterisierte sich neu.

Aus den betreffenden 45 Jahren seiner Schaffensgeschichte mit fantasisch und oft surreal anmutenden Beispielen (fast 400 Arbeiten, darunter mehr als 170 Hüte) führt das Palais Galleria vor, dass Hutmode nicht nur als Abschluß eines spezifischen Kollektionsentwurfes zu verstehen ist, sondern eine Kreativdimension beherbergt, die auch heutige Modeentwürfe sehr gut aufwerten könnte. Aber leider fehlen uns solche großartigen Modisten, weil diese Arbeit völlig zu Unrecht unterschätzt wird. Und der Hut sowieso.

Wir zeigen Ausstellungsbeispiele aus der Mitarbeit zu Kollektionen von Schiaparelli, Vuitton und Dior, sowie beispielhaft zwei der vielen Vitrinen.

Louis Vuitton

Christian Dior

Schiaparelli

*

Peter Ashworth – Portrait de Stephen Jones, 1985

Stephen Jones, „chapeaux d‚artiste“

MUSEE DE LA MODE, Palais Galliera:

10, avenue Pierre 1er de Serbie, Paris, France 75116

bis 16.03.25

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